ARTE Y ARQUITECTURA

CATALOGO DE ARTE Y ARQUITECTURA ESTUDIANTE: Mary Ann Nesrala MATRICULA: 02-0211 MATERIA: Historia del Arte y la Arquitectura III PROFESORA: Lorena Tezanos FECHA: 17 de Agosto 2004 UNIVERSIDAD: Unibe

INDICE 1. Movimiento Moderno

9. Arquitectura Brutalista

2. Expresionismo Abstracto

10. Arquitectura High Tech

3. Pop Art

11. Metabolismo Japonés

4. Arte Minimalista

12. Arte Dominicano

5. Arte Figurativo Europeo

13. Nuevo Realismo

6. Arte Posguerra Europeo

14. Arte Cinético

7. Arte Bruto

15. Arte Povera

8. Arte Informal

16. Arquitectura Deconstructivista

MOVIMIENTO

EL MOVIMIENTO MODERNO Corriente aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marca una ruptura radical con las formas compositivas tradicionales. El movimiento moderno aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales industriales, especialmente el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones. Se caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, a menudo asimétricas, la ausencia de decoración en las fachadas y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero. Sus mejores ejemplos se construyeron a partir de la década de 1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe, J. J. P. Oud y Le Corbusier. El término International Style comenzó a generalizarse en Estados Unidos tras la exposición de arquitectura moderna celebrada en 1932 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con motivo de la cual Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson escribieron el libro International Style: Architecture since 1922. Dentro del movimiento moderno se desarrolla también la arquitectura orgánica, con su principal representante siendo Frank Lloyd Wright.

Fundador de la Bauhaus. Sus principales hipótesis, que formaban parte de los principios ideológicos de esta escuela, fueron la economía expresiva y la adecuación a los medios productivos para todas las formas de diseño, una especie de maridaje entre el arte y la ingeniería. Estos conceptos también se plasman en sus edificios, que ejercieron una enorme influencia en la arquitectura moderna. Entre 1907 y 1910 trabajó en el estudio del arquitecto Peter Behrens, uno de los pioneros del diseño moderno. Después de la I Guerra Mundial dirigió dos escuelas de arte en Weimar, hasta que las transformó, en 1919, en la nueva Staatliches Bauhaus, donde introdujo una pedagogía que aunaba el estudio del arte con el de la tecnología. Fue uno de los maestros pioneros en el empleo de los nuevos materiales industriales, especialmente el acero laminado, el hormigón armado y el vidrio plano en grandes dimensiones.

MOVIMIENTO MODERNO – ARQ. RACIONAL

walter GROPIUS WALTER GROPIUS

Arquitecto Alemán (1883-1969)

FABRICA FAGUS (ALEMANIA) 1911-1913

HARVARD GRADUATE CENTER (EEUU) 1950

MOVIMIENTO MODERNO – ARQ. RACIONAL

ESCUELA BAUHAUS (DESSAU, ALEMANIA) 1912-25

WALTERE GROPIUS

GROPIUS HOUSE (EEUU) 1937

Se considera la figura más importante de la arquitectura moderna tanto por sus numerosas innovaciones como por la maestría y vigencia de sus obras. En 1920 fundó con él la revista L'Esprit Nouveau, para la que publicó numerosos artículos sobre sus teorías arquitectónicas. Una de sus principales aportaciones, aparte del rechazo a los estilos historicistas compartido con otros arquitectos y teóricos del movimiento moderno, es el entendimiento de la casa como una máquina de habitar. Definió la arquitectura como "el juego correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz", fundamentada en la utilización lógica de los nuevos materiales: hormigón armado, vidrio plano en grandes dimensiones y otros productos industriales.

“…la casa es una máquina para vivir”

MOVIMIENTO MODERNO – ARQ. RACIONAL

le CORBUSIER LE CORBUSIER

Arquitecto Francés (1887-1965)

VILLE SAVOYE 1928-29 IGLESIA DE NOTRE DAME DU HAUT EN RONCHAMP 1950

PROYECTO URBANO DE CHANDIGARH 1950

MOVIMIENTO MODERNO – ARQ. RACIONAL

HOUSE AT WEISSENHOF 1927

LE CORBUSIER

UNITE D’HABITATION 1946-52

Wright acuñó el término de arquitectura orgánica, cuya idea central consiste en que la construcción debe derivarse directamente del entorno natural. Desde los inicios de su carrera rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a finales del siglo XIX. Siempre se opuso a la imposición de cualquier estilo, convencido como estaba de que la forma de cada edificio debe estar vinculada a su función, el entorno y los materiales empleados en su construcción. Otra de sus aportaciones fundamentales a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios que fluyen de una estancia a otra. Wright fue el pionero en la utilización de nuevas técnicas constructivas, como los bloques de hormigón armado prefabricados y las innovaciones en el campo del aire acondicionado, la iluminación indirecta y los paneles de calefacción.

MOVIMIENTO MODERNO – ARQ. ORGANICA

Uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX.

FRANK LLOYD WRIGHT

Arquitecto Estadounidense (1867-1959)

CASA DE LA CASCADA 1937

MUSEO GUGGENHEIM DE NUEVA YORK

MOVIMIENTO MODERNO – ARQ. ORGANICA

PRICE TOWER 1952-56

CASA HILLS (CASAS DE LA PRADERA)

FRANK LLOYD WRIGHT

UNITY TEMPLE 1906

Uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. La arquitectura de Mies se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales. Su paradigma ideológico de la arquitectura del movimiento moderno: "menos es más". Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales, pero su poética radica en la sutil maestría de las proporciones y en la elegancia exquisita de los materiales, rematados siempre con gran precisión en los detalles. Su huella ha sido especialmente profunda en Estados Unidos y la mayoría de los rascacielos construidos por todo el mundo siguen parcial o totalmente sus planteamientos compositivos.

“menos es más”

MOVIMIENTO MODERNO – ARQ. MINIMALISTA

mies VAN DER ROHE MIES VAN DER ROHE

Arquitecto Alemán (1886-1969)

LAKE SHORE DRIVE 1948-51

ESCUELA DE ARQUITECTURA EN IIT

SEAGRAM BUILDING 1958

MOVIMIENTO MODERNO – ARQ. MINIMALISTA

PABELLÓN DE BARCELONA 1928-29

MIES VAN DER ROHE

FARNSWORTH HOUSE 1946-50

Expresionismo Abstracto

Expresionismo abstracto Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional. Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. La llegada a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky.

El principal representante del Action Painting, una corriente pictórica asociada al expresionismo abstracto. Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton, retratan de forma realista escenas de la vida cotidiana de Estados Unidos. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto. A partir de 1947 evolucionó hacia el expresionismo abstracto y desarrolló la técnica del dripping, que consiste en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre un lienzo colocado en el suelo. Mediante este método, Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas. A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

jackson POLLOCK JACKSON POLLOCK

Pintor Estadounidense (1912-1956)

LAVENDER MIST 1950

OCEAN GRAYNESS 1953

GUARDIANS OF THE SECRET 1943

MURAL 1943

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

ORANGE HEAD 1942

JACKSON POLLOCK

FLAME 1938

Ha tenido una enorme influencia de ámbito internacional en los estilos artísticos posteriores. Pintó murales dentro del programa de arte de la administración federal, dando muestras de conocer profundamente a Picasso. Uno de los creadores más significativos del expresionismo abstracto de la escuela de Nueva York. El término Action Painting se aplicó por primera vez a la obra de Willem de Kooning y hace referencia a sus trazos vigorosos, amplios y muy marcados. En 1953, Willem de Kooning mostró al público un conjunto de seis obras denominadas Mujer, figuras demoníacas pintadas con colores violentos y gruesos empaste. Era una serie innovadora porque unía la pintura figurativa con el arte abstracto. A finales de la década de 1950 evolucionó hacia un estilo más abstracto en sus obras, que evocan formas paisajísticas y, desde entonces, alternó el estilo figurativo y el abstracto, combinándolos en ocasiones. Al mismo tiempo también hizo litografías y, desde 1969, esculturas figurativas en bronce.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

willem DE KOONING WILLEM DE KOONING

Pintor Estadounidense (origen holandés) (1904-1997)

MARYLIN MONROE 1954

COMPOSICION 1955

MUJER 1949

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

ISLA DE FUEGO 1946

WILLEM DE KOONING

EL VIDRIERO 1940

Sus obras combinan la abstracción geométrica con un surrealismo casi figurativo. Su obra inicial refleja la influencia de Pablo Picasso. Después de 1939, se siente más identificado con los surrealistas europeos y la obra abstracta de Wassily Kandinsky y Joan Miró. Él introdujo esos estilos en Estados Unidos por lo que ejerció una gran influencia en la pintura estadounidense posterior y contribuyó de un modo especial al desarrollo del expresionismo abstracto de sus contemporáneos Mark Rothko y Willem de Kooning, con quien compartió taller a finales de la década de 1930. Las obras de Gorky, como Agonía, que expresan sus fantasías subconscientes, se caracterizan por la utilización de líneas caligráficas y tonos brillantes armonizados con el color dominante de fondo.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

arshile GORKY ARSHILE GORKY

Pintor Estadounidense (origen armenio) (1904-1948)

EL ARTISTA Y SU MADRE 1935

GOLDEN BROWN

AGONIA 1947

HOW MY MOTHER’S EMBROIDERED APRON UNFOLDS IN MY LIFE

ABSTRACCION

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

ARSHILE GORKY

SKETCH PARA MURAL 1939

Acérrimo defensor de la pureza del arte abstracto, hasta el final de su carrera artística sus obras muestran una constante tendencia hacia la reducción. A finales de la década de 1930 se inició con composiciones geométricas de duros ángulos realizadas con colores de riqueza oriental, y hacia 1953 se limitaba ya a diseños rectilíneos en tonos variables de negro. A partir de 1960, pintó sus famosos cuadros triseccionados simétricamente, y a partir de ellos desarrolló un estilo "todo negro", sus pinturas "definitivas o últimas".

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

ad REINHARDT AD REINHARDT

Pintor Estadounidense (1913-1967)

PINTURA ABSTRACTA 1952

PINTURA ABSTRACTA 1948

PINTURA ABSTRACTO 1960-66

PINTURA ABSTRACTA 1959

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

AD REINHARDT

SIN TITULO 1947

PINTURA AMARILLA ABSTRACTO 1946

pop art

pop art Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran Bretaña. Las imágenes del Pop Art se inspiraron en la cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas de cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop Art se apropió de las técnicas de la producción masiva. Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan en la obra provocativa de los artistas dadaístas, especialmente del francés Marcel Duchamp, y en la tradición pictórica estadounidense caracterizada por el empleo del trampantojo en las representaciones de objetos cotidianos. El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo abstracto, al que estos los artistas consideraban demasiado intelectual y apartado de la realidad social. Los artistas Pop se aproximaron con ironía al ambiente de la vida cotidiana. Emplearon imágenes que reflejaban el materialismo y vulgaridad de la moderna cultura de masas para transmitir una percepción crítica de la realidad.

Artista Estadounidense (1928-1987)

andy WARHOL POP ART

En la década de 1960 atrajo la atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales, tales como Lata de sopa Campbell y Botellas de Coca-Cola verdes, o de estrellas famosas como Marilyn Monroe. La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos o celebridades cotidianas y que, al ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito.

ANDY WARHOL

Líder del movimiento Pop Art.

MARYLIN MONROE 1962

AUTORETRATO 1966

20 JACKIES 1964

POP ART

ANDY WARHOL

LATA DE SOPA CAMPBELL 1962

ARTE MINIMALISTA

ARTE MINIMALISTA Movimiento surgido a principios de la década de 1960 en Estados Unidos como reacción al expresionismo abstracto. Esta tendencia tiene sus orígenes en ciertas obras de Constantin Brancusi, Alexandr Rodchenko y Vladímir Tatlin en las que ya aparecía la idea de repetición como expresión del concepto de infinito. El artista minimal sitúa sus referentes creativos en el propio objeto artístico alejándose de esta manera de toda interferencia con el mundo exterior. A principios de la década de 1960 surgió una generación de artistas radicales que adoptaron la escultura como medio para exponer sus ideas; entre sus principales exponentes estaban el propio Judd, Robert Morris, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt y Richard Serra. Crearon una serie de obras, que definían como estructuras o sistemas, en las que el predominio de las formas geométricas elementales y de los materiales más rudimentarios era absoluto.

Pertenece a la escuela del expresionismo abstracto. Debemos considerarlo como un artista autodidacta. La obra artística de Rothko en la década de 1930 se adhiere al movimiento del realismo social. En la década de 1940, influenciado por el Surrealismo, desarrolló un planteamiento más imaginativo que se inspira en la religión primitiva. Poco a poco, su trabajo se fue haciendo más abstracto, basado en grandes rectángulos, confusamente definidos, de colores oscuros, suaves o vivos, empleados para sugerir emoción. Pertenecen a la esfera de las grandes superficies de colores planos del expresionismo abstracto.

MINIMALISMO

mark ROTHKO MARK ROTHKO

Pintor Estadounidense (origen ruso) (1903-1970)

SIN TITULO 1949

No. 10 1950

No. 14 1960

SIN TITULO 1968

MINIMALISMO

MARK ROTHKO

No. 21 1939

Asociado al expresionismo abstracto y un destacado exponente de la pintura de campos de color. Su producción más representativa consiste en sencillas composiciones en las que una amplia área de color —un campo de color— es traspasado por una o dos líneas verticales. En sus primeras obras de la década de 1940, Newman intentó desligarse de las influencias contemporáneas; sus disposiciones de líneas verticales y horizontales y formas circulares se conciben como representaciones de superficies y vacíos. Newman también explotó el impacto que causaba el tamaño de los cuadros, rebasando el campo de visión del espectador. Al igual que otros artistas de esta tendencia, sus obras tienen un contenido místico y espiritual.

MINIMALISMO

barnett NEWMAN BARNETT NEWMAN

Pintor Estadounidense (1905-1970)

DIONYSIUS 1949

ADAN 1952

SIN TITULO #2 1969

SIN TITULO 1970

MINIMALISMO

BARNETT NEWMAN

PAGAN VOID 1946

donald JUDD

En sus primeras realizaciones utilizó la madera, pero pronto incorporó el plexiglás y el acero inoxidable, su material más característico. Con ellos creó obras basadas en yuxtaposiciones y superposiciones mediante las que intentó expresar relaciones afines a las progresiones matemáticas. Todas sus creaciones son obras frías, carentes de cualquier intención decorativa o implicación emocional, en las que a menudo utiliza el color para de esta manera acentuar la estructura de las piezas.

DONALD JUDD

Es una figura de proyección universal y en uno de los principales representantes y teóricos del minimalismo.

ARTE MINIMALISTA

Escultor Estadounidense (1928-1994)

SIN TITULO 1963

SIN TITULO 1967

SIN TITULO 1985

OHNE TITEL 1980

ARTE MINIMALISTA

DONALD JUDD

SIN TITULO 1969

Pintor Estadounidense (1936-)

frank STELLA

En la década de 1960, experimentó con colores brillantes y con lienzos de formas extrañas. A finales de la década de 1970, Stella empezó a desarrollar un estilo que combinaba un retorno al expresionismo con elaboraciones tridimensionales de la superficie pintada.

ARTE MINIMALSTA

Sus primeros trabajos revelan las influencias de las cuadrículas geométricas de Piet Mondrian, así como el estilo artístico desatado y denso del expresionismo abstracto. Sus trabajos posteriores, iniciados en 1958, rechazan la subjetividad del expresionismo en favor de una objetividad impersonal que trata la pintura como un objeto en su propia forma, una superficie pintada, más que como una representación de algo o la personificación de un estado de ánimo.

FRANK STELLA

Obra artística ha influido en el desarrollo del minimalismo.

ROZDOL II 1973

w o r k

HARRAN II 1967

JARAMA II 1982

L e W i t t w o r k >

THE BETROHAL IN SANTO DOMINGO 1998

GIYAN 2002

ARTE MINIMALISTA

OSSIPEE II 1965

L e W i t t

N e x t

FRANK STELLA

< P r e v i o u s

sol LEWITT

Lo más conocido de su obra son sus esculturas realizadas con cubos abiertos o rejillas y sus dibujos sobre pared. Ambos expresan la noción de LeWitt de que la esencia del arte radica en el concepto y no en el objeto, lo cual parte lógicamente de la distinción conceptual entre la idea artística y la obra en sí. Realizó esculturas de cubos abiertos en las que trata la sencillez estructural de tal modo que hace que sea el espectador el que interrelacione las formas para obtener una visión propia de la obra. Los dibujos sobre pared consisten en formas geométricas, tales como cuadrados dentro de otros cuadrados o triángulos contiguos, así como en composiciones de franjas de colores alternados. Eran el reflejo de la afirmación de LeWitt de que “la idea del concepto constituye el aspecto más importante de la obra” y que “la realización es un asunto superficial”.

SOL LEWITT

Considerado como el máximo exponente del minimalismo y del arte conceptual.

ARTE MINIMALISTA

Artista Estadounidense (1928-)

w o r k

CUBOS ABIERTOS INCOMPLETOS 1974

13/11 1985

L e W i t t

PINTURA EN PARED #681 1993

w o r k >

24C 1991

PIRAMID E DE CUATRO LADOS

ARTE MINIMALISTA

L e W i t t

FLOOR STRUCTURE BLACK 1965

N e x t

SOL LEWITT

< P r e v i o u s

Arte Figurativo Europeo

Arte Figurativo Europeo Este término se usa para referirse a la representación de imágenes reconocibles del mundo que nos rodea, a veces fieles y exactas, y otras, sumamente distorsionadas. Es un arte que no es abstracto. Su mayor representantes es Balthus, que pinta imágenes del desertar de la sexualidad femenina. Que es representación o figura de otra cosa. Dicho del arte o de un artista: Que representa cosas reales, en oposición al arte y artistas abstractos.

balthus

Autor realista, pintó algunos retratos y paisajes, sobre todo urbanos. ambién realizó interiores con colores suaves, en los que incorporaba figuras de adolescentes en actitudes enigmáticas, a veces eróticas. Desde 1970 su técnica evolucionó hacia la pintura al temple sobre tela, que respondía mejor a sus ricos empastes y a su gama de colores sobria y refinada.

BALTHUS

De formación autodidacta, autor de obras figurativas cargadas de misterio, independientes de las grandes corrientes artísticas del siglo XX.

