UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO ESCUELA NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS

DOCUMENTO DE CONCENTRACIÓN DE INFORMACIÓN DE LAS ACTIVIDADES REALIZADAS EN FASE 2

LICENCIATURA EN ARTES VISUALES

AGOSTO 25, 2011

Textos proporcionados por la División de Estudios Profesionales y la Secretaría Académica, ENAP

Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011.

Agradecemos la colaboración a todos los participantes en las actividades de la Fase 2 de Acopio de Información Académica-Profesional

Escuela Nacional de Artes Plásticas

D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Presentación Con el propósito de realizar un acopio de información relacionado con los aspectos correspondientes a objetivos específicos, perfiles y desarrollo profesional que adquieren los alumnos y egresados de los planes de estudios de la Licenciaturas en Artes Visuales y Diseño y Comunicación Visual, que dará como resultado la actualización de los mismos, el pasado 27 de abril fueron convocados los Jefes de los Colegios de ambas licenciaturas para informar del inicio de la fase 2 del proceso, de modo que se distribuya la información al resto de los profesores y comunidad académica en las reuniones colegiadas posteriores. Además se presentó la metodología, la ruta crítica para el desarrollo de esta fase y las actividades designadas dentro de la Plataforma Interactiva de uso exclusivo del personal académico de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, plantel Xochimilco.

Fase 2 de Acopio de Información Académica-Profesional El presente documento integra en sus apartados la información obtenida de las diferentes actividades de exploración resultantes del empleo de la Plataforma Interactiva El Acopio informativo de esta FASE II, se ha organizado en: I.

Estadísticas de la licenciatura;

II.

Actividades resultantes del empleo de las TIC´s dentro del proceso;

III. Contextos de la Práctica Profesional; IV. Aspectos y áreas de la disciplinas de la Artes Visuales ; V. Objetivo general y perfiles de la licenciatura; VI. Convocatoria al desarrollo de un tema; Finalmente hay que señalar que este documento es el segundo insumo informativo resultado del proceso de acopio de información para que posteriormente se realice junto con otros elementos un estudio que permita la toma de decisiones en la actualización, modificación o ajuste a los planes de estudio.

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Índice Presentación…………………………………………………………………………………………………….……….3 I.

Estadísticas de la licenciatura…………………………………………………………………………………….7

II. Actividades apoyadas con el empleo de las TIC´s……………………………………………………….8 2.1 Presentación de la Fase 2…………………………………………..…………………………………………….8 2.2 Mensaje de Apertura……………………………………………………….………………………………………9 2.3 Entrega de Concentrado. Fase 1……………………..……………………………………………………….9 2.4 Convocatoria al desarrollo de un documento reflexivo………..………………………………….9 2.5 Mensaje de extensión de fase………………………………………………..……………………………….11 2.6 Mensaje: Constancias de participación en proyectos institucionales………………………12 2.7 Asesorías para el uso de la plataforma……………………………………………………………………12 2.8 Actividades en la plataforma…………………………………………………………………………………..12 2.9 Participación en la plataforma…………………………………………………………………………………12 III. Contextos de la práctica profesional………………..……………………………………………………….15 3.1 Cuestionario….……………………………………………………………………….……………………………….15 3.2 Foro…………………………………………………………………………………………………………………………48 IV. Aspectos y áreas de las disciplinas de las Artes Visuales..……………………………………….…58 4.1 Cuestionario……………………………………………….……………………………………………………………58 V. Objetivo general y perfiles de la licenciatura…………………………………..…………………………90 5.1 Cuestionario……………………………………..……………………………………………………………………..90 5.2 Foro………………………………………………………………………………………………………………………….117 VI. Convocatoria a ensayo………………………..……………………………………………………………………..121 6.1 Foro………………………………………………………………………………………..………………………………..121 6.2 Ensayo………………………………………………………………………………………………………………………124

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Manuel Gerardo Alonso Ulloa…………………………………………………………………………………124 Noé Martín Sánchez Ventura………………………………………………………………………………….127

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Norma Calette Martínez……………………………………………………………………………….………..133 Marta Gloria Castellanos Cerda………………………………………………………………………………136 Roberto Caamaño Martínez……………………………………………………………………………………143 Rosa Martha Aguilar Olea……………………………………………………………………………………….151 Salvador Herrera Tapia…………………………………………………………………………………………..155 Santiago Ortega Hernández……………………………………………………………………………………158 Ulises García Ponce de León…………………………………………………………………………………..165 Teresita de Jesús Bárcenas Barretas……………………………………………………………………….170 Adriana Raggi Lucio………………………………………………………………………………………………..174 Aidee de León de la Torre……………………………………………………………………………………….179 Alejandra Ríos Silva…………………………………………………………………………………………………182 Alfredo Rivera Sandoval………………………………………………………………………………………….188 Antonio Morales Aldana…………………………………………………………………………………………191 Arnulfo Olvera Olvera…………………………………………………………………………………………….202 Beatriz Buberoff Chuguransky………………………………………………………………………………..205 Carlos Emilio Cardoso Olmedo……………………………………………………………………………….210 Carlos Mier y Terán Benítez…………………………………………………………………………………..214 Colegio de Escultura………………………………………………………………………………………………220 Dina Salazar Méndez……………………………………………………………………………………………..223 Elizabeth Ávila Figueroa…………………………………………………………………………………………227 Elva Hernández Gil…………………………………………………………………………………………………231 Fernando Ramírez Espinosa…………………………………………………………………………………..234 Fernando Zamora Águila………………………………………………………………………………………..236 Gustavo Hernández Quiroz…………………………………………………………………………………….243 Héctor Inda y Hernández………………………………………………………………………………………..246

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Herlinda Sánchez Laurel Zúñiga……………………………………………………………………………..258 Homero Santamaría Padilla…………………………………………………………………………………….266

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Jorge Álvarez Hernández…………………………………………………………………………………………269 Jorge Fanuvy Herrera Núñez Aguilera……………………………………………………………………..273 Josset Cristina Herrera Vinuesa……………………………………………………………………………….278 Juan Carlos Mercado Alvarado………………………………………………………………………………..285 Karina Erika Rojas Calderon…………………………………………………………………………………….290 María del Carmen Gallegos Vargas………………………………………………………………………….295 ANEXO 1 ANEXO 2 ANEXO 3 ANEXO 4 ANEXO 5 ANEXO 6 DIRECTORIO UNAM DIRECTORIO ENAP COORDINACIÓN DEL PROYECTO

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I. Estadísticas de la licenciatura (Semestre 2011-2)

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Profesores Artes Visuales Tiempo Completo Asignatura

119 52 67

Profesores de Artes Visuales

Asignatura 56%

Profesores Diseño y Comunicación Visual Tiempo Completo Asignatura

Tiempo Completo 44%

211 51 165

Profesores Diseño y Comunicación Visual

Tiempo Completo 24% Asignatura 76%

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II. Actividades apoyadas con el empleo de las TIC´s Con el propósito de acopiar información de toda la comunidad académica de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, plantel Xochimilco, se diseñó una estructura metodológica implementada con el apoyo que otorgan las nuevas tecnologías de información y comunicación en los procesos educativos, en este caso concreto para iniciar con el acopio de información que será empleada en la actualización, modificación o ajuste de los planes de estudio, se recurrió al uso de una Plataforma Interactiva en línea y se designaron accesos con clave al sitio de manera Individual y Colegiada. Además para no limitar la participación colegiada por parte de toda la planta docente de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y con base al programa de transparencia adoptado por la UNAM en esta fase se diseñaron e implementaron los blogs de colegio, mismos que son administrados por los jefes de colegio con apoyo de la Secretaría Auxiliar de la Secretaría Académica. Antes de entregar los blogs a los jefes de colegio se configuro dentro de ellos un administrador de apoyo, el área de vínculos y amigos en donde se encuentran las ligas que direccionan al resto de los blogs de colegios de las licenciaturas en Artes Visuales y Diseño y Comunicación Visual.

2. 1 Presentación de Fase 2 El miércoles 27 de abril de 2011 se realizó una junta con jefes de colegio en la Sala de Vídeoconferencias de nuestra escuela, durante la cual se abordaron los siguientes puntos en la agenda de trabajo: • Registro de Jefes de Colegio. • Entrega en sobre cerrado de contraseñas y dirección electrónica de blog del colegio al que representan, por parte del Centro de Cómputo. • Entrega de material con las actividades y glosario designados para la fase 2. ANEXO 1 y 2. • Palabras del Dr. José Daniel Manzano Águila, Director de nuestra escuela, en torno al proceso. • Presentación de blogs de colegio y objetivos de este. • Presentación preliminar del concentrado de información de la Fase 1 del proceso, en donde se incluyen reporte de las actividades realizadas dentro y fuera de la Plataforma Interactiva, cargado en cada uno de los blog de colegio. • Presentación de las actividades designadas para la fase 2, por medio de una presentación dentro de la plataforma. • Sesión de preguntas y respuestas en torno al proceso.

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2.2 Mensaje de Apertura

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Con el objetivo de apoyar a los jefes de colegio a comunicar los asuntos tratados dentro de la junta del día 27 de abril, el viernes 29 de abril se envió un mensaje por correo electrónico a cada uno de los profesores inscritos en la Plataforma Interactiva en donde se indicó: • • • •

Objetivos de la Fase 2. Calendario de Actividades dentro de la plataforma. Asignación de Actividades para la Fase 2. Invitación a mantener la comunicación con las áreas de administración de plataforma, metodología y coordinación general, con el fin de resolver sus dudas e inquietudes en torno al proceso de manera oportuna. • Anuncio de la reciente existencia de los blog de colegios con las direcciones electrónicas de cada uno, éste además fue posteado en el blog de la Secretaría Auxiliar de la Secretaría Académica y en todos los blogs de colegios como aviso importante.

ANEXO 3.

2.3 Entrega de Concentrado. Fase 1 El lunes 16 de mayo de 2011 se publicó en cada uno de los blogs de colegios el documento de acopio de información obtenido de las actividades pertenecientes a la fase 1 dentro y fuera de la plataforma, presentado solo de manera digital debido a su extensión. Dentro de éste la coordinación del proyecto presentó la información obtenida de la opinión de sus participantes y en los casos de información cuantificable se presentaron los resultados de ésta.

2.4. Convocatoria al desarrollo de un documento reflexivo El lunes 13 de junio de 2011 por medio de la circular ENAP/SG/16/2011 la Secretaría General convocó a todos los profesores de las Licenciaturas en Artes Visuales y Diseño y Comunicación Visual en base al Estatuto del Personal Académico (EPA) a participar en el desarrollo de un documento reflexivo (ensayo, articulo u opinión académica) en torno a las temáticas:

“Las artes visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI” “El diseño y la comunicación visual en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI”

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Las cuales fueron recibidas en fecha límite del 5 de agosto del presente año por medio de los correos: [email protected] y [email protected] en formato digital y de manera impresa en la Secretaría Académica. ANEXO 4. En total se recibieron 111 ensayos de los profesores de ambas licenciaturas, de tal forma que representan el 41.1 % de participación en esta actividad

Participación con ensayo

No participaron 59%

Participaron 41%

Referente a la temática “Las artes visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI” se entregaron 43 ensayos, los cuales corresponden al 36% de participación con respecto al total de la planta docente de la Licenciatura en Artes Visuales.

Artes en los contextos...

Ensayos 36%

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Referente a la temática “El diseño y la comunicación visual en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI” se entregaron 68 ensayos, los cuales corresponden al 32% de participación con respecto al total de la planta docente de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual.

Diseño en los contextos...

Ensayos 32%

2.5. Mensaje: Extensión de la Fase 2 Como parte de las peticiones realizadas por profesores y la actividad contemplada dentro de la circular ENAP/SG/16/2011 se determinó adecuado extender la fase, por lo anterior se envió un mensaje a cada uno de los profesores inscritos en la plataforma interactiva en donde se indicó: • Agradecimiento por la participación en lo que va de la fase 2. • Extensión de la fase 2 al 15 de agosto de 2011. • Inicio de la fase 3 el 22 de agosto de 2011. Además éste mensaje fue publicado también en el blog de la Secretaría Auxiliar de la Secretaría Académica, como parte de los avisos importantes. ANEXO 5

2.6. Mensaje: Constancias de participación en proyectos Institucionales El Viernes primero de julio se envió a cada uno de los profesores inscritos en la plataforma interactiva se envió un recordatorio de la Circular ENAP/SG/16/2011 indicando que la respuesta a ésta, además de lo dispuesto, generará constancia de participación en Proyectos Institucionales. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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2.7. Asesorías para uso de Plataforma Durante toda la fase se atendió en oficina a los participantes que lo requirieron, de igual manera, se mantuvo el correo y la comunicación telefónica como alternativa para los profesores que en este momento se encuentran de sabático o fuera de la ciudad pero que de igual manera están interesados en participar el proceso o se integran al proceso.

2.8. Actividades en la Plataforma. Para la primera fase de acopio de información se designaron cuatro bloques de actividades: ACTIVIDAD 1 Contextos de la Práctica Profesional ACTIVIDAD 2 Aspectos y áreas de desarrollo de las disciplinas de las Artes Visuales ACTIVIDAS 3 Objetivo general y perfiles de la licenciatura ACTIVIDAD 4 Convocatoria para el desarrollo de tema En ellas se emplean como recursos lecturas en pdf, cuestionarios, foros, tareas, glosarios, calendario de actividades, biblioteca de consulta, contactos de la coordinación del proyecto y mensajería asincrónica.ANEXO1

2.9. Participación en la Plataforma Hasta el momento se encuentran inscritos dentro de la plataforma 324 participantes de los cuales 26 son colegios, 2 administradores, 3 usuarios de prueba, 5 de servicio en caso de ser necesario integrar a otro usuario por cuestiones administrativas y el resto son participantes Individuales actualmente pertenecientes a ambas licenciaturas. Hasta el momento la participación de la planta docente ha alcanzado el 35% de actividad dentro de la plataforma:

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Sin participación 65%

Participando 35%

Dentro de la segunda fase de la licenciatura en Artes Visuales se encuentran inscritos 137 participantes distribuidos de la siguiente manera: •

121 Individuales

•

11 Colegios

•

2 de Prueba

•

3 de Apoyo

El porcentaje de participantes Individuales y colegios han desarrollado las actividades dentro de la plataforma es de:

Participación 32%

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Y en cuanto a las aportaciones de dentro de los espacios de respuesta de foros, cuestionarios y tareas se anexa a continuación la información obtenida para su conocimiento.

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III. Contextos de la Práctica Profesional

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Las actividades contempladas dentro de esta área invitan a los profesores que imparten su cátedra dentro de la licenciatura en Artes Visuales desde su experiencia profesional contacto que establecen con los alumnos y egresados a participar en las temáticas: • Actuaciones laborales que realizan los egresados en los contextos económicos, políticos, sociales y culturales. • Retos y exigencias que presentan para los egresados de la licenciatura en Artes Visuales como parte del actual proceso de globalización. • Sectores o actividades en los cuales los egresados no prestan atención y es necesario los consideren como una alternativa laboral.

3.1 Cuestionario Instrucciones: Con base en la lectura del apartado de las páginas 24-28 del "Fragmento de la Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura". Desde tu experiencia profesional, docente y el contacto que estableces con tus alumnos y egresados: ¿Cuáles son las funcione y actividades profesionales que realizan en los contextos social, cultural, económico y político los artistas visuales egresados de la ENAP? En lo social como investigadores, teóricos del arte En lo cultural, como productores artísticos de manifestaciones estéticas, como museógrafos, curadores, directores de museos o centros de arte En lo económico, cada manifestación artística es una manifestación económica, pues demanda recursos financieros. Otra vertiente es la de creación de espacios y grupos artísticos que entre sus objetivos contempla tener ingresos para desarrollar sus actividades laborales. En lo político, al igual que lo social es el cuestionamiento de la sociedad através de investigaciones y manifestaciones artísticas. El arte siempre contendrá una postura política, es parte de su naturaleza. Con base en la Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura se plantea la importancia del contexto social, económico, cultural y político que debe considerarse en un plan de estudios. Cada contexto es un reto sobre todo si tomamos en cuenta la situación económica que ahora vive o mejor dicho padece nuestro país. Hay pocos empleos y terribles condiciones laborales D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. para el trabajador que tiene la intención de contratarse en una empresa grande o mediana. Esta situación es la que viven nuestros egresados de la ENAP. De modo que una posible salida o un campo emergente es que el estudiante de Artes Visuales amplié su enfoque educativo como lo plantea una profesora en el Foro de esta plataforma: "Amplaría... la visión educativa... no solo experimental e investigativa en el taller, sino de campo aplicado a las ciencias penales y criminales en ámbitos externos a favor de los servicios públicos periciales, donde el campo es muy solicitado..."* Esta salida para la práctica profesional del egresado de Artes Visuales es ya una esperanza real. No obstante, se requiere también de la otra formación que es la investigación, la tecnología, las humanidades y las ciencias sociales. De manera que como docentes necesitamos más conocimiento y actualización en nuestras profesiones sin olvidar la investigación. Pienso que es oportuno el diagnóstico para la creación de un nuevo plan de estudios Improvisadas, el problema no es la improvisación, sino el resultado de una contienda incomprendida por ellos mismos que se sienten frustrados por no saber que coexisten en el arte, desde su propio perfil de desempeño vinculado de manera personal y práctica, arte útil. Funciones: Constitución, reflexión y análisis de todos aquellos objetos visuales que fungirán como apoyo a las producciones visuales necesarias en todos los campos de las prácticas sociales y de los diversos campos del conocimiento. Actividades profesionales: Planificación y asentamiento de estudios o espacios independientes para la creación y difusión del arte. Apoyo a instituciones y empresas, tanto públicas como privadas, para la formulación y propagación de expresiones visuales en los terrenos de la comunicación. Realización de respaldo fotográfico, videográfico o de animación, para diversos campos disciplinarios. Creación de imágenes de apoyo para diseño de espacios web y planificaciones de alzamientos arquitectónicos. Formulación visual de producciones editoriales; Refuerzo mediante imágenes a campañas políticas, etc. Generalmente las actividades profesionales que realizan alumnos y egresados de la ENAP son en primera instancia: en el contexto social y económico, relacionadas con la docencia en escuelas y universidades estatales y privadas, otros participan en talleres profesionales de grabado y estampa. En el contexto cultural, gestiona, propone y participa en exposiciones individuales y colectivas. Y en el contexto político participa de manera personal donde predomina su manera de pensar y generalmente esta actividad no es remunerada. Es importante mencionar que casi al final de su carrera la mayoría de alumnos está D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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insegura ante la realidad que tendrá que enfrentar en la búsqueda de un trabajo donde pueda desarrollarse. Considero que la mayoría de los alumnos se encuentran desfasados del contexto cultural y económico del mercado de trabajo y de la oferta que encuentran fuera de la escuela cuando terminan la carrera de 4 años. La ENAP debe de hacer mayor énfasis en tener 3 opciones al concluir una carrera universitaria: producción, docencia e investigación como salida terminal. No existe en nuestros días un programa específico para preparar al alumno para la producción plástica o lo que se ha dado en llamar el ejercicio profesional. En cuanto al segundo punto es importante recordar que durante gran parte de la historia de la escuela en su plantel de Xochimilco, una gran parte de los egresados tuvieron la posibilidad de dedicarse a la docencia debido a que muchos profesores de entonces decidieron jubilarse o bien se abrieron nuevos grupos en un plantel de reciente creación (hace 30 años). Sin embargo, esas condiciones ya no existen de tal manera que quienes desean dedicarse a la docencia deben de esperar varios años antes de poder tener esa oportunidad. Con las reformas universitarias referentes a programas de estímulos académicos (PEPASIG; PRIDE) la planta docente ha tenido la oportunidad de estudiar una maestría que a mi juicio no resulta propositiva para hacer despegar al alumno hacia el aspecto laboral, político, cultural. Este aspecto puede comprobarse fácilmente al revisar que son contados los egresados que tienen una presencia fuerte en los medios de comunicación. La investigación es muy poco abordada en la ENAP y cuando se realiza por parte de los alumnos son copias y refritos de textos ya conocidos. La prueba es la poca producción de temas relacionados al arte que genera nuestra escuela considerando que se debe a errores de metodología para plantear proyectos serios que tengan que ver con teoría e historia del arte. - Social: este aspecto me parecería que correspondería a la transmisión de los conocimientos y experiencias a otros pares ya sea desde el ámbito profesional de las artes y en el área docente. - Cultural: transmisión de la cultura tradicional y contemporánea de su función como hacedores de imágenes, ya sea eventos como gestores culturales y sociales que se nutren de su contexto en las ciudades y en el interior como parte de grupos culturales. - Económico: contribuyendo al desarrollo de imagen de empresas o grupos ya sea culturales, sociales, promoviendo los servicios y productos que de ellas emanen. - Político: exponiendo y promoviendo su posición, compromiso desde el ámbito plástico y de los que el rodean en su contexto. Manejo de nuevas tecnologías y materiales Estudio de idiomas

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- Social: Como transmisor de conocimiento y cultura, este aspecto me parecería que correspondería a la transmisión de los conocimientos y experiencias a otros pares ya sea desde el ámbito profesional de las artes y en el área docente. - Cultural: Función de monitor o gestor cultural, transmitiendo la cultura tradicional y contemporánea desde su función como hacedores de imágenes, ya sea eventos como culturales y sociales que se nutren de su contexto en las ciudades y en el interior como parte de grupos culturales. - Económico: Función de productor, contribuyendo al desarrollo de imagen de empresas o grupos ya sea culturales, sociales, promoviendo los servicios y productos que de ellas emanen. - Político: exponiendo y promoviendo su posición, compromiso desde el ámbito plástico y de los que el rodean en su contexto. La actividad seria la producción de obra y pensamiento acorde a su posición comprometida.

Docencia, proyectos personales artísticos, trabajos de organización y apoyo en instituciones culturales, privadas y públicas. Hace falta una estadística que refleje un seguimiento las actividades de los egresados. Los profesores del colegio señalamos la amplitud indefinida de la pregunta, lo que no permite una respuesta clara y concisa. Parece una pregunta emanada del pensamiento y los modelos educativos de 1970, en los que se pensaba en la educación como una solución directa a los conflictos y necesidades sociales. El campo genérico de nuestro trabajo es el de la producción de Cultura Visual. No disponemos de bases de datos que nos permitan concluir sobre las ocupaciones de los egresados. La gran mayoría de los egresados tienen como actividad laboral principal la de la docencia. Casi todos mantienen un proyecto personal de producción artística. Trabajos de apoyo y organización en instituciones culturales públicas y privadas. El Arte es parte de la superestructura de la sociedad y en la sociedad mexicana y en la más recóndita localidad siempre habrá un pintor. Para empezar y para contar con datos fidedignos y concretos, la escuela debería de crear un departamento o de tener a alguien en algún departamento ya existente, a una(s) persona(s) encargada(s) precisamente de dar seguimiento a nuestros egresados, para que frente a una pregunta como ésta no tengamos que vernos en la necesidad de acudir al anecdotario o a lo que me platicaron que hace fulanito. ESTO D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. ES FUNDAMENTAL, sin estos datos estamos trabajando a obscuras. Ahora bien, de lo mucho o poco que yo estoy enterado de compañeros de generación, pocos continúan realizando una producción artística. A la mayoría de los que he podido darles seguimiento son docentes de alguna u otra forma, otros definitivamente cambiaron de profesión y en estos últimos casos lo importante no es nada más mencionarlo sino que habría que ver el porqué de su decisión. Otros más se insertaron en alguna de las áreas de difusión o promoción artístico-cultural, son guías de museo, gestores de actividades culturales, curadores, etc. Para resumir, las actividades son muy variadas pero hacer un listado de cuáles son no basta, faltaría hacer un estudio de porqué terminamos realizando esas actividades y no otras, pero para esto necesitamos datos concretos. En el contexto social nos desempeñamos ejerciendo nuestros conocimientos en la producción de mensajes informativos y formativos a través de nuestra obra personal contribuyendo a la producción de bienes culturales que pueden abordar la realidad nacional desde un punto de vista de contribución histórica, o desde un punto de vista crítico de nuestra sociedad, o bien desde un punto de vista puramente estético. En lo cultural podemos contribuir desde la impartición de la docencia del arte, organización de exposiciones o eventos culturales relacionados con las artes visuales, participación en sectores de la producción fílmica nacional, de la producción televisiva, en la curaduría de exposiciones, en el desarrollo de guiones museísticos ya sea en la museología o en la museografía, en eventos de intercambio cultural entre países diversos. En el contexto económico impactamos a través de nuestra producción individual y a través de nuestra labor de difusión de la cultura mexicana en el extranjero, y en el político, la opinión de los artistas visuales ha sido secularmente reconocida como generadora de opinión e interés nacionales. La Creación Artística, innovación, reflexión sobre la vida social y cultural del contexto en el que vive el artista. Proponer de manera libre e independiente reflexiones artísticas que permitan ver la realidad desde otra perspectiva. Comparto la idea de Marx al decir que la principal función del artista visual es cubrir las necesidades estéticas de su sociedad. Por medio de una actividad vital en el desarrollo de todo artista, la expresion de sus sentimientos, y no en el sentido más romántico del término, sino, en su sentido más amplio; al considerar que la expresión de dichos sentimientos como resultado de una experiencia percibida por todos los sentidos, la cual es conceptualizada y reflexionada, lo que le confiere una carácter discursivo fundamentado y sensitivo a la vez. Lo anterior queda en relación directa con el contexto social en el que el artista se desenvuelve y del cual participa, ya que es ahí en donde desarrolla la experiencia y las características económicas, políticas, sociales y culturales influencian el proceso D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. creativo del artista, así como el desarrollo procesual de la pieza.

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Ahora bien, es un hecho que al terminarse la pieza ésta entra a circulación en un contexto que puede ser semejante o no al contexto en que surgió y/o se desarrolló. Depende (aunque no siempre) muchas veces de las intenciones del artista si la pieza se dirige a un público establecido, porque las interpretaciones de la pieza se pueden llegar a relacionar con el espacio o círculo en el que se presentan, a lo que me refiero más en concreto, es a la cuestión de que la pieza puede ser leída o interpretada como: una crítica, una burla, una parodia, un reflejo, una propuesta, etc. Por otro lado en el sector económico, la producción como bien comenta el mismo Marx, es un objeto con un valor de cambio que entra en el círculo mercantil, por lo que al ponerla en venta puede o no, generan una plusvalía, y aunque no llegue a ello, si genera una circulación de $. Afortunadamente las funciones de la producción artística pueden ir más allá y adentrarse en diversos sectores, como, la difusión y la educación, determinados siempre o la mayoría de las veces por los intereses y objetivos del artista. Como un apoyo didáctico tanto para el crecimiento personal de la comunidad así como para el enriquecimiento cultural de la misma. Además está presente la función alterna a la creación de piezas que ya mencioné arriba, la creación de programas difusión tanto histórica como teórica, esenciales para consolidar el desarrollo de los planteamientos culturares, ya que como es evidente hoy en día no sólo basta con producir arte, hay que saberlo difundir sí, pero también es necesario "actualizar" al público, formarlo, en el sentido de enseñarle a consumir arte. Si bien esa función en algún momento le correspondía al crítico, nada impide que el mismo artista visual proponga programas para este fin.

La función del artista visual es producir obra que se fundamente en principios teóricos, para ser reproducida a través del dominio de las técnicas y materiales plásticos o tecnológicos cuyos contenidos puedan ser dirigidos a cualquier sector social, cultural y político. Sin embargo, su actividad profesional "dentro" del sector o contexto social, cultural, económico y político es limita. Si bien en la actualidad la función y actividad profesional del artista visual se ha ampliado también a otros campos de estudio como la práctica museográfica o curatorial, en el contexto económico es distinto. En un país donde la subcultura domina sobre la cultura, es difícil pensar que el artista visual logre cumplir su función creativa y tenga cabida dentro del sector económico, pues su actividad profesional no genera ganancias cuantiosas para las grandes empresas que controlan los intereses de este país. Son pocos los que logran un apoyo o reconocimiento, así como los que desean apoyar al artista visual. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. La tendencia en general es la docencia en los niveles de educación básica y media y superior. Son pocos los que se dedican a la producción fundamentalmente en dos rubros que son: uno en sentido de carácter laboral en apoyo plástico en proyectos de producción sociales, culturales, artísticos o de restauración de obras plásticas; el otro la minoría en el marco de la investigación y la búsqueda de alternativas ya sea mediante los posgrados y becas o los concursos y los premios estas dos líneas requieren no sólo de disciplina en el campo de la producción plástica sino de ir más allá en sentido creativo por lo cual se requiere de estrategias que les permitan llegar a las metas por lo que se requiere de un trabajo sistemático y ordenado en dos grandes planos la disciplina y el oficio así como el desarrollo holístico es en la práctica profesional donde los egresados se consolidan como artistas visuales por lo general son pocos los que trascienden en el plano de la plástica nacional. Considero que las funciones y actividades profesionales que realizan los artistas visuales fundamentalmente se ubican en los contextos cultural y social , así como en la producción de objeto artístico observo al artista visual lejos de los contextos económicos o en los medios de producción y en el político su participación ha ido disminuyendo, la parte cultural consideres la más sólida por4 lo que implica le necesidad de contar con artistas en los museos, casas de cultura, galerías, así9 como en proyectos de producción personal. Las funciones y actividades profesionales en el contexto son generadoras de cultura, de acuerdo a diversos tipos de proyectos de los egresados, algunas de ellas son la conformación de grupos que apoyan a la comunidad, a veces con apoyos del estado o como Asociaciones Civiles. Cabe mencionar que las funciones van de acuerdo a la especialización y la actividad que desea realizar el egresado, pueden: aportar proyectos de producción artística de manera independiente o en colectivos, generar investigación dentro de las esferas del conocimiento relacionado al arte, también como Académicos, Gestores, Promotores, Curadores, Museógrafos, etc. Direcciones de museos y galerías, trabajos curatoriales, museografías y produccion de exposiciones en general. Labores docentes (profesores de artes, desde iniciación hasta postgrado). Investigación interdisciplinaria universidades).

(institutos,

facultades,

escuelas

y

otras

Instituciones y organismos que manejen programas culturales, así como conservación y restauración de bienes culturales. Como productor independiente. - Social: este aspecto me parecería que correspondería a la transmisión de los D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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conocimientos y experiencias a otros pares ya sea desde el ámbito profesional de las artes y en el área docente. - Cultural: transmisión de la cultura tradicional y contemporánea de su función como hacedores de imágenes, ya sea eventos como gestores culturales y sociales que se nutren de su contexto en las ciudades y en el interior como parte de grupos culturales. - Económico: contribuyendo al desarrollo de imagen de empresas o grupos ya sea culturales, sociales, promoviendo los servicios y productos que de ellas emanen. - Político: exponiendo y promoviendo su posición, compromiso desde el ámbito plástico y de los que el rodean en su contexto. Las funciones y actividades profesionales, desde mi punto de vista y a partir de mi experiencia y la relación con otros amigos egresados, puede ser muy variada; pero va desde la docencia en diferentes niveles desde nivel primaria hasta la educación superior a la par de la producción artística de manera personal; existe una participación activa en el medio del arte nacional e internacional, como puede ser en bienales, concursos, foros y becas patrocinadas por nuestro gobierno así como el de otros países. En cuanto a lo económico, también hay una inserción en el mercado, principalmente en un mercado secundario (Galerías nacionales e internacionales) y que difícilmente los egresados de la ENAP llegan a acceder a un mercado primario (Subastas Christie's ó Sotheby's, por ejemplo) es en este último punto donde pienso, es necesario la asesoría y la promoción que la ENAP como parte de la Máxima Casa de Estudios que es la UNAM puede incidir de manera activa, democrática e incluyente de los artistas que ha formado. En cuanto a lo político, veo un panorama quizá más personal pero igualmente se están haciendo cosas. Social: Poder “comunicar” con la obra realizada una visión particular sobre el contexto histórico, el pensamiento individual que desemboque en una conciencia en el espectador. Cultural: Generar propuestas plásticas que puedan mostrar un desarrollo en el arte en México y que al mismo tiempo el artista desarrolle vínculos con instituciones culturales que promuevan la rama en que se desarrolle y todas las demás artes en general. En el ámbito cultural puede llegar a su entorno próximo para promover la creatividad en gente de todas las edades. Económico: El intercambio cultural va ligado con el económico, se aprecia más en las grandes exposiciones de los museos más importantes, el artista se puede vincular con el museo o museos que quieran exponer su obra. Claro que eso implica un trabajo previo y experiencia en el campo. Para los recién egresados desafortunadamente no resulta tan sencillo.

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Político: En el ámbito político, pueden generarse proyectos que vinculen al gobierno en turno donde el artista pueda ser el eje principal de acuerdo a su desarrollo académico y propuesta artística. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: • el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, asi como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar. La inserción del egresado en los ámbitos laborales es compleja, pues implican una serie de actividades en su compromiso con la función social propia del artista y su participación activa en la vida cultural de nuestro país a través de programas de carácter institucional y de carácter independiente. Así, el artista plástico y visual tiene por funciones la difusión y promoción de la obra plástica en el camino de la sensibilización para una participación activa en el campo de las artes, desde el área docente, de difusión y gestión, entre otras. De tal forma que el artista plástico y visual se enfrente a un campo de trabajo diversificado, en la integración de áreas de las artes en sus distintas manifestaciones artísticas tomando en cuenta códigos y conocimientos técnicos y teóricos en el sector público, en su observación crítica a nivel nacional e D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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internacional. El artista visual egresado de la ENAP se desempeña en todos los contextos de la vida social. Tengo el privilegio de impartir la misma materia en ambas licenciaturas y esto me ha permitido constatar la importancia, involucramiento y conocimiento que los estudiantes-futuros egresados de artes visuales le dan al acontecer de los aspectos social, económico, político y sobretodo cultural. Las funciones van desde sus capacidades con propuestas de grupos escolares hasta incorporarse a movimientos sociales (como recientemente en las marchas Por la Paz con justicia y dignidad), instituciones públicas o políticas. Pienso que se distinguen por sus propuestas y actitudes, pero aun así sería conveniente una materia de análisis y reflexión de la realidad nacional y global, que sirviera de foro para expresar su punto de vista sobre cada área del quehacer humano. En el contexto social el artista visual debería ser capaz de desarrollar propuestas acordes con su momento y su contexto social que sean eco y crítica de la sociedad de la cual es parte. En el aspecto cultural el artista visual es primero parte de un ámbito cultural que es el de las artes visuales, y este es parte de un entorno cultural más amplio, por tanto el artista visual es un generados de bienes culturales, aunque en esta parte cabe resaltar que lo queramos o no existe una cultura que podríamos definir como cultura oficial, hegemónica, dominante que tiene todas las prerrogativas para su desarrollo y por el otro lado existe una cultura marginal, contestaría cuyo valor y validez se da por gestarse en medios o entornos adversos rodeada de carencias materiales. En los aspectos económicos el artista visual juega varios papeles, nuevamente existen distintos niveles de participación, una franja de artistas se encuentra en los circuitos comerciales de arte que especulan con las obras y con los artistas logrando grandes éxitos económicos, otra parte que está muy vinculada a este primer ejemplo produce para el estado que beneficia a estos artistas con becas y premios que los sitúan en una posición propicia para entrar en los circuitos comerciales de arte. Una gran parte de artistas visuales egresados de la ENAP se insertan en la actividad económica de distintas formas, la docencia es una de ellas respondiendo a la demanda de docentes para inscribirse en los programas educativos que van desde preescolar hasta el nivel profesional en instituciones públicas y privadas. Otra parte se inserta en la industria: cinematográfica, editorial, publicitaria o comercial poniendo sus conocimientos y habilidades a disposición de necesidades específicas derivadas de dichas industrias. Y una parte produce de manera autogestivas, buscando proyectos o promoviendo de manera personal su obra o dirigiendo su producción a necesidades específicas. En el aspecto político el egresado de la carrera de artes visuales en esa capacidad de D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. comunicación con el otro que en veces es capacidad y en otras es casi una necesidad dada la naturaleza de su quehacer se ve involucrado de manera directa o indirecta en la vida política de su entorno, algunas veces haciendo con su trabajo un acompañamiento o validación de ciertas posturas o tendencias y en otros caso como el creador que pasa de testigo y denunciante de su sociedad a ser una parte activa, contestaría y transgresora. Funciones y actividades!!!, en realidad son muy pocas las que presentan la posibilidad de un trabajo profesional digno. La mayoría de las actividades y funciones que pueden aportar el artista visual no son reconocidas en el ámbito profesional, y debo aclarar que no por ello deberíamos pensar en la profesionalización del arte como un fracaso o una opción inviable. Estoy segura que al mundo le falta arte. En cada uno de estos ámbitos hay posibilidades de desarrollo. En el medio que tengo una experiencia más cercana, el de museos y exposiciones, el artista debiera ser considerado como parte indispensable; sus habilidades creativas y las áreas de conocimiento que le competen, debieran ser parte de la esencia de cada proyecto, sin embargo, la mayoría de las veces el artista y su producción quedan sometidos a criterios que le son ajenos; y vuelvo a insistir, esto no es evidencia de lo infructuoso que puede ser el arte, sino todo lo contrario, es un intento de señalar que el problema de la participación del arte en los medios que se mencionan, no proviene del arte y sus autores, sino de los medios. Lo que hay que modificar es la apreciación, la sensibilidad, los privilegios de la razón. Y es al arte, al artista y a las instituciones como esta Escuela Nacional de Artes Plásticas, a quienes les toca la tarea de Educar en lo social, en lo cultural y en lo político. Sé que parece demasiado abstracto, pero en mi opinión, las funciones y actividades profesionales del artista visual deben ser todas aquellas que inviten a la reflexión y a la humanización. No importa si es un guión, o un ensayo, o un discurso... No creo que sea cuantificable. Partiendo desde la responsabilidad social del Artista Visual egresado de la ENAP, se fundamenta en generar la reflexión crítica desde las propuestas plástico-visuales en la comunidad de la UNAM, como punto de partida para así despegar en un contexto mucho más amplio, así buscando posturas honestas, sin caer en el idealismo del artista redentor, sembrando la semilla del discernimiento en la comunidad. Teniendo la firme convicción de generar bienes culturales para el consumo de necesidades estéticas sociales. Desde este punto las funciones y las actividades profesionales pueden abarcar un sin fin de áreas del conocimiento. Funciones y actividades profesionales de artistas visuales egresados en contextos

D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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social, cultura Existe un deceso en cuanto a continuidad de proyectos o desarrollo de propuestas de producción personales en todas las generaciones de egresados de artes visuales, para algunos egresados de esta licenciatura estropean el interés fundamental que un artista visual debe de señalar con mayor énfasis en relación con el trabajo de producción, el trabajo creativo o bien el quehacer cotidiano fuera de un proceso que se ha cumplido en una formación, la labor creativa para algunos egresados solo se queda como experiencia estudiantil. Muchos motivos se derivan de esa desviación o bien esa interrupción a la continuidad de proyectos personales de producción, en la mayoría de los casos ataca el impacto real de las necesidades económicas que tiene que responder a una realidad de muchos egresados, aunque bien sabemos que este no es motivo relevante para no producir piezas o proyectos creativos, en ese sentido es pertinente mencionar de manera independiente y necesaria la función y actividad profesional que un artista visual egresado debe de cumplir en cuanto a los contextos socio, culturales, económico y políticos. No debe ser otro más que dar continuidad con sus proyectos, producciones e investigaciones personales, el impacto que esto deriva en los contextos mencionados depende de la propuestas que el egresado este trabajando, así el contexto socio cultural va implícito por tratarse de productos que corresponden a un tiempo a un presente que pertenece a un entorno, el contexto económico puede ser en si una premisa o un detonante para crear una propuesta o un proyecto, existe también aunque en menor medida pero cierto, el egresado que produce y vende, y el contexto político en relación con el egresado productor es comúnmente relacionado con su producción en la mayoría de las veces en un sentido contestatario. Tomando en cuenta hasta este momento como función y actividad primordial del egresado de la carrera la Producción e investigación de proyectos personales que se relacionan con estos contextos, queda ahora solo agregar los otros alcances o las alternativas que se separan de la producción sin con esto pretender afirmar que las actividades que se realicen tengan que desconocer esta prioridad fundamental para todos los egresados, en ese sentido como funciones actividades profesionales en segundo término: Docencia en artes visuales en distintos niveles de educación desde preescolar hasta superior y en los niveles de posgrado en dependencias nacionales o en extranjero, existe también el egresado que se enrola en situaciones burocráticas o administrativas en diversas instituciones culturales, museos, casas de cultura u otras dependencias gubernamentales en los departamentos de cultura, en el caso de los que trabajan en museos a su vez se entienden como restauradores, museógrafos, galeristas o curadores. Existe el egresado que desarrolla un interés por la investigación y continúa sus estudios en el posgrado, existen también egresados que desarrollan funciones con características más propias del diseñador D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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o bien trabajando como diseñador en varios ámbitos, también común el egresado ilustrador o involucrado más con la multimedia, o simplemente desarrollando varios oficios inestables y también cierto los egresados que desempeñan labores, actividades que se alejan por completo de la profesión. CONTEXTO SOCIAL: El profesional de las artes visuales se caracteriza por darle un sentido de identidad al ámbito de lo social desde los distintos campos de las artes y que se basa en su formación, entorno y proyección de las necesidades o del contexto que lo rodea. El contexto social será inminente para determinar cuáles serán las necesidades que surgen de ese entorno para poder insertarse de una manera más natural en él. El ámbito social deberá en consecuencia asimilar o asumir esa o esas propuestas en lo artístico, siempre y cuando sean consecuentes con ese entorno, de ahí el que el hecho de que el artista pertenezca, surja o sea producto de esa sociedad en particular, le permitirá ser más adecuadamente asimilado por él. Por ello, una visión, un sustento, una base adecuada en la formación de ese artista permitirá que su aportación en términos de producción artística, permita continuar, mejorar, abrir más la visión que del arte se tenga en ese determinado contexto social. CONTEXTO CULTURAL: El artista tiene la posibilidad de incidir en la cultura de su entorno. Es aquel que a través de sus ideas, de sus propuestas, puede sentar las bases culturales que determinan un sentido del ser de su comunidad. No sólo en un sentido de perpetuar los usos y costumbres, sino de aportación, de sustento, de valoración de ese entorno social en el que se desenvuelve. Es aquel que de una manera crítica y valorativa propone el reconocimiento de esas formas culturales nuevas y ancestrales que le dan sentido social. CONTEXTO ECONÓMICO: El artista visual forma parte del equilibrio económico de toda sociedad. Difícilmente se encuentra una sociedad carente de cultura y si el artista que pertenece a esta sociedad es capaz de continuar con tradiciones y/o generar nuevas propuestas, será posible que le mecanismo de la realidad económica fluya más adecuadamente. CONTEXTO POLÍTICO: Difícilmente se encuentra una sociedad que en el arte no manifieste asimismo una postura. En general son los artistas quienes más determinan un una determinada sociedad una postura política. A través del arte se resinifican, se critican, se analizan, se manifiestan los devenires políticos y sociales de una particular sociedad. Por ello, el contexto de índole político es tan cercano al arte, la Historia del Arte nos ha presentado lo que una sociedad es políticamente hablando, nos permite discernir entre posturas, entre visiones, entre ideas, entre reflexiones, entre ámbitos políticos.

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¿Cuáles son las exigencias de desempeño actuales y futuras de la práctica profesional del Artista Visual? La exigencias actuales y futuras es que el egresado de la Licenciatura en Artes Visuales debe de tener un perfil transdiciplinario, versátil y multipráctico, es decir, debe de ser un individuo con amplia cultura y conocimiento que le permita involucrase con su medio ambiente y sociedad que le toca vivir. Dotes y rasgos de liderazgo nato, pues casi siempre es quien coordina o dirige proyectos culturales. Responsable y comprometido con su momento histórico y una vocación por la experimentación en todos los aspectos. Hoy se exige más, pero hay menos oportunidades de trabajo. Así es como ha respondido el gobierno mexicano actual. En cuanto a las tendencias futuras de las prácticas profesionales y disciplinarias no las veo muy esperanzadoras; pues al gobiernos actual parece no importarle, tampoco, la educación. No obstante, ante este panorama poco alentador el estudiante en formación y el egresado de las Artes Visuales deben estar lo suficientemente preparados no sólo en lo que concierne a su licenciatura; hay otras disciplinas que tienen mucho que aportar me refiero a las humanidades (filosofía, literatura, historia, entre otras) y las ciencias sociales (antropología, sociología, ciencias de la comunicación, entre otras). De modo que la apertura hacia otras carreras y áreas de trabajo es fundamental. De manera que es posible que se vislumbre una esperanza para nuestro país y nuestros estudiantes. Han sido educados de manera individualista en un mundo donde cohabita la colectividad, la sociedad está enferma de soledad y nadie quiere estar solo, pero tienen que trabajar solos y el mundo ya no está preparado para dejarlos ser individuales, porque los arrebata el concepto fundamental del ser social y comunitario, creamos mundos falsos en un mundo verdadero. Vinculación con los campos tanto tradicionales como ‘emergentes’ de las diferentes esferas económicas, políticas y sociales. EL MEDIO SOCIAL, ANTEPONE EXIGENCIAS DE COMPETENCIA DE MÉRITOS Y RECONOCIMIENTOS ACADÉMICOS Y RELEGA A SEGUNDO TÉRMINO LA EXPERIENCIA Y PRÁCTICA PROFESIONAL, CUANDO SU GRADO ACADÉMICO DEBERÍA SER POR QUE EL ALUMNO O EGRESADO TIENE EL CONOCIMIENTO, PRÁCTICA Y EXPERIENCIA QUE LO AVALAN. Creo que el aspecto más importante ahora es la competitividad artística. Este aspecto es ahora más fuerte puesto que hay artistas contemporáneos que ni siquiera han tenido la oportunidad de llevar un proceso académico relacionado con el aprendizaje del arte o bien son provenientes de otras carreras afines que no D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. son necesariamente de Artes Visuales como Diseño Industrial (Rafael Cauduro), Arquitectura (Roberto Márquez) o Diseño Gráfico. Por otra parte no se motiva en nuestros egresados la competitividad mediante concursos internos y esto es fundamentales pues un ejercicio plástico o gráfico. Un trabajo remunerado, una producción fuera de serie y una investigación original están siempre en ese tenor de tratar de ser mejores. Hace 100 años la Escuela Nacional de Bellas Artes poseía un mecanismo de estímulos hacia lo mejor del estudiantado premiándolos mediante becas de producción y salidas al extranjero a los mejores promedios de entonces. Los alumnos de esta manera entraban en un sistema complejo de competencias para conquistar y mantener esos recursos generados por el Estado. Si lo graban mantener una producción artística notable incluso se proponían para ocupar ciertas vacantes en ausencia, promoción o fallecimiento de los profesores de entonces. Alumnos destacados de la escuela fueron Diego Rivera, Montenegro, Julio Ruelas, Francisco Goitia, etc., por citar algunos de ellos. La preparación y formación sólida tanto en el aspecto Teórico-conceptual así como una práctica consolidada en el quehacer plástico. Líneas de investigación Arte y medio ambiente Arte, economía y mercado Propiedad intelectual y derechos de autor en las artes visuales Arte, ciencia y tecnología - La preparación y formación sólida tanto en el aspecto Teórico-conceptual así como una práctica consolidada en el quehacer plástico. - Conocimiento de su medio nacional como acercamiento a lo que sucede fuera del país que marque tendencias de desarrollo artístico, para proponer creativa y plásticamente su trabajo personal y grupal. Las exigencias de desempeño: diversidad de conocimientos y técnicas en las áreas de la creación visual y la capacidad de desarrollar y proponer posibles aportaciones en el campo artístico nacional e internacional. Las de siempre y a lo largo de la historia del arte, las que la condición de su marco contextual contemporáneo define y permite. Por lo general el mercado de trabajo no requiere de artistas visuales; se requiere en cambio de productores que se manejen en el terreno de prácticas múltiples del lenguaje, situación planteada por el tránsito de la condición moderna hacia la posmodernidad. Actualmente la producción de la cultura visual se encamina en el terreno de la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. imagen mediada, sobre todo la que se produce en el ámbito digital.

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Hace falta precisar las delimitaciones entre lo que se entiende como mercado de trabajo y ejercicio de una práctica profesional, ya que en esencia existe una distancia entre los intereses de un mercado laboral para las artes y los del sentido profundo del trabajo artístico. Diversidad de conocimientos y técnicas en las áreas de la creación visual y la capacidad de desarrollar y proponer posibles aportaciones en el campo artístico nacional e internacional. Una fuerte Estructura conceptual y técnica. Pues según mi respuesta anterior, como artistas visuales estamos realizando funciones y actividades para las cuales no fuimos capacitados o formados específicamente, claro ejemplo de ello es la docencia artística a la cual una amplia cantidad de egresados, nos dedicamos. De tal manera que hace falta una formación más específica para las exigencias de desempeño actual, que las cubrimos con suficiencia, creo, pero podríamos profesionalizarnos en ellas. Ahora bien, en cuanto a las exigencias futuras, creo que perfectamente podemos formar en nuestra escuela, profesionales relacionados con las diversas prácticas artísticas. Desde artistas, gestores, críticos, galeros, museógrafos, etc. Pero antes de pensar en esto, habría que pensar en formar artistas visuales exitosos, capaces de insertarse - en un mediano plazo - en un mercado artístico o incluso de crear sus propios mercados emergentes. Que nuestros egresados en artes tengan más herramientas no solo para producir obra artística de excelente nivel, sino también para que puedan ubicar en su debido lugar, desde el punto de vista cultural, dicha obra. Bueno las exigencias actuales se han diversificado, pues la participación se ha extendido en la medida en que nuestro país ha ido creciendo. Se ha pasado de una actividad muy particular como lo es la producción artística individual a una participación más rica y plural en los diferentes niveles socioeconómicos de la sociedad mexicana, los conocimientos requeridos para el ejercicio profesional actual son mayores en número y los son también en profundidad. Ya no solo se requiere saber pintar, grabar o esculpir, sino también se requieren conocimientos de historia nacional e internacional, de teoría y filosofía del arte, de dirección de arte, de fotografía, de escenografía, de cine, de museología, de administración de las artes y de la cultura, etc. Por lo que respecta al futuro, la tendencia actual marca línea que nos deberemos mover a un esquema de mayor participación con los problemas nacionales y con los problemas reales de la sociedad mexicana y ya no tanto de observar necesariamente a lo que otros países estén haciendo como corrientes estéticas determinadas por sus propias condiciones históricas particulares. El arte mexicano D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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del futuro tiene que ser eso justamente, mexicano. No por planteárselo como una meta a priori, sino como consecuencia de atender y participar en las necesidades reales de la sociedad mexicana. Al profesionalismo en el manejo de los procedimientos artísticos: lo técnico, lo formal y lo Conceptual. Lo técnico se refiere al dominio de los procedimientos técnicos de los materiales. Lo formal; al manejo de los procedimientos visuales y de la percepción visual. Lo conceptual; al manejo de la estética y teoría del arte que se relaciona con su contexto social, pero que también se refleja en la estructura sintáctica de la obra (Técnico y Formal) En un primer punto, la profesionalización de su trabajo. La visión de crecimiento tanto personal como profesional, al buscar la actualización constante. El instintivo por proponer y no quedarse en la repetición de, lo que ya "funciona". La confrontación con las bases o cañones preexistentes y transgredirlos mostrando una relación directa con las nuevas soluciones a partir de nuevos medios resultado de las nuevas tecnologías sin por ello, dejar de lado las convicciones personales que han sido resultado de todo un proceso de formación académica. Tener el conocimiento suficiente sobre el dominio de técnicas y materiales tradicionales, así como también de los actuales medios tecnológicos, esto le permitirá competir no sólo como artista visual independiente sino también dentro de la práctica profesional interdisciplinaria. Los retos son múltiples y más aún en la época actual debido a las dinámicas de los cambios sociales en el que las nuevas tecnologías, las nuevas formas de expresión y los nuevos lenguajes producto de la confrontación de las distintas realidades que conforman la realidad actual obligan que el desempeño profesional de manera tangible sea de carácter transdisciplinario ante esta complejidad del mundo contemporáneo. La realidad exige niveles de desempeño no sólo en lo disciplinario y sus múltiples variables, en lo epistemológico que permita al artista visual analizar y comprender las realidades con las que se confronta para así ser capaz de construir su lenguaje plástico. En sí mismo el artista se confronta con dos de sus realidades la realidad de su referente concreto que es complejo y el de su realidad subjetiva y emocional que es aún mucho más compleja; es esta realidad la que regularmente se pierde de vista en el supuesto de que más vale capacitarse e instruirse para que de manera conceptual y concreta se resuelvan problemas de forma que sean comprensibles y mediáticos a partir de las herramientas no sólo tradicionales sino de las TICS y los modelos establecidos. Las exigencias no sólo las referentes a las TICS o de lo transdiciplinario sino el D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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desarrollo de lo subjetivo y lo emocional ya que las exigencias del mundo actual no son en este camino sino en el de la comunicación humana. Las exigencias de la práctica profesional de los artistas visuales son o están orientadas a contar con un profesional autónomo capaz de crear y desarrollar proyectos artísticos y culturales, con capacidad para trabajar en equipo y para asumir responsabilidades, yo lo concibo como un profesional integral que no solo tenga conocimientos de los procesos , de las técnicas y materiales en la producción, creo que también tiene que ser un experto en lo que al mundo del arte se refiere, la museología, la museografía, la curaduría, los proyectos de desarrollo cultural, el impulso de las nuevas generaciones hacia el arte y la cultura, la docencia en todos los niveles esas son algunas de las actividades que se exigen de parte del medio profesional. Las exigencias de desempeño se verían en la realización de prácticas profesionales cortas en las diferentes actividades que puede realizar un artista visual, de esta manera podrá ampliar su panorama profesional y decidir con más certeza las funciones que desea desarrollar. Ser extremadamente competitivo en su especialidad, ya que debido a la gran cantidad de escuelas que actualmente ofrecen la carrera de artes plásticas o artes visuales en toda la república, así como el surgimiento indiscriminado de artistas autodidactas que compiten por vacantes con nuestros egresados si a esto agregamos las nuevas tendencias el panorama es mucho mas gris. - La preparación y formación sólida tanto en el aspecto Teórