Manuel Carballo Discurso Audiovisual 3 Carlos Toro

El aporte de la vanguardia Expresionista Alemana al cine actual

En orden de poder entender la temática de este texto, es de suprema importancia definir la corriente vanguardista denominada Expresionismo, su influencia en el cine, en especifico al alemán, al director Fritz Lang (1890 – 1976) y después proseguir a lo contemporáneo.

El Expresionismo surgió en Alemania a comienzos del S. XX, fue un movimiento vanguardista de carácter cultural con una macada influencia tanto en artes mayores (Pintura, Escultura, Arquitectura) como también en las artes menores (litografía, grados técnica “agua fría”, impresiones).

La primera visualización de este arte se manifestó en un principio únicamente en el campo de la pintura, convirtiéndose de esta manera (junto con otro movimiento denominado Fauvismo Francés) en el primer movimiento de los denominados “vanguardias históricas” que cambiaron para siempre el rumbo de las artes.

Antes de denominar un estilo característico del Expresionismo, se tiene que decir que es un estilo de arte puramente subjetivo (en este aspecto se podría catalogar como uno bastante conservador) que varió según los exponentes y tendencia ideológica, social, emocional, etc.

El Expresionismo surge como resultado de lo acontecido en la actualidad de ese momento, en el arte es comprobado (mediante escritos, cartas, documentos, cuadernos, diarios, etc. Encontrados de los propios artistas pertenecientes al movimiento) que surgió como respuesta al Impresionismo, dos movimientos opuestos desde su nombre, también en oposición al naturalismo y actitudes positivistas de finales de S. XIX.

Los Expresionistas proponían un artes mas

subjetivo, mas intuitivo, donde a manera de “Leitmotiv” esta plasmada la visión personal del artista, su expresión (por llamarlo de alguna manera) de la realidad sobre lo representado (impreso).

La subjetividad se vio representada en la pintura con sus colores y en líneas curvas, quizás una de las pinturas mas influyentes de este genero pudo haber sido “el cristo amarillo” de Paul Gauguin en 1889, precursor del movimiento, en donde sus formas características y elementos de composición son una la línea curva, aun cuando lo estéticamente correcto hasta el momento era lo contrario. Otro de los recursos artísticos es la aplicación de color de manera subjetiva, dejando de lado el “color local”, logrando así plasmar su punto de vista de lo sucedido en el cuadro e imprimiendo su punto de vista sobre la realidad lo que inmediatamente desliga al espectador de la misma (realidad) lo que nos sugiere que al hacer esto, la obra y su contenido se vuelven atemporales, rompen las barreras geográficas y se convierte en un arte netamente universal.

En el cine contemporáneo pasa exactamente lo mismo, en películas como “The Addams Family” de Barry Sonnenfeld en 1999 o en “Charly and the chocolate factory” de Tim Burton en 2005. En estas películas la realidad esta alterada, las acciones, cosas y personajes pertenecen a la subjetividad de los directores, lo que inmediatamente nos hace imposible ubicar realmente la espacialidad y temporalidad de las historias. Si bien en los films mencionadas nos dan unos indicios de la época, en momentos es contradictorio debido a la tecnología de los

inventos producto de los personajes principales, la ausencia de líneas rectas en las edificaciones haciendo imposible reconocer algún tipo de arquitectura, la alteración de los vehículos casi al punto de hacerlos terroríficos y fuera de contexto, las ventanas sin tener una forma geométrica definida y el universo diegético externo a los personajes. Estas características son muy visibles en películas del genero de ciencia ficción, un caso quizás mas claro de esta afirmación de atemporalidad es la saga “Star Wars” de George Lucas que si bien es un universo “extraterrestre” también se podría catalogar como la representación de SU realidad.

La temática recurrente se volvió también la muerte, la miseria, la burguesía y por supuesto la mujer, el expresionismo fue el canal para expresar lo vivido en la gran guerra, este sentimiento inundo a los círculos artísticos e intelectuales, el socialismo empezó a mostrarse como una alternativa de vida, alternativa que en algunos artistas se vio plasmada en sus obras y en todos los campos de las artes, en algunos de sus contenidos se ven temas prohibidos (lo morboso, lo demoniaco, lo sexual, lo pervertido o lo fantástico).

En el cine estos temas es claro que se ven plasmados no solo en géneros para adultos sino también en películas para niños, es evidente que estas temáticas (mencionadas previamente sobre los temas del expresionismo y que hoy en día son las que mas dinero recaudan e interesan a la gente) un ejemplo de esto es “El secreto de sus ojos” de Juan José Campanella en 2009, fue la película de mayor asistencia las salas de cine en la Argentina hasta el 2011 en toda la historia. El film es claro que su temática es un tanto morbosa, sexual, pervertida y fantástica, diciendo esto, afirmamos que el giro temático creado gracias a la corriente analizada en este texto, las películas adquieren hoy un gesto mas “humano” en donde la vileza y perversión de los personajes ya esta permitida y “aceptada” por el publico en general, entonces, gracias a la influencia del Expresionismo, las

películas posteriores ya tienen contenidos que antes eran existentes pero irrepresentables.

El cine Expresionista Alemán es el nombre que se le da a un grupo de producciones

cinematográficas,

productos

realizados

por

cineastas

con

características pertenecientes al género de dicha corriente que poseen ciertos aspectos en común. Al cine llega, de forma tardía, aparece por primera vez con “El gabinete del doctor Caligari” de Robert Wiene (1919), la película esta inspirada en una serie de crímenes sexuales que tuvieron lugar en la ciudad Hamburgo, Alemania. El film narraba los crímenes que cometía Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sonámbulo. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra.

Pero Robert Wiene añadirá dos nuevas escenas al guion, una al principio y otra al final, escenas que cambiarán todo el sentido de la historia, pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver, en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla internado, al miedoso doctor Caligari.

El principal atractivo de la película se encuentra en su anormalidad escenográfica, el espacio diegético del film es naturalmente anormal, con chimeneas oblicuas provenientes de los cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función meramente dramática y psicológica, y no como algo decorativo, todo esto se podría catalogar como la subjetividad del creador. Es cierto que el azar y la casualidad van a contribuir a realzar ese dramatismo, ya que, debido a la limitación de la iluminación en el estudio donde se rodó, se decidió pintar los decorados con luces y sombras.

Este es un tipo de estética que hoy en día es un poco difícil de encontrar en películas de genero y de consumo comercial, pero un claro ejemplo de lo mencionado anteriormente en el cine contemporáneo es el trabajo del director Tim Burton, si se toman largometrajes como “The corpse bride” (2005) o “Sleepy hollow” (1999) se visualizan de manera muy marcada estas características, las chimeneas torcidas, puentes de todo menos rectos, montañas que terminan en espiral, ventanas deformes. Otro ejemplo de estas deformidades de la realidad están marcadas en algunas películas de Guillermo del Toro, en una película que aparentemente en un principio no tiene nada que ver que con un cuento de hadas como “El laberinto del Fauno” (2006) vemos un mundo completamente fantástico dentro de lo “real” lleno de personajes ficticios con gran cantidad de maquillaje y FX, escenarios casi surrealistas, desarrollo supremamente lineal en cuanto a lo narrativo. En este film vemos el Expresionismo casi en su máxima expresión (valga la redundancia), lo podemos identificar en el mundo de fantasía en el que vive Ofelia, acá la heroína se mueve no en un mundo sino en dos, y en ambos por todo lo que pasa es sombrío y peligroso.

El expresionismo evolucionará sustituyendo las telas pintadas por los decorados, dando paso a una iluminación más compleja como medio expresivo. Esto da origen a una nueva corriente que se conocerá como Kammerspielfilm, que posee su origen en las experiencias realistas del teatro de cámara de Max Reinhardt, famoso director teatral de la época.

En el cine contemporáneo encontramos un film que maneja muy bien la estética del expresionismo, “Sin city” Guillermo del Toro (2005) en donde es prácticamente un homenaje a esta vanguardia, acá el director (o directores) suprimen por completo los decorados y nos lleva directamente a un mundo subjetivo, nos muestran SU realidad de una ciudad de estados unidos, que se entiende que seria Nueva York, la utilización de las sombras para dar intensidad dramática esta presente a lo largo del film, la temática es la misma del expresionismo al igual que

el género, en lo que si puede variar es en la linealidad de las historias, ya que son múltiples con múltiples protagonistas y no siguen un orden secuencial o paralelo en conjunto, pero si muy lineal entre el desarrollo de cada una de ellas.

La estética de la Kammerspielfilm se basa en una representación muy fiel, aunque no total, de las unidades de tiempo, lugar y acción, se caracteriza también en una gran linealidad y simplicidad argumental, que hace innecesaria la inserción de rótulos explicativos, y en la sobriedad interpretativa. La simplicidad dramática y el respeto a las unidades permiten crear unas atmósferas cerradas y opresivas, en las que se moverá el héroe con todos demás acompañantes. La trayectoria de esta corriente aparece dominada principalmente por tres realizadores: Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Geor Wilhelm Pabst.

Nuestro estudio tomara como referencia a Fritz Lang, el director austriaco es otro de los más grandes exponentes de la escuela expresionista. La película más antigua que se conserva de su trayectoria es “Die Spinnen” de 1919, pero alcanza el éxito y el reconocimiento con “Der müde Tod” (Las tres luces) de 1921, que narra la lucha entre el amor y la muerte. En su siguiente obra, “Los Nibelungos” tendrá ocasión de poder demostrar toda su madurez en el arte de la imagen en movimiento. Esta distinción a la raza aria en la que los hunos son presentados como seres de raza inferior, parece una premonición de los tiempos venideros. “Metrópolis”, realizada en el año 1926, será su obra definitiva. En ella, jugará con espacios, volúmenes y claroscuros característicos del género, la película es un tratado sociológico algo infantil, pero, a pesar de ello, Lang conseguirá imágenes que pasarán a la historia del cine y que el espectador no podrá olvidar: su opresivo mundo subterráneo, el relevo de turno de los obreros, la inundación, el pánico en la ciudad, etc. “Metrópolis” representará el apogeo del expresionismo de orden arquitectónico como en algún momento “Caligari” lo fue en el pictórico.

“El testamento del doctor Mabuse” es una película de gánsteres alemana de 1933. La película es una secuela del film mudo de Lang ”Dr. Mabuse, der Spieler-Ein Bild der Zeit” de 1922 y presenta a muchos miembros del reparto de las películas previas

de

Lang.

Es

protagonizada

por Rudolf

Klein-Rogge como Doctor

Mabuse quien se encuentra en un asilo psiquiátrico donde está escribiendo frenéticamente sus planes criminales. Cuando los planes criminales de Mabuse comienzan a ocurrir, el inspector Lohmann intenta encontrar la solución con pistas del mafioso Thomas Kent, el institucionalizado Hofmeister y el Profesor Baum quien se obsesiona con Dr. Mabuse.

El Testamento del Dr. Mabuse se basa en elementos de una novela de Norbert Jacques, creador del personaje de Doctor Mabuse. Fue la segunda película sonora de Lang para Nero-Film y fue su última colaboración son su esposa y guionista Thea von Harbou. Para promocionar la película a un mercado extranjero, Lang realizó una versión de la película en francés con los mismos escenarios, pero diferentes actores, bajo el título Le Testament du Dr. Mabuse Lang nos da su toque expresionista con la utilización de una voz en off de un personaje que es solo una sombra y una voz (por primera vez utilizado en el cine), este recurso representaría a lo “sentido” (el aspecto personal y subjetivo) como reacción a la Alemania nazi de Hitler, si partimos de este hecho, esta seria la cuota Expresionista del realizador aparte de lo previamente mencionado en cuanto al estilo de estética del género, este recurso se hizo con el fin de incrementar el dramatismo dentro de la película.

La utilización de la voz en off se siguió utilizando con el paso de los años y fue adquiriendo características propias, la voz empezó a tomar aun mas fuerza con el transcurso del tiempo, al punto tal de ser un factor clave en las películas de terror.

En el tema de la utilización de la voz como algo significativo y poderoso, nadie tenia mas en claro el poder que Charles Chaplin. “El gran dictador” (1940) es una

película donde se trata la historia es de un barbero judío idéntico a un dictador (que en la realidad seria Hitler y que ahora sería la representación Chapliniana de este hombre) que en el medio de todo este caos de la Alemania nacionalsocialista se enamora y ahora debe luchar contra viento y marea. En este film Chaplin nos presenta el poder de la voz, nos la presenta a manera de una voz que aliena los cuerpos, los posee y controla (elemento proveniente de la voz sin figura humana que la emita en “El testamento del doctor Mabuse”), en la película se ve al barbero que lucha por cambiar esa voz y por fin quedarse con su amor. Voz que por supuesto logra cambiar al final de la película y da un discurso encantador sobre amor, paz y hermandad.

Como era de esperarse, la voz continúo evolucionando con el paso del tiempo y fue adquiriendo un roll mas fuerte en los films, la voz continuo apoderándose de los cuerpos y creando terror en el espectador, un ejemplo mas claro de esto se ve en películas como “El exorcista” de William Friedkin (1979) o “el exorcismo de Emily Rose” de Scott derrickson (2005), en ambas películas el plot radica en la posesión demoniaca (temática recurrente en el expresionismo) a una chica que con el paso de los días se va convirtiendo en un ser cada vez mas putrefacto, en ambas películas hay un cura o sacerdote tratando de librarse de la voz, ahora la voz ya no es tratada como una simple voz sino que ya es tratada como un “algo” material y palpable, ya este elemento proveniente del 1933 se empezó a convertir en algo material y elemental de los films de terror. Sin embargo esta voz seguía siendo solo una voz, todavía no se podía ver al emisor, viendo las cosas asi estábamos volviendo al principio, si bien la voz ahora tenia cara, la voz seguía sin cara propia (ya que por mas que varíe la cara del personaje, sigue siendo su cara), acá la voz seguía haciendo lo suyo, alienando a las personas, es decir, la fuente de la que proviene la voz todavía no se identifica y lo que directamente nos dice que seguimos todavía en territorio de Lang y el testamento de Mabuse.

Solo fue hasta que en el film “Alien” de Ridley Scott (1979) que las cosas cambiaron y evolucionaron (no solo a menara argumental que es evidente que de que de eso se trata también el film) sino que también dramática, ahora ya crecimos no solo como realizadores sino también como espectadores y desde este punto nos pudimos desligar de lo planteado en un principio por el Austrohúngaro, ahora la voz dejo de ser “algo” (que no podemos identificar) y tomó forma, ya no combatimos con la voz que se apodera de la gente, sino que ahora combatimos contra algo (en este caso un animal extraterrestre), ahora la voz ya no es una cosa que vuela por el aire que aliena a las personas sino que desde este momento se empieza a combatir contra algo físico, acá Scott lo que consiguió fue la materialización de la voz para incrementar aun mas la tensión dramática y al lograr esta materialización (que desde un principio fue algo subjetivo), logro expresar la subjetividad del artista, ahora lo que siempre se mostró con colores, líneas y formas lo vemos como un monstro de otro mundo.

Entonces habiendo mencionado lo anterior podemos afirmar que esta vanguardia cambio el mundo del cine con su temática recurrente de la muerte, lo morboso, lo diabólico, lo prohibido, etc. El expresionismo cambió para siempre la forma de ver las cosas al incrementar la tensión dramática no solo desde el guion sino también desde lo estético y lo visual. Podemos afirmar que gracias a películas en las que pintaron el suelo para crear sombras, tenemos las sombras supremamente marcadas de “Sin city”, se puede decir que gracias a la ausencia de una línea recta tenemos puentes que se sostienen por arte de magia como en “Sleepy Hollow”, también se le debe agradecer a películas como “El testamento del doctor Mabuse”, film que nos dijo por primera vez que la voz era algo que podíamos utilizar para incrementar la narrativa hasta el punto tal de crear un monstro de otro planeta.

BIBLIOGRAFIA: Fritz Lang en América. Peter Bogdanovich, editorial Cátedra Madrid 1972, 1984 Fritz Lang. Quim Casas. Editorial Cátedra, Madrid 1991 Fritz Lang. Toteberg, Michael.Andrés Maté, José Carlos tr.T&B Editores 2006.