ARTE FIGURATIVO EUROPEO

Pintor Francés (1908-2001)

LA CALLE 1935

THE GOLDEN DAYS 1944

LA HABITACION 1947

DESNUDO ANTES UN ESPEJO 1955

ARTE FIGURATIVO EUROPEO

BALTHUS HERMANO Y HERMANA 1932

Arte Posguerra Europeo

Arte Posguerra Europeo “Todo en arte parece cruel, porque la realidad es cruel. Por esa mucha gente prefiere el arte abstracto” . Este arte es un producto de la Segunda Guerra Mundial, cuando el hombre se pregunta sobre la vida y su existencia. Sus mayores representantes son Francis Bacon y Alberto Giacometti, quienes odiaban el arte abstracto. Sus obras representan al hombre después de la guerra, después de toda la masacre y toda la violencia. El resultado de la guerra es un hombre perdido en el mundo y anónimo.

Su personalísimo estilo expresionista, basado en un simbolismo de terror y rabia, le ha convertido en uno de los artistas más originales del siglo XX. Entre 1927 y 1928 pasó algún tiempo en París y Berlín, donde hizo trabajos de decoración y comenzó a realizar dibujos y acuarelas, tras la impresión que le produjo una exposición de Pablo Picasso. En 1929 volvió a Londres y se inició como autodidacto en la pintura al óleo. En 1944 ante el escaso éxito de sus obras destruyó casi todas las pinturas que había hecho hasta entonces. En 1948 el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York compró una obra suya y en 1949, año de su primera pintura inspirada en el cuadro de Velázquez, Inocencio X, comenzaron una serie de exposiciones individuales. Una buena parte de su obra está constituida por autorretratos y retratos de amigos . Fiel a la idea de que el arte más grande te devuelve siempre a la vulnerabilidad de la situación humana, su obra es una constante reflexión sobre la fragilidad del ser.

ARTE POSGUERRA EUROPEO

francis BACON FRANCIS BACON

Pintor Británico (origen irlandés) (1909-1992)

ESTUDIO DE INOCENCIO X DE VELAZQUEZ 1953

GEORGE DYER 1968

AUTORRETRATO 1971

SEGUNDA VERSION TRIPTICO 1988

ARTE POSGUERRA EUROPEO

FRANCIS BACON PINTURA 1946

Se convirtió en uno de los principales escultores surrealistas de la década de 1930, con una obra llena de ingenio e imaginación. Desarrolló un estilo muy personal de figuras frágiles pero de una enorme expresividad. Impregnadas de melancolía, sus pinturas y esculturas reflejan un sentido débil de la existencia, como si sus personajes sufrieran una constante amenaza de destrucción por parte del espacio que los rodea. Hacia el final de su carrera, Giacometti, aclamado unánimemente como uno de los mayores escultores del siglo XX, luchó denodadamente para que se reconociera la importancia de su trabajo pictórico.

ARTE POSGUERRA EUROPEO

alberto GIACOMETTI ALBERTO GIACOMETTI

Pintor y escultor suizo (1901-1966)

PIAZZA MUJER CAMINANDO 1948 1932

HOMBRE CRUZANDO LA CALLE 1949

LA NARIZ 1947

RETRATO OE MUJER 1965

ARTE POSGUERRA EUROPEO

ALBERTO GIACOMETTI

MUJER CON CUELLO CORTADO 1932

ARTE BRUTO

ARTE BRUTO Término acuñado por el pintor vanguardista francés Jean Dubuffet para designar el arte creado por personas que son ajenas a las formas de expresión artística y a los valores culturales tradicionales y que pintan espontáneamente para satisfacer una necesidad interior. Los creadores del Art Brut son, sobre todo, niños, gente con graves desequilibrios mentales, presos o marginados sociales. Este tipo de arte puede ser poco sofisticado, considerado en términos artísticos convencionales, pero atrajo la atención de Dubuffet por su pureza, originalidad y por estar libre de ataduras culturales.

Pintor francés (1901-1985)

jean DUBUFFET

A principios de la década de 1960 realizó una serie de pinturas de enorme destreza semejantes a rompecabezas, como Nunc Stans en las que predominan figuras y cuerpos diminutos, con colores oscuros y muy pegados unos a otros. En su última época realizó grandes esculturas de resina de poliéster pintadas. En todas sus obras la violencia queda atenuada por los elementos de vitalidad y humor atrevido.

ARTE BRUTO

Al exponer sus obras en París en 1944, los críticos describieron su estilo como Art Brut (‘arte en bruto’) debido a la crudeza y agresividad de su expresión, en parte basada en el estudio de pinturas realizadas por niños o personas desequilibradas; con este estilo Dubuffet obtuvo fama mundial. Muchas de sus obras son montajes que combinan objetos encontrados con otros elementos en un todo tridimensional.

JEAN DUBUFFET

En 1942 retomó la pintura para desarrollar un estilo muy personal caracterizado por unas imágenes simples y primitivas realizadas con gruesos empastes sobre lienzo.

ALLEES ET VENUES 1965

LEVER DE LUNE 1951

CAMPAGNE HEUREUSE 1975

SUPERVIELLE 1945

EPISODE 1984

THE COW WITH THE SUBTILE NOSE 1954

ARTE BRUTO

UN CHAMARRE 1943

JEAN DUBUFFET

DEUX FEMMES 1934

Pintor italiano (1915-1995)

alberto BURRI ARTE BRUTO

Le gustaba explotar la expresividad inherente de los materiales inusuales, usando la madera, el hierro, y especialmente en los 1960, un plástico traslucido que era o completamente transparente o coloreado y acentuado con marcas y lagrimas quemadas. Una gran parte de su práctica fue delegada a un proceso que el artista no podía controlar completamente.

ALBERTO BURRI

Fascinado por la potencialidad de la materia, ha realizado obras con sacos (Saco, 1953), maderas (Madera quemada, 1957) y plásticos. También ha trabajado con hierro.

DOS CAMISAS 1957

SACO Y NEGRO 1954

SACCO E ROSSO 1954

ROSSO PLASTICA 1964

CRETTO G 1 1975

ARTE BRUTO

COMPOSICION 1953

ALBERTO BURRI

SZ1 1949

Pintor y escultor español (1923-)

antoni TAPIES

En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas. A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos, paja, junto a signos antropomórficos.

ARTE BRUTO

Sobre la base del surrealismo funda en 1948 el grupo Dau al Set, que plantea una opción artística y cultural vanguardista de ruptura con las corrientes convencionales que se desarrollaban en España. En 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, donde impone como valor total la materia frente a la forma.

ANTONI TAPIES

Uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera.

PEQUEÑO AZUL 1962

BLANCO CON MANCHAS ROJAS

HOMENAJE A PICASSO 1983

JEROGLIFICOS 1986

ARTE BRUTO

ANTONI TAPIES

PERSONAJE 1950

En los años entre 1945 y 1960, el arte informal se une al arte abstracto de Europa. Este no solo odia las reglas de la realidad, pero también las reglas de estructura y material. Lucio Fontana es uno de sus representantes, y el corta los canvas para crear una esfera no identificable. Entre sus características, están el rechazo de la forma estructural organizada y búsqueda del gestualismo espontáneo del proceso de creación artística a partir de la imaginación, que rompe todos los límites y normas de categoría estilística y que integra en la acción pictórica a cualquier material útil.

Escultor instintivo, renovador, optimista y vital, en la década de 1930 rompe con la tradición académica y se une al movimiento abstracto milanés. En 1939, abandona la abstracción y se dedica a la escultura figurativa de tendencia expresionista. Intuitivo, ecléctico y a veces contradictorio, su obra es tan controvertida como su propio pensamiento. En 1947 se establece definitivamente en Milán y funda el movimiento espacialista. El espacialismo promovido por Fontana se basa en la total libertad de expresión, y en los adelantos que impone la ciencia y la técnica en una nueva realidad. Movimiento, color, tiempo y espacio son para él los conceptos del arte nuevo.

ARTE INFORMAL

lucio FONTANA LUCIO FONTANA

Escultor y pintor argentino (1899-1968)

CONCEPTO ESPACIAL 1960-61

VENECIA ERA TODO DE ORO 1961

CONCEPTO ESPACIAL 1968

CONCEPTO ESPACIAL 1967

ARTE INFORMAL

CONCEPTO ESPACIAL 1962

LUCIO FONTANA

CONCEPTO ESPACIAL 1952

BRUTALISMO

BRUTALISMO Movimiento arquitectónico británico de la década de 1950 que se caracteriza por la utilización de materiales vistos y por la consideración de los vínculos sociales en el hábitat. El arquitecto Peter Smithson hace suya esta tendencia y anuncia el advenimiento del nuevo brutalismo en un artículo publicado en esta misma revista. Los arquitectos que se adhieren a esta escuela admiran las realizaciones de los maestros de la arquitectura moderna Surgen construcciones de volúmenes sencillos en las que se utilizan materiales tales como el ladrillo y el hormigón armado. La escuela secundaria de Hunstanton (Norfolk), diseñada por Alison y Peter Smithson es típica de esta tendencia. Los brutalistas, y en especial el Team X que agrupa a Smithson, Aldo van Eyck, Jacob Bakema, Giancarlo di Carlo, G. Candilis, Josic y S. Woods, atacan a los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna), provocando su desaparición en 1956 y proponiendo proyectos modernos basados en la vuelta a la vida comunitaria.

Matrimonio de arquitectos y urbanistas británicos. Destacados exponentes de la arquitectura inglesa de los años cincuenta y sesenta, se cuentan entre los fundadores del brutalismo. Fueron figuras líderes en la arquitectura internacional y la escena de planificación urbana en las décadas de los 50 y 60, además de ser promotores de un enfoque intelectual pragmático, anti-retórico y experimental. Los Smithson buscaron la fuerza que conducía sus emociones, ejercieron una influencia significativa en el arte pop de Inglaterra, y con ellos la arquitectura tomó todo su tiempo.

ARQ. BRUTALISTA

peter y alison SMITHSON PETER Y ALISON SMITHSON

Arquitectos Británicos (1923-) (1929-)

ECONOMIST BUILDING 1967

HEXENHAUS 1984-2001

ARQ. BRUTALISTA

ESCUELA HUNTSTANTON 1954

PETER Y ALISON SMITHSON

ROBIN HOOD GARDENS 1970

Sus principales inspiraciones son Le Corbusier y la pintura cubista. Los componentes mas importantes de su trabajo son las plataformas horizontales y los niveles que sobresalen. La arquitectura de Lasdun depende de sistemas estructurales modernos y la maquinaria, pero la tecnología nunca ha sido lo único que prevalece en su arquitectura. La idea principal de su arquitectura es la creación de formas que tienen vida y responden a las condiciones especiales de cada lugar.

ARQ. BRUTALISTA

denys LASDUN DENYS LASDUN

Arquitecto Británico (1914-)

UNIVERSITY OF EAST ANGLIA 1963-1972

ROYAL NATIONAL THEATRE 1967-1976

ARQ. BRUTALISTA

DENYS LASDUN WOHNBAUTEN EN BETHNAL GREEN 1956-1959

Cuyo trabajo presenta una alternativa al uso ortogonal del vidrio y el acero habitual en el International Style. Sus casas de playa en Florida tenían puertas de cristal, bóvedas curvadas en madera laminada y estancias con luz tamizada, adecuadas para el clima subtropical. A partir de 1958 construyó edificios mayores en Yale como la escuela de Arte y Arquitectura (1964). Es una construcción compacta, compleja en la relación entre los pilares y el cerramiento exterior, y rotunda en el uso del hormigón.

ARQ. BRUTALISTA

paul RUDOLPH PAUL RUDOLPH

Arquitecto Estadounidense (1918-1997)

ART & ARCHITECTURA BUILDING, YALE UNIVERSITY 1961-1963

BOSTON GOVERNMENT SERVICE CENTER 1967-1972

ARQ. BRUTALISTA

PAUL RUDOLPH JEWITT ART CENTER 1959

Una de las figuras más importantes de la arquitectura del siglo XX en su país. En sus proyectos para edificios públicos ha sabido conciliar el estilo y los materiales de la modernidad occidental con las formas tradicionales niponas. El arquitecto Le Corbusier, el gran maestro en el empleo de hormigón en bruto, ejerció sobre Tange una influencia decisiva. La mayoría de sus estructuras son de hormigón armado, el material moderno más apropiado para la construcción en Japón, un país donde los terremotos son frecuentes y el uso de acero y el vidrio está muy limitado.

ARQ. BRUTALISTA

kenzo TANGE KENZO TANGE

Arquitecto Japonés (1913-)

SAINT MARY’S CATHEDRAL 1963 TOKYO, JAPON

LARGE NATIONAL OLYMPIC GYMNASIUM 1961-64

INTERNATIONAL CONFERENCE CENTER 1964-1965

FUJI TELEVISION BUILDING 1994

ARQ. BRUTALISTA

TOKYO CITY HALL 1960

KENZO TANGE

MUSEO OE LA PAZ EN HIROSHIMA 1949-1956

HIGH TECH

HIGH TECH La arquitectura High Tech se desarrolla en los años 60-70, y parte del Brutalismo, repitiendo el expresionismo estructural y exaltando la tecnología. El High Tech es la máxima exageración del moderno, siendo la segunda estética de la máquina. Esta arquitectura niega el entorno, busca nuevas formas a partir de los materiales de la tecnología y exagerea la planta libre. Se caracteriza por la exhibición estructural en el interior y en el exterior. Entre sus influencias están el Archigram, la estética de los aviones, y las obras y estudios del Ing. Buckminster Fuller. Entre sus principales representantes están Norman Foster, Richard Roger y Renzo Piano.

Uno de los más prestigiosos del panorama internacional a partir de principios de la década de 1980. Aunque sus primeros diseños eran piezas austeras, sin elementos decorativos, como el edificio de la Reliance Control en Swindon, más tarde evolucionó hacia un empleo decidido de las superficies curvas y de un enorme abanico de materiales constructivos. Un paso importante en este proceso es la sede central de Willis, Faber & Dumas en Ipswich cuya ondulante fachada de vidrio terso se levanta sobre el límite irregular del solar urbano. Otro de los intereses que afloran en su trayectoria es el diseño y planeamiento urbanísticos, materializado en planes generales para varias ciudades (Berlín y Cannes, entre otras).

ARQ. HIGH TECH

norman FOSTER NORMAN FOSTER

Arquitecto Británico (1935-)

AEROPUERTO STANSTED 1991

MICROELECTRONIC CENTRUM DUISBURG 2002

COMMERZBANK FRANKFURT 1993-1997

ARQ. HIGH TECH

SAINSBURY CENTERHONG KONG AND SHANGHAI BANK 1979-1986 1977

NORMAN FOSTER

WILLS FABER AND DUMAS HEAD OFFICE 1975

renzo PIANO

A pesar de que se le ha clasificado como arquitecto de alta tecnología, la evolución de Piano es muy personal y refleja su gusto por el uso de excelentes materiales y una construcción sólida. En 1998 le fue concedido el Premio Pritzker de Arquitectura, considerado el galardón más importante del mundo en este campo.

RENZO PIANO

Alcanzó gran prestigio internacional, al combinar en sus edificios estructuras innovadoras con un original uso de los materiales y la preocupación por el entorno urbano.

ARQ. HIGH TECH

Arquitecto Italiano (1937-)

CENTRO POMPIDOU 1972-1976 (DISEÑADO CON RICHARD

BEYELER FOUNDATION MUSEUM 1992-1997

ROGERS)

POSTDAMER PLATZ RECONSTRUCTION 1992-2000

ARQ. HIGH TECH

SAN NICOLAS STADIUM 1987-1990

RENZO PIANO

COLUMBUS INTERNATIONAL EXPOSITION 1985-1992

Arquitecto Británico (1933-)

richard ROGERS

El aspecto de sus obras refleja su pasión por la tecnología y el concepto de edificio como máquina. Es un entusiasta urbanista que enfoca sus proyectos en vista a crear lugares "para la gente". El edificio Lloyd`s, en Londres, terminado en 1986, fue proyectado buscando la máxima flexibilidad. Es la construcción más importante de Rogers en Gran Bretaña. Una de sus principales características es el empleo de elementos estructurales vistos, fabricados en acero inoxidable.

ARQ. HIGH TECH

Fue socio del Grupo 4 desde 1963 hasta 1968, y después formó equipo con Renzo Piano para participar en el concurso del Centro Pompidou, París, 1971.

RICHARD ROGERS

Fundador, junto a otros, de la tendencia conocida como alta tecnología.

EDIFICIO DEL LLOYDS BANK 1986

REUTERS DATA CENTRE 1987-1988

MILLENIUM DOME 1999

ARQ. HIGH TECH

RICHARD ROGERS

EUROPAISCH ER 1989-1995

☺

Con todos los estilos creciendo alrededor del mundo, algunos arquitectos de Japón llamados Los Metabólicos escogieron lo que vieron como lo mejor y crearon versiones high-tech de ellos. En 1959, Kurokawa comenzó una idea a la que él llamó el movimiento de Metabolismo. Bajo influencia personal de Kenzo Tange, este movimiento fue lanzada formalmente en la conferencia del diseño del mundo llevada a cabo en Tokio en 1960. Los Metabolistas creían que la arquitectura no debe ser estática sino ser capaz de experimentar cambios 'metabólicos'. En vez del pensamiento en términos de la forma y de la función fija, se concentraron en la habilidad de cambiar el espacio y la función. Sus ideas son futurísticas, sobre ciudades nuevas, modernas con las piezas móviles y variables. Así sus diseños, con sus elementos intercambiables, y a menudo las cápsulas, pueden también representar una realización de alta tecnología del trabajo especulativo del grupo contemporáneo de Archigram en Londres.

METABOLISMO JAPONÉS

HABITAT 67 Arq. Safdie Moshe 1967

TORRE SONY Arq. Kisho Kurokawa 1970-72

KISHO KUROKAWA

TORRE CÁPSULA NAGAKIN Arq. Kisho Kurokawa 1970-72

ARTE DOMINICANO

ARTE DOMINICANO En el Siglo XX están Luis Desangles, Celeste Woss y Gil y Abelardo Rodríguez Urdaneta. Estos artistas tienen influencia barroca, neocláscas, románticas e impresionistas. Los primeros maestros son Dario Suro, Jaime Colson y Yoryi Morel. Los tres pintan pisajen dominicanos y se deja a un lado el neoclasicismo. Yoryi Morel fue el principal pintor costumbristas dominicano. El campesino cibaeño es su modelo principal y tiene influencia impresionista. Jaime Colson tiene obras de contenido social y por ultimo tiene una corriente mística y surrealista. Dario Suro conjuga lo primitivo y lo expresionista. Entre los inmigrantes de España, está Jose Vela Sanetti que se destaca por ser muralista de trazos fuertes con influencia de Diego Rivera. Manolo Pascual fue un gran escultor. Antonio Prat-ventos fue pintor y escultor. Eugenio Fernandez Granell fue un ppintor surrealista. En el arte actual, están Paul Giudicelli, Iván Tovar, Candido Bido, Guillo Pérez, Ramón Oviedo y Elsa Nuñez.

luis (sisito) DESANGLES LUIS DESANGLES

Está considerado como el iniciador del costumbrismo en la pintura dominicana. Luis Desangles plasma en sus cuadros numerosos monumentos de la época colonial. Realizó una apreciable cantidad de retratos: Juan Pablo Duarte, Buenaventura Báez, Ramón Matías Mella, etc. En Luis Desangles se advierte el aire plácido de la época. Es decir, lo criollo mantiene factura expresiva y realismo transparente mediante estilización personal y amplios espacios compositivas. Una rara vitalidad plástica envuelve a su pintura. En general, su obra gala de sobria tematización, donde el contorno social y romántico de su época, describe la psicología, preocupaciones, emociones y energías del entorno. Su pintura matizada de un impresionismo penetrante muestra, además una ambientación naturalista. AUTORETRATO 1900

SIGLO XX - ARTE DOMINICANO

Pintor Dominicano (1861-1940)

JURAMENTACION DEL PRESIDENTE ALEJANDRO WOSS Y GIL 1903

RETRATO DE AMELIA FRANCASCI

BODEGON

SIGLO XX - ARTE DOMINICANO

LAS MENDIGAS

LUIS DESANGLES

NACIMIENTO DE VENUS

Pintor, escultor, fotógrafo artístico, poeta, músico y precursor, abarcó también de manera sobresaliente el dibujo. En sus obras se observa su apego a lo clásico y un marcado espíritu romántico. Abelardo está considerado el padre de la escultura dominicana. Sus magnificas esculturas, adornan diferentes puntos de Santo Domingo. Esta considerado como uno de los más completos precursores de las artes plásticas. Su concepción romántica y su factura clásica, permiten conocer sus sobrias pinceladas, su refinado dibujo y sus variadísimos aspectos del paisaje, matizado de construcciones armónicas y un colorido rico y abundante.

SIGLO XX - ARTE DOMINICANO

abelardo RODRIGUEZ URDANETA

ABELARDO RODRIGUEZ URDANETA

Pintor Dominicano (1870-1933)

SIN TITULO

RETRATO

SIGLO XX - ARTE DOMINICANO

PERFIL DE MUJER

ABELARDO RODRIGUEZ URDANETA

ESCUELA RODRIGUEZ URDANETA “CABEZA DE LEON” 1921

Primera mujer dominicana que se dedicó de manera formal a las artes plásticas. Cursó sus primeros estudios de arte de manos de Abelardo Rodríguez Urdaneta. Mostró elegancia y solidez en los trazos. La fisonomía de sus figuras, discurren en completos espacios coloquiales y en giros de movimientos francos. La interiorización humana de muchos de los personajes que simboliza en sus lienzos, tienen la características de los contrastes en relación a su entorno y temperamento. Los valores plásticos en la pintura de doña Celeste Woss y Gil, se distinguen por el diseño y la expresión. Tuvo gusto refinado, característica que le permitió pintar con rigor, sin tocar el formalismo ni la retórica. Pintó siempre con emoción porque amaba el arte como a su vida misma. Se le considera como una de las académicas mas importantes en la plástica nacional.

SIGLO XX - ARTE DOMINICANO

celeste WOSS Y GIL CELESTE WOSS Y GIL

Pintor Dominicano (1881-1985)

RETRATO DE SU PADRE, EL PRESIDENTE ALEJANDRO WOSS Y GIL 1912

MERCADO 1941

MODELO EN BARRO

DESNUDO 1941

SIGLO XX - ARTE DOMINICANO

CELESTE WOSS Y GIL

DESNUDO I 1941

Pintor básicamente autodidacta, se le considera como el principal pintor costumbrista dominicano. Dentro de la escuela impresionista, Yoryi Morel trató los temas nacionales con rigurosas pinceladas, lo que le confiere un lugar de preeminencia y lo hace acreedor del título de "Iniciador de la pintura dominicana". Fue el fundador de la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal. Es el artista dominicano que, en su tiempo, mejor plasma la luz y el paisaje en rítmicos y admirables colores, razón por la que ha sido el maestro por excelencia de varias generaciones de pintores. Sus pinturas, dibujos tienen el sello característico de un estilo pictórico con libertad y disciplina. EI color en su pintura esta relacionado a las emociones de artista, a su contorno y a su contacto con la naturaleza.

PRIMEROS MAESTROS - ARTE DOMINICANO

yoryi MOREL YORYI MOREL

Pintor Dominicano (1906-1979)

RANCHO CON FLAMBOYAN

CAMPESINO CIBAEÑO 1941

PELEA DE GALLOS 1950

A LA FIESTA 1948

PRIMEROS MAESTROS - ARTE DOMINICANO

BACHATA 1942

YORYI MOREL

SIN TITULO 1935

jaime COLSON JAIME COLSON

Bajo la influencia de Picasso, Braque y Leger, realizó obras cubistas con fondos arquitectónicos con apego a lo geométrico. En México, trabajó con Siqueiros, Orozco y Diego Rivera. En Santo Domingo en 1950, fue nombrado Director General de Bellas Artes, puesto que ocupó hasta 1951. Artista apasionado y rebelde cuya vida fue un trayecto continuo de país en país, experimento muchas corrientes artísticas, principalmente el cubismo, el surrealismo, el neo-clasicismo, y el periodo místico de influencia religiosa, a los cuales integró una fuerte influencia criolla. Su trabajo pictórico, calificado de figurativo y de inspiraci6n neo-humanista, rinde homenaje al cuerpo humano en todas sus formas. EI entorno criollo es particularmente importante en la obra de Colson quien supo transmitir la emoción y la belleza de su genio. Pintor de formación europea y de sensibilidad americana, es uno de los principales artistas del Caribe. AUTORETRATO 1925

PRIMEROS MAESTROS - ARTE DOMINICANO

Pintor Dominicano (1901-1975)

EL COLEGIAL 1942

BAQUINI Y LA CIGUAPA DEL CAMU 1949

FIESTA EN GUACHUPITA 1955

MUCHACHO CON CACHUCHA 1958

PRIMEROS MAESTROS - ARTE DOMINICANO

JAIME COLSON FAMILIA CATALANA 1928

dario SURO

Como creador, Darío Suro supo subvertir la realidad para crear su propio universo plástico, concatenado por un ordenado fluir que arrastra y abarca una enorme extensión temática y una no menor cantidad de disciplinas y tendencias. En todas ellas un hilo conductor expresivo se enriquece y se desborda de modo que ya no es posible contener la fuerza de su empuje. Las raíces isleñas de su obra pictórica permanecen afianzadas con firmeza durante toda su larga jornada creativa. No es simplemente lo dominicano, lo caribeño o lo tropical como elemento particular lo que interesa al creador de aquellos "Caballos bajo la lluvia" sino los aspectos trascendentes y vitales de esa condición geográfica, social y humana que llamamos Caribe. Una cierta dureza, crudeza o rusticidad de las formas acentúa el rigor de las composiciones y del mensaje que no deja nunca de exaltar los aspectos más áridos y difíciles de la vida en los trópicos.cargadas de misterio, independientes de las grandes corrientes

DARIIO SURO

De formación autodidacta, autor de obras Darío Suro es uno de los grandes nombres del arte dominicano. La maestría revelada en una obra vasta y trascendente acompaña a esa fama.

PRIMEROS MAESTROS - ARTE DOMINICANO

Pintor Dominicano (1918-1997)

MESA DEL MERCADO DE LA VEGA 1941

SIN TITULO 1942

MISA NEGRA

PRIMEROS MAESTROS - ARTE DOMINICANO

CABALLOS BAJO LA LLUVIA 1941

DARIO SURO

LLUVIA EN EL ATARDECER 1940

Arribó a Puerto Rico en 1940, y luego de una exposición en el Casino, su obra tuvo una buena acogida y recibió la encomienda de realizar varios retratos así como también murales. En 1950 pintó un mural de grandes dimensiones en el edificio de la Organización de las Naciones Unidas en Nueva York. Su obra refleja una marcada influencia del muralismo mexicano. Ya en 1954 había pintado para la ONU la que puede considerarse la más importante de sus obras: el mural que realizara para expresar pictóricamente su concepción de los Derechos Humanos. En América desarrolló plenamente su concepción de la pintura mural y cuando regresó a España, a comienzos de la década de los 60, sólo tenía que seguir cultivando esa faceta, la que le produjo una mayor proyección artística.

INMIGRANTES ESPAÑA - ARTE DOMINICANO

josé VELA ZANETTI JOSÉ VELA ZANETTI

Pintor Dominicano (1913-1999)

DIABLO COJUELO 1948

SIN TITULO 1956

FRAFMENTO PARA MURAL INDIGENA

INMIGRANTES ESPAÑA - ARTE DOMINICANO

JOSÉ VELA ZANETTI CAMPESNOS 1942

Fue uno de los más importantes pintores surrealistas de todos los tiempos. No es sino hasta 1941 cuando descubrió su verdadera vocación artística la pintura. Su formación es autodidacta. Su fecundidad es tan grande, que en la exposición que realizo en 1945, entre oleos, dibujos, acuarelas y guaches, mostró no menos de 200 trabajos. Fue un firme colaborador, tanto en lo pictórico como en lo literario de la revista del movimiento "Poesía Sorprendida" ocasionalmente ejercitaba también la crítica de artes plásticas.

INMIGRANTES ESPAÑA - ARTE DOMINICANO

eugenio FERNÁNDEZ GRANELL

EUGENIO FERNANDEZ GRANELL

Pintor Español (1912-2001)

MUJER Y CABALLO 1950

NO ES POSIBLE OLVIDARLAS 1951

INMIGRANTES ESPAÑA - ARTE DOMINICANO

SIN TITULO 1945

EUGENIO FERNANDEZ GRANELL

GUIRNALDAS DE NUBES 1944

Es el mismo al cual celebró la critica francesa (Jean Cassou, Jean Camps) y quien inventó la escultura en estaño, directa, por medio de soldador. Las características de su arte son fuerza y movimiento. Sus esculturas a pesar de lo modernas que son, tiene esa majestad y belleza de la gran escultura antigua, pudiendo asegurarse que junto a la expresión propia del artista, español y joven, conllevan el ritmo y la gracia de lo neoclásico. Hay una relación directa entre su creacionismo y la seguridad de la estatuapiración. Hasta en él retrato de él mismo artista, él mismo creador. No hace concesiones y respeta la gran belleza que es forma de perfección. Hace talla directa en madera y en piedra, y modela maravillosamente, el barro.

INMIGRANTES ESPAÑA - ARTE DOMINICANO

manolo PASCUAL MANOLO PASCUAL

Escultor Español (1902-1983)

CABEZA DE MULATACABALLERO 1955 1947

RETRATO DE SEÑORA OKIUSKKA 1959

CAELOCANTUS

INMIGRANTES ESPAÑA - ARTE DOMINICANO

MANOLO PASCUAL

GALGO 1968

“No hay arte abstracto o arte objetivo. Hay arte bueno o malo” (Antonio Prats Ventós) Con los metales trató de solucionar las limitaciones que le imponían la piedra y la madera. Limitaciones que logró superar en sus esculturas de hierro con soldaduras de bronce y cobre, de hierro forjado o de acero niquelado. Para ello aprendió el duro oficio de soldador, pero afrontó con gusto los riesgos y las dificultades por la fascinación que le ofrecía el resultado. Piedras, mármoles, piedras semi preciosas y metales se convirtieron en sus manos en hermosas piezas que revelan su poder creativo, su habilidad y su extraordinario dominio del oficio. Esta identificación, esta colaboración entre materia y tallista, fue una constante en el trabajo de Prats Ventós con la madera. Lo fue ya, cuando al comienzo de su larga andadura tenía como único mentor a la naturaleza y tallaba formas de sensuales redondeces, de exuberantes curvas.

INMIGRANTES ESPAÑA - ARTE DOMINICANO

antonio PRATS-VENTOS ANTONIO PRATS-VENTOS

Escultor Español (1925-1999)

SIN TITULO

SIN TITULO

INMIGRANTES ESPAÑA - ARTE DOMINICANO

ALEGORIA A LA PESCA DOMINICANA 1954

ANTONIO PRATS-VENTOS

ONDINA 1956

iván TOVAR

Pinta imágenes y formas que desde afuera parecen frías y sin vida. Retorcidas y elásticas, aquellas formas son vísceras y esófagos, asimilan y transportan alguna energía secreta. Pinta maquinas para trasformar el cuerpo y hacer del grito y de la angustia un arma punzante. Había alambiques para destilar el miedo, adormideras, y una colección de idolillos colocados unos sobre otros en frascos de engrudo. Había cóndores, albatros, mirlos y zorzales todos redibujados y convertidos en espina dorsal o en caracolas, alejados definitivamente de su función y de su medio.

IVAN TOVAR

Iván Tovar ignora las reglas gobernantes, exhibe sus fantasmas internos libremente, y sobrepasa los limites étnicos.

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

Pintor Dominicano (1921-1965)

ESQUELETO 1963

VENCIDO

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

LA ENIGMATICA MUJER DEL CAMINO 2001

LE BALANCIER A SERPENT 1971

IVAN TOVAR

LA QUEMA DEL PUENTE 1968

Tiene una importante participación en exposiciones, bienales y concursos alrededor del mundo. Sus obras se exhiben en diversos museos, entre los que destacan el de La Tertulia en Cali (Colombia) y los de Arte Contemporáneo de Panamá y España. Ha recibido numerosos premios en su país y en el extranjero. En la obra de Bidó los elementos plásticos cobran vida en una sencillez elevada a los extremos por la exquisita sensibilidad de este artista. Cándido Bidó plasma la poética calma de una pintura penetrante, sensual y mágica. Recorre el contorno antillano, lujurioso y plácido en la homogénea fantasía de una paleta que imprime a los colores rojo, azul, amarillo y sepia la profunda vivacidad de lo bello.

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

candido BIDO CANDIDO BIDO

Pintor Dominicano (1936-)

SANDIAS PARA EL DESAYUNO 1997

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

MATERNIDAD 1969

MUJER DE FRENTE 2001

CANDIDO BIDO

PECES 2001

Combina la abstracción con lo figurativo, pone especial énfasis en imágenes de corte expresionista. Una de sus características más recurrentes es la acentuación del negro en sus trazos con el fin de dramatizar la forma humana, especialmente la femenina. Mujeres abandonadas, envueltas en atmósferas nostálgicas y desvalidas, son el pretexto para poner en evidencia una situación femenina que debe ser modificada. Contempla el mundo en diferentes aspectos, quiere situarlo en sus interioridades, conferirle un significado poético. Esa visión se siente a través de la presencia de los seres humanos. Pero, aparte del tratamiento estilístico tan diversificado, la pintura contemporánea evoca la figura según distintos contextos: la realidad, cotidiana que forzosamente aborda en un momento la temática social y ambiental concreta, incluyendo avances y problemas de la tecnología, vivencias puramente internas e imaginarias que "surrealizan" la atmosfera y trastocan sus elementos, actitudes y personajes prácticamente perennes, quienes se entregan a tareas fundamentales, fuera de un tiempo preciso, o, en su expresión corporal alegórica, transmiten la perennidad del símbolo.

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

elsa NúÑEZ ELSA NUÑEZ

Pintora Dominicana (1943-)

FIGURAS FEMENINAS 1963

SUPREMA SOLEMNIDAD DEL RITO I 1981

NOCHE DE LUNA LLENA 1997

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

HURACÁN 1979

ELSA NUÑEZ

OFRENDA PARA UN POETA AUSENTE 1979

En 1961 participó en la colectiva "Artist Support Amnisty" en Londres. En 1962 participó en la "Colectiva de Arte Actual en América y España", bajo los auspicios del Instituto de Cultura Hispánica de Madrid. Realizó seis exposiciones individuales, cuatro de ellas en la Galería Nacional de Bellas Artes y las demás en el Ayuntamiento de San Cristóbal en 1959 y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Santo Domingo. Su obra es una síntesis de abstracción, expresionismo y geometrización, realizadas con medios que eran inusuales en la pintura dominicana de la década del 1950 al 1960. De esta manera, marcó una ruptura entre la tradición existente y el radicalismo interpretativo contemporáneo.

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

paul GUIDICELLI PAUL GUIDICELLI

Pintor Dominicano (1921-1965)

GÉNESIS DE UN GAGÁ 1961

LARG O CUBIS

AUTORETR ATO

MEDITACION SOBRE LA ARMADURA DE UN SOLDADO 1963

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

BAÑO DE HOJAS 1958

PAUL GUIDICELLI

VENDEDORA DE HOJAS 1955

La obra de Guillo Pérez, nos muestra una nueva alegría que significa estar en presencia de una buena pintura; artista formado en el seno de una cultura ligada profundamente al pasado cultural histórico de nuestro continente. Las imágenes y coloridos de sus obras se conjugan para ofrecer al espectador una realidad plástica y una realidad simbólica, además de un profundo significado mítico y ancestral. Escudriña el paisaje y lo reconstruye a partir de una serie de símbolos que propios de su cultura y de su pueblo. La palma, la caña, la choza campesina y sobre todo el gallo de pelea, son tomados como elementos compositivos que cimientan sus estudios cromáticos. Sin el más leve asomo de temor, los azules de cobalto se arrojan irreverentes sobre amarillos de cadmio, sobre rojos alizarinos, sobre verdes que parecen sacados directamente de la mar turquesa.

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

guillo pérez GUILLO PEREZ

Pintor Dominicano

OZAMA UNIVERSO DE UN RIO 1999

LA SIEMBRA DE ARROZ 1998

2001

EL GALLO 2003

1997-1999

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

SANTIAGO, TIEMPO, LUGAR Y COLOR 1990

GUILLO PEREZ

PAJARO 1954

ramón OVIEDO

“Cuando pinto libero el subconsciente sobre la tela, sin pretender un método ordenado en aplicación del color natural de las cosas. Me considero un pintor humanista, ya que en todas mis obras trato del ser humano, o de lo que le rodea. También me introduzco en ese mundo del espacio sideral, pero siempre haciendo girar todo esto alrededor del ser humano. Sabemos que hemos llegado, que hemos venido de algun sitio, pero ¿de dónde? El espacio limitado del lienzo no me limita. Imaginariamente el fin del cuadro se sale del lienzo. Mis cuadros tienen continuación infinita. La preocupación de querer aportar algo a la solución de los problemas sociales que hoy enfrentamos, es el móvil de mi trabajo artístico. “

RAMÓN OVIEOD

SU PENSAMIENTO:

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

Pintor Dominicano (1924-)

CIGUAPAS ALBOROTADAS 1986

ESPANTAJO 1960’s MI MODELO ERA UNA VENUS 1998

EN TRANSITO HACIA LA NADA

ARTE ACTUAL - ARTE DOMINICANO

ECO ESTERIL 1975

RAMÓN OVIEDO

LA FILA 1965

NUEVO REALISMO

NUEVO REALISMO Surge en Francia hacia finales de los años cincuenta. El movimiento del Nuevo Realismo es fundado originariamente por el crítico francés Pierre Restany y un pequeño grupo de artistas entre los que se encuentra Arman, Hains, Raysse, Klein, Tinguely, Spoerri y Villeglé. Se relaciona con el pop art y con la figuración narrativa, movimientos con los que coincide cronológicamente y con los que presenta una serie de puntos en común pero con un planteamiento más romántico y menos frío o crítico acerca de la realidad de la sociedad moderna. Entre sus características están: el echazo del expresionismo abstracto y del informalismo, la búsqueda de una nuevo repertorio de expresión apoyado en lo real, consideración del mundo como una imagen de la que extraer fragmentos que puedan ser de importancia universal, intento de plasmar o congelar la realidad de la sociedad moderna y su riqueza de actividades, carácter irónico pero sin intención polémica, colores planos e intensos y variedad de planteamientos expresivos.

Con su estilo lírico, se acerca más a la concepción estética de Rauschenberg, todavía apegado a las formas de manifestación de lo bello en un lenguaje expresivo de formas. Tiene la finalidad de desenmascarar los tópicos sociales que rigen el mundo del consumo. Este artista presenta el ideal tópico de la moderna civilización de masas con todos los medios del embellecimiento cosmético para destacar claramente su función efectiva. Para ello emplea toda la decoración de la vida cotidiana en la gran ciudad. La técnica del montaje le sirve para incorporar en toda regla el adorno cosmético y decorador a sus cuadros. Las lámparas de neón y los fluorescentes refuerzan la viveza de sus colores de anilina y se convierten en mensaje del placer de los sentidos.

NUEVO REALISMO

martial RAYSSE MARTIAL RAYSSE

Artista Francés (1936-)

AMERICA AMERICA 1964

LA GRANDE ODELISQUE 1964 PINTURA 1965

NUEVO REALISMO

MARTIAL RAYSSE RETRATO 1964

Conocido por sus ‘máquinas de dibujar’ y elaborados aparatos mecánicos, realizados con objetos de desecho, diseñados sin ningún otro propósito más que el de realizar movimientos aleatorios o el de autodestruirse mientras funcionan. También fue uno de los firmantes del manifiesto del nuevo realismo. A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 comenzó a realizar sus ‘máquinas de dibujar’, precursoras de lo que él denominaría ‘meta-máticas’, que producían dibujos abstractos. La importancia de la obra de Tinguely radica tanto en los materiales como en el movimiento mecánico, que con su inutilidad destructiva va en contra del espíritu de la era de la mecánica. Pero la obra de Tinguely también posee un elemento de humor y de ironía intrínseco al nuevo realismo.

NUEVO REALISMO

jean TINGUELY JEAN TINGUELY

Escultor Suizo (1925-1991)

VITESSE VARIABLE 1990

DEBRICOLLAGE 1970

FONTAINE STRAVINSKY 1983

NUEVO REALISMO

THE SORCERESS 1961

JEAN TINGUELY

META MAXI 1960

Sus propuestas radicales basadas en actitudes fuertemente místicas y utópicas han marcado de forma profunda el espíritu de las vanguardias posteriores. Klein se dio a conocer en 1956 cuando expuso sus primeros cuadros monocromos. En 1958 presentó El vacío, que consistía en una enorme galería completamente vacía y pintada de blanco por la que circulaban espectadores a los que se les ofrecía un cóctel azul. En 1960 patentó un color azul (IKB: International Klein Blue), cuya extensión en la tela, según él, traducía el infinito cósmico. Sus cosmogonías y más tarde sus pinturas de fuego sugieren la acción de los elementos naturales, y sus antropometrías recuerdan a su vez el cuerpo humano cubierto de pintura. Su sueño de una obra inmaterial le condujo a diferentes concepciones artísticas que anticiparon lo que sería el arte conceptual.

NUEVO REALISMO

yves KLEIN YVES KLEIN

Artista Francés (1928-1962)

ESPONJA AZUL 1959

SIN TITULO AZUL MONOCROMATICO 1959

BLUE SPONGE RELIEF 1960

ESCULTURA DEL ARMAN 1960

NUEVO REALISMO

YVES KLEIN FEU 1962

christo

javacheff

Sus primeras obras eran empaquetages, en las que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico. Se hizo muy famoso por sus últimos trabajos, que consistían en empaquetar temporalmente objetos enormes o edificios enteros. Su obra de mayores dimensiones fue Running Fence (Valla continua, 1976), una franja de nailon de 5,5 metros de altura que se extendía a lo largo de 40 kilómetros a través de dos condados de California.

CHRISTO

Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno.

NUEVO REALISMO

Artista Estadounidense (origen búlgaro) (1935-)

THE GATES 1996

PROYECTO PARA EL RIO DE ARKANSAS 2000

INSTALACION DE SOMBRILLAS 1991

PROYECTO PARA EL RIO DE ARKANSAS 2000

NUEVO REALISMO

THE PONT NEUF WRAPPED 1985

CHRISTO

THE MASTABA OF ABU DHABI 1979

ARTE CINETICO

ARTE CINETICO Tendencia de la pintura y escultura contemporáneas que hace referencia a aquellas obras creadas para producir la impresión o ilusión de movimiento. El término tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre el movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos. En la actualidad se conoce como arte cinético todas aquellas obras que producen en el espectador sensación de inestabilidad y movimiento a través de ilusiones ópticas, las que cambian de aspecto en virtud de la posición desde donde se contemplen y las que crean una aparente sensación de movimiento por la iluminación sucesiva de alguna de sus partes. Entre los artistas más destacados que han cultivado este estilo artístico se encuentran Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Carlos CruzDíez, Marcel Duchamp, Julio LeParc, Alejandro Otero y Yaacov Agam.

Trabajó en el mundo de la publicidad a la vez que pintaba en un estilo de inspiración cubista, expresionista o surrealista. A partir de finales de la década de 1940, evolucionó hacia una abstracción que pronto le hizo interesarse por el arte cinético, con sus efectos ópticos sugeridos por la superposición de tramas, la organización sistemática de la superficie y los contrastes de blanco, negro y color. Así, durante la década de 1960 abandonó el cuadro de caballete en beneficio de un arte total que encontraría su ideal en la integración con la arquitectura, es decir, en el espacio. Entre las obras más representativas del Op Art están los cuadros que pintó Victor Vasarely durante las décadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el cuadrado negro situado en el centro del lienzo. La sensación de movimiento se incrementa por la ilusión de curvatura del plano de la izquierda.

ARTE CINETICO

victor VASARELY VICTOR VASARELY

Artista Francés (1908-1997)

ARCTURUS II 1966

VEGA NOR 1969

VONAL STRI 1975

ARTE CINETICO

VICTOR VASARELY ORION C 1962

Figurativo en sus comienzos, que derivó al cubismo, la abstracción geométrica y el cinetismo virtual. Uno de sus mayores logros fue integrar al espectador en la obra con la creación de espacios penetrables. Realiza los trabajos de cinetismo virtual, efecto obtenido tras separar el fondo y la forma. A finales de la década de 1950 crea las primeras obras vibrantes y la serie Esculturas, a base de varillas que cuelgan de hilos de nylon frente a un fondo trama, con un movimiento natural que, combinado con la percepción del espectador al moverse frente a la obra, producen el efecto cinético. Uno de los grandes logros de Soto fue convertir al espectador de la obra en sujeto activo, debido a la movilidad de la imagen envuelta en la materia creada por el artista. La visualización del movimiento y la luz constituyeron las principales motivaciones de su obra.

ARTE CINETICO

jesús RAFAEL SOTO JESUS RAFAEL SOTO

Artista Venezolano (1923-)

PENETRABLE 1990

CUBO VIRTUAL

SPHERE CONCORDE 1996

ARTE CINETICO

JESUS RAFAEL SOTO CUADROS VIBRANTES 1971

Arte Povera

Arte Povera Opinaban que había que crear obras artísticas con los medios más insignificantes (que es lo que nosotros hemos hecho fabricando cámaras con materiales pobres, sencillos o de desecho), y así el protagonista sería el propio artista y no los medios que utilizara. Utilizaban todo tipo de materiales pobres y de desecho: tela de arpillera, latas viejas, piedras, agua, panecillos, plumas de ave, maderas, pasta de modelar, papel de periódico, vidrios, hierros, planchas metálicas, cabellos, tizas, velas, plantas, trapos... Algunas veces mezclaban esos materiales con otros más tecnificados, como tubos de neón, halógenos, plexiglás... Otros realizaban sus pinturas con un solo color o con orificios, agujeros, en la tela, para expresar austeridad. Y todo eso con una finalidad: lo importante son las ideas del artista, cómo mezcla esos materiales y establece relaciones nuevas y desconocidas, cómo crea significados con los objetos de su entorno.

inició su carrera con una pintura de carácter expresionista, dominada por colores violentos. Poco después comenzó a componer objetos recogidos en la basura, como botellas, vasos, paraguas o televisiones, iluminados por tubos fluorescentes que transformaban los colores de los materiales y resaltaban sus texturas más inapreciables. Cuando en 1968 se adscribió al movimiento povera presentó su primer Igloo, con la palabra luminosa Giap trazada en tubos luminosos de neón. A continuación le siguieron otros construidos en tierra, barro, piedra, vidrio o ramas. Más tarde proyectó un conjunto de obras numeradas según la serie de Fibonacci, una sucesión matemática en la que cada número se obtiene como suma de sus dos inmediatos precedentes. A partir de 1979, Merz volvió a la pintura como medio de expresión artística.

ARTE POVERA

mario MERZ MARIO MERZ

Pintor Italiano (1925-2003)

IGLOO 1968-81

IN THE STREET 1967

SIN TITULO 2002

PTRODACTILO 1985

ARTE POVERA

MARIO MERZ

UNREAL CITY 1989

DECONSTRUCTIVISMO

DECONSTRUCTIVISMO Estilo arquitectónico contemporáneo atribuido a finales de la década de 1980 a diversos arquitectos estadounidenses y europeos. El deconstructivismo arquitectónico nace en la exposición Arquitectura deconstructivista celebrada bajo la dirección de Philip Johnson y Peter Eisenman en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1988. La coherencia de este movimiento resulta difícil de valorar si se comparan los trabajos presentados desde 1988 por arquitectos tan dispares como Coop Himmelblau, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas o incluso Bernard Tschumi. A pesar del importante esfuerzo de legitimación filosófica realizado, el deconstructivismo va abandonando rápidamente sus fundamentos teóricos para irse convirtiendo, al hilo de las numerosas publicaciones y exposiciones internacionales realizadas, solamente en un estilo arquitectónico influenciado principalmente por los trabajos de algunos arquitectos anglosajones. A comienzos de la década de 1990 se convierte para muchos en una fuente de inspiración orientada hacia un manierismo espacial atormentado con un gusto pronunciado por las performances constructivas del tipo post-high-tech.

Sus teorías son muy conocidas. Recientemente exploró el concepto de torsión 3D. Dedica mucho tiempo y energía a la elaboración de teorías especificas. Su teoría, en forma escrita, siempre ha acompañado y protegido a sus proyectos. Trata temas como la ausencia, la presencia, el interior, el exterior y el espacio intermedio, las divisiones, la topología, y los significados. Le interesa despojar los significados superficiales de la arquitectura, lo que suele dejar cajas vacías (es famoso por sus cubos substraidos, que llevan a la formación de la L tri-dimensional). Eisenman persiste en su deseo manifiesto de crear una arquitectura que perturbe, hasta el punto de incomodar a sus usuarios. Este efecto lo ha logrado por medio de las sorprendentes formas geométricas de sus edificios, en los que apenas se ven ángulos rectos ni superficies auténticamente verticales u horizontales. Si bien esta arquitectura es claramente más intelectual que sensual, la necesidad de Eisenman de inquietar obedece a corrientes del arte contemporáneo.

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

peter EISENMAN PETER EISENMAN

Arquitecto Americano (1932-)

STATEN ISLAND INSTITUTE OF ARTS AND SCIENCES 1997

INSTALACION VACIA, COURTYARD PALAZZO REALE 2002

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

BARENHOLTZ PAVILION 1968

EMORY UNIVERSITY CENTER FOR THE ARTS 1991

PETER EISENMAN

WEXNER CENTER FOR THE ARTS 1983-89

De 1970 a 1979 enseño en la Architectural Association de Londres, y al mismo tiempo en el Institute for Architecture de Nueva York y en la Princeton University. De 1980 a 1983 fue profesor invitado en la Cooper Union School of Architecture de Nueva York. En 1975 organizó la exposición "A Space, A Thousand Words" en Nueva York. De 1977 a 1981 en Nueva York aparecieron los "Manhattan Transcripts" como característica y compuesta reflexión sobre las nuevas formas de la "notación arquitectónica" y que contiene la tésis de la "form follows fiction". Algunos trabajos suyos han sido premiados, como el proyecto para el concurso de "La Defense" de París (1983), para la Opera de Tokio (1986), en la que obtuvo un segundo premio, y el parc de la Villette (1982) de París.

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

bernard TSCHUMI BERNARD TSCHUMI

Arquitecto Suizo (1944-)

SCHOOL OF ARCHITECTURE BUILDING

THE ACTIVE ENCLOSURE 2002

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

MUSEO DEL ACROPOLIS DE ATENAS

BERNARD TSCHUMI

LE PARC DE LA VILLETE 1993-1994

Koolhaas es una figura fundamental para entender el desarrollo de la arquitectura contemporánea. La arquitectura que realiza Koolhaas es, quizá, más difícil de identificar que la que practican muchos de sus colegas contemporáneos. El holandés, al que le interesan sobre todo los proyectos a gran escala, siempre ha defendido la libertad de modelos. Su arquitectura es una arquitectura de lo esencial; ideas a las que se da una forma constructiva. Es un profesional que se siente manifiestamente a gusto con el futuro y en estrecha comunicación con su ritmo acelerado y sus cambiantes configuraciones. En sus proyectos se deja sentir la intensidad de un pensamiento que da cuerpo al armazón que termina por ser una casa, un centro de congresos, el proyecto de un campus o un libro.

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

rem KOOLHAAS REM KOOLHAAS

Arquitecto Holandés (1944-)

NEXUS HOUSING 1991 EDUCATORIUM UNIVERSITY 1997

LILLE GRAND PARAIS 1994

PROPUESTA DE CIUDAD VERTICAL EN ROTTERDAM

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

REM KOOLHAAS

NETHERLANDS DANCE THEATER 1987

frank GEHRY

La figura de Gehry empezó a destacar en la década de 1970 gracias a sus atrevidas combinaciones de materiales industriales, tales como maderas contrachapadas, planchas onduladas o vallas realizadas con tela metálica. Su poética extremista ha derivado en la década de 1980 hacia el empleo de formas escultóricas. Sus primeras obras revelan una fuerte influencia del arquitecto franco-suizo Le Corbusier. Hacia 1972, sin embargo, Gehry ya había comenzado a experimentar con la yuxtaposición de materiales bastos en inusuales composiciones geométricas. Ha proyectado numerosas viviendas unifamiliares, en cada una de las cuales ha investigado en las posibilidades expresivas de las intersecciones de planos oblicuos, los colores vivos y el empleo de toscos materiales industriales.

FRANK GEHRY

Uno de los más destacados representantes de la corriente deconstructivista en su país.

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

Arquitecto Estadounidense (1929-)

WEISMAN ART CENTER

MUSEO VITRA 1989

GUGGENHEIM DE BILBAO 1997

EXPERIENCE MUSIC PROJECT 1999-2000

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

VENICE BEACH HOUSE 1986

FRANK GEHRY

GEHRY HOUSE 1978

Desde el principio, laarquitectura de Zaha Hadid se caracterizó por una fuerte carga experimental: volúmenes fracturados, proyectados, planos cortantes y afilados que giran alrededor de puntos excéntricos. Zaha Hadid niega los tratados del matematico griego Euclides, y sus principios sobre los elementos de geometría, las proporciones en general, y la geometría del espacio. Ella propone un nuevo orden en el espacio, en donde ningun volumen se repita. Sostiene que la fragmentacion de las formas implica que las reglas de la composición tradicionales ya no son validas, pero que para ello no es necesario romperlas, sino que retorcerlas para incorporarles fluidez que agregue movimiento a los espacios. La arquitectura de Zaha Hadid se caracterizó por una fuerte carga experimental: volúmenes fracturados, proyectados, planos cortantes y afilados que giran alrededor de puntos excéntricos.

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

zaha HADID ZAHA HADID

Arquitecta Iraquí (1950-)

CENTRO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

PISTA PARA SALTOS DE ESQUÍ 1999

1999-2001

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

ESTACION DE BOMBEROS DE VITRA 1991-1993

Estación Terminal de tranvía HoenheimNord

ZAHA HADID

1998

Coop Himmelblau fue fundado por Wolf Dieter Prix y por Helmut Swiczinsky en Vienna en el 1968 como un intento innovativo hacia la arquitectura. Han trabajado juntos por más de 20 años. Coop Himmelblau diseña cada proyecto basandose en una serie de discusiones intensas y luego se hace el sketch. Este skectch lleva a la creación de un modelo. El equipo raras casi no altera el diseño después del sketch inicial. Lo transfieren virtualmente línea por línea en un dibujo. El equipo intenta general estructuras asimétricas que se acercan a la libertad del formalismo limitante de un estilo específico. Ellos crean diseños “espacios abiertos planeados, con la mente abierta”, compuestos por espacios complejos e indefinidos.

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

coop HIMMELBLAU COOP HIMMELBLAU

Grupo de Arquitectos Fundado en Vienna, Austria en 1968

AKRON ART MUSEUM 2001-2006

REMODELACION DE UN TECHO 1987-88

SEG APARTMENT TOWER 1994-1998

UFA CINEMA CENTER 1998

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

THE MEDIA PAVILION 1995

COOP HIMMELBLAU

OPERA HOUSE 2003

Es uno de los siete arquitectos internacionales, que en 1989 fueron escogidos para la muestra "Deconstructivist Architecture" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su estilo bebe de otras artes. Sus bocetos parecen extrañas partituras, y las formas de sus edificios y sus colores comparten inspiración con los cuadros de Kandinsky o Malevich. Además, Libeskind está fascinado por la cristalografía. ‘De hecho -comenta Plata- el proyecto para la ‘zona cero’ es como un conjunto de brillantes tallados, y su museo como un rubí’.

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

daniel LIBESKIND DANIEL LIBESKIND

Arquitecto Polones (1946-)

FOOD THEATER CAFÉ 2001

ARQ. DECONSTRUCTIVISTA

DANIEL LIBESKIND JEWISH MUSEUM BERLINE 1999-2001