El Pop Art El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa. Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno, auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja en las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en New York y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista apenas acceden a él.

El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene aceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria; reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene como característica la masificación en todos los sentidos. El Pop equipara el arte para todo el mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar Coca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles. Expresión

Popular

Lo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios, los cómics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el estado de ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de la juventud. Artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron tapas para discos de grupos de música pop. Los medios de masas favorecieron la internalización de los estilos y formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas las artes.

Peter Blake

Richard Hamilton

Andy Warhol

El Pop es considerado un arte conceptual (los cuadros se convierten en cosas y las cosas en cuadros), un movimiento estético y cultural que entiende que los hechos son lo más importante. Se trata de una generación que tiende a interpretar los objetos, las realidades, las condiciones y los sentimientos como "Facts". En el lenguaje coloquial americano se generalizó una fórmula para cualquier situación: "That´s a fact" que quiere decir algo así como "así son las cosas". el término "factualist" podría reemplazar al de Pop Art en la historia del arte, incluso los artistas no se asumían como Pop sino que se autodenominaban factualist; el termino Pop se refería al movimiento cultural en general (aunque ha trascendido como abarcativo de todo, hasta de sus expresiones artísticas). No importa como se valore esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad en la recepción del arte, casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas están escalando el Neo Pop, la industria de las baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogan cotidianos ligados a ella. Evidentemente el Pop es uno de los movimientos de fin que define la segunda parte del siglo XX. Convive con otras expresiones, pero sigue vigente y se reactualiza permanentemente. Una última frase digna de tenerse en cuenta: "Pop es todo" y "Todo es Pop".

Contexto Fue a mediados de los años cincuenta cuando dos críticos británicos de arte propusieron el término “popular art” para referirse, no a una tendencia artística ya en boga, sino a un conjunto creciente de imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de la publicidad, la televisión, el cine, los cómics y en general en los nuevos medios de comunicación, y que adquirían un papel cada vez más relevante en la cultura urbana de masas de la época. “Popular” no era, pues, ningún concepto que indicara un origen desde abajo, ligado a la expresión y defensa crítica de los intereses de las clases populares, ni tampoco nos remitía al concepto romántico de pueblo, como conjunto homogéneo que comparte una lengua, una historia y una cultura propias, que le confieren su singular identidad y sus preferencias estéticas. El concepto de lo popular a que nos remitían aquellos críticos estaba despojado de todo halo revolucionario o simplemente romántico, para enlazar directamente con la cultura de masas de la nueva sociedad industrial, que vencida la crisis de los años treinta y aplicando a conciencia las recetas keynesianas, estaba obteniendo unos resultados espectaculares.

La nueva cultura de masas que emerge en esa sociedad industrial urbana absorbe y refleja con un mimetismo elocuente las nuevas formas adoptadas por el modo de producción que no sólo produce masivamente objetos, para el consumo, sino que produce a su vez a las masas mismas, como consumidoras, generando así una dialéctica interna que pone en una relación estrecha y casi lineal la creación de los objetos, que las masas producen para consumir, y a las masas, que consumen para que se pueda seguir produciendo. Esta inédita interrelación da lugar al nacimiento de la nueva cultura de masas, fenómeno histórico concreto de nuestra época, que se asienta directamente sobre la masiva capacidad de producción alcanzada por las sociedades industrializadas y la gigantesca masa de público consumidores que crea. El pop art no es sino una estetización de esas imágenes populares. Construye un lenguaje artístico nuevo, cimentado en técnicas muy ligadas a las de la misma producción industrial, para elevar esas imágenes a la categoría de arte. Pero sin ellas, y sin la sociedad de consumo que las inspira, es incomprensible. Con razón, pues, algunos críticos han considerado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en Inglaterra, pero sobre todo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las sociedades más desarrolladas del capitalismo tardío. Este sello peculiar del pop art se manifiesta implícitamente tanto en la temática más general y obvia de su repertorio de

imágenes, como en los elementos más característicos de su lenguaje, de sus técnicas o de su actitud misma ante la sociedad que representa.

La temática del arte pop es básicamente objetual e icónica. La vasta mirada que el mundo del arte había desplegado hacia la naturaleza, la sociedad, el hombre, la mitología, la religión o el mundo de los sueños y las fantasías, es arrinconado aquí ostensiblemente para dar paso a una glorificación estética de los nuevos objetos producidos por la industria, latas de sopa, coca-cola, tazas, vasos, pistolas, máquinas..., extraídos del panorama de objetos de uso cotidiano que nos envuelven, e iconos coloreados o dibujos al estilo cómic de imágenes populares de consumo masivo. El pop recupera así la tradición del arte figurativo, que había sido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con algunos aspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los “ready-made” de Marcel Duchamp, por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico y subversivo de los surrealistas que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva, cuando no directamente apologética. En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor de las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículos de comunicación de masas. Ello tiene consecuencias importantes en la construcción tanto de imágenes como de objetos. La utilización de colores planos e intensos contribuye a la simplificación y fácil identificación del objeto, propio de la comunicación visual de la publicidad.

Marcel Duchamp

“Ready-made”

Lo mismo puede decirse del estilo claro y preciso del dibujo como configurador de la forma. Las enormes dimensiones que alcanzan a veces los cuadros y esculturas reproducen la búsqueda de un efecto espectacular. Las series, tan frecuentes en los artistas pop, no son sino un reflejo de la producción masiva capitalista. El artista pop no duda en explotar todos los mecanismos de producción de imágenes populares, ya sea la fotografía, la publicidad, el cine, el cartel, las revistas ilustradas, el cómic, etc. En las obras mixtas estas fuentes se combinan y complementan. Esta peculiar singularidad linguística del pop tiende a eliminar al máximo la expresividad subjetiva del autor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y despersonalización de la obra. Por otro lado, este distanciamiento objetivista del pop va parejo a su aparente neutralidad respecto a la sociedad. Para Roy Lichtenstein el pop art mira al mundo, parece que acepta su medio ambiente, que no es bueno ni malo, sino diferente. Aceptar este mundo parece, en efecto, el estado de ánimo general del pop art frente a la realidad. "Mi obra -dice Rauschenberg, quien más y mejor utilizó el collage como expresión de la nueva visión fragmentada de la realidad- nunca fue una protesta contra lo que estaba sucediendo".

El arte pop muestra la realidad existente -el capitalismo triunfante- sin un especial talante crítico, a veces con entusiasmo y a veces con ironía o escepticismo, a veces en serio y a veces en broma, pero nunca -como lo hizo el surrealismo en los años treinta- tratando de ponerse al servicio de una transformación de la vida y el mundo.

Roy Lichtenstein

Robert Rauschenberg

La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo. Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada. Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad ( Marilyn Monroe o Jackie Kennedy por Andy Warhol). Cualquier cosa podía ser protagonista, elevándola a categoría de

obra de arte. Lo único que se precisaba era la novedad, al igual que la publicidad, la temática pop se aparta por completo de lo viejo, en pro de la representación de la actualidad, de lo cotidiano en la vida del artista, del espectador o del comprador contemporáneo a la obra.

LOS

MÁS

IMPORTANTES

ARTISTAS

POP

:

ANDY WARHOL(1928-1987). El más famoso de los artistas pop comenzó trabajando en el campo de la publicidad comercial ilustrando famosas revistas como "Vogue". Practicó con éxito la estampación de fotografías a través de la serigrafía, reproduciendo las conocidas imágenes de la "Estatua de la libertad", "Marilyn Monroe", "las latas de sopa Campbell" etc...

ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad del siglo xx. Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano. A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Se le podría calificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art. Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse.

El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres. Sus miembros, entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922), el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), el crítico de diseño Reyner Banham (1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron los primeros en explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos. En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928–1987), Roy Lichtenstein (1923 – 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron a inspirarse en los aspectos de “arte menor” de la vida contemporánea: publicidad, embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los cincuenta.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Jasper Johns (1930- )

Jasper Johns (1930- )

Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescencia integrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un término muy fértil a la actitud “úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta. La silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables y encarnaban la extendida cultura de efímero. También lo hacían los cachivaches de corta vida, como los vestidos de papel, elogiados por su novedad en los numerosos suplementos a color y revistas de papel satinado que cada vez dependían más de la publicación de dichos artículos. Muchos artistas que usaban el lenguaje pop elegían el plástico como material de trabajo.

Silla infantil BLOW de pvc de De Pas D’Urbino Lomazzi En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las molduras por inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antitesis de la “intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta. El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimiento moderno “menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Se inspiraba en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art, psicodelia, misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios de comunicación globales. Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y el diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra. El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo, puesto que cuestionó los preceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento moderno.

1968. Piero Gatti

HARD EDGE

Frank Stella Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y que, a pesar de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de las décadas del veinte y del treinta. Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites netos, definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko. Característicamente, en este tipo de pintura, los propios tintes son planos e indiferenciados, de manera que quizá sea mejor hablar de áreas de color y no de formas.

Mark Rothko

Surge en los EE.UU. hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Tuvo una gran repercusión en Europa, aunque sin la pureza del movimiento norteamericano. A medida que pasaba el tiempo, algunos de los artistas de esta corriente llegaron a un planteamiento más radical que se conoce como "pintura minimalista" debido a su bajo contenido formal y cromático.

Frank Stella

Kenneth Noland

Max Bill

Paul Rand

Uno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers, quien ya ha sido mencionado a causa de su importancia como maestro. Albers estuvo estrechamente relacionado con el Bauhaus durante la década del veinte: de hecho, como estudiante y maestro trabajó allí con más continuidad entre 1900 y 1933, año en que fue cerrado, o sea un período de servicio más largo que el de cualquier otro Bauhäusler. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en Norteamérica, Albers tomó parte en las exhibiciones anuales montadas en París por el grupo Abstracción-Creación.

Josef Albers

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Esta obra pictórica influyó tendencias del diseño, en colores y formas, como se ve en ciertas piezas de Ettore Sottsass, incluyendo aquellas que formaban parte del trabajo del Memphis Group.

El molde intelectual de Albers es muy típico de la atmósfera del Bauhaus sistemático y ordenado pero también experimental. Estaba, por ejemplo, muy interesado en la psicología de la Gestalt y esto lo llevó a una exploración de los efectos de ilusión óptica. Más tarde fue atraído hacia el estudio de las maneras en que los colores actúan unos sobre otros. Los cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que son los trabajos más conocidos de Albers, son experimentos planificados de color.

Albers es interesante no sólo por sí mismo, sino porque parece ubicarse en el punto en que convergen varias actitudes hacia la pintura. El elemento sistemático de su obra lo relaciona con la de dos artistas suizos, Max Bill y Richard Lohse, Bill también es un alumno, del Bauhaus y en su subsiguiente carrera se ha convertido en una especie de genio universal y al estilo de Miguel Angel ya que es al mismo tiempo pintor, arquitecto y escultor. El desarrollo seriado del color fue uno de sus objetivos a través de toda su carrera. Bill y Lohse son generalmente mencionados como exponentes del "arte concreto" y Albers es incluido como el tercer miembro de este triunvirato. Por otro lado, el interés de Albers en la ilusión óptica lo relaciona con los así llamados artistas op, aun cuando su tratamiento particular de la forma lo lleva a relacionarse con lo que los críticos ahora han denominado "abstracción pospictórica". Si uno busca una diferencia entre Albers y sus dos colegas suizos, ésta parece estar en el tratamiento de la forma. Los cuadrados de Albers son libres, inertes, sueltos, flotantes y es esta pasividad la que ha llegado a parecer particularmente típica de gran parte de la pintura expresionista pospictórica en Norteamérica. La diferancia entre el "Hard-edge" y la abstracción pospictórica, es precisamente que en ésta no es lo neto del borde lo que cuenta, un color chocando firmemente contra otro, sino la calidad del color. No importa si el color se funde en un matiz vecino o se diferencia netamente de éste: el encuentro siempre es pasivo. Los cuadrados de Albers son suficientemente vigorosos, pero no generan energía a partir de esta fortaleza de los contornos.

International Style o Movimiento moderno Es una corriente arquitectónica aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marca una ruptura radical con las formas compositivas tradicionales. El movimiento moderno aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales industriales, especialmente el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones. Se caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, a menudo asimétricas, la ausencia de decoración en las fachadas y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero. Los interiores tienden, por lo general, a ser luminosos y diáfanos. Aunque los orígenes de este movimiento pueden buscarse ya a finales del siglo XIX, sus mejores ejemplos se construyeron a partir de la década de 1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe, J. J. P. Oud y Le Corbusier. También se denomina con el nombre de racionalismo (especialmente en Europa meridional), mientras que el funcionalismo se aplicó a la arquitectura preocupada por el diseño de edificios con criterios estrictamente funcionales, prácticos más que estéticos. Pese a que tras la II Guerra Mundial hubo aún importantes construcciones dentro de este estilo, las últimas décadas del siglo XX han estado dominadas por otros movimientos críticos, herederos en cualquier caso del movimiento moderno.

Gropius y Le Corbusier Durante los últimos años del siglo XIX y primeros del XX varios movimientos arquitectónicos empezaron a cuestionar los estilos eclécticos e historicistas que por entonces dominaban las escuelas occidentales de Bellas Artes. De entre ellos, uno de los más importantes fue el movimiento Arts & Crafts, precursor del racionalismo por sus formas arquitectónicas simples, escasa decoración y preocupación por el papel social de la arquitectura. Pese a estos criterios de modernidad, los arquitectos del Arts & Crafts, como C. F. A. Voysey y Philip Webb, se manifestaron contra los progresos industriales reivindicando los oficios artísticos propios de la sociedad preindustrial. Esta preocupación contrasta enormemente con el decidido apoyo a la tecnología proclamado por otros arquitectos de la época, en especial por algunos seguidores del Art Nouveau, como el belga Víctor Horta.

Art Nouveau: Casa Tassel de Victor Horta

El camino hacia el empleo arquitectónico de los nuevos materiales industriales en detrimento de los tradicionales, lo abrieron a comienzos del siglo XX figuras como los hermanos Auguste Perret en Francia, con sus experimentaciones con hormigón armado, y Louis Sullivan como integrante de la Escuela de Chicago. Sullivan levantó una serie de rascacielos con estructura reticular de acero y hierro colado, como los excepcionales almacenes Carson, Pirie & Scott (1899-1904). El discípulo predilecto de Sullivan fue Frank Lloyd Wright, que exploró nuevas vías de innovación formal con sus Prairie Houses (casas de la pradera) levantadas en los alrededores de Chicago. Aunque inspiradas en el movimiento Arts & Crafts, las unifamiliares prairie houses, con sus proporciones horizontales, presentan ya una apariencia notablemente moderna. Más radical fue la postura adoptada por Adolf Loos, arquitecto vienés que visitó Chicago a comienzos de la década de 1890. A su regreso a Austria realizó un inflexible ataque contra la ornamentación arquitectónica, en especial contra los excesos decorativos del Art Nouveau, y proyectó varios edificios extremadamente austeros, como la simétrica casa Steiner en Viena (1910).

Casa Steiner 1910 Architect: Adolf Loos Sankt-Veit-Gasse 10 Vienna Austria 1914-1932 La devastación provocada por la II Guerra Mundial trajo consigo, en el caso de Bélgica, la necesidad de reemplazar los edificios destruidos por otros alojamientos de bajo coste. Esta circunstancia propició la invención del sistema ‘dominó’, diseñado por el joven arquitecto suizo Charles Édouard Jeanneret que, con el nombre de Le Corbusier, se convirtió en el arquitecto más famoso del siglo XX. Discípulo de los hermanos Perret, Jeanneret propuso crear edificios con estructura de hormigón armado y tres cuerpos horizontales, apoyando los dos cuerpos superiores sobre pilares de planta cuadrada. Estos apoyos sostenían las vigas en voladizo, permitiendo que los forjados se proyectaran más allá de la línea de los pilares. Dada la resistencia de este sistema constructivo, el muro exterior quedaba liberado de la función de soporte, permitiendo por tanto aligerar su carga y abrir los vanos que se consideraran necesarios. Charles Édouard Jeanneret - Le Corbusier

Sistema Domino

Aunque el sistema “Dominó” anticipara posteriores logros, nunca se llevó a la práctica. Además, durante cierto tiempo los intereses de Le Corbusier oscilaron entre la arquitectura y la pintura, tras su traslado a París en 1917. Fundó el movimiento denominado purismo, creando bodegones en los que combinaba el carácter científico del cubismo con un sentido clásico de la armonía. El desafío para los arquitectos modernos radicaba, según él, en construir edificios de acuerdo con los nuevos modelos tecnológicos.

En el año 1921 estuvo marcado en Holanda por otro importante acontecimiento: la construcción de la casa Schröder en Utrecht, obra del arquitecto Gerrit Rietveld. Al igual que Le Corbusier, Rietveld se asoció a los movimientos artísticos de vanguardia. Fue miembro del neoplasticismo difundido por De Stijl, fundado en Leiden el año 1917, integrado por el arquitecto J. J. P. Oud y los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg. La independencia de las formas, rectangulares y de colores primarios, es evidente en la casa Schröder. El edificio se caracteriza además por la perfecta integración entre arquitectura y detalles ornamentales, incluyendo el mobiliario.

Casa Rietveld Schröder

La influencia de De Stijl se extendió más allá de Holanda, infiltrándose con fuerza a comienzos de la década de 1920 en la Bauhaus de Weimar en Alemania.

Walter Gropius and the building department of the Dessau Bauhaus, Dessau Bauhaus Building, Germany, 1925-1926

Walter Gropius and Adolf Meyer, Fagus Factory at Alfed an der Leine, Germany, 1911-1925

Le Corbusier ideó un novedoso proyecto para el edificio de la Sociedad de Naciones en Ginebra. Su ingenio arquitectónico, aplaudido con entusiasmo por otros arquitectos de vanguardia, fue uno de los factores que provocaron la creación, en 1928, de los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (CIAM). Los CIAM, que perduraron hasta 1959, sirvieron por encima de todo para generalizar y consensuar los principios de la nueva arquitectura, a la que se habían acogido numerosos arquitectos de diferentes nacionalidades. Un hito importante de este proceso fue la exposición de arquitectura celebrada en 1932 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Aunque dominada por los principales arquitectos europeos, la muestra atrajo también a destacados arquitectos japoneses y estadounidenses. Los japoneses contaron con la presencia de Mamoru Yamada, mientras que entre los estadounidenses estaban George Howe, William Lescaze, Richard Neutra y, sobre todo Frank Lloyd Wright, quien, pese a mantenerse a distancia de la estética industrial del movimiento moderno, ejerció y recibió influencias del neoplasticismo holandés y asumió la sintaxis racionalista como nuevo lenguaje arquitectónico internacional. En la exposición de Nueva York también se dieron a conocer algunos excepcionales arquitectos escandinavos, especialmente el sueco Erick Gunnar Asplund y el finés Alvar Aalto. 1933 Mientras el régimen nazi buscó para la reconstrucción de las ciudades alemanas un estilo clásico y monumental, el movimiento moderno se inclinó hacia una forma diferente de planificación urbanística. Durante el periodo de entreguerras, Le Corbusier llevó a cabo una serie de anteproyectos para la ciudad moderna ideal, dividida en diversas zonas dedicadas a diferentes actividades sociales. Según esta ordenación, las personas vivirían en rascacielos residenciales separados entre sí por extensas zonas verdes. Aunque Le Corbusier nunca pudo ver realizadas por completo sus ideas urbanísticas, su influencia fue enorme tanto en proyectos de posguerra, como la construcción de la ciudad de Brasilia (inaugurada en 1960), como en los años precedentes a la II Guerra Mundial, en que se construyeron las villas de Highpoint I en Highgate (Londres, Inglaterra) del arquitecto Berthold Lubetkin. Le Corbusier evolucionó hacia una arquitectura intensamente emotiva denominada brutalismo, que significa hormigón visto, con la que se incluye en la corriente crítica del movimiento moderno y se aleja definitivamente del International Style popularizado en Estados Unidos.

Complejo Cultural Teresa Carreño de Caracas (Venezuela)

Los últimos trabajos de Le Corbusier tuvieron una gran influencia en arquitectos como James Stirling y Alison y Peter Smithson, que desarrollaron el nuevo brutalismo en Gran Bretaña; así como en el japonés Kenzo Tange. Al mismo tiempo Philip Johnson aplicó el International Style a su propia casa (1951), un contenedor de acero y cristal conocido como la Glass House y situado en New Canaan (Connecticut).

James Stirling 22 April 1926 – 25 June 1992

Alison y Peter Smithson en Londres es el conjunto habitacional Robin Hood Gardens.

Kenzo Tange (丹下健三, Tange Kenzō; September 4, 1913 – March 22, 2005) was a Japanese architect, and winner of the 1987 Pritzker Prize for architecture.

La influencia de Mies van der Rohe también es evidente en los grandes bloques de oficinas construidos en Estados Unidos y Europa durante las décadas de 1950 y 1960. Ejemplos destacados fueron los realizados por Skidmore Owings & Merril, así como también la obra del propio Mies en el edificio Seagram de Nueva York, un majestuoso rascacielos de vidrio oscuro levantado en 1957.

Skidmore, Owings & Merril, mas conocido como SOM, es el estudio de arquitectura e ingeniería mas prestigioso de Estados Unidos. Fué fundado en Chicago por Louis Skidmore y Nathaniel Owings, en 1936.

The Seagram Building. Ludwig Mies van der Rohe (18861969) was a German-born architect known for the design of skyscrapers in an unashamedly modernist, steeland-glass style.

Durante la década de 1960 una joven generación de arquitectos, entre los que destacaron los Five Architects (Peter Eisenman, John Hejduk, Michael Graves, Charles Guathmey y Richard Meier) de Nueva York, proyectaron edificios cúbicos inspirados en la arquitectura racionalista. A partir de 1960 el movimiento moderno entró en sucesivos periodos críticos, mientras que el International Style, su corriente menos ideológica, perdía notoriedad ante las nuevas tendencias: posmodernismo, high-tech y desconstructivismo. Sin embargo, los principios del movimiento moderno continúan siendo la referencia fundamental, crítica o adepta, de la arquitectura contemporánea.

Aronoff Center for Design and Art , Universidad de Cincinnati. Arquitecto Peter Eisenman

Habitación colectiva, IBA, Berlim. Arquitecto Peter Eisenman

Arquitecto: John Hejduk

Portland Public Service Building, Oregon, by Michael Graves, 1980–82.

Wall House 2, Groningen, The Netherlands, John Hejduk, 2001

Michael Graves Michael Graves 425 Fifth Avenue

Richard Meier - Chiesa Dives Iglesia de Notre Dame du Haut en Ronchamp Le Corbusier proyectó en 1950 la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut en Ronchamp. Es una de las mejores muestras del estilo brutalista que dominó la obra del maestro franco-suizo a partir de la II Guerra Mundial.

Douglas House by Richard Meier

Richard Meier - Casa Smith

Charles-Edouard Jeanneret Le Corbusier.

HIGH – TEC El capitalismo contemporáneo ha dado como resultado una ciudad en donde han proliferado las arquitecturas ligadas a la espectacularidad y las cuales utilizan el espacio como objeto de "performance diario" del poder de consumo y del avance tecnológico. Centro Pompidou. Francia.

Richard Rogers & Partners es símbolo de arquitectura y su obra más destacada en esa ciudad (el banco Lloyd's) figura en las guías turísticas y en las perspectivas que acompañan el recorrido peatonal al borde del río Támesis. El Centro Pompidou de París proyectado en el año 70 constituyó un hito en la arquitectura moderna inaugurando un lenguaje high- tech que habría de continuarse en el todavía hoy polémico Lloyd's.

Detalle Centro Pompidou de París proyectado en el año 70

Lloyds Building_stair case

El diseño de Rogers repite principios que utiliza en el Centro Pompidou en París, diseñado en conjunto con Renzo Piano en 1978. Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino en transformar la exhibición de la parafernalia tecnológica en la expresión misma del edificio. Para algunos el High tech es una mentira, debido a que no es un estilo definido, sino una forma de darle solución a determinados problemas, por medio de nuevos materiales, nuevas formas de construcción, nuevas tecnologías. Diferentes significados Las obras de los máximos exponentes de este movimiento de arquitectura y diseño han logrado estructurar un lenguaje arquitectónico concebido a partir de la exhibición de los componentes tecnológicos de la construcción, confiriéndole un status estético merced a una rigurosa tarea de diseño. La arquitectura High Tech es la forma en la cual se muestra la estructura del edificio olvidando por completo las paredes y las superficies pesadas estéticamente. Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino en transformar la exhibición de esa parafernalia en la expresión misma del edificio.

Alta tecnología, o tecnología de punta. El estilo de los high- tech abarca a todos aquellos edificios que toman como concepto estético el lucimiento de la tecnología con la que fueron realizados.

Silla Lumbar Una sofisticada silla ejecutiva que tiene muy en cuenta los detalles sin dejar de lado la comodidad y funcionalidad necesarias en los ambientes de la oficina moderna. Reproduce la forma natural de la columna vertebral, asegurando el soporte lumbar y la distribución apropiada del peso del cuerpo. Ofrece una amplia variedad de opciones que se ajustan a las exigencias físicas y del entorno laboral de cualquier persona.

Últimas tendencias arquitectónicas El estilo High – Tech surgió en la arquitectura de a mediada de los setenta, inspirada en el formalismo geométrico del movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller. Su utilitarismo contradecía los excesos del diseño pop. Liderado por arquitectos británicos como Norman Foster, Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron elementos industriales sin adornos a sus edificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta. Los interiores High – Tech empleaban equipos y accesorios utilitarios de uso industrial e institucional, como carritos, suelos de goma, lámparas de pinza, estantes de cinc galvanizados y barras de andamio, y combinaciones de colores primarios inspiradas en el De Stijl.

Norman Foster

Norman Foster

Arq Feng Shui Norman Foster

En Estados Unidos sus representantes fueron, Joseph Paul D’Urso y Ward Bennett, que trabajan con materiales industriales reciclados.

Joseph Paul D’Urso

Ward Bennett

Este estilo a fines de los setenta estaba decayendo y a comienzo de los ochenta fue finalmente desbancado por el posmodernismo. Con todo, la promoción del uso de componentes industriales inspiró a diseñadores británicos como Ron Arad y Tom Dixon a la hora de crear a mediado de los ochenta, poéticos y originales diseños a partir de materiales reciclados, como barras de andamios, asientos de coches y tapas metálicas.

Ron Arad

Tom Dixon

La producción de elementos bajo el rótulo de Higt Tech, incluidos los muebles, implica necesariamente el empleo de materiales de alta tecnología transformados también a través de procesos de avanzada: troqueles que funcionan por control numérico, troquelados, doblados, remaches industriales hechos en serie, entre otros. En efecto, el segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de materiales nuevos, como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia o la producción de un policarbonato, que no cualquiera puede lograr, y que aplicado en mobiliario hace el elemento Higt Tech. Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo apuntando a las formas sino más bien a un producto final reflejo de su proceso específico. Este estilo y tipo de producción mucho más aplicado y notorio en países de reconocido desarrollo como Alemania, Japón o Estados Unidos, no resulta tan contemporáneo en nuestro continente, porque sencillamente las técnicas, capacidades y alcances de nuestros procesos industriales no alcanzan los niveles de exigencia que si logran los primeros. “Para un alemán el Higt Tech es contemporáneo, para un sudamericano es simplemente Higt Tech”.

CRAFT REVIVAL Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de la conservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin precedentes de Gran Bretaña (art & craft). Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales terminaron deteriorándose. Para invertir esta tendencia John Makepeace y Wendell Castle, dos de las figuras más importantes del craft revival actual han y conservado las técnicas artesanales para trabajar la madera a través de su obra como diseñadores y sus escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el craft revival se abrió paso estilísticamente con el posmodernismo, y algunos diseñadores como Fred Baier (nacido en 1949) combinaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos completamente opuestos al “mobiliario para buenos ciudadanos” defendido por Morris y Ruskin.

John Makepeace

Wendell Castle

Fred Baier

POSTMODERNISMO El posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta, se discutía el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno. La modernidad se vio realmente cuestionada por primera vez en el libro de Jane Jacobs “muerte y vida de las grandes ciudades” (1961), centrado en el fin de la cohesión social de la construcción y el urbanismo utópico del movimiento moderno habían provocado en as urbes, y en el de Robert Venturi, complejidad y contradicción en la arquitectura (1966), que argumentaba que la arquitectura carecía de sentido ya que no poseía la complejidad e ironía que enriquecía los edificios históricos. En 1972, Ventura, Denise Scott Brown y Steven Izenour publicaron la obra seminal Aprendiendo de las vegas, que elogiaba la honradez cultural del comercialismo de los rótulos y edificios de es ciudad del desierto. Ese mismo año, la traducción al ingles del libro de Roland Barthes Mitologías (1957) dio paso a la diseminación de sus teorías sobre semiótica (el estudio de los signos y símbolos como instrumentos de comunicación cultural). Se creía que si los edificios y objetos estaban imbuidos de simbolismo, y sus espectadores y sus usuarios podrían relacionarlos psicológicamente. Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del movimiento moderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo, deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitectura. A mediados de los setenta, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos decorativos y que solían ser irónicos en su contenido.

-Hemos hablado de los creadores del Post modernismo de los 80, pero no olvidemos mencionar a Barnsley Workshops en Inglaterra, y los cada vez más aclamados diseños de Jhon Makepeace, Wendell Castle producia diseños modernos utilizando las experiencias artísticas. Los diseñadores lideres explotaban tambien antiguos materiales con nuevas ideas, como Frank O Gehry y su gama de mobiliario de madera entrelazada Desgraciadamente tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivo a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y mas racionales; de este modo, las atrevidas manifestaciones del antidiseño de los ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo.

Frank Gehry

DISEÑO ORGÁNICO El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Este movimiento comenzó a fines del siglo XIX y tuvo un largo desarrollo hasta los años sesenta. Dentro de este movimiento han existido unos de los más recordados y premiados muebles del siglo XX, en los que destacamos los diseños de Eero Saarinen y Charles Eeames, destacados diseñadores de dicho siglo. Sus sillones fueron revolucionarios, no solo por la tecnología de punta utilizada, sino también por el concepto de contacto y soporte continuos, promovido por formas orgánicas ergonómicas y refinadas en su estructura. Eero Saarinen

Eero Saarinen - Tulip Chair

'Swan Chair' by Arne Jacobsen

Egg Chair' by Arne Jacobsen

Coconut Chair' by George Nelson

Charles Eeames

Charles Eeames

Charles Eeames

George Nelson

George Nelson

Estos diseños, enormemente influyentes, trazaron una nueva dirección en la creación de mobiliario, ya que impulsaron los intentos de conseguir la unidad orgánica estructural, material y funcional del diseño, y tuvieron obras tan representativas como las sillas de contra chapado de Ray y Charles Eames. El éxito del diseño orgánico en los años de posguerra influyó estilísticamente en el nacimiento del biomorfismo y continuo inspirando a los diseñadores de los sesenta y setenta, como Maurice Calka, Pierre Paulin y Olivier Mourgue en la creación de formas altamente estructurales en el lenguaje orgánico. Maurice Calka

Pierre Paulin

Olivier Mourgue

A principios de los noventa, impulsado por un mayor crecimiento de la ergonomía y la antropometría y por los avances en e diseño y la creación por computador el diseño orgánico emergió con más fuerza que nunca. Tal y como hicieron Eames y Saarinen, los diseñadores industriales más innovadores de la actualidad, como Ross Lovegrove, quien desarrolla varios diseños orgánicos desmaterialistas a través de aplicación novedosas de materiales y técnicas industriales de alta tecnología. Sí bien el diseño orgánico esta tradicionalmente asociado con materiales naturales, irónicamente es plástico (lo último en materiales sintéticos) los que mejor expresan la esencia abstracta de la naturaleza y maximizan las conexiones funcionales a través de las formas orgánicas que más se adaptan a la morfología humana. Sin embargo, el diseño orgánico expresa toda su fuerza cuando su sensual y emocionalmente persuasivo vocabulario formal conecta con nosotros de manera subliminal apelando directamente a nuestro sentido primigenio de la belleza natural.

DISEÑO RETRO El termino diseño retro se utilizó por primera vez a mediado de los años sesenta en referencia a la tendencia del diseño popular a adoptar estilos de otras épocas. En los años sesenta y a comienzo de los setenta existió un inmenso renacimiento del interés por el arte victoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la tipografía de feria victoriana se utilizó mucho en los carteles pop y en las portadas de discos. Sin embargo, el diseño retro realmente llegó a la mayoría de edad en los años ochenta, cuando el movimiento moderno tardío se convirtió en un estilo internacional. Muchos diseñadores en este movimiento buscaban inspiración en los productos KISCH de los años cincuenta, lo que hizo surgir multitud de productos del diseño retro, como radios de colores papel y muebles asimétricos con patas largas y estrechas.

La fascinación por el estilo de los años cincuenta continuó hasta entrados los años noventa, y en 1991 NISSAN lanzó al mercado su automóvil FIGARO, de edición limitada. Este diminuto vehículo es una representación casi propia del comic del diseño de los años cincuenta, mientras que la motocicleta ROYAL STAR diseñada por GK DESIGN para YAMAHA es una interpretación más directa del estilo de la época. Más recientemente, JAGUAR, BMW y CHRYSLER también han diseñado vehículos con diseños claramente retro.

FIGARO de Nissan

ROYAL STAR yamaha

CHRYSLER

Actualmente este campo, un gran negocio supone la combinación del estilismo antiguo con tecnología de punta para fabricar productos híbridos de un buen funcionamiento y fuerte personalidad.

EL ANTIDISEÑO Nace en Italia. Está en contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno. Pretendía validar la expresión creativa individual a través del diseño. El surrealismo es quién influyó en distintos creadores antirracionalistas de los años 40. Radicalmente crítico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad. El antidiseño defendía el diseño de evasión. Y con sus superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. Buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual.

ANTIDISEÑO Rechazando los preceptos racionales del movimiento moderno, el antidiseño pretende validar la expresión creativa individual a través del diseño.

Umeda, Sillón flor

El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta, cuando se formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y que había dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a los intereses industriales en la estratagema descaradamente comercial y consumista. Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad, el movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una escuela de antiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño.

Mendini’s Mobile Infinito Series of 1981

EL DISEÑO RADICAL ITALIA. Italia es reconocida por la calidad tecnológica y formal de los diseños, hay que destacar una figura clave en este desarrollo, como lo es Ettore Sottsass, que junto a su labor de diseño en el campo de alta tecnología en empresas como Olivetti, inicia un movimiento alternativo que rompe con el papel de diseño en la industria y cuestiona el uso de los objetos al proponer: Una filosofía de diseño más ambiental y humanista, que incluía como elemento esencial la idea del gusto popular. Así surge el llamado diseño radical, anti-diseño o contra diseño, que recibe influencias del Art pop de los años 60 y de algunos elementos de culturas primitivas. Los objetos se expresan como símbolos visuales y los diseñadores desarrollan su trabajo sin la ayuda de la industria, volviendo los ojos nuevamente al estilo y concepción artesanal. Este radicalismo a tenido altibajos en los últimos años, adquirió a mediados de la década de los 80 un lugar reconocido gracias al trabajo del grupo Menphis (1981),encabezado por Sottsass, la influencia de este grupo provoco el nacimiento de otras de importancia como Alchimia. El diseño radical que conocemos comúnmente es la conformación de varios movimientos Italianos como Archizoom, SuperStudio, strumm, y 9999 que surgen en lo años 60 y alchimia, Global Tools, y Memphis en los 70. Estos movimientos aparecen como una forma de protestar contra el modernismo formal del estilo predominante de Italia como es el “Bel Design”, el cual esta orientado al poder adquisitivo de grupos sociales que exigían exclusividad de las piezas. Surge como una idea de crear metodologías de trabajo innovadoras y el intercambio de ideas para plantear la participación del diseñador en la participación del diseñador en el desarrollo cultural del país. Y además como una forma marcada de ruptura formal con el estilo del diseño moderno herencia del Ulm y del funcionalismo, y se podría definir como los sobrio en el modernismo y lo colorido en el radical. Lo que planteo este estilo como concepto fue que la idea debía ser más importante que la forma e hizo una liberación estética en sus diseños lo que los llevo a una exageración o indiscriminado amontonamiento de colores, formas, texturas, y teniendo el uso libre de la historia.

Esto lo hizo convertirse en un estilo de éxito popular y les dura mientras produzcan novedad. La idea principal que el diseño radical quiere es de llenar de simbolismo la decoración y el vestir de carnaval objetos ya creados. El diseño radical tiene una amplitud de miras mas allá del círculo cerrado en el que se encuentra el estilo, moderno y posmoderno, ya sea en la forma y sobriedad de sus colores. Dentro del estilo radical podemos mencionar a Sottsass y Mendini los cuales no solo pertenecieron a este estilo sino que se destacaron por su gran aporte a los diseños radicales. En especial Sottsass que nos recordó que aparte del negro y el beige hay otros colores. Hoy en día el verdadero diseño radical se encuentra en lugares o sectores que la actividad proyectual a penas se a puesto en práctica, es decir, ellos buscaban un reto a los procesos constructivos, demostrando que hoy se puede crear cualquier objeto por complejo que sea. Aquí todo vale porque las leyes de la composición son misteriosas enigmáticas y locas. El diseño radical surgió en Italia a fines de los sesenta como reacción al buen diseño. Era similar al antidiseño, pero más teórico, politizado y experimental, y pretendía alterar la percepción general de la modernidad a través de propuestas y proyecciones utópicas.

SUPERARCHITETTURA at Galleria Carla Sozzani. Archizoom and Superstudio Milan, April 15 - April 29 2007.

Archizoom (Andrea Branzi, Massimo Morozzi, Gilberto Corretti, Paolo Deganello, Lucia Morozzi, Dario Bartolini), Nostop city 1970-72

Superstudio, Monumento continuo 1969

Las proyecciones de la arquitectura radical como il momento continuo de superstudio (1969) y wind city de Archizoom (1969), especulaban con la idea de “la arquitectura como instrumento político”, mientras que lo diseños radicales como Doric temple de UFO (1972) y superonda de Archizoom (1966) solian caracterizarse por su potencial de interacción con el usuario. Poéticos e irracionales a la vez, este tipo de diseño encarnaba la contracultura de fines de los años sesenta pretendía destruir la hegemonía del lenguaje visual del movimiento moderno. Superonda de Archizoom (1966)

'mies' by archizoom manufacturer poltronova italy, 1969

Archizoom (1966)

Archizoom

En 1973, miembros de varios grupos de diseño radical se reunieron en las oficinas de la revista Casabella, dirigida por Alejandro Mendini. La reunión dio como fruto la fundación de GLOBAL TOOLS en 1974, pero al cabo de un año, la escuela de arquitectura radical se disolvió y el debate sobre arquitectura y diseño radical perdió ímpetu. Al cuestionar el precepto del diseño, establecidos desde hacia tiempo, los diseñadores radicales como Andrea Branzi y Lapo Binazzi, asentaron los fundamentos teóricos para la evolución del posmodernismo a finales de los setenta y principios de los ochenta.

Andrea Branzi

…watch Andrea Branzi Alessi

Andrea Branzi Revers Chair

Andrea Branzi e Archizoom

Andrea Branzi e Archizoom

Andrea Branzi e Archizoom

Alessandro Mendini

Alessandro Mendini

Aless

Superestudio andro Mendini

Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass, empezaron a producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el movimiento moderno a través de la decoración aplicada.

Mas tarde, Memphis produjo monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmoción a nivel mundial al ser expuestos por primera vez en 1981. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas y se burlaba intencionalmente de la noción del “buen gusto” con laminados de plástico de motivos atrevidos y formas estrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar el antidiseño y, por tanto, a la aceptación del posmodernismo como estilo internacional en los ochenta.

Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y utilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras. Las formas y los motivos de “objetos simbólicos” no solo derivaron de objetos decorativos del pasado (clasicismo, art decó, constructivismo o de De stijl). A veces también hacían referencia al surrealismo, al kisch, y a la imaginaria informática. Alguno de los diseñadores mas destacados en (además de los ya mensionados) Mario Botta, Michele de Lucchi, Hans Hollien, Shiro Kuramata, Aldo Rossi, Peter Shire, George Sowden, Matheo Thun y Masadori Umeda. Sus atrevidos diseños para cerámica, tejidos joyas relojes, platería, mobiliario e iluminación se produjeron a escala limitada en empresas como Alessi, Artemide, poltronova y Sunar, entre otras. … al rechazar el proceso industrial, los productos del posmodernismo serian invariablemente “asuntos de una elite” y que, como tal, presentaban el triunfo del capitalismo sobre la ideología social, base del movimiento moderno. El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también la mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta. El Boom de la década, impulsado por los créditos, permitió que floreciera el antirracionalismo del posmodernismo. A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba él descontructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño de los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia del posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante e ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.

ARCHIZOOM

ASSOCIATI

Fundado en 1966 en Firenze (Italia) por cuatro arquitectos y dos diseñadores que fueron influenciados por las visiones utopicas del grupo arquitectonico archigram. Se dedicaron a diseñar exposiciones, trabajos arquitectonicos y diseño de objetos.

Sus proyectos y numerosos ensayos reflejaron una nueva búsqueda, basándose en un acercamiento a lo flexible y tecnológicamente influenciado en el diseño urbano. ARCHIZOOM Grupo de diseño y arquitectura fundado en 1966 en Florencia por Andrea Branzi, Paul Deganello, Morozzi Máximo y Gilberto Coretti. Agrupe que funciona entre los años sesenta y setenta de período completo del cuestionamiento ideológico, transforma la tecnología en "fantatecnologia" para ponerlo al servicio del diseño radical. Se disolvieron en el 1974.

ARCHIZOOM ASSOCIATI SAFARI ...”. Paolo Deganello/Archizoom ...

with Superstudio, Archizoom ... Mies von Archizoom ...

Location Canapé Archizoom ...

En la década de los 60 se formaron varios grupos de diseño radical en Italia:

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Archizoom. Superstudio. Grupo Strum. 9999

Superestudio: Los pioneros de Arquitectura Conceptual Hippy barbudo la ropa sólo sus calzoncillos surgen de lo que aparece ser un arcón subterráneo concreto. Él es seguido de un hombre peludo en pantalones de trabajo, una mujer topless con el pelo largo, y el otro, y el otro, como payasos de un Volkswagen. Una voz superpuesta nos informa que esta gente olvida " una casa indescriptiblemente grande ... con todas las comodidades posibles, y con todos los pedazos de muebles modernos sobre el mercado ... construido después de todos los estilos antiguos y modernos, formando un todo homogéneo y agradable. " La película, la Ceremonia, es una de cinco películas (juntos llamó Actos Fundamentales) que el colectivo de arquitectura italiano de vanguardia el Superestudio planificado a principios de los años 1970 para comunicar su visión radical de un mundo ideal: un desprovisto de arquitectura. Esta visión es hecha la crónica en el Superestudio: Vida Sin Objetos, una exposición retrospectiva ambiciosa del trabajo conceptual de la firma a partir de 1966 hasta 1978 actualmente extendido a través de varias galerías de Nueva York. " [El superestudio] vio que los arquitectos tienen que estar implicados en una clase diferente de pensar cual su profesión es, " dice Guillermo Menking, profesor en el Instituto de Pratt y el co-conservador del objeto expuesto con el arquitecto Peter Lang. ¿" Más bien que solamente(justo) crear objetos lujosos, o introducir a la gente en el mundo de objetos de consumidor, ellos deberían estar preocupados sobre tales publicaciones(cuestiones) políticas como, ' Qué es la arquitectura? ' "

Una tercera influencia era el puñado de las revistas internacionales de vanguardia que publicaban el trabajo de tal provocateurs como el grupo sci-fi de Reino Unido Archigram, quien señalaba el camino hacia una arquitectura de crítica más bien que el diseño de edificios. " Había también una galería fantástica en Florencia en el tiempo Cintas llamadas De arte, que trajeron a la gente como Dan Graham, el Sol Lewitt, y Vito Acconci para hacer graba en vídeo, " dice Menking. " Entonces ellos se dieron cuenta de esta estrategia de trabajar no como arquitectos, pero como artistas. " El elemento básico de la mayor parte del trabajo en el espectáculo es una rejilla negra sobre un fondo blanco. Esto muestra encima de en tempranos diseños para chaletes, minimalist muebles (la mesa icónica Quaderna del Superestudio es todavía en la producción por Zanotta), y el más memorablemente, el Monumento Continuo, una serie de fotomontajes que muestran al Centro de la ciudad Manhattan, digamos, o el Taj Mahal, se abrigó en la rejilla.

BANAL DESIGN DEFINICIÓN El Diseño Banal, está cargado de Emociones; se Transmiten, Concentrado de Energías, Positivas o Agresivas. Los Objetos no pretenden ser Funcionales, a menudo ni siquiera prácticos, sino más bien escenográficos Rescata la Esencia Emocional de los Objetos La Expresión Artística toma Valor en las Creaciones Banales Los Objetos deben Expresar una Estética, Objetos Triviales, Divertidos, un poco Jactanciosos e Irreverentes En la búsqueda de la Función se pierde la Importancia del Romanticismo, en relación con los Objetos.

Gruppo strum Fundado en 1971 Uno de los colectivos del diseño radical de Turín que ayudó a sentar las bases del antidiseño y la aparición del posmodernismo de los ochenta por Giorgio Geretti, Pietro Derossi, Carla Giammarco, Riccardo Rosso y Maurizio Vogliazo, su nombre corresponde a la abreviatura jocosa de uno de los objetivos fundamentales del grupo, la creación de una arquitectura instrumental ("architettura strumentale", en italiano). Los miembros del Gruppo Strum tuvieron una activa participación en la difusión teórica de las ideas del antidiseño, protagonizando seminarios, conferencias y escribiendo artículos que pretendían acercar al gran público las bases filosóficas de sus innovadoras propuestas.

El grupo tuvo una participación importante y recordada en la exposición "Italy. The New Domestic Landscape", celebrada en 1972 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde presentaron el asiento "Pratone" (gran pradera), realizado en espuma de poliuretano e inspirado en las monumentales esculturas de "Pop art" realizadas por Claes Oldemburg.

Esta pieza tuvo el destacado honor de ser una de las pocas obras del antidiseño italiano que superó la etapa de prototipo y que llegó a comercializarse, ya que fue fabricada por la empresa Gufran. El movimiento del antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite.

La creación en 1974 de la Global Tools, una escuela de antiarquitectura y diseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el final de la primera etapa del antidiseño.

Dècada de los 80’s « La aldea global » ● Se comenzó a utilizar este término cuando la nueva tecnología hizo posible la comunicación virtual inmediata con cualquier parte el mundo. (fax, módem y correo electrónico, celular.) ● Los avances tecnológicos produjeron cambios muy relevantes en la penúltima década del siglo XX. La era de los ordenadores había llegado definitivamente, y se utilizaban programas cada vez mas complejos en muchos de los procesos de diseño de productos que tradicionalmente se habían dibujado o hecho a mano. Así como el disco compacto aparece revolucionando la industria musical desde 1982. ● La nueva tecnología ofrecía también a los diseñadores numerosas y diferentes posibilidades de manejar la composición y reproducción imágenes. Surge el fenómeno del marketing.

● Se concientiza el profesional del diseño acerca de que “la necesidad y los deseos del usuario deben ser la base del proyecto”, Un diseño para todos será el Diseño Universal.

Grupo de Diseño Menphis Grupo de diseño mas importante de la década de los 80’s. Tendencia posmoderna. ● Fundado por Ettore Sottsass en 1980, Milàn. Luego de abandonar el grupo radical de Alchimia. ● Junto a él un grupo de diseñadores y arquitectos italianos de muebles, tejidos y cerámicas. ● Sottsass y sus colaboradores pensaban en la creación de un Nuevo Estilo Internacional ● Inspiración ecléctica con fuentes diversas como la arquitectura clásica y el Kitsch de los 50’s. ● ●

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Utilizaron colores atrevidos, hasta escandalosos para la época, enfatizando en el uso practico de los objetos. La nueva manera de tratar los materiales y los objetos que tuvo una gran repercusión sobre todo en Europa.

● ● "Menphis

no pretende saber lo que la gente necesita, pero intenta correr el riesgo de adivinar aquello que la gente quiere en cada momento". Mostrò su trabajo por primera vez en la feria del Mueble de Milàn en 1981, con èxito inmediato, al hacerse conocida como una polémica empresa, al ser atacados por los crìticos que considerar ron sus obras de mal gusto, pese a ello lograron un gran éxito comercial. “Lo que ha bajado, puede subir otra vez...”.Desde este pensamiento que los objetos de Memphis claramente manifiestan el concepto de recuperar las imágenes más cotidianas, formas y colores. Transformándolos y cultivando esto para hacer de ellos objetos de elite.

● Memphis representó un punto de no retorno para el diseño italiano, una declaración de guerra en el pasado - y, igualmente, de rendición al futuro - por una generación de diseñadores que hoy tiene la dificultad que descubrir de nuevo el anti clásico.

● Memphis fue salpicado a través de revistas por todo el mundo. Había exposiciones en Londres, Los Angeles, Tokio, San Francisco, Nueva York y otras en Milano. Pero Sottsass se desilusiono de Memphis y el circo de medios de comunicación alrededor de ellos, en 1985 anunció que él abandonaba el grupo.

Fue a finales de los 70 y principios de los 80 cuando surgió el diseño postmodernista, sus impulsores y máximo exponente fue el grupo Memphis y el estudio Alchimia bajo la dirección de Alessandro Mendini. Sin duda alguna el grupo de diseño Memphis es el más importante de la década de los 80, referente en la historia del diseño, innovaron con nuevos materiales y fue gracias a Ettore Sottsass que fue quien formo el grupo. Sottsass se inicio en 1947 como arquitecto abriendo su propio estudio en Milán, en 1957 asesora al departamento de diseño de la firma Olivetti, sobre todo realizando el mobiliario y accesorios de oficina. En 1979 expone sus obras con el grupo radical Studio Alchimia, que abandona en 1980 para formar "Sottsass Associatti". Un año mas tarde se rodea de un grupo internacional de arquitectos y diseñadores que trabajaban en todos los campos del interiorismo: mobiliario, tejidos, cerámica, etc...Había nacido el grupo Memphis.

Peter Shire

Michael Graves

Andrea Branzi

de Martine Bedin (1981

Javier Mariscal

sottsass and mateo thun .

Memphis Entre los diseñadores que componian el grupo podemos mencionar a Peter Shire, Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal, Michele de Luchi y Mateo Thun. Memphis se presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán, cosechando un gran éxito, el colectivo se inspira de una gran cantidad de fuentes y estilos a la hora de realizar sus obras, desde influencias clásicas hasta el Ktsch y el neopop, desde lo creado por la mano del hombre hasta lo natural, pero su característica principal es el gran uso del color, variedad, tonalidades atrevidas, todo resulta innovador, se pretende resaltar el significado del objeto frente a su función, este nuevo estilo fue muy polémico pero acabo cosechando un gran éxito comercial, sus formas geométricas y estrafalarias, con sus motivos atrevidos se burlaba de lo correctamente establecido. Esta revolución de ideas no podía durar mucho tiempo y el grupo bandera del postmodernismo agoto sus ideas, desapareciendo en 1988.

El estudio Alchimia era un grupo experimental que producía caras piezas. Estaban a favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción, por eso apoyaba la influencia del diseño del pasado. Frecuentemente mostraban su oposición al diseño racional tomando objetos cotidianos y aplicandolos a diversas formas de decoración, por ejemplo la silla Wassily de Marcer Breuer o la silla de Proust rediseñada por Alessandro Mendini.

“Cual es, después de todo esto, el objetivo de Memphis? . El objetivo de Memphis es existir”. Ettore Sottsass 1982. Memphis

Sofá cuadrilatero

La década de los ochenta se caracteriza por la eclosión de movimientos artísticos como la transvanguardia italiana, el neoxpresionismo alemán, el New Spirit, los neo-románticos, etc. Sin embargo, la crisis de interpretación artística es muy evidente, los artistas ya no proclaman manifiestos y las vanguardias en el arte han desaparecido, por tanto se habla de crisis de la modernidad y de un nuevo tiempo "el postmodernismo". Esta nueva situación artística es corroborada por técnicos como D.Bell, A.Toffler, J.F.Lyotard y los filósofos de la Escuela de Frankfurt y del llamado pensamiento negativo, todos proclaman la crisis del sujeto y de la modernidad. A nivel artístico, los términos de cultura artística postmoderna, pos vanguardia, parecen anunciar una nueva sensibilidad, acontecida por el fin de la guerra fría, el derrumbamiento del régimen soviético, la caída del muro de Berlín (1989), estos acontecimientos son el inicio de una nueva era, la era de la globalización y el Neoliberalismo

Minimalismo Corriente estética y musical iniciada en los años 60 del Siglo XX, cuyo máximo desarrollo se dio en los años 70 , y que en lo arquitectónico privilegia los espacios amplios y libres y los colores suaves y tenues, además de dar relevancia a los conceptos simples.

El Origen del Minimalismo El minimalismo surge a finales de la década del 60 en Nueva York, pero sus orígenes están anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes de este siglo. Ludwig Mies Van Der Rohe elabora sus ideas acerca de la pureza de las formas (precursoras del minimalismo) durante el ejercicio de su cargo en la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, en Alemania, a finales de los años 30. Poco tiempo después, y debido al proceso de la segunda guerra mundial, emigra a Estados Unidos, país donde ya era conocido como arquitecto y diseñador influyente, y se nacionaliza estadounidense. Entrado los años 60 participa en Nueva York del movimiento del arte mínimo y geométrico en las artes visuales. Aunque no fue el único que intervino, su versión del racionalismo y posteriormente del funcionalismo, se han convertido en modelos para el resto de los profesionales de su siglo. Su influencia se podría resumir en una frase que él mismo dictó y que se ha convertido en el lema de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del Siglo XX: "menos es más". A lo largo de su vida profesional luchó por conseguir una arquitectura de carácter universal y simple, que fuese honesta en el empleo de los materiales y en las estructuras. Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales, pero su poética radica en la sutil maestría de las proporciones y en la elegancia exquisita de los materiales (en ocasiones empleó mármol, ónice, travertino, acero cromado, bronce o maderas nobles), rematados siempre con gran precisión en los detalles. Ya en la década del 70, el minimalismo alcanza su madurez como una forma de reacción a los estilos recargados de la época (principalmente el pop art) y la saturación comunicacional dentro del universo estético. Esto influenció no sólo en la decoración y la arquitectura, sino también en la pintura, la moda y la música.

Las características del Minimalismo El minimalismo se caracteriza por la extrema simplicidad de sus formas, líneas puras, espacios despejados y colores neutros, en un ambiente con equilibrio y armonía. Ante todo se privilegian los espacios amplios, preferentemente altos, y libres. Un entorno armónico funcional, fuera del concepto de exceso, saturación y contaminación visual. Se evita también la cacofonía, la repetición y cualquier tipo de redundancia visual. Se podría considerar un "antibarroquismo" estético. Todo debe ser suavidad, serenidad y orden, nada de elementos superfluos y barrocos, de excesos ni estridencias, muchas veces ajenos al mundo exterior. Sobriedad sin ornamentación.

En síntesis, la filosofía del minimalismo persigue construir cada espacio con el mínimo número de elementos posibles, de forma que se elimine o evite todo cuanto pueda resultar accesorio.

En el minimalismo todos los elementos deben combinar y formar una unidad, priorizando el todo sobre las partes. El espacio en sí es de gran importancia, nunca "eclipsado" por los elementos decorativos. En este contexto, se da una clara primacía a las líneas puras y bajas, casi a ras de suelo, con monocromía absoluta en techos, pisos y paredes, complementándose con los muebles. Colores Una de sus principales características del minimalismo es el uso de colores puros, con superficies o fondos monocromáticos, de tonos suaves predominando el blanco y el crudo. También se incorporan los tostados o el negro con sutiles toques de color para acentuar detalles y accesorios. Cuando pensamos en el blanco hay que saber, sin olvidar, que el blanco es un color con una amplia gama de variaciones tonales capaces de multiplicar la luminosidad. El contraste lo aportan algunos detalles ornamentales de los que, en ningún caso, hay que abusar. El detalle de color, tal vez un rojo o pistacho, puede estar dado por una alfombra, un almohadón, o algún objeto único.

Materiales Los materiales son otro de los puntos claves del minimalismo. En la ambientación minimalista se utiliza la madera, tanto en pisos como en muebles, y los materiales rústicos: cemento alisado, vidrio, alambre de acero, venecita y piedras, principalmente en estado natural, mínimamente manipulados. Textiles Las telas que se utilicen en la decoración minimalista deben evitar lo agresivo y barroco, aportando frescura e invitando a la relajación. Se deben dejar afuera las telas estampadas y floreadas, optando por la austeridad de los lisos. Se prefieren las telas rústicas en color marfil, texturas como el lino o lonetas. Cortinas, almohadones y tapizados tendrán que obedecer a una unidad y un equilibrio. Las cortinas, cuando existen, deben ser blancas, de líneas rectas y simples; romanas o roller. Aunque se pueden prescindir tranquilamente de ellas. Muebles Los muebles toman el concepto propio del minimalismo de simpleza y funcionalidad; menos es más. La austeridad en el diseño y en la cantidad de muebles, son básicos en la decoración minimalista. No siempre existen muebles fijos. Muchas veces se esconden o guardan en muebles o estanterías. Los muebles modernos y orientales van muy bien con este tipo de decoración. Paredes En las paredes se trata de evitar todo adorno que esté de más, aunque se puede utilizar algún cuadro destacado en presencia o importancia. Un cuadro de autor es un buen recurso. Paredes lisas de colores claros o revestidas con piedra, cómo único elemento de decoración.

Minimalismo Es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra. Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los volúmenes y formas en escultura. De forma análoga proceden en la arquitectura o en la pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones. En cuanto a mùsica se refiere, ésta funciona a partir de materiales limitados o mínimos; las obras que utilizan solamente algunas notas, solamente algunas palabras, o bien las obras escritas para instrumentos muy limitados, como címbalos antiguos, ruedas de bicicleta o vasos de wisky.