Trayectorias Careers

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Alemania - Germany, 2006 91' / 35mm / Color D: Thomas Arslan G: Thomas Arslan F: Michael Wiesweg DA: Gabriella Ausonio S: Andreas Mücke-Niesytka E: Bettina Blickwede P: Thomas Arslan CP: Pickpocket Filmproduktion – ZDF/3sat I: Angela Winkler, Karoline Eichhorn, Uwe Bohm, Anja Schneider, Gudrun Ritter, Wigand Witting, Amir Hadzic, Babette Semmer Contacto / Contact Pickpocket Filmproduktion Muskauerstr. 10 10997 Berlin, Germany T +49 30 69 51 86 01 F +49 30 69 51 86 02 E [email protected] www.peripherfilm.de

Ferien Vacation (Vacaciones)

Son vacaciones. Toda la familia se reúne en la casa de campo alejada de la ciudad en donde viven Anna y Robert, y su hijo Max. Llegan Laura, hija de Anna, su marido Paul y sus dos hijos pequeños. El verano y la naturaleza no parecen generar ningún efecto reconfortante en los mayores. Laura rechaza a Paul constantemente, ya no está enamorada, no lo disimula, tampoco tarda en decirle que está manteniendo una relación con otro. Mientras Paul transita su indignación y depresión, llega Sophie, la hermana menor de Laura, después de mucho tiempo sin verse, trayendo más confusión a Paul. También está la abuela, cuyo espíritu y mente joviales –a diferencia de su estado físico– son como una ráfaga de aire fresco que atraviesa las conversaciones. Con su característico estilo sobrio, composiciones fotográficas que instalan el cuadro y un delicado equilibrio entre la espontaneidad y la rigurosidad, Arslan descubre los matices, la belleza y la profundidad de cada situación. It's holiday time. All the family gathers away from the city, in the country house where Anna and Robert live with their son Max. Anna's daughter, Laura, arrives, with her husband Paul and their two toddlers in trail. Summer and nature do not seem to do anything for the grown-ups. Laura rejects Paul all the time. She is not in love anymore, does not pretend she is, and it is not long before she tells him she is having an affair. As Paul is going through his indignant and depressed phases, along comes Laura's little sister, long-absent Sophie bringing Paul more confusion. There is also the granny, whose jovial mind and spirit –unlike her physical condition– are like a puff of fresh air blowing across conversations. With his sober signature style, photographic composition prioritizing framing and a delicate balance between spontaneity and rigor, Arslan discovers the nuances, the beauty and the depth of every situation.

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Thomas Arslan Nacido en Braunschweig en julio de 1962, creció en Essen, vivió y cursó la secundaria en Ankara (Turquía) y retornó a Essen, donde completó sus estudios universitarios en 1982. Cursó asimismo Alemán e Historia en Munich y aprendió cine en la Academia Alemana de Cine y Televisión de Berlín entre 1986 y 1992. Desde entonces ha dirigido dos cortos, un mediometraje y los largos Mach die musik leiser (1994), Geschwister (1996), Dealer (1998), Der schöne tag (2001) y Aus der ferne (2005). Born in Braunschweig in July 1962. He grew up in Essen, lived and attended high school in Ankara, Turkey, and returned to Essen, where he completed his university studies in 1982. He attended German and History classes in Munich and learnt filmmaking at the German Film and TV Academy in Berlin between 1986 and 1992. He has directed two shorts, one medium-length feature and the full-length features Mach die musik leiser (1994), Geschwister (1996), Dealer (1998), Der schöne tag (2001) and Aus der ferne (2005).

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Alemania - Germany, 2004 680' / 35 mm / B&N - Color D: Edgar Reitz G: Edgar Reitz, Thomas Brussig F: Thomas Mauch, Christian Reitz DA: Franz Bauer, Michael Fechner, Irmhild Gumm E: Susanne Hartmann M: Nikos Mamangakis, Michael Riessler P: Robert Busch CP: Edgar Reitz Film - SWR - ARD-DEGETO ARRI Cine Technik I: Henry Arnold, Salome Kammer, Michael Kausch, Matthias Kniesbeck, Uwe Steimle, Christian Leonhard Contacto / Contact EFS-Filmtechnik GmbH Rudolf Diesel Str. 22 64331 Weiterstadt, Germany

Heimat 3 –Chronik einer Zeitenwende– Heimat 3: A Chronicle of Endings and Beginnings (Heimat 3: Una crónica de finales y principios)

Edgar Reitz terminó la tercera parte de su odisea Heimat en 2004, exactamente veinte años después de estrenar la primera parte. Nuevamente, las historias de una serie de personajes, más o menos relacionados entre sí, transcurren en un contexto histórico que se hace fuertemente presente y que en este caso es la progresiva reunificación de Alemania. A lo largo de seis episodios, Reitz despliega la década del '90, desde la caída del muro de Berlín hasta la llegada del nuevo milenio. Geográficamente, casi toda la historia transcurre de nuevo en el imaginario pueblo de Schabbach, como la primera parte, y esta vez sus protagonistas más importantes ya no son jóvenes sino personas maduras, que arrastran sus respectivas cargas de experiencia y desilusión. Una vez más Reitz elabora una obra monumental con técnicas de producción propias que alternan con fluidez ficción y realidad, actores y no actores, color y blanco y negro. Una vez más, Reitz captura esa verdad que, como asegura, “está siempre en movimiento. Cuando detengo ese movimiento y digo: 'Esa es la verdad', ya deja de serlo. Pero cuando uno puede describir la verdad en movimiento, también puede decir la verdad. O, más bien, decir verdades”. Edgar Reitz finished the third part of his Heimat odyssey in 2004, exactly twenty years after releasing the first part. Again, the stories of a series of characters, more or less related between each other, are set in a historical context that's strongly present and that, in this case, it's the progressive reunification of Germany. Throughout six episodes, Reitz unfolds the '90s, since the fall of the Berlin Wall to the arrival of the new millennium. Geographically speaking, almost all the story again takes place in the imaginary town of Schabbach, as in the first part, and this time its most important characters are no longer young but mature people, who drag their respective loads of experience and disillusion. Once more, Reitz develops a monumental work with his own production techniques, which fluidly alternate fiction and reality, actors and non-actors, color and black and white. Once more, Reitz captures that truth which, as he assures, “it's always in motion. When I stop that motion and say: 'That's the truth', it ends up no longer being the truth. But when one can describe the truth in motion, one can also tell the truth. Or, rather, telling truths”.

Edgar Reitz Nació en Morbach en 1932. Estudió teatro e historia del arte. Se acercó al cine hacia 1962 como miembro del Grupo de Oberhausen y, junto con Alexander Kluge, fundó al año siguiente el Instituto de Cine de la Academia de Diseño de Ulm. Ha realizado una gran cantidad de films, entre los que destacan Mahlzeiten (1966), Die Reise nach Wien (1973), Die Stunde Null (1976), Der Schneider von Ulm (1978), Die Nacht der Regisseure (1994) y la saga televisiva iniciada con Heimat (1982-1984) y continuada con Die Zweite Heimat (19851992), cuya culminación es Heimat 3. Born in Morbach in 1932, he studied Drama and Art History. He approached cinema by 1962 as a member of the Oberhausen Group. In 1963, he founded with Alexander Kluge the Ulm Design Academy Film Institute. Some of hes films includ Mahlzeiten (1966), Die Reise nach Wien (1973), Die Stunde Null (1976), Der Schneider von Ulm (1978), Die Nacht der Regisseure (1994) and the TV saga initiated with Heimat (1982-1984), continued with Die Zweite Heimat (1985-1992), whose culmination is Heimat 3.

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Alemania - Germany, 2006 89' / 35 mm / Color D: Christian Petzold G: Christian Petzold F: Hans Fromm DA: Kade Gruber E: Bettina Böhler P: Florian Koerner von Gustorf, Michael Weber CP: Schramm Film Koerner & Weber I: Nina Hoss, Devid Striesow, Hinnerk Schönemann, Burghart Klaussner, Barbara Auer Contacto / Contact The Match Factory Sudermanplatz 2 50670 Cologne, Germany T +49 221 292 102-0 F +49 221 292 102-10 E [email protected] www.the-match-factory.com

Yella

Yella ha decidido dejar su pueblo en Alemania del Este por un prometedor trabajo y una nueva vida en el otro lado del Elbe, dejando atrás su fallido matrimonio y sueños perdidos. En Hanover conoce a Philipp, un joven ejecutivo que le da trabajo como asistente. Aunque no conoce el mundo de los negocios, ni las oficinas de vidrio y acero ni los discretamente iluminados lobbies de hotel, Yella pronto descubre que tiene habilidad para manejarse bien con despiadados hombres de negocios. Las negociaciones se convierten en juegos excitantes de rapidez mental, para los que sus miradas y fríos modos resultan muy acertados. Pero ciertas voces y sonidos extraños molestan a Yella. Como si el pasado volviese a perseguirla, comienza a pensar que su nueva vida podría ser demasiado buena para ser verdad. Está decidida a mantener los ojos abiertos, porque aquellos que duermen bien pueden experimentar un duro despertar. Con este octavo largometraje, Christian Petzold da un paso más allá al revelar el grado de maestría formal que ha alcanzado. Yella has decided to leave her town in Eastern Germany for a promising job and a new life on the other side of the Elbe, leaving behind her failed marriage and shattered dreams. In Hanover, she meets Philipp, a young executive who takes her on as a private assistant. Even though she is not acquainted with the business world, nor with glass and steel offices nor with the discreetly lighted hotel lobbies, Yella soon finds out that she has a special skill to get along with ruthless businessmen. Negotiations become exciting, fast mind games, which are perfectly suited by her cold looks and manner. However, certain strange voices and sounds bother Yella. As if the past were back to haunt her, she begins to think that her new life could be too good to be true. She is determined to keep her eyes wide open, as those who sleep tight may experience a rude awakening. With his eighth feature film, Christian Petzold gives one step beyond by revealing the degree of formal mastery he has achieved.

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Christian Petzold Petzold es uno de los principales directores del nuevo cine alemán. Fue dos veces nombrado Mejor Director en los Premios al Cine Alemán, por The State I Am In (2000, su primer largometraje de ficción) y Wolfsburg (2003). También ha recibido mucha atención por sus largos para televisión Cuba libre (1996), Die Beischlafdiebin (1998) y Something to Remind Me (2002). Nació en 1960, estudió idioma alemán y arte dramático en la Universidad Libre de Berlín. Más tarde se graduó en la Academia Alemana de Cine y Televisión en 1994. Born in 1960. He´s one of the leading directors of New German Cinema, and has been twice named Best Director at the German Film Awards, for The State I Am In (2000, his first fiction feature) and Wolfsburg (2003). He received much acclaim for the made-for-TV features Cuba libre (1996), Die Beischlafdiebin (1998) and Something to Remind Me (2002). Studied German and Theater Studies at the Free University in Berlin, then graduated from the German Film & Television Academy in 1994.

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Argentina, 2007 65' / Betacam / Color D: Raúl Perrone G: Raúl Perrone F: Raúl Perrone S: Mr. Miguelius E: Lorna Santiago M: Alejandro Seoane CP: Las Ganas que te Deseo -SCMC ProduccionesYokondacine I: Nicéforo Galván, Ofelia Cerizola, Soledad Aguilera Contacto/ Contact Raúl Perrone E [email protected]

La navidad de Ofelia y Galván (Ofelia and Galván's Christmas)

Raúl Perrone siempre fue poniéndose desafíos, al punto de inventar un decálogo con el que juega a adoctrinar a sus alumnos en su taller de realización. Y esos desafíos debían mutar, sustituirse unos por otros: en un momento se centraron en la duración del plano; en otro ,en el trabajo con chicos del barrio, o en incluir su propia vida doméstica y familiar e inyectarle dosis de ficción, y así fue cómo nació la saga protagonizada por Galván, con Late un corazón (2002) y luego con La mecha (2003), ambas estrenadas en el Bafici. Sin embargo, para el cierre de la trilogía que supone La navidad de Ofelia y Galván, Perrone se reservó un desafío inimaginable: hacer una película con una cámara de fotos digital Sony 6.0. El rodaje no sólo fue supersónico porque ocupó los dos días que narra la historia, entre el día previo y la Nochebuena, sino porque lo obligaba a grabar, descargar la memoria en la computadora y volver a grabar. Más que un experimento, es una experiencia. Ya eso sólo valdría la pena, pero además está el sorprendente resultado de esta obra melancólica, que obliga a ocuparnos de ella y a darle el lugar singular que se merece. Raúl Perrone always set himself challenges, to the extent of inventing a Decalogue with which he plays at indoctrinating his film students. And those challenges should mutate, be replaced by one other: at one point, they revolved around the length of each shot; later, around working with kids from the neighborhood, or weaving in their own domestic, family life, and throwing in doses of fiction. This is how the saga starred by Galván came to be, with Late un corazón (2002) and La mecha (2003), both of which premiered at the Bafici. However, for the trilogy's closure, embodied by La navidad de Ofelia y Galván, Perrone reserved for himself an unimaginable challenge: making a film with a Sony 6.0 digital photo camera. The shooting wasn't only supersonic because it lasted the two days that the story narrates (Christmas Eve and the day before), but because he was forced to record, loading the contents of the memory card into the computer and go back to shooting. More than an experiment, it's an experience. If nothing else, just that would be worth it, but there is also the outcome of this wistful work, which makes us look after it and give it the unique place it deserves.

Raúl Perrone Infatigable, Raúl Perrone (Ituzaingó, 1952) presentó en la anterior edición del Bafici tres largometrajes (Cuentito de Navidad, 2004; Nosotrosdos, 2005; Tarde de verano, 2006), que entonces eran los más recientes de su ya frondosa filmografía, integrada por trece cortos y diez largos, en su mayoría grabados en diversos formatos de video y ambientados en su ciudad natal. Canadá y La Navidad de Ofelia y Galván, también presente en este Bafici, son las más recientes incorporaciones a su obra. Tireless Raúl Perrone (Ituzaingó, 1952) presented three features in the previous edition of Bafici (Cuentito de Navidad, 2004; Nosotrosdos, 2005; Tarde de verano, 2006), which joined his sizeable filmography made up of thirteen shorts and ten features, most of them shot on different video formats and located in his home town. Canadá and La Navidad de Ofelia y Galván (also screened this year) are his latest films.

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Austria / Alemania - Austria / Germany, 2006 88' / 35 mm / Color D: Barbara Albert G: Barbara Albert F: Bernhard Keller DA: Katharina Wöpperman S: Dietmar Zuson E: Karina Ressler P: Antonin Svoboda, Martin Gschlacht, Bruno Wagner, Barbara Albert CP: Coop 99 Filmproduktion / ZDF-ARTE I: Nina Proll, Birgit Minichmayr, Gabriela Hegedüs, Ursula Strauss, Kathrin Resetarits, Ina Strnad, Georg Friedrich, Darina Dujmic

Falling

Contacto / Contact Films Distribution Paméla Leu Festivals Manager 20, rue Saint Augustin 75002 Paris, France T +33 1 53 10 33 99 F +33 1 53 10 33 98 E [email protected] www.filmsdistribution.com www.fallen.at

Fallen (Cayendo)

Cinco ex alumnas se encuentran catorce años después de la secundaria en el funeral de un viejo profesor y pasan un fin de semana juntas. Una es actriz, otra maestra, otra administrativa, otra está saliendo de la cárcel y la otra, embarazada. Todas están solísimas. Aún cuando esto podría llegar a resumir el argumento de la nueva película de la guionista y realizadora Barbara Albert, en realidad no se acerca ni un fotograma al universo caótico que persigue y logra capturar con su cámara. Todo en Falling está constantemente en movimiento con la velocidad de una caída libre, expandiéndose entre sus personajes, el tiempo que pasó y el que vendrá. De un sepelio a una boda, con algunos flashbacks, un par de viejos temas musicales y un desenfreno que suele atribuirse a adolescentes y no a mujeres de treinta años vestidas elegantemente de negro, Falling es una comedia austríaca de esas que no suelen verse. Five former high school mates meet again fourteen years after leaving school at the funeral of an old teacher and spend a weekend together. There is an actress, a teacher, a clerk, one is fresh out of jail and another, pregnant. All are totally alone. Even when this might sum up the plot of screenwriter and filmmaker Barbara Albert's new work, in fact it does not get even near to the chaotic universe she pursues and manages to capture with her camera. Everything in Falling is on the move all the time at free-falling speed, expanding among its characters, time gone by and time to come. From a funeral to a wedding with a few flashbacks, a couple of old songs and some running wild normally reserved for teenagers, not smart thirty-year-old women in black, Falling is an unussual Austrian comedy.

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Barbara Albert Nació en Viena en 1970. En 1991 se graduó en la Viena Film School. Trabajó en la industria como script girl y asistente de montaje, ocasionalmente como actriz. Dirigió algunos cortos y los largometrajes Alles bunt und wunderbar (1998), Nordrand (1999), el documental Zur Lage (2002) y Free Radicals (2003); este último, un gran éxito de taquilla. Es socia de la productora Coop 99. Born in Vienna in 1970. Graduated in 1991 at Vienna Film School. Worked then in the industry as a script girl and editing assistant, occasionally as an actress; directed some shorts and the features Alles bunt und wunderbar (1998), Nordrand (1999), the documentary Zur Lage (2002) and Free Radicals (2003), a great box office hit. She's a partner of production company Coop 99.

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Austria / Holanda - Austria / Netherlands, 2006 70' / Digibeta / B&N D: Péter Forgács G: Péter Forgács F: Péter Forgács, Marci Tenczer E: Peter Sass M: László Melis P: Cesar Messemaker, George Misch, Ralph Wieser CP: Mischief Films AG / Lumen Films Contacto / Contact Mischief Films Goethegasse 1 1010 Vienna, Austria T +43 15 85 23 24 23 E [email protected] [email protected] www.mischief-films.com

Miss Universe 1929 - Lisl Goldarbeiter. A Queen In Wien (Miss Universo 1929 - Lisl Goldarbeiter. Una reina en Viena) La austríaca Lisl Goldarbeiter se convirtió en 1929 en la primera joven coronada Miss Universo. Cosas del destino, que se ensañaría con su vida y la de muchos otros en la sociedad centroeuropea de entreguerras. Cerca de ella, siempre estaba su primo Marci, el verdadero héroe del film, quien dedicó su vida entera a glorificar a esta tranquila belleza vienesa. Con su ayuda, el realizador de El Perro Negro (Bafici 2006) arma una biografía-rompecabezas compuesta de fotografías, filmaciones primigenias, material de archivo y hasta un diario personal de la ninfa. En ellos, así como en los comentarios de un anciano Marci, se palpa la singular, despareja relación entre estos personajes y el modo en que la vida les pasaría por encima, aturdiéndolos como un terremoto. En su lucha contra el paso del tiempo, Forgács se revela un mero ejecutor de la obsesión de Marci: hacer perdurar la belleza que desapareció, décadas atrás, arrugada en los pliegues de la Historia. Un documental que es una gran historia de amor. Austrian Lisl Goldarbeiter became the first young woman to be crowned as Miss Universe in 1929. In a twist of fate, which would show no mercy with her life and those of many others in Central European society between wars. Close to her always stood her cousin Marci, the real hero of the film, who devoted his entire life to glorifying this quiet Viennese beauty. With his aid, the director of El Perro Negro (Bafici 2006) puts together a biography-jigsaw puzzle made up of pictures, primitive films, archive footage and even the nymph's personal diary. In them, as well as in the comments by an old Marci, the odd, uneven relationship between these two characters and the way life would run over them, baffling them like an earthquake, are perceived. In his struggle against the passing of time, Forgács comes through as a mere executant of Marci's fixation: making beauty lost decades ago in the wrinkles of History persist. A documentary that's also a great love story.

Péter Forgács Nacido en Budapest en 1950, Forgács es un destacado documentalista que trabaja alternativamente en Hungría y Holanda. Luego de su corto Wittgenstein Tractatus (1992), dirigió varios largometrajes, entre ellos The Maelstrom: A Family Chronicle (1997), The Danube Exodus (1999), Angelo's Film (2000), Bibó Breviarium (2002) y El Perro Negro: Stories of the Spanish Civil War (2005). Born in Budapest in 1950, Forgács is a renowned documentarian working alternatively in Hungary and The Netherlands. After his short Wittgenstein Tractatus (1992), he directed several fulllength films, such as The Maelstrom: A Family Chronicle (1997), The Danube Exodus (1999), Angelo's Film (2000), Bibó Breviarium (2002) and El Perro Negro: Stories of the Spanish Civil War (2005).

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Austria, 2006 100' / 35 mm / Color D: Michael Glawogger G: Michael Glawogger, Barbara Albert F: Martin Gschlacht DA: Maria Gruber S: Pierre Collodin, Luc Yersin E: Christof Schertenleib M: Walter W. Cikan, Will Tyler, Peter von Siebentahl, Daniel Jakob P: Erich Lackner, Peter Wirtensohn CP: Coop 99 I: Paulus Manker, August Diehl, Michael Ostrowski, Pia Hrerzegger, Maria Bill, Loretta Pflaum

Slumming

Contacto / Contact Austrian Film Commission Stiffgasse 6 A-1070 Vienna, Austria T +43 15 26 33 23 F +43 15 26 68 01 E [email protected] www.afc.at www.slumming.at

Dos jóvenes de veintipico son ricos, indolentes y vieneses. Y se la pasan planeando y haciendo bromas como si fueran adolescentes, pero con poderes de adultos con dinero. Entre otros asuntos, citan a chicas con polleras, les sacan fotos sorpresa debajo de la mesa de un bar y suben el material a internet. También hacen slumming, que es algo así como un turismo cínico y destructivo de chicos ricos en lugares para pobres. En una de sus bromas, encuentran dormido a un homeless alcohólico, poeta y malhumorado, lo meten en el baúl del coche y lo dejan pasando la frontera, en la República Checa. Cuando el hombre se despierte, emprenderá una especie de regreso, físico y espiritual. Mientras tanto, en Viena también habrá cambios. Glawogger y su coguionista Barbara Albert eluden la mayor parte de las trampas de los “filmes de redención” y, mediante una bienvenida crudeza para el humor, la maldad, el absurdo y alguna bondad, terminan pintando un retrato teratológico de una Europa no vieja sino envejecida.

Michael Glawogger

Two twenty-somethings are rich, lazy and Viennese. And they spend their time planning and making practical jokes as if they were teenagers, though with powers of wealthy adults. Among other matters, they date girls in skirts, they take pictures of them by surprise from under a bar table and post them on the Internet. They also do some slumming, which is like a cynical and destructive tour through places for poor people done by rich kids. In one of their practical jokes, they find an alcoholic and bad-tempered homeless poet sleeping, put him in the trunk of the car and leave him across the border, in the Czech Republic. When the man wakes up, he will embark on some sort of physical and spiritual journey back. Meanwhile, in Vienna, there will also be some changes. Glawogger and his co-screenwriter Barbara Albert avoid most of the cheap tricks of “redemption films” and, by means of a welcome harshness for humor, evil, the absurd, and some kindness, end up painting a grotesque portrait of an Europe that's not old, but has grown old.

Born in 1959 in Graz (Austria), Glawogger has been a screenwriter since 1992, directed three shorts since 1994 and, one year later, completed his first full-length feature film, Die Ameisenstraße. Since then, he has made five films and contributed one episode to a sixth. He also directed a TV miniseries and at present is pre-producing his new film, Contact High, which he wrote in collaboration with Michael Ostrowski, one of the actors in Slumming.

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Nacido en 1959 en Graz (Austria), Glawogger es guionista desde 1992, dirigió tres cortos desde 1994 y, un año más tarde, concretó su primer largometraje, Die Ameisenstraße. Desde entonces lleva realizados otros cinco filmes y contribuyó con un episodio a un sexto. También dirigió una miniserie televisiva y actualmente está preproduciendo su nuevo film, Contact High, que escribió en colaboración con Michael Ostrowski, actor de Slumming.

Trayectorias | Panorama

Canadá - Canada, 2006 113' / 35 mm / Color D: Allan King F: Mark Ellam S: Michael Bonini, Jason Milligan E: Nick Hector M: Chris Ellis P: Allan King PE: Kathy Avrich Johnson CP: At Home in the Hood Films Contacto / Contact Allan King Associates Ltd. Theresa Ho Executive Director 965 Bay Street, Suite 2411 M5S 2A3 Toronto, ON, Canada T +1 416 964 7284 F +1 416 964 7997 www.allankingfilms.com

EMPz 4 Life

Tras dedicar dos films ejemplares a la muerte (Dying at Grace) y a los deterioros de la ancianidad (Memories of Max, Claire, Ida and Company), Allan King decidió posar sus cámaras en la juventud negra de un suburbio de Toronto, cuyos problemas son igualmente universales y difíciles de sintetizar en un relato de dos horas. A través de la figura de un voluntario idealista y del grupo de jóvenes a los que se empecina en ayudar (muchas veces, a pesar de ellos mismos), el cineasta explora cuestiones tan complejas como el racismo, la violencia urbana, la presión policial, la ineficacia de los sistemas de contención estatales y, sobre todo, la máscara inescrutable con que estos jóvenes se arman ante la adversidad. Con medio siglo de experiencia en el cinéma vérité, King no sólo vuelve a demostrarse capaz de obtener imágenes aparentemente imposibles, sino que conserva su clásico rigor para estructurarlas y permitir que de ellas surjan naturalmente esas preguntas que no pueden contestarse. Un espectador argentino podrá apuntar con razón que, en comparación con La Matanza, este suburbio canadiense parece Mónaco, pero ese ya sería otro problema. After dedicating two exemplary films to death (Dying at Grace) and the ravages of aging (Memories of Max, Claire, Ida and Company), Allan King decided to turn his cameras to the black youth of a Toronto suburb, whose problems are just as universal and difficult to sum up in a two-hour tale. Through the figure of an idealistic volunteer and the group of young people he's bent on helping (many times, in spite of themselves), the filmmaker explores such complex issues as racism, urban violence, police pressure, the ineffectiveness of state support systems and, above all, the impervious mask these young people wear against adversity. With fifty years of experience in cinéma vérité, King not only shows himself capable of obtaining seemingly impossible images once more, he also keeps his classic rigor for structuring them and allowing those unanswerable questions to spring naturally from them. An Argentine audience can point out, and rightly so, that compared to La Matanza this Canadian suburb is like Monaco, but that would be a different problem altogether.

Allan King Decano de los documentalistas canadienses en actividad (nació en 1930, en Vancouver), King viene edificando, desde su primer corto (Skid Row, 1956), una obra monumental que se despliega tanto en el cine como en la TV, en largos, medios y cortometrajes, particularmente en el género documental, pero también en ficción. Warrendale (1967), Silence of the North (1981), Dying at Grace (2003) y Memory for Max, Claire, Ida and Company (2005) son algunos de sus títulos. The patriarch of Canadian documentarists in activity (he was born in Vancouver, 1930), ever since his first short (Skid Row, 1956), King has been constructing a monumental work in both cinema and TV with his short, medium and full-length films, especially documentaries, though he also has works of fiction. Warrendale (1967), Silence of the North (1981), Dying at Grace (2003) and Memory for Max, Claire, Ida and Company (2005) are some of his titles.

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Corea del Sur - South Korea, 2006 107' / Digibeta / Color P: Jo Ji-hoon, Yoo Un-sung CP: Jeonju International Film Festival About Love (38') D: Darezhan Omirbayev G: Irina Kostevich, Darezhan Omirbayev I: Ainur Turgambayeva, Kairat Machmetov, Kant Kuantay No Day Off (39') D: Eric Khoo G: Eric Khoo, Wong Kim Hoh I: Syamsiah Twelve Twenty (30') D: Pen-Ek Ratanaruang G: Pen-Ek Ratanaruang I: Ananda Everingham, Khjemapsorn Sirisukha

Digital Short Films by Three Filmmakers 2006: Talk to Her

Contacto / Contact Jeonju International Film Festival Miyeon Lee 4F, Korea Stationery Center, 186-33 Jangchungdong 2-ga, Jung-gu 100-855 Seoul, Korea T +82 2 22 85 05 62 +82 10 93 81 01 49 F +82 2 22 85 05 60 E [email protected] www.jiff.or.kr

Digital sam in sam saek 2006: Yeoindeul (Cortometrajes digitales por tres directores 2006: Hable con ella) Una gran entrega de los cortos digitales producidos por el festival surcoreano de Jeonju: tres sorprendentes minipelículas. Con emoción contenida y gran sentido del pudor, Darezhan Omirbayev cuenta amores frustrados y vidas truncadas en About Love, una desoladora adaptación a la actualidad de Chéjov. Eric Khoo presenta la vida de una mucama indonesa en Singapur: su entrenamiento, su trabajo, su dolor; con gran rigor visual, No Day Off es a la vez un relato íntimo y una denuncia social de alcance general sobre algunos aspectos de la globalización. Y por último, Twelve Twenty, el trabajo más reciente de Pen-Ek Ratanaruang, una historia de amor y humor cáustico que hace recordar el cuento la “La aventura de un soldado” de Ítalo Calvino, pero no en un tren sino en un avión que es pura escenografía y misterio. A great installment of digital shorts produced by South Korea's Jeonju Festival: three amazing minifilms. With restrained emotion and a great sense of modesty, Darezhan Omirbayev tells of unrequited love and truncated lives in About Love, a devastating adaptation of Chekhov set in present time. Eric Khoo presents an Indonesian maid's life in Singapore: her training, her work; with great visual rigor, No Day Off is at once an intimate tale and a social denunciation on some aspects of globalization. And finally Twelve Twenty, Pen-Ek Ratanaruang's latest work, a stinging story of love and humor reminiscent of Italo Calvino's tale “The Adventure of a Soldier,” set not on a train but on a plane that is all stage design and mystery.

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Los directores / The directors Darezhan Omirbayev nació en 1958 en Kazajistán. Estudió cine en la VGIK de Moscú y dirigió Kairat (1991), The Cardiogram (1995), The Killer (1995) y The Way (2001). Eric Khoo nació en 1965, en Singapur. Dirigió tres films: Mee Pok Man (1995), 12 Storeys (1997) y Be with Me (2005). Pen-Ek Ratanaruang nació en 1962 en Bangkok, Tailandia. Dirigió Fun Bar Karaoke (1996), 6ixtynin9 (1999), Monrak Transistor (2001), Last Life in the Universe (2003) e Invisible Waves (2006). Darezhan Omirbayev was born in 1958 in Kazakhstan, he studied filmmaking at Moscow's VGIK. He directed Kairat (1991), The Cardiogram (1995), The Killer (1995) and The Way (2001). Eric Khoo was born in 1965 in Singapore, and he has directed three films: Mee Pok Man (1995), 12 Storeys (1997) and Be with Me (2005). Pen-Ek Ratanaruang was born in 1962 in Bangkok, Thailand, he directed Fun Bar Karaoke (1996), 6ixtynin9 (1999), Monrak Transistor (2001), Last Life in the Universe (2003) and Invisible Waves (2006).

Trayectorias | Panorama

Corea del Sur - South Korea, 2006 112' / 35mm / Color D: Im Sang-soo G: Im Sang-soo, Hwang Sok-yong F: Kim Woo-hyung DA: Song Jae-hee S: Kim Suk-won, Kim Chang-sub E: Lee Eun-soo M: Kim Hong-jib P: Park Jon, Kim Jung-ho CP: MBC Production I: Yoon Hee-seok, Kim Yu-li, Lee Eun-sung, Youn Yuh-jung, Park Hay-sook, Ban Hyo-jung Contacto / Contact Cineclick Asia Yunjeong Kim T +822 538 0211 (ext 214) E [email protected] Ina Park T +822 538 0211 (ext 213) E [email protected]

The Old Garden Orae doin jung won (El viejo jardín)

El eterno conflicto entre deber y deseo marca el recorrido, primero tempestuoso y finalmente melancólico, de los personajes de The Old Garden. Situada en Corea del Sur en plena dictadura de los ochenta, toma el episodio real de la masacre de Kwangju para contar la historia del militante socialista Hyun-woo, que huye y se enamora de una maestra y artista, Yoon-hee. Pero él no cree merecer esa felicidad y va a Seúl, donde lo detienen, enjuician y encarcelan por dieciséis años. Ese arco temporal marca sus vidas y tuerce el tono, saltando hacia la democracia y la consecuente libertad de Hyun-woo. El director Im Sang-soo ha cambiado, y The Old Garden es más homógenea en el tono que La esposa del buen abogado y menos anti-convencional para plantear los hechos políticos que The President's Last Bang, ocupada en acontecimientos de los setenta. La elegancia del estilo visual y la inteligencia para los cambios de punto de vista y el vaivén temporal siguen siendo los sellos autorales de Im, quien con este film da un paso hacia el melodrama, dándose el gusto de hacer una película clásica. The eternal clash between desire and duty defines the journey –stormy at first, then melancholy– of the characters in The Old Garden. Set in South Korea during the '80s regime, the film uses Kwangju massacre episode in order to tell the story of socialist activist Hyun-woo, who runs away and falls in love with a teacher and artist, Yoon-hee. But he thinks he doesn't deserve that happiness, and so marches off to Seoul, where he is arrested, tried and jailed for 16 years. That time span changes both their lives and the tone of the film, which leaps forward to democracy and Hyun-woo's resulting freedom. Director Im Sang-soo has changed, and The Old Garden's tone is more homogeneous than in A Good Lawyer's Wife and less anti-conventional to present political events than in The President's Last Bang, which dealt with events from the '70s. Im's elegant visual style, his clever shifts of point of views and time jumps continue to be his authoral signatures. With this film, Im inches towards melodrama and basked in a classic film.

Im Sang-soo Nació en 1962 en Yonsei, en cuya Universidad estudió Sociología. Fue alumno de la Academia Coreana de Artes Cinematográficas y dirige films desde finales de la década de los 90: Girls' Night Out (1998), Tears (2000), La esposa del buen abogado (2003) y The President's Last Bang (2005). Born in 1962 in Yonsei, he studied Sociology at Yonsei's University and Filmmaking at the Korean Academy of Film Arts. He's been directing films since the late 90s: Girls' Night Out (1998), Tears (2000), A Good Lawyer's Wife (2003) and The President's Last Bang (2005).

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Panorama | Careers

Corea del Sur / Japón South Korea / Japan, 2006 97' / 35 mm / Color D: Kim Ki-duk G: Kim Ki-duk F: Sung Jong-moo DA: Choi Keun-woo S: Jeung Hyun-soo E: Kim Ki-duk M: Noh Hyung-woo P: Kim Ki-duk CP: Kim Ki-duk Film / Happinet Pictures I: Ha Jung-woo, Park Ki-yeon, Seong Hyeon-a, Seo Yeong-hwa Contacto / Contact Distribution Company Paula Zupnik Ayacucho 595 C1026AAC Buenos Aires, Argentina T +54 11 43 75 99 45 E [email protected] www.distribution-company.com

El tiempo Shi gan (Time)

Una nueva historia de obsesiones de Kim Ki-duk, sobre una de las obsesiones de su país: la cirugía estética. Se estima que la mitad de las mujeres surcoreanas de veintipico se han hecho una cirugía. La protagonista de El tiempo se opera el rostro no para ser “linda” (que ya lo es) sino para ser “distinta” y que su novio no se aburra. Pero lo hace en secreto y desaparece durante el tiempo que lleva la cicatrización de las heridas. Mientras tanto, para él la vida continúa, con la ausencia sorpresiva y las oscilaciones entre la obsesión y el olvido que trae el paso del tiempo. Extraña película, incluso dentro de la variable filmografía de Kim Ki-duk: El tiempo es por momentos un melodrama extremo; en otros, una comedia trágica; en otros, recuerda a los raids de bares y conversaciones de la Nouvelle Vague, y en algunos momentos el esplendor visual –como en el llamativo parque escultórico– es enceguecedor. Por cierto, el amor de El tiempo, que dice mucho sobre el amor en Corea del Sur en estos tiempos, enceguece no por ciego sino por demasiado visual. A new story of obsessions by Kim Ki-duk, about one of his country's fixations: cosmetic surgery. It's estimated that half of the twenty-something South Korean women have undergone one surgery. The main character in Time gets a face job, not to be “beautiful” (which she already is) but to be “different” and for her boyfriend not to get bored. But she does so in secret and disappears for the length of the recovery process. Meanwhile, life goes on for him, with the surprising absence and the oscillations between obsession and oblivion brought about by the passage of time. A strange film, even considering Kim Ki-duk's variable filmography: Time is at times an extreme melodrama; a tragic comedy at others; at yet others, it reminds one of the bar hopping and chats of the Nouvelle Vague; and in some moments, the visual splendor –as in the sculpture park– is dazzling. Incidentally, love in Time, which speaks volumes about love today in South Korea, blinds not through being unable to see but by being too visual.

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Kim Ki-duk Nació en Bonghwa en 1960. Estudió Arte en París. Su ópera prima fue The Crocodile (1996), a la que siguieron, entre otras, The Isle (2000), Primavera, verano, otoño, invierno… y otra vez primavera (2003) y El arco (2005). Born in Bonghwa in 1960, he studied Art in Paris. His debut film was The Crocodile (1996), followed by The Isle (2000), Spring, Summer, Fall, Winter… and Spring (2003) and The Bow (2005), among others.

Trayectorias | Panorama

Corea del Sur - South Korea, 2006 127' / 35 mm / Color D: Hong Sang-soo G: Hong Sang-soo F: Kim Hyung-koo S: An Sang-ho E: Hahm Sung-won M: Jeong Yong-jin P: Oh Jung-wan CP: Bom Film Productions y Jeonwonsa I: Kim Seung-woo, Kim Tae-woo, Ko Hyun-jeong, Song Sun-mi Contacto / Contact Mirovision Inc. Jay Lee 4F Shinyoung Bldg., 1-128 Sinmunno 2-ga, Jongno-gu 110-062 Seoul, Korea T +82 2 34 43 25 53 +82 2 34 43 25 02 F +82 2 34 43 48 42 E [email protected] www.mirovision.com

Woman on the Beach Haebyuneui yeoin (Mujer en la playa)

Un director de cine algo arrogante y con facilidad para hacer los comentarios más incorrectos, se retira a una tranquila playa para completar el guión de su próxima película. Lo acompaña un amigo y guionista, quien no tiene mejor idea que llevar consigo a una amiga (a quien cree su novia). Dos hombres, una mujer y un lugar perfecto para que la tensión emerja y crezca hasta generar conflictos románticos que se desarrollarán principalmente en exactas y naturales conversaciones entre los protagonistas, siempre con el mar de fondo. Un punto de partida muy francés que con aires a Rohmer (sólo que con otro punto de vista moral) y un tono sereno conforman la película más accesible de Hong Sang-soo hasta la fecha. Y así como el agua en la orilla trae y lleva los más diversos objetos, la historia se llevará y traerá personajes, insinuando sutilmente que el triángulo amoroso podría ser la instancia natural de las relaciones humanas. Y que casi nunca es conveniente conocer a los directores de cine que uno admira. A somewhat arrogant film director with a gift for saying the wrong things retires to a quiet beach to complete the script of his next film. With him goes a screenwriter friend, who has no better idea than to bring a friend along (whom he believes to be his girlfriend). Two men, a woman and a perfect place for tension to arise and grow into romantic conflict, which will be reflected mainly in natural conversations among the main characters, always with the sea as a backdrop. A very French, Rohmer-like starting point (only with a different moral point of view) and a serene tone make up for Hong Sang-soo's most accessible film to date. And just like the sea washes up all kinds of objects, characters will ebb and flow, subtly implying that the threesome could be the natural state of human relations. And that it is hardly ever advisable to meet the filmmakers one admires.

Hong Sang-soo Nació en Seúl en 1960 y estudió cine, primero en una universidad de su país, luego en el College of Arts and Crafts de California y, por último, en cursos de la Cinémathèque Française. Ha realizado siete largometrajes desde The Day a Pig Fell Into the Well (1996), y los más recientes Turning Gate (2002), Woman is the Future of Man (2004) y Tale of Cinema (2005). Born in Seoul in 1960. He studied filmmaking, first at the University in his own country, then at the College of Arts and Crafts in California and, lastly, in courses given at the Cinémathèque Française. He has shot seven films since his The Day a Pig Fell Into the Well (1996), and the more recent Turning Gate (2002), Woman is the Future of Man (2004) and Tale of Cinema (2005).

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España - Spain, 2006 93' / 35 mm / Color D: Marc Recha G: Marc Recha F: Hélène Louvart S: Dani Fontrodona, Marisol Nievas, Ricardo Casals E: Sergi Dies M: Pau Recha, Fina la Ina, Borja de Miguel PE: Xavier Atance CP: Benecé Produccions SL I: David Recha, Marc Recha, Mariona Ordóñez, Pere Subirana, Fina Susín Contacto / Contact Benecé Produccions, S.L. Nuria Botellé Passatge Tona 10 08023 Barcelona, Spain T +34 646 01 71 48 +34 629 42 46 87 E [email protected] [email protected] www.benece.es www.diesdagost.com

Dies d'agost August Days (Días de agosto)

Con el objetivo de desconectarse de una investigación en curso, Marc Recha emprende un recorrido con su hermano mellizo David por la Cataluña profunda. En derivas que se bifurcan en los alrededores y más allá del río Ebro, Dies d'agost traza una road movie que parte de un sol que funde literalmente el agua para transformarla en un retrato de la intensidad fraternal. Diario de viaje visual que se transfigura en un extraño ensayo autobiográfico, en el trayecto los hermanos se cruzan con la historia del pez gato, con los ecos de la Guerra Civil, con los recuerdos del periodista republicano Ramon Barnils (1940-2001), con su propio pasado familiar y con personajes que son “reales y en ningún caso se les ha caracterizado especialmente para ubicarlos en la dinámica de la historia”. Con su poética de un paisaje interrumpido, Recha encuentra que en las imágenes más diáfanas de la naturaleza pueden habitar la memoria, la reflexión, el mito y hasta el absurdo, sin que eso sea un acto de contaminación sino una forma libertaria de relación con el mundo. Looking to distance himself from an ongoing investigation, Marc Recha sets out on a journey through the deep Catalonia with his twin brother David. Wandering along by-roads in the proximities and beyond the Ebre River, Dies d'agost charts a road movie, starting out with a sun that literally melts the water to transform it in a portrait of sibling intensity. A visual travelogue that transfigures itself into an odd autobiographical essay. On the way, the brothers come across the story of the catfish, with echoes from the Civil War, with the memories of Republican journalist Ramon Barnils (1940-2001), with their own family's past and with characters who are “real and in no way have been specially characterized for to be placed within the story's dynamics”. With its poetics of an interrupted landscape, Recha finds that memory, reflection, myth and even the absurd may inhabit the clearest images of nature, without it being an act of pollution but a libertarian way of relating with the world.

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Copia / Print KWA Kevin Williams Galeón 32 bajo A 28042 Madrid, Spain T +34 91 747 3100 F +34 91 747 7000 E [email protected] www.kevinwa.com

Marc Recha Cineasta catalán nacido en octubre de 1970 en Barcelona: tras dirigir una media docena de cortos, realizó los largos El cielo sube (1992), El árbol de las cerezas (1998), Pau y su hermano (2001) y Las manos vacías (2003). Catalonian filmmaker born in October 1970 in Barcelona. He shot six shorts before the feature films El cielo sube (1992), El árbol de las cerezas (1998), Pau y su hermano (2001) and Las manos vacías (2003).

Trayectorias | Panorama

España - Spain, 2006 112' / 35 mm / Color D: Joaquim Jordá G: Joaquim Jordá, Laia Manresa F: Carles Gusi, Ricardo Iscar, Carla Subirana S: Dani Fontrodona E: Nuria Esquerra M: Laura Casaponsa PD: Antoni Camín PE: Daria Esteva, Quique Camín CP: Unicamente Severo Films Ovideo TV SA Contacto / Contact Ovideo TV, S.A. Av. Tibidabo, 49 08035 Barcelona, Spain T +34 93 253 03 20 F +34 93 212 00 29 E [email protected] www.ovideo.com

Más allá del espejo (Beyond the Mirror)

El infarto cerebral que le produjo alexia y agnosia visual no llegó a cambiar radicalmente el rumbo del cineasta y traductor Joaquim Jordá: simplemente porque su compromiso siguió inalterable. Como reflexión creativa sobre su nueva condición frente al mundo, en 1999 Jordá realizó Monos como Becky, una puesta en crisis sobre la psiquiatría y los desórdenes mentales. Más allá del espejo se puede considerar un nuevo capítulo en esta búsqueda, con más autoexposición y con la simplicidad que sólo da la sabiduría. El mismo Jordá sale al encuentro de distintas mujeres que comparten una sensibilidad difícil de entender, ubicada bien cerca de la imaginación de Lewis Carroll en sus maravillosas Alicias. Diario afectivo de una comunidad ligada por una manera distinta de percibir, la película póstuma de Jordá no es terminal, oscura ni fatalista: es principalmente la herencia de alguien que siempre creyó, pese a todos los males de este mundo, que el cine es una apuesta incorruptible por la lucidez. The stroke caused him alexia and visual agnosia was not enough to radically change the course of filmmaker and translator Joaquim Jordá: simply because his commitment remained unchanged. As a creative reflection before the world on his new condition, in 1999 Jordá shot Monos como Becky, where he brought psychiatry and mental disorders in crisis. Más allá del espejo may be regarded as a new chapter in this quest, only with more self-exposition and with the simplicity that only comes from wisdom. Jordá himself encounters several women sharing a sensitivity that is hard to understand, very close to Lewis Carroll's imagination in his wonderful Alices. An affective diary of a community bonded by a different manner of perceiving, Jordá's posthumous film is not terminal, dark or fatalist: it's mainly the heritage of someone who always believed, in the face of all the ills of this world, that cinema is an incorruptible bid for lucidity.

Joaquim Jordá Nacido en Santa Coloma de Farners (Girona) en 1935 y fallecido en Barcelona en 2006, Joaquim Jordá Catalá estudió cine en el IIEC. Debutó en el largometraje con un film mítico de la llamada “escuela de Barcelona”, Dante no es únicamente severo (1967), que codirigió con Jacinto Esteba. Luego se orientó hacia el documental (Númax presenta…, 1979; Veinte años no es nada, 2005) y Monos como Becky (1999). También ejerció la docencia y fue guionista. He was born in Santa Coloma de Farners, Girona, in 1935 and died in Barcelona in 2006. He studied Film at IIEC. He made his feature debut with a mythical film of the socalled “Barcelona School”, Dante no es únicamente severo (1967), co-directed with Jacinto Esteba. Later, he branched off into documentary (Númax presenta…, 1979; Veinte años no es nada, 2005), and Monos como Becky (1999). He was also a professor and screenwriter.

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Estados Unidos / Alemania US / Germany, 2006 118' / Betacam / Color D: Hal Hartley G: Hal Hartley F: Sarah Cawley Cabiya DA: Richard Sylvarnes S: Paul Oberle E: Hal Hartley P: Hal Hartley, Michal S. Ryan, Martin Hagemann, Jason Kliot, Joana Vicente CP: Possible Films – That Is That / Zero Fiction Film GmbH I: Parkey Posey, Jeff Goldblum, James Urbaniak, Saffron Burrows, Liam Aiken, Elina Löwensohn, Thomas Jay Ryan, Leo Fitzpatrick, Chuck Montgomery, Nikolai Kinski Contacto / Contact HDNet Films, LLC 122 Hudson Street, 5th floor 10013 New York, NY, USA T +1 212 255 0626 F +1 212 255 0602 E [email protected] www.hdnetfilms.com

Fay Grim

Copia / Print Magnolia Pictures 49 West 27th Street, 7th Floor 10001 New York, NY, USA T +1 212 924 6701 F +1 212 924 6742 E [email protected] www.magpictures.com www.faygrimfilm.com

En 1997 Henry Fool estableció una particular amistad con el recolector de residuos Simon Grim. Ambos escritores en potencia, Henry escribía sus extensas y pretensiosas memorias que completan varios tomos, mientras instaba a Simon a que hiciera lo mismo y escribiese un diario personal con lo que sentía. Y la neurótica Fay Grim, hermana de Simon, comenzaba una relación amorosa con Henry. Continuando casi diez años más tarde los personajes de uno de sus mejores filmes, Henry Fool, y salteándose sus dos últimos trabajos pero con el mismo estilo visual y el oído agudo para los diálogos, Hartley presenta la historia de Fay, ahora madre de un adolescente conflictivo y la mujer de un hombre que desapareció misteriosamente y de quien se cree que está muerto. Hasta que una serie de situaciones, que incluyen a unos agentes de la CIA y un misterioso objeto enviado por correo, hacen suponer lo contrario y echan luz sobre el pasado oculto de Henry, y obligan a Fay a embarcarse en una aventura de espionaje alrededor del mundo que la llevará de Nueva York a París y finalmente a Estambul.

Hal Hartley

In 1997, Henry Fool established a particular friendship with garbage collector Simon Grim. Both potential writers, Henry wrote his extensive, pretentious memoirs that took up various volumes, while he urged Simon to do the same, to write a personal diary talking about his feelings. And Simon's neurotic sister, Fay Grim, got romantically involved with Henry. Almost ten years later, Hartley takes up the characters of one of his best films, Henry Fool, and skipping his last two works but with the same visual style and sharp ear for dialogue, he presents the story of Fay, now the mother of a troubled teenager and the wife of a man who mysteriously disappeared and is thought to be dead. Until a series of events, which include CIA agents and a mysterious object sent by mail, make it seem like he's not dead after all, and throw light on Henry's hidden past, and force Fay to embark on an espionage adventure around the world, which will take her from New York to Paris and finally to Istambul.

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Neoyorquino nacido en noviembre de 1959 en Long Island, estudió en Boston y, tras algunos experimentos de aficionado en Súper 8 mm, devino uno de los directores independientes más personales de los noventa. Hasta el momento ha dirigido una gran variedad de cortos y telefilmes, así como una decena de largos entre los que destacan La verdad increíble (1989),Confía en mí (1990), La última oportunidad (1991), Flirt (1993), Amateur (1994) y Henry Fool (1997). Desde hace un tiempo vive en Berlín. New Yorker born in November, 1959 in Long Island, he studied in Boston and, after some amateur experiments on Super 8, became one of the most personal independent filmmakers in the '90s. So far, he has directed a variety of shorts and films for TV, as well as about ten feature films, which include The Unbelievable Truth (1989), Trust (1990), Simple Men (1991), Flirt (1993), Amateur (1994) and Henry Fool (1997). He has been living in Berlin for some time.

Trayectorias | Panorama

Estados Unidos - US, 2006 217' / 16 mm / Color D: Frederick Wiseman F: John Davey S: Frederick Wiseman E: Frederick Wiseman CP: Idaho Film, Inc. Contacto / Contact Zipporah Films, Inc. One Richdale Avenue, #4 02140 Cambridge, MA, USA T +1 617 576 3603 F +1 617 864 8006 E [email protected] www.zipporah.com

State Legislature

DDHH

(Legislatura estatal)

A los 77 años, Wiseman continúa con su minuciosa y obsesiva exploración de los mecanismos menos conocidos de la democracia estadounidense. En este caso describe, en un film de largo aliento (casi cuatro horas), la tarea de los senadores y otros representantes electos que se encargan de (re)distribuir los recursos presupuestarios en el conservador estado de Ohio. A pura observación y con su habitual constancia, sin apelar nunca a entrevistas ni a comentarios en off, el obstinado director explora y expone, a partir de audiencias públicas y de encuentros privados, de pomposas ceremonias y de charlas informales de pasillo, las complejidades, contradicciones y miserias de una labor legislativa que pocos conocen y muchos padecen. Diego Batlle

At 77, Wiseman continues on his thorough, obsessive exploration of the least-known mechanisms of US democracy. In this lengthy four-hour film without interviews or off-camera narration, he describes the jobs of Senators and other elected representatives in charge of (re)distributing budget moneys in the conservative state of Ohio. By dint of observation and with his habitual perseverance, the stubborn director explores and exposes –based on public hearings and private meetings, pompous ceremonies and informal hallway chats– the complexities, contradictions and miseries of a legislative work known by few and suffered by most.

Frederick Wiseman Nació en 1930 en Boston, Massachusetts, donde ha desarrollado toda su obra, iniciada con Titicut Follies (1967, exhibida en la anterior edición del Bafici) y que incluye treinta documentales de diversos formatos y duraciones. Su trabajo anterior es The Garden (2005). Born in 1930 in Boston, Massachusetts, where he has carried out all his work, which kicks off with Titicut Follies (1967, screened at Bafici 2006) and includes some thirty documentaries in various formats and lengths. His previous title is The Garden (2005).

DB

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Panorama | Careers

Estados Unidos - US, 2005 78' / Digibeta / Color D: Haskell Wexler F: Alan Barker, Joan Churchill, Tamara Goldsworthy, Kevin McKiernan, Rita Taggart, Haskell Wexler S: Andrew Amondson, Alan Barker, Forest Thurman, Jeff Wexler E: Lisa Leeman, Tamara Maloney M: Greg Landau P: Tamara Maloney CP: The Institute for Cinema Studies Contacto / Contact Kinga Dobos E [email protected] [email protected] www.whoneedsleep.net

Who Needs Sleep? (¿Quién necesita dormir?)

Sabido es que en el mundo neoliberal las profesiones más apreciadas tienden a tener las peores condiciones de trabajo, por aquello de que siempre hay alguien dispuesto a ocupar el lugar del que protesta. Hollywood no es la excepción a la regla y así nos lo muestra el veterano Haskell Wexler en un film casi de barricada. La feroz competencia entre estudios y la lucha por reducir costos llevan a que los rodajes tengan jornadas kilométricas, particularmente en los rubros técnicos, con la connivencia de los sindicatos. Wexler, apreciado en la industria a pesar de su edad y su militancia política, despierta a esta realidad al enterarse de la muerte de un compañero que se durmió mientras manejaba. Cual fiscal implacable, aprovechará sus contactos para enfrentar a algunos responsables del sombrío statu quo. Ver a los líderes de la principal industria cinematográfica de Occidente lavarse las manos y echarse las culpas unos a otros, revela la crueldad de un sistema en el que la prioridad es el producto y la avaricia, disfrazada de inteligencia económica, busca el rendimiento máximo a cualquier precio. It is common knowledge that, in the neoliberal world, the best regarded professions tend to have the worst working conditions, for there is always someone who is willing to jump into the moaner's shoes. Hollywood is no exception to the rule, and that's what veteran Haskell Wexler shows us in this, a film that is almost a barricade. The ferocious competition between studios and the fight to cut costs cause shootings to have extraordinarily long working days, particularly for technicians, with collusion from the unions. Wexler, well-liked in the industry in spite of his age and political militancy, wakes up to this reality when he hears about the death of a co-worker who dozed off as he was driving. Like a ruthless prosecutor, he will turn to his contacts to confront some culprits of the bleak statu quo. Seeing the heads of the leading film industry in the West not taking any responsibilities and passing the blame to one another reveals the cruelty of a system that prioritizes the product, and greed, disguised as economic intelligence, strives to maximize earnings at any cost.

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Haskell Wexler Célebre director de fotografía nacido en Chicago en 1926, Wexler aprendió el oficio de otro grande, James Wong Howe. Primero cineasta amateur, luego operador de cámara y finalmente director de fotografía, Wexler obtuvo varios Oscar y otros importantes premios a lo largo de una brillante carrera iniciada a finales de los 50. Como director realizó cortos, medios y largometrajes, generalmente documentales y algunos de ficción, como Medium Cool (Perspectivas, 1969) y Latino (1985). Renowned cinematographer born in Chicago in 1926, Wexler learned the trade from another big name, James Wong Howe. At first an amateur filmmaker, then a camera operator and finally a cinematographer, Wexler won many Oscars and other important awards throughout a brilliant career started in the late '50s. As a director, he made short, medium and full-length films, mostly documentaries but some fiction, like Medium Cool (1969) and Latino (1985).

Trayectorias | Panorama

Francia / Suiza - France / Switzerland, 2006 111' / 35 mm / Color D: Claire Simon G: Claire Simon, Nadège Trébal, Jérôme Beaujour F: Pascal Granel DA: Dan Bevan S: Julien Cloquet E: Daniel Gibel, Julien Lancheray M: Martin Wheeler P: Gilles Sandoz CP: Promenade Films - Maïa Films / Vega Film AG I: Camille Varenne, Gilbert Melki, Kader Mohamed, Marion Maintenay, Olivia Villaumez, Viviane Bonelli Contacto / Contact Films Distribution Paméla Leu Festivals Manager 20, rue Saint Augustin 75002 Paris, France T +33 1 53 10 33 99 F +33 1 53 10 33 98 E [email protected] www.filmsdistribution.com

Ça brûle On Fire (En llamas)

Se puede pensar que eso que quema es el amor que siente la quinceañera Livia por el bombero Jean, que la ayudó después de caerse mientras cabalgaba su hermoso caballo, en unas vacaciones en el sur de Francia. Y que eso que quema la va incendiando lentamente y todo el tiempo, y aumentando su temperatura hasta hacerle hacer lo más increíble e irremediable, con tal de estar junto a él. Pero, en realidad, eso que quema es la voluntad de Claire Simon de hacerse carne en su intensa protagonista, y no es para menos, al ver esa fuerza de la naturaleza que es Livia, en el mundo real Camille Varenne. Y lo logra con una narración escueta y moderna, que obliga al espectador a unir la poca información dispersa y le ahorra el monstruo imbatible de las explicaciones (malamente) psicológicas, pero reservándose sus grandes momentos melodramáticos para el desenlace. Como si Ça brule diera vuelta como un guante tanta historia francesa de heroína locamente enamorada y terminara justo antes de que esas típicas tópicas empiecen a asomar sus lugares comunes. Ça brule es una película que no se parece a ninguna. It could be thought that what is burning is the love fifteen-year-old Livia feels for fireman Jean, who helped her after she fell off her beautiful horse while riding during her vacations in the south of France. And that what is burning catches fire on her, slowly but surely, as her temperature rises to the point of making her do the unbelievable and the futile just to be by his side. However, what is burning is Claire Simon's will to incarnate in her intense main character. And we can't blame her, seeing that force of nature that is Livia, Camille Varenne in the real world. And Simon achieves that with a modern, concise narrative that makes the audience gather the little, scattered information it gives, and spares us from the monster of (bad) psychological explanations, yet saving her great melodramatic moments for the ending. As if Ça brule turned so many French stories of heroines madly in love on their heads and finished right before those typical clichés started to appear. Ça brule is a film unlike any other.

Claire Simon Documentalista que trabaja alternativamente para el cine y la televisión, haciendo cortos y largos, entre estos Coût que coûte (1996) y 800 km de différence –Romance– (2002) y que, de tanto en tanto, incursiona en la ficción, como con Sinon, oui (1997) y el film que exhibimos en esta edición del Bafici. Documentarist working alternatively for cinema and TV, shooting short and fulllength features, including Coût que coûte (1996) and 800 km de différence –Romance– (2002) who, once in a while, does fiction, like with Sinon, oui (1997) and the film being screened in this edition of Bafici.

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Francia / Italia - France / Italy, 2006 120' / 35mm / Color D: Alain Resnais G: Jean-Michel Ribes F: Eric Gauthier DA: Jacques Saulnier, Solange Zeitoun S: Jean-Marie Blondell E: Hervé de Luze M: Mark Snow P: Bruno Pésery CP: Soudaine Compagnie / BIM Distribuzione I: Sabine Azéma, Lambert Wilson, André Dussollier, Pierre Arditi, Laura Morante, Isabelle Carré, Claude Rich, Françoise Gaillard, Anne Kessler Contacto / Contact Paula Zupnik Distribution Company Ayacucho 595 C1026AAC Buenos Aires, Argentina T +54 11 43 75 99 45 E [email protected] www.distribution-company.com

Corazones Coeurs (Private Fears in Public Places)

Aunque hace quince años que Alain Resnais viene desplegando historias múltiples de personajes y parejas que se entrecruzan, desde Smoking/No smoking a Pas sur la bouche, pasando por Conozco la canción, nada más lejos para definir sus últimos trabajos que hablar de “películas corales”. Como siempre en su cine –como antes en Providence o La vida es una novela–, en Coeurs busca explorar los potenciales narrativos de un relato. Volviendo sobre el autor Alan Ayckbourn, se ocupa de un puñado de parejas en la moderna Bercy, del juego entre lo que dicen y lo que hacen, entre el lugar en el que están y el que quisieran ocupar, en un tono que está justo al lado del vodevil, del que toma su levedad pero quintuplica la inteligencia del planteo. Los actores, la justeza del corte, el cine y el teatro como hermanos siameses –lo que ya probó en Mélo–, todo eso brilla, una vez más, sin el menor asomo de cansancio. De Resnais siempre podrá decirse que cuanto más artificial es, más verdadero se vuelve. Even though for the last fifteen years Alain Resnais has been displaying countless stories of characters and couples who cross one another's paths, from Smoking/No smoking through Not On the Lips, and including Same Old Song, nothing could be further from the truth to define his latest films than to call them “choral”. As usual in his work –as in Providence or Life Is a Bed of Roses before–, in Coeurs he looks to explore the narrative potential of a story. Revisiting author Alan Ayckbourn, he busies himself with a handful of couples in modern Bercy, with the game between what they say and what they do, between the place they are now and the one they would like to be in, in a tone close to vaudeville, from which he borrows its light touch but raises the intelligence of the proposal. The actors, the editing accuracy, cinema and theater as Siamese twins –which he already proved in Mélo–, everything glitters once more without the least trace of tiredness. Of Resnais one can always say that the more artificial, the truer he becomes.

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Alain Resnais Bastaría mencionar Hiroshima mon amour (idem, 1959) para presentar a Alain Resnais, nacido en 1922 y gran pope de la Nouvelle Vague. Había comenzado en 1948 a realizar cortometrajes de arte y tras aquel primer largo edificó una obra enorme, no tanto en cantidad sino en calidad, en la que destacan Hace un año en Marienbad (1960), La guerra ha terminado (1966), idem (1974), idem (1976) y los más recientes Conozco la canción (1997) y Pas sur la bouche (2003). It would be enough to name but Hiroshima mon amour (Hiroshima, My Love, 1959) to introduce Alain Resnais (born 1922), a great of Nouvelle Vague. Started to make art shorts in 1948 and after Hiroshima he built an impressive body of quality work including L'année dernière à Marienbad (Last Year at Marienbad, 1960), La guerre est finie (The War Is Over, 1966), Stavisky (1974), Providence (1976) and the more recent On connaît la chanson (Same Old Song, 1997) and Pas sur la bouche (Not On the Mouth, 2003).

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Francia / France, 2006 30' / 35mm / Color D: François Ozon G: François Ozon F: Yorick Le Saux DA: Sébastien Danos, Etienne Mercier, Paco Cuevas S: Laurent Benaim, Stéphane Vizet E: Muriel Breton P: Cécile Vacheret CP: FOZ I: Louis Garrel, Vahina Giocante, Mathieu Amalric Contacto / Contact Celluloid Dreams Pascale Ramonda 2, rue Turgot 75009 Paris, France T +33 1 49 70 85 64 E [email protected] www.celluloid-dreams.com

Un lever de rideau A Curtain Raiser (Un telonero)

Se sabe, la espera es ese momento en el que todas las convenciones desfallecen y la vanidad, en permanente replanteo, se reduce a su mínima expresión. Con ese tema, el multifacético Ozon construye una miniatura, cuya dimensión no le quita sabor, basándose en la pieza teatral Un incompris, escrita por el académico francés Henry de Montherlant en los años cuarenta. Dos personajes bastan para esta situación clásica, pero el dramaturgo agregó un tercero (Mathieu Amalric), que funciona como contrapunto y reflejo de los sentimientos de su amigo Bruno (Louis Garrel). La mujer es un enigma a develarse, una puerta cerrada que exaspera al protagonista. No sabemos si se concretará su llegada ni tampoco cómo reaccionará Bruno, que se debate entre la dignidad y la derrota. Un lever de rideau funciona en un solo espacio, con un único, pequeño hilo argumental y diálogos soberbios. It is common knowledge that waiting is that time when all conventions just vanish and vanity, constantly being questioned, is reduced to its minimum. That subject matter allows the versatile Ozon to build a miniature whose size does not detract from its flavor, based on French academic Henry de Montherlant's 1940's play Un incompris. Two characters are enough for this classic situation, but the playwright added a third (Mathieu Amalric), who acts as a counterpoint to and the reflection of his friend Bruno (Louis Garrel). The woman is an enigma to be revealed, a closed door that exasperates the protagonist. We do not know whether her arrival will occur, as we do not know how Bruno, whose dignity is struggling to beat defeat, will react. Un lever de rideau works in a single space, with one single, small story, and superb dialogue.

François Ozon Nacido en París en noviembre de 1967, Ozon inició a finales de los noventa una obra que ya suma más de veinte títulos, entre los cuales los más recientes son Gotas que caen sobre rocas calientes (2000), Bajo la arena (2000), 8 mujeres (2002), La piscina (2003), Vida en pareja (2004) y El tiempo que se queda (2005). Born in Paris in November 1967. Started a body of work in the late '90s which already accrues over twenty titles, the latest among which are Gouttes d'eau sur pierres brûlantes (Water Drops on Burning Rocks, 2000), Sous le sable (Under the Sand, 2000), 8 femmes (8 Women, 2002), Swimming Pool (Swimming Pool, 2003), 5 x 2 (Five Times Two, 2004) y Le temps qui reste (Time to Leave, 2005).

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Francia - France, 2006 86' / Betacam / Color D: Rithy Panh F: Prum Mesar S: Sear Vissal E: Marie-Christine Rougiere CP: Institut National de l'Audiovisuelle - Bophana Production - CDP - France 3 - France 5 Contacto / Contact INA Michèle Gautard 4 avenue de l'Europe 94360 Bry Sur Marne, France T +33 1 49 83 29 92 E [email protected] www.ina.fr

Le papier ne peut pas envelopper la braise

DDHH

Paper Cannot Wrap Up Embers (El papel no puede envolver brasas)

El genocidio camboyano ocurrido entre 1975 y 1979 le quitó la vida al 21% de la población del país, alrededor de 1.700.000 personas, convirtiéndose en una de las peores tragedias del siglo pasado. Rithy Panh perdió a sus padres y atravesó uno de los tantos campos de concentración que el Khmer Rouge diseminó bajo la dirección de Pol Pot. Con su nueva película, Le Papier ne peut pas envelopper la braise, Panh continúa indagando en las secuelas de esa guerra y los efectos que tuvo en los sobrevivientes. Aquí, ese énfasis esta puesto sobre un grupo de jóvenes mujeres que se prostituyen en un pequeño burdel camboyano. A través de sus historias y sus reflexiones, se hace visible la explotación política y económica de los cuerpos, no sólo femeninos sino de todos aquellos que sufren el abandono y la ausencia: sus hijos, sus maridos y hermanos, soldados muertos o con traumas por la violencia. Todo tipo de heridas que esperan ser curadas en un limbo donde el espacio es limitado y el tiempo parece suspendido. The 1975-1979 Cambodian genocide took the life of 21% of the country´s population, around 1.7 million people, turning it into one of the worst tragedies of the last century. Rithy Panh lost her parents and suffered in one of the concentration camps run by Khmer Rouge's Pol Pot. With his new film, Le Papier ne peut pas envelopper la braise, Panh continues to look into the effects of that war on survivors. Here the focus is brought upon a group of young women who prostitute themselves in a little Cambodian brothel. Through their stories and reflections, political and economic exploitation of the body is evidenced, not only female but all those who suffer neglect and the absence of their children, husbands and brothers, soldiers who died or sustained post trauma stress. All kinds of wounds waiting to be healed in a limbo where space is limited and time seems to have frozen.

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Rithy Panh Camboyano nacido en Phnom Penh en 1964. Desde hace años vive en París, donde además de ser profesor en La Fémis, ha concretado una docena de documentales que, a pesar de ser producciones francesas, asumen temáticas propias de su país de origen, donde además los filma. Cambodian, born in Phnom Penh in 1964. Has lives in Paris, teaches at La Fémis. He completed a dozen documentaries, which are French productions but deal with subject matters related to his native country, where he shoots them.

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Irán - Iran, 2006 85' / 35 mm / Color D: Raffi Pitts G: Raffi Pitts F: Mohammad Davoodi DA: Malak D. Khazai S: Yadollah Nadjafi, Naser Shokohinia E: Hassan Hassandoost M: Hossein Alizadeh P: Mohammad Mehdi Dagdoo I: Mitra Hadjar, Ali Niksolat, Saeed Orkani Contacto / Contact Celluloid Dreams Pascale Ramonda 2, rue Turgot 75009 Paris, France T +33 1 49 70 85 64 E [email protected] www.celluloid-dreams.com

It's Winter Zemestan (Es invierno)

Mokhtar pierde su trabajo. Hace frío y nieva. Cuando llega a su casa, se enfrenta a su mujer, a su pequeña hija y a su suegra, y les explica que parte con rumbo desconocido para trabajar en otro lugar para hacer dinero. Al mismo tiempo llega Marhab al pueblo que acaba de abandonar Mokhtar, en una situación muy parecida, intentando encontrar un trabajo que le permita sobrevivir y utilizar su talento como mecánico. Pero pasa el tiempo y no se tienen noticias de Mokhtar. Mientras tanto, Marhab se enamora de la mujer del primero, a quien ya todos creen muerto. Con una aproximación casi neorrealista, pero con un ojo atento a la composición visual, el mundo que plantea It's Winter en los alrededores de Teherán se basa en la capacidad para trabajar de los protagonistas. La ausencia de esta posibilidad, las relaciones que allí surgen y la manera de vivir las horas fuera del trabajo son las líneas dramáticas por las que trascurre la tercera película de Rafi Pitts, quien presentó en el sexto Bafici su documental sobre Abel Ferrara. Mokhtar loses his job. It's cold and it's snowing. When he gets home, he faces his wife, his little daughter, his mother-in-law, and he explains to them that he is leaving, destination unknown, to work somewhere else and earn some money. At the same time, Marhab arrives at the town Mokhtar has just left, trying to find a job to enable him to survive and use his skills as a mechanic, just as Mokhtar did. But time goes by, and there's no news of Mokhtar. Meanwhile, Marhab falls in love with Mokhtar's wife. Everyone believes Mokhtar is dead. Almost Neo-realist in approach, with a keen eye for visual composition, the world painted by It's Winter in the outskirts of Tehran is based on its protagonists' capacity for work. The lack of this capacity, the relationships that arise there and the way of living the hours of leisure are the dramatic lines that run through Rafi Pitts' third film, after presenting his documentary on Abel Ferrara at the sixth Bafici..

Raffi Pitts Nacido en Mashhad en 1967, Pitts suma dos largometrajes previos: Season Five (1997) y Sanam (1999). También contribuyó en 2003 a la serie televisiva francesa Cinéma de notre temps con un programa dedicado a la obra de Abel Ferrara. Born in Mashhad in 1967, he previously made two films: Season Five (1997) and Sanam (1999). He also made a contribution to the French TV series Cinéma de notre temps with a program dedicated to the works of Abel Ferrara in 2003.

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Italia / Francia - Italy / France, 2006 110' / 35 mm / Color D: Paolo Sorrentino G: Paolo Sorrentino F: Luca Bigazzi DA: Lino Fiorito S: Emanuele Cecere E: Giogiò Franchini P: Nicola Giuliano, Francesca Cima, Domenico Procacci CP: Fandango SRL / Studio Canal I: Giacomo Rizzo, Laura Chiatti, Fabrizio Bentivoglio, Giovanni Caruso, Luigi Angelillo, Fabio Grossi Contacto / Contact Wild Bunch 99 rue de la Verrerie 75004 Paris, France T +33 1 53 01 50 20 F +33 1 53 01 50 49 E [email protected] www.wildbunch.biz

L'amico de famiglia The Family Friend (El amigo de la familia)

Geremia De Geremei es “el amigo de familia”, un prestamista que podría figurar en cualquier antología de los personajes más desagradables de la historia del cine. Tiene una madre casi peor que él, un amigo cowboy italiano y una hermosa mujer con la que se involucra de una manera repelente. Pero no todo es lo que parece. Por otra parte, L'amico de famiglia no tiene su centro de gravedad en su solidez argumental sino en la capacidad audiovisual con la que cuenta Sorrentino, quien sabe extraer de cada arquitectura un paisaje asombroso y trabajar con los colores como si fueran parte de láminas surrealistas. Y, por supuesto, ubicar la música como pocos saben hacerlo en el cine contemporáneo: con sensibilidad y gran osadía. Vean si no ese comienzo con un partido de voleibol femenino y travellings muy lentos mientras suena “My Lady Story” de Antony & the Johnsons. Y luego quédense a ver una de las películas más polémicas de este festival. Geremia De Geremei is “the family friend”, a loan shark who could make it into any anthology of the nastiest characters in film history. He has a mother who's almost worse than him, an Italian cowboy friend and a beautiful woman he gets involved with in the most repellent way. However, appearances are deceptive. On the other hand, L'amico de famiglia doesn't revolve around its narrative solidity, but around Sorrentino's audiovisual capacity. He knows exactly how to squeeze an amazing landscape out of every architecture and he works with color as if it was coming from surreal paintings. And, of course, he knows how to place the music as few in contemporary cinema can: sensitively yet boldly. Just look at that opening with the female volleyball game and very slow travelings while “My Lady Story” by Antony & the Johnsons is playing. And then stay for one of the most controversial films in this festival.

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Paolo Sorrentino Director y guionista napolitano, nacido en 1979, dirigió dos cortometrajes y tres largos. Sus largos previos se titulan L'uomo in più (2001), Le conseguenze dell'amore (2004) y Sabato, domenica e lunedì (2005), una adaptación de la popular pieza teatral de Eduardo De Filippo. Neapolitan director and screenwriter born in 1979, he directed two shorts and three fulllength films. His previous films are entitled L'uomo in più (2001), Le conseguenze dell'amore (2004) and Sabato, domenica e lunedì (2005), an adaptation of the popular play by Eduardo De Filippo.

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Italia - Italy, 2006 107' / 35 mm / Color D: Marco Bellocchio G: Marco Bellocchio F: Pasquale Mari DA: Marco Dentici S: Gaetano Carito E: Francesca Calvelli M: Carlo Crivelli P: Massimo Vigliar, Luciano Martino, Marco Bellocchio, Sergio Pelone CP: Dania Film SRL - Albatross AMP SpA Surf Film SRL I: Sergio Castellitto, Corine Castelli, Sami Frey, Maurizio Donadoni, Gianni Cavina, Claudia Zanella Contacto / Contact Celluloid Dreams Pascale Ramonda 2, rue Turgot 75009 Paris, France T +33 1 49 70 85 64 E [email protected] www.celluloid-dreams.com

Il regista di matrimoni The Wedding Director (El director de bodas)

Bellocchio sigue sorprendiendo en su quinta década como cineasta. Al autor de la imprescindible I pugni in tasca (1965) la madurez lo encuentra con un dominio total de la narración cinematográfica, y de esa solvencia se desprende la libertad que respira Il regista di matrimoni. Franco Elica (Sergio Castellitto) es un cineasta en crisis profesional y familiar (su hija se casa con un católico recalcitrante) que está preparando su próxima producción. Para inspirarse y escapar de algunos problemas viaja a Sicilia, donde no sólo conoce a un admirador que se dedica a filmar bodas, sino que además se enamora de la novia de uno de esos matrimonios; para más datos, hija del príncipe Gravina de Palagonia, poderoso noble del lugar. Mientras tanto, un amigo cineasta finge su muerte para disfrutar, en vida, del reconocimiento que se les da a los difuntos. Los hilos narrativos de Il regista di matrimoni no son tensos pero sí muy seductores, y entre hermosos paisajes y casas describen con agudeza y sin anestesia las taras de la Italia contemporánea. Bellocchio continues to astonish us in his fifth decade as a filmmaker. Maturity finds the author of the essential I pugni in tasca (1965) in total control of film narrative. From that mastery derives the freedom steeping Il regista di matrimoni. Franco Elica (Sergio Castellitto) is a filmmaker undergoing a professional and family crisis (his daughter marries a dyed-in-the-wool Catholic) as he prepares his next production. For inspiration and to run away from some trouble, he travels to Sicily, where he not only meets an admirer who shoots weddings, but he also falls in love with the bride of one of those married couples being filmed, the daughter of Prince Gravina de Palagonia, a powerful local nobleman, to be more exact. Meanwhile, a filmmaker friend fakes his own death to bask, while alive, in the recognition bestowed on the departed. The storylines in Il regista di matrimoni are not too tight, but they are surely seductive, and they insightfully describe without anesthesia –amid beautiful landscapes and houses– the deficits of contemporary Italy.

Marco Bellocchio Nació en Piacenza en 1939. Sorprendió al mundo con su notable primer film, I pugni in tasca (1965), que iba a contramano de la comedia a la italiana en boga por aquellos años. Entre su vasta obra de una treintena de títulos, se destacan En el nombre del padre (1972), Marcia trionfale (1976), Gli occhi, la bocca (1982), Enrique IV (1984), Il Diavolo in corpo (1986, con el que fue pionero en entremezclar secuencias hardcore en un film no porno) e Il principe di Homburg (1997). Born in Piacenza in 1939. Took the world by surprise with his notable debut, Fist in His Pocket (1965), against the usual fare of commedia all' italiana, all the rage in those days. His vast body of over thirty works includes In the Name of the Father (1972), Victory March (1976), The Eyes, the Mouth (1982), Henry IV (1984), Devil in the Flesh (1986, pioneer in weaving in hardcore sequences in a non-porn film) and The Prince of Homburg (1997).

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Italia / Francia - Italy / France, 2006 68' / 35 mm / Color D: Danièlle Huillet, Jean-Marie Straub G: Danielle Huillet, Jean-Marie Straub F: Renato Berta, Marion Befve, Jean-Paul Toraille E: Danièlle Huillet, Jean-Marie Straub P: Danièlle Huillet, Jean-Marie Straub, Martine Martignac CP: Huillet-Straub / Archipiel-LTC – Pierre Grise Productions – Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains I: Angela Nugara, Vittorio Vigneri, Grazia Orsi, Romano Guelfi, Angela Durantini, Andrea Balducci, Enrico Achilli, Giovanna Daddi, Dario Marconcini, Andrea Bacci

Quei loro incontri

Contacto / Contact Pierre- Grise Distribution 21, avenue du aine 75015 Paris, France T +33 1 45 44 20 45 F +33 1 45 44 00 40 E [email protected] www.pierregrise.com/distribution/

Those They Encounter (Esos que ellos encuentran)

El último trabajo de Straub-Huillet es, tristemente, el último. La muerte de Danielle deja a Quei loro incontri como una suerte de testamento cinematográfico de la pareja. Rebeldes hasta el final, no quisieron presentarse a recibir el tardío premio “a la innovación en el lenguaje cinematográfico” que les iban a dar en Venecia. “No podría festejar con tanta policía pública y privada en búsqueda de un terrorista: el terrorista soy yo”, se excusó Straub, quien fue siempre el encargado de hablar en nombre de esa entidad indivisible que Cahiers intentó traducir con la fórmula Bazin + Marx = Straub + Huillet. ¿Que de qué trata Quei loro incontri? Bueno, básicamente, es la vuelta, 27 años después de Dalla nube alla resistenza, a los Diálogos con Leucó del escritor Cesare Pavese. En la campiña de Toscana, varios personajes recitan los últimos cinco diálogos del libro. Y a pesar de la estructura aparentemente simplísima del film, el genio extremista de los straubhuillet logra, lo mismo en la composición de los planos que en el montaje, cruzar teatro, cine, literatura, pintura, y terminar por inventar, si es que no lo habían hecho ya, un arte total. The latest work by Straub-Huillet is, sadly, the last. Danielle's death makes Quei loro incrontri a sort of cinematic testament of the couple. Rebels till the end, they didn't want to show up to receive the long due award “for the innovation in film language” that was to be given to them in Venice. “I couldn't celebrate with so much public and private police around in search of a terrorist: the terrorist is me”, Straub excused himself. He was always the one to speak in the name of that indivisible entity that Cahiers tried to translate using the formula Bazin+Marx=Straub+Huillet. What's Quei loro incontri? Well, basically, it's a return, 27 years after Dalla nube alla resistenza, to writer Cesare Pavese's Dialogues with Leuco. In Tuscan country, various characters recite the last five dialogues of the book. And despite the apparently very simple structure of the film, the extremist genius of straubhuillet accomplishes, in the composition of the shots as well as in the editing, to cross theater, cinema, literature, painting, and ends up inventing, if they haven't already done it, a total art.

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Los directores / The directors Danièlle Huillet (1936-2006) y Jean-Marie Straub (n. 1933), franceses ambos, conformaron una pareja creativa sin comparaciones posibles: lo hicieron a lo largo de más de cuarenta años, escribiendo, produciendo, dirigiendo y editando sus más de treinta films, entre cortos y largos, en Francia, en Alemania, en Italia, edificando una obra exquisita, personalísima, cuyos hitos se titulan Chronik der Anna Magdalena Bach (1968), Les yeux ne veulent pas en tout temps se fermer (1970), Dalla nube alla resistenza (1979), Der tod d'Empedokles (1987) y Von heute auf morgen (1997). Huillet murió en octubre pasado. Danièlle Huillet (1936-2006) and Jean-Marie Straub (born in 1933), both of them French, made up a creative pair with no possible comparison: they did it throughout more than forty years, writing, producing, directing and editing their more than thirty films, among them short subjects and feature films, in France, in Germany, in Italy, building up an exquisite body of work, very personal, whose milestones are entitled Chronik der Anna Magdalena Bach (1968), Les yeux ne veulent pas en tout temps se fermer (1970), Dalla nube alla resistenza (1979), Der tod d'Empedokles (1987) and Von heute auf morgen (1997). Huillet died last October.

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Italia - Italy, 2006 75' / 35 mm / Color D: Vincenzo Marra G: Vincenzo Marra F: Mario Amura S: Massimo Mittiga E: Cristina Flamini P: Vincenzo Marra CP: Nargira SpA Contacto / Contact R&C Produzioni Srl Via del Commercio, 32 00154 Roma, Italy T +06 57 28 85 91 +06 57 28 73 72 F +06 57 30 33 28

L'udienza è aperta The Session Is Open (La sesión está abierta)

Este joven director napolitano, ganador de la edición 2002 del Bafici con Tornando a casa y responsable también de otro gran trabajo de ficción como Vento di terra, regresa al documental con su mirada personal sobre un juicio seguido en un tribunal de su ciudad natal contra poderosos líderes de la camorra. Sin embargo, en los contundentes 75 minutos del relato, Marra ni siquiera muestra a los mafiosos –acusados de cometer varios asesinatos– sino que opta por seguir con su pequeña cámara de video al veterano juez de la causa y al abogado de uno de los narcotraficantes, mientras que como “actores” secundarios aparecen la simpática asistente del magistrado y los integrantes del jurado popular. A partir de las opiniones y de las actividades cotidianas tanto del juez como del abogado –famoso por sus artilugios a la hora de defender a la mafia local–, Marra construye un documento tan notable como perturbador sobre el precario estado de la justicia napolitana y sobre las contradicciones de aquellos individuos encargados de impartirla.

Vincenzo Marra Nació en Nápoles en 1972. Desde 1998 dirigió dos cortometrajes y los largos Tornando a casa (2001), el documental Estranei alla massa (2002) y Vento di Terra (2004). Born in Naples in 1972. He has directed since 1998 two shorts and the features Tornando a casa (2001), the documentary Estranei alla massa (2002) and Vento di Terra (2004).

Diego Batlle

This young Neapolitan filmmaker –winner of Bafici 2002 with Tornando a casa and the maker of another fine work of fiction, Vento di terra– returns to documentary with his personal take on a trial taking place in his home town against powerful camorra (the Naples mob) leaders. However, in the 70-minute tale, Marra not even shows the mafiosi –charged with multiple murders–; instead, he chooses to follow the veteran judge and one of the mobsters' attorneys with his small video camera, while the nice assistant to the judge and the members of the popular jury appear as “supporting actors”. Based on the judge and the attorney's daily activities –notorious for defending the local mafia–, Marra constructs a document as remarkable as disturbing on the precarious state of Neapolitan justice and the contradictions of those in charge of doing it. DB

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Japón - Japan, 2006 127' / 35 mm / Color D: Hirokazu Kore-eda G: Hirokazu Kore-eda F: Yamazari Yutaka DA: Isomi Toshihiro, Banba Masao S: Yutaka Tsurumaki E: Hirokazu Kore-eda P: Shiho Sato, Nozomu Enoki CP: Hana Film Partners I: Okada Junichi, Miyazawa Rie, Asano Tadanobu, Furuta Arata, Kagawa Turuyuki Contacto / Contact GOKSA Samseong APT 109-705, Changjeon-dong, Mapo-gu 121-778 Seoul, Korea T +82 11 495 70 54 E [email protected]

Hana Hana yori mo naho

En una pequeña aldea vive Soza, un joven samurai que carga con la pesada tarea de cumplir el deseo de su padre en su lecho de muerte: encontrar a su asesino y vengar su muerte. Pero Soza no está preparado. En su rutina de enseñarles a escribir a niños y mujeres, y ensayar su papel para la obra teatral del pueblo, no hay lugar para la violencia, y cuando es puesto en ridículo frente a todos por uno de los campesinos, queda en claro que no está listo para un posible enfrentamiento. Entre una variada población, están quienes se preocupan porque los harakiris de un suicida recurrente no ensucien los pisos, un grupo de viejos chismosos al tanto de todo lo que sucede y la joven viuda, de quien Soza comienza a enamorarse y que no hace más que acrecentar sus dudas acerca de cumplir con el mandato paterno o vivir la vida que desea. Hasta que llegue el momento decisivo e inevitable. Como lo hicieron otros directores orientales (Ang Lee, Zhang Yimou), Hirokazu se refugia en el cine de samurais como una manera de reforzar las raíces, pero también para poner en tela de juicio “el camino del samurai”, y encuentra el lugar perfecto para lograr una comedia ágil, divertida y muy sensible, con el mismo talento que ya había demostrado en todos sus anteriores films. In a small village lives Soza, a young samurai who carries the heavy burden of honoring his father's dying wish: finding his killer and avenging his death. But Soza isn't ready. In his routine of teaching women and children how to write and rehearsing his part in the village stage play, there is no room for violence; it becomes clear that he isn't ready for a confrontation when he is publicly ridiculed by one of the peasants. Among a varied population, there are those who worry that a suicidal man's harakiris don't get the floors dirty, a group of gossipy old men who know about everything that's happening and the young widow, with whom Soza starts falling in love. This does nothing but increase his doubts about obeying his father's command or living the life of his choice. Until the decisive, inevitable moment arrives. As other Oriental directors have done (Ang Lee, Zhang Yimou), Hirokazu takes shelter in samurai films as a way of strengthening his roots, but also to question “the way of the samurai”, and he finds it the perfect place to achieve a brisk, amusing comedy with a heart, showing the same talent he had already demonstrated in all his previous films. Buenos Aires 9º Festival Internacional de Cine Independiente

Hirokazu Kore-eda Nacido en Tokio en 1962, estudió en la Universidad de Waseda y tuvo un entrenamiento intensivo trabajando para la TV japonesa, especialmente en programas documentales. Sus posteriores largometrajes lo posicionaron como uno de los más prestigiosos directores de su país: Mabarosi (1995), Without Memory (1997, documental), After Life (1998), Distance (2001) y Nadie sabe (2004). Born in Tokyo in 1962, he studied at Waseda University. He had an intensive training working for Japanese TV, especially in documentary programs. His later films placed him as one of the most prestigious directors in his country: Mabarosi (1995), Without Memory (1997, documentary), After Life (1998), Distance (2001) and Nobody Knows (2004).

Trayectorias | Panorama

Japón - Japan, 2005 126' / 35 mm / Color D: Hiroki Ryuichi G: Arai Haruhiko F: Suzuki Kazuhiro DA: Harada Yasuaki S: Fukada Akira E: Kikuchi Jyunichi M: Nido P: Morishige Akira CP: Studio Three Co. Ltd. I: Terajima Shinobu, Toyokawa Etsushi, Matsuoka Shunsuke, Taguchi Tomorowo, Tsumabuki Satoshi Contacto / Contact Gold View Co., Ltd. 3-50-5 Entopia Ogikubo #1201 Asagaya-minami Suginami-ku 166-0004 Tokyo, Japan T +81 3 53 47 25 01 F +81 3 53 47 25 05 E [email protected] www.goldview.co.jp

It's Only Talk Yawarakai seikatsu (Sólo son habladurías)

La actriz Terajima Shinobu , de notable desempeño en Vibrator (2003), vuelve a trabajar con Hiroki en una historia diferente pero que continúa el recatado y adulto sentimentalismo de aquella. Ahora es la treintañera y alienada Yuko, una mujer sola que no necesita trabajar para vivir, lo que le da piedra libre para repasar una y otra vez su depresión y su abulia. El principal contacto con el exterior es una serie de encuentros sexuales ocasionales, algunos disparados desde un fotolog donde atesora imágenes de los lugares que ha conocido. Cuando su primo Shoichi (Terajima Shinobu) vuelve a aparecer en su vida, Yuko tendrá que compartir con él su bipolaridad. Como en Vibrator, no estamos seguros de cuánto hay de verdad en el pasado que cuentan los personajes; la incertidumbre subyace en el moroso, anhedónico mundo de Yuko y en la propia historia, que avanza con rumbo desconocido. Hiroki nos sumerge en la vida azarosa de sus personajes y comparte el recuerdo de un Godzilla hecho de neumáticos. Actress Terajima Shinobu , of Vibrator (2003) fame, teams up with Hiroki once more in a story which is different in content, but which nonetheless continues the demure, adult sentimentality of that film. Now she is the alienated thirty-year-old Yuko, a single woman who doesn't need to work for a living, which gives her plenty of time to go over her depression and ennui. Her main contact with the outside world is a series of casual sexual encounters, some of them triggered by a photolog treasuring pictures of places she has been to. When her cousin Shoichi (Terajima Shinobu) walks back into her life, Yuko will have to share her bipolar disorder with him. As in Vibrator, we are not sure about how much truth there is in the past as told by the characters; uncertainty underlies Yuko's morose, anhedonic world and the story itself, which goes down an unknown path. Hiroki plunges us into the random life of his characters and shares the memory of a Godzilla made of tires.

Hiroki Ryuichi Prolífico realizador japonés nacido en 1954 que se inició en los dominios del cine porno soft. Tras estudiar en Sundance, debutó en el largometraje profesional con el film erótico Catch the Woman out (1982): desde entonces lleva realizada una veintena de filmes en cuyos títulos se evidencia su temática favorita, el sexo en su estado más perverso. Sus producciones más recientes son Vibrator (2003), Girlfriend (2004) y L'amant (2004). Prolific Japanese director born in 1954, who started his career in soft porn. After studying in Sundance, he made his debut in professional feature films with the erotic film Catch the Woman out (1982). Since then, he has made about twenty films whose titles reflect his favorite theme, sex at its most perverse. His latest productions were Vibrator (2003), Girlfriend (2004) and L'amant (2004).

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Panorama | Careers

Japón / Francia - Japan / France, 2006 43' / Betacam / Color D: Kawase Naomi F: Kawase Naomi S: Kawase Naomi E: Kawase Naomi, Takefuji Kayo P: Kawase Naomi COP: Thierry Garrel, Luciano Rigolini CP: Sent Inc. - Kumie / ARTE France I: Kawase Uno, Mitsuki, Kawase Naomi Contacto / Contact Kumie Inc. 2-14-2, Shitaya, Taito-ku 1100004 Tokyo, Japan T +81 90 55 25 44 28 E [email protected] www.kawasenaomi.com

Tarachime

Copia / Print ARTE France - Unité Documentaires Martine Zack 8 rue Marceau 92785 Issy les Moulineaux Cedex 9, France T +33 1 55 00 71 94 F +33 1 55 00 78 54 / 74 04 E [email protected]

birth/mother (parto/madre)

El cine de Kawase sigue moviéndose sobre los temas esenciales a los que nos tiene (bien) acostumbrados: familia, vida, muerte… Pero se mueve como un líquido sobre una superficie plana: explorando incansablemente, avanzando en muchas direcciones a la vez, cubriéndolo todo. En Tarachime, Kawase filma un parto, como en Shara, sólo que es el parto de su propio hijo. Y filma una muerte, como en Letter from a Yellow Cherry Blossom, sólo que es la muerte de su propia abuela, Uno, quien la crió en vez de su madre ausente y con quien la directora tiene todavía charlas pendientes. Y lo hace todo en menos de una hora, borrando en el camino la delgada línea entre documental y ficción, como en Shadow. Y va y viene sin reglas por el tiempo –puro presente perfecto, inventado en el montaje–, de una despedida al encuentro que la precede, de la muerte al nacimiento. Porque el cine de Kawase se mueve, y se mueve porque está vivo. Kawase's cinema keeps on moving through the essential subjects to which she has us (well) accustomed; family, life, death… But it moves like liquid over a flat surface: tirelessly exploring, moving forward in many directions at the same time, covering it all. In Tarachime, Kawase shoots a birth, as in Shara, only this is the birth of his own son. And shoots a death, as in Letter From a Yellow Cherry Blossom, only this is the death of his own grandmother, Uno, who raised her instead of her absent mother and with whom the director still has some pending conversations. And she does all this in less than an hour, erasing on her path the thin line between documentary and fiction, as in Shadow. And she comes and goes through time with no rules –pure present perfect invented by the editing–, from a farewell to the encounter that precedes it, from death to birth. Because Kawase's cinema moves, and it moves because it's alive.

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Kawase Naomi Nacida en Nara en 1969, Kawase Naomi realiza prácticamente sola sus films, que varían en sus duraciones y en su género, aunque con una marcada tendencia a relatar experiencias personales y familiares. Desde 1992 ha desarrollado una filmografía que comienza con el mediometraje Embracing (1992) y, entre otros títulos, incluye Firefly (2000), Letter from a Yellow Cherry Blossom (2003) y Shara (2003). Born in Nara in 1969, she makes her films practically on her own. Her filmography –which varies in length and genre but with a marked tendency to personal and family experiences– starts in 1992 with the medium-length feature Embracing (1992), and it includes Firefly (2000), Letter from a Yellow Cherry Blossom (2003) and Shara (2003).

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Portugal / Francia - Portugal / France, 2006 155' / 35 mm / Color D: Pedro Costa G: Pedro Costa F: Pedro Costa, Leonardo Simões S: Olivier Blanc E: Pedro Marques P: Francisco Villa-Lobos CP: Contracosta Produções, Unlimited Productions I: Vanda Duarte, Alberto “Lento” Barros, Isabel Cardoso, Beatriz Duarte, Gustavo Sumpta, Ventura, Cila Cardoso Contacto / Contact Memento Films International 40, rue de Paradis 75010 Paris, France T +33 1 48 00 09 48 E [email protected] www.memento-films.com

Juventude em marcha Colossal Youth (Juventud en marcha)

Ventura es un obrero inmigrante que llegó hace treinta años de Cabo Verde y fue a parar al barrio Fontainhas, en Lisboa. Pero esa zona es demolida y le ofrecen un departamento nuevo. Su esposa Clotilde lo abandona... Ventura vagabundea, visita a quienes considera sus hijos, aunque es dudoso que lo sean, como Vanda, el personaje de varias de las anteriores películas del director. Y también escribe un poema amoroso, hipnótico y desesperado para que su esposa vuelva. Una vez más, el sistema de Pedro Costa opera a través de repeticiones y monólogos disecados, de unos pocos planos secuencia, algunas locaciones reales y un trabajo que extrae del documental la ficción (pidiéndoles a trabajadores que actúen) para después volver al documental (y pedirles que hagan de sí mismos), y para que todo deje la sensación de que nunca se pudo hacer mejor, ni de otro modo ni de una manera más bella. Si Costa es un artista responsable, es porque entiende que el cine debe ser un acto de resistencia y para eso debe resolver, primero, cómo vencer la resistencia de los materiales con que trabaja. Como quería Straub: tomar un máximo de riesgos con un máximo de prudencia. Ventura is an immigrant worker who arrived thirty years ago from Cabo Verde and landed in the Fontainhas neighborhood of Lisbon. But that area is demolished and he's offered a new apartment. His wife Clotilde leaves him... Ventura wanders, he visits those he considers his children, even if it's dubious that they actually are, like Vanda, the character in many of the director's previous movies. And he also writes a hypnotic, desperate love poem, hoping for his wife to return. Once more, Pedro Costa's system operates through repetitions and dried monologues, of a few sequence shots, some scenes shot on location, and a work that extracts fiction out of the documentary (by asking workers to act), only to return later to documentary (asking them to act as themselves), so that everything leaves the feeling that it couldn't have been done better, or different, or more beautifully. If Costa is a responsible artist, that's because he understands that cinema must be an act of resistance, and to achieve that, he must first work out how to overcome the resistance of the materials he works with. Like Straub wanted: maximum risk with maximum prudence.

Pedro Costa Nacido en Lisboa en 1959 Pedro Costa se inició como asistente de dirección a comienzos de los noventa y lleva dirigidos cinco largometrajes: O sangue (1989), Casa de lava (1995), Ossos (1997), No quarto de Vanda (2000) y Où gît votre sourire enfoui? (2001), este último enfocado en la pareja de directores Danièlle Huillet y Jean-Marie Straub, a la que ya había retratado para el programa televisivo francés Cinéastes de notre temp. Juventude em marcha es su sexto y más reciente largo. Born in Lisbon in 1959, Pedro Costa started out as an assistant director in the early '90s and has so far directed five feature films: O sangue (1989), Casa de lava (1995), Ossos (1997), No quarto de Vanda (2000) and Où gît votre sourire enfoui? (2001), the latter centered on the filmmaking couple Danièlle Huillet and Jean-Marie Straub, whom he had already portrayed for the French TV show Cinéastes de notre temp. Juventude em marcha is his sixth and latest film.

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Rumania / Francia - Romania / France, 2006 39' / Betacam / Color D: Lucian Pintilie G: Lucian Pintilie F: Silviu Stavila DA: Mihai Ionescu S: Anusavan Salamanian E: Melania Oroiu CP: Estudio de Creación Cinematográfica Filmex / Pavillon Rouge I: Victor Rebengiuc, Sorin Leoveanu, Tudor Istodor, Cornel Scripcaru, Bogdan Stanoevici Contacto / Contact National Film Centre Romania Alina Salcudeanu 4-6, Dem. I. Dobrescu Street Sec. 1 70414 Bucharest, Romania T +40 13 10 06 72 F +40 13 10 06 72 E [email protected]

Tertium non datur

La más reciente perla del director de Niki et Flo (Bafici 04) se basa en el cuento “La cabeza de Uro”, de su compatriota Vasile Voiculescu (1884-1963), que da título a una reciente compilación de sus relatos en castellano. Como Chéjov, Voiculescu era médico, y su trabajo lo convirtió en un agudo observador de los comportamientos humanos. Esta historia de ambiente bélico, contada en el estilo decimonónico de Maupassant o Bret Harte, nos mantiene en vilo hasta el final sorpresivo de rigor. Un general alemán, en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, hace un alto en una aldea rumana. Los soldados locales improvisan un banquete en su honor. Corre el vino y alguien se ufana de una aventura filatélica, sin saber que será protagonista de un conflicto que puede definirse con sangre. En un solo decorado y con economía de recursos, Pintilie define por entero a sus personajes en pocos trazos y conduce los acontecimientos con mano maestra. The latest gem by the director of Niki et Flo (Bafici 2004), it is based on his compatriot Vasile Voiculescu's (1884-1963) short story “The Uro's Head,” which gives its title to a recent compilation of his stories in Spanish translation. Like Chekhov, Voiculescu was a physician, and his job made him a sharp observer of human behavior. This wartime story retold in the nineteenth-century style of Maupassant or Bret Harte keeps us on tenterhooks until its mandatory surprise ending. A German general at the end of WWII makes a stop at a Romanian village. Local soldiers improvise a feast in his honour. Wine is brought, and someone brags about a philatelic adventure, unawares that he will be at the center of a conflict which may be decided with blood. In a single set and with economy of resources, Pintilie paints his characters fully with a few brushtrokes and conducts the action with masterly hand.

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Lucian Pintilie Sin dudas, el más importante director rumano. Nació en noviembre de 1933 en Tarutino. En poco más de cuarenta años de carrera, Pintilie sólo ha dirigido una decena de largometrajes desde Un domingo a las 6 (1965), el primero y consagratorio, exhibido en concurso en el Festival de Mar del Plata 1966, donde obtuvo dos premios especiales. Tan escasa actividad cinematográfica se explica porque además dirige teatro (en Rumania, en Francia, en los Estados Unidos), ópera y televisión. También es escritor. Undoubtedly the most important of Romanian filmmakers. Born in November 1933 in Tarutino. Directed only a dozen features in his career spanning over forty years. Duminica la ora 6 (1965) was his first and name-making film, screened at the 1966 Mar del Plata Festival in the competition section, where it obtained two special awards. Such scant filmmaking activity is explained by his directorial career in opera and TV (in Rumania, France, the US). He's also an author.

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Tailandia / Francia / Austria / Reino Unido Thailand / France / Austria / UK, 2006 105' / 35 mm / Color D: Apichatpong Weerasethakul G: Apichatpong Weerasethakul F: Soyombhu Mukdeepron DA: Akekarat Homlaor S: Koichi Shimizu, Akritchalerm Kalayanamitr E: Lee Chatametikool P: Apichatpong Weerasethakul, Charles de Meaux CP: Kick the Machine - TIFA / Anna Sanders Films / New Crowned Hope / Illuminations Films I: Nantarat Sawadikkul, Jaruchai Iamaran, Sophon Pukanok, Arkanae Cherkam, Un Ninsomboon, Sakda Kaewbuadee, Jenjira Pongpas Contacto / Contact Fortissimo Films Veemarkt 77-79 1019 DA Amsterdam, The Netherlands T +31 20 627 32 15 F +31 20 626 11 55 E [email protected] www.fortissimo.nl

Syndromes and a Century Sang sattawat (Síndromes y un siglo)

¿Qué filma Apichatpong? En Syndromes and a Century, dice él, un experimento sobre la memoria. Sus padres eran médicos y él, de niño, solía acompañarlos al trabajo: “El consultorio de mi madre era mi cuarto de juegos, mi lugar para ver gente”. Dice también que recuerda “en cámara lenta” todo lo que allí sucedía. Syndromes and a Century tiene lugar en dos consultorios médicos espejados, en los que el director procura capturar esos lugares que se pierden con el paso del tiempo, que sólo tienen un lugar (un espacio en general elusivo; a veces más tenue, otras tirando a recio) en la memoria. Apichatpong recuerda en cámara lenta, también, con una ventura reposada, casi melancólica. Una mitad de la película refulge en la otra, una y otra vez, yendo y viniendo, hacia delante y hacia atrás en el tiempo, y entre ambas hacen crecer un plumaje de viñetas de una vitalidad, una sugestión y una modernidad realmente únicas. ¿Que qué filma Apichatpong? Filma lo que recuerda, filma un lugar para ver el mundo pasar. ¿Qué recuerda? Un futuro para el cine. Marcelo Panozzo

What does Apichatpong shoots? In Syndromes and a Century, he says, an experiment about memory. His parents were doctors, and as a child he used to go to work with them: “My mother's office was my playroom, my place to see people”. He also says that he remembers all that he saw there in slow motion. Syndromes and a Century is set in two mirrored doctors' offices in which the director seeks to capture those places that are lost with time, only finding a place in memory (one which is generally elusive, sometimes frailer; rather sturdy at other times). Apichatpong remembers in slow motion, with a reposed, almost melancholy happiness. One half of the film sparkles in the other half, once and again, backwards and forwards in time, and between they grow a bouquet of snapshots of truly unique vitality, suggestiveness and modernity. What does Apichatpong shoots? He shoots what he remembers; he shoots a place to see the world goes by. What does he remember? A future for cinema.

Apichatpong Weerasethakul Nacido en Bangkok en julio de 1970, Weerasethakul ha devenido “el” director de cine tailandés, a despecho de un nombre y un apellido impronunciables fuera de su patria. Es arquitecto y como tal ejerció antes de interesarse por el cine, que estudió en la School of the Art Institute de Chicago. Dirigió varios cortos y, hasta el momento, cinco largos: los anteriores se titulan Mysterious Object at Noon (2000), Blissfully Yours (2002), The Adventures of Iron Pussy (2003) y Tropical Malady (2004). Este último, el único que tuvo un lanzamiento semi-comercial en Buenos Aires. Born in Bangkok in July 1970. His name has come to stand for “Thai director”, despite a name that is a mouthful outside of his country. An architect, he exercised his profession before growing interested in cinema, which he studied at Chicago's School of the Art Institute. Directed various shorts and, so far, five features: the previous ones are Mysterious Object at Noon (2000), Blissfully Yours (2002), The Adventures of Iron Pussy (2003) and Tropical Malady (2004), the only one to have a semi-commercial release in Buenos Aires.

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Taiwán / Francia / Austria Taiwan / France / Austria, 2006 118' / 35 mm / Color D: Tsai Ming-liang G: Tsai Ming-liang F: Liao Pen-jung DA: Lee Tran-jue, Gan Siong-king S: Tu Duu-chih, Tang Shiang-chu E: Chen Sheng-chang P: Bruno Persery, Vincent Wang CP: Homegreen Films, Soudaine Compagnie e Illuminations Films I: Lee Kang-sheng, Chen Shiang-chyi, Norman Atun, Pearlly Chua Contacto / Contact Fortissimo Films Veemarkt 77-79 1019 DA Amsterdam, Netherlands T +31 20 627 32 15 F +31 20 626 11 55 E [email protected] www.fortissimo.nl

I Don't Want to Sleep Alone Hei yan quan (No quiero dormir solo)

En una oscura zona de Kuala Lumpur, Hsiao-kang (otra vez, su actor-fetiche: Lee Kang-sheng) primero es golpeado por un grupo y después es ayudado por otro de nativos de Bangladesh, hasta ir a parar al cuarto de Rawang, que lo va curando. Pero esa curación implica también el vagabundeo hacia otros personajes e historias que –como es usual en Tsai Ming-liang– se alternan, aquietan, erotizan y adormecen, haciendo de la película un cuerpo vivo cuyas pulsaciones son los ritmos de su director. Si el agua siempre fue el elemento central del cine de Tsai, esta vez lo potencia a través de un pozo negro bajo unos edificios en construcción abandonados, además de esa pringosa humedad ambiente que siempre parece abatir la vitalidad del cuerpo de sus personajes. Sin el espíritu gozosamente desenfrenado de The Wayward Cloud, pero muy lejos de la gravedad de El río, en I Don't Want to Sleep Alone Tsai vuelve a los desencuentros amorosos, pero lo hace con un humor alunado y sutil, que estaba más visible en ¿Y allí qué hora es? Más que una película que le haga dar un salto cualitativo (como The Wayward Cloud, como Goodbye, Dragon Inn), esta es una película de consolidación. In a dark area of Kuala Lumpur, Hsiao-kang (yet again, the star of all his films, Lee Kang-sheng) is first beat up by one group and then helped by another group of Bangladesh natives. So he ends up in Rawang's room, who cures him. But that healing also implies straying towards other characters and stories which –as usual with Tsai Ming-liang– alternate, become still, eroticize and lull themselves, turning the film into a living thing whose pulsation are the rhythms of its director. If water has always been the central element in Tsai's cinema, this time he boosts this by means of a black well under a construction site, besides that sticky humidity that is always discouraging the vitality of his characters' bodies. Without the joyfully wild spirit of The Wayward Cloud, but far from the gravity of The River, in I Don't Want to Sleep Alone Tsai returns to love mishaps, but he does so with a subtle, wry humor that was more visible in What Time Is It There? Rather than a quality-leap film (like The Wayward Cloud, or Goodbye, Dragon Inn), this is a consolidation film.

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Tsai Ming-liang Tsai Ming-Liang nació el 27 de octubre de 1957 en Kuching, Malasia. En 1977 se mudó a Taiwán y estudio cine y teatro en la Universidad de Cultura China. Tras graduarse, escribió y puso en escena obras de teatro. Durante casi diez años trabajó en televisión. Su ópera prima fue Rebels of the Neon God (1992), seguida por Viva el amor (1994), El río (1997), The Hole (1998), ¿Y allí qué hora es? (2001), Goodbye, Dragon Inn (2003) y The Wayward Cloud (2005). Tsai Ming-Liang was born in Kuching, th Malaysia, on October 27 , 1957. In 1977 he moved to Taiwan and studied film and drama at the Chinese Culture University. After graduation, he wrote and staged plays. For nearly ten years, he worked on TV. His first feature film was Rebels of the Neon God (1992), followed by Vive l'amour (1994), The River (1997), The Hole (1998), What Time Is It There? (2001), Goodbye, Dragon Inn (2003) and The Wayward Cloud (2005).

Trayectorias | Panorama

Gala Canadá - Canada, 2006 95' / Digibeta / B&N D: Guy Maddin G: Guy Maddin, George Toles F: Benjamin Kasulke DA: Tania Kupczak S: Don White E: John Gurdebeke M: Jason Staczek P: Amy Jacobson, Gregg Lachow CP: The Film Company I: Sullivan Brown, Clayton Corzatte, Susan Corzatte, Gretchen Krich, Kellan Larson, Maya Lawson, David Lobo, Andy Loviska, Megan Murphy Contacto / Contact The Film Company Gregg Lachow Executive Producer 1515 12th Ave. 98122 Seattle, WA, USA T +1 206 245 4264 E [email protected] www.thefilmcompany.com

Brand Upon the Brain! (¡Marca en el cerebro!)

¿Película muda de Guy Maddin? Así dicen algunos, pero no parece ser el caso. Brand Upon the Brain! es un extrañísimo y osado largometraje del director de The Saddest Music in the World que combina una película que vemos en la pantalla con un grupo de gente con vestuario de laboratorio que hace sonido en vivo + una orquesta que toca música en vivo + una actriz que interpreta diálogos y narra ¡en vivo! + un “castrati” “en vivo”. Aunque fue de bajo presupuesto a la hora del rodaje, Brand Upon the Brain! conlleva un trabajo enorme de producción para ser puesta en escena con toda esta parafernalia, así que esto es realmente un evento especial. Lo que lleva a proporcionar dos sugerencias: a) no se la pierdan y b) vayan preparados para sorprenderse. No sólo porque la combinación película + montón-decosas-en-vivo es una fuerte experiencia sensorial, sino porque las imágenes de Maddin son poderosas, hipnóticas, delirantes, veloces y están editadas a un ritmo enloquecido. En blanco y negro y con material en Súper 8, Maddin homenajea a cierto tipo de cine mudo en particular, a todo el cine en general y también a los espectáculos de variedades. La historia que cuenta es autobiográfica, familiar, hiperbólica y hasta paródicamente psicologista. También es absurda, frenética, onírica. Y nos deja exhaustos y felices, saturados de imágenes y sonidos para atesorar. Sí, Brand Upon the Brain! es lo que parece: todo un viaje. A silent film by Guy Maddin? That's what some say, but it doesn't seem to be the case. Brand Upon the Brain! is a very strange and daring feature film from the director of The Saddest Music in the World which combines a film we're seeing on the screen with a group of people with lab clothing who do the sound live + an orchestra that plays music live + an actress who acts dialogues and narrates… live! + a “live” “castrati”. Although it had a small budget while shooting, Brand Upon the Brain! involves enormous production work to be set with all the paraphernalia, so this really is a special event. Which leads to give two suggestions: a) don't miss it, and b) prepare to surprise yourselves. Not only because the combination between film and a-lot-of-live-stuff is a strong sensorial experience, but also because Maddin's images are powerful, hypnotic, delirious, fast, and edited to a mad pace. In black and white and on Super 8 stock, Maddin pays tribute to a certain type of silent film in particular, to cinema in general, and also to variety shows. The story it tells is autobiographical, about a family, hyperbolic, and even parodically psychological. It's also absurd, frantic, dream-like. And it leaves us exhausted and happy, saturated with images and sounds to treasure. Yes, Brand Upon the Brain! is what it looks like: a real trip.

Guy Maddin Nació en Winnipeg, Manitoba (Canadá), en febrero de 1956. Ha cultivado un cine temáticamente muy personal, evitando atarse a formatos comerciales, a duraciones establecidas y a géneros en boga. Filma incansablemente y sus más recientes títulos son A Trip to the Orphanage (2004), Sombra dolorosa (2004), My Dad Is 100 Years Old (2005) y Nude Caboose (2006). Born in Winnipeg, Manitoba (Canada), in Febrary 1956. Cultivated a thematically personal brand of film, steering away from commercial formats, established lengths and genres in vogue. Shoots tirelessly. His more recent titles are A Trip to the Orphanage (2004), Sombra dolorosa (2004), My Dad Is 100 Years Old (2005) and Nude Caboose (2006).

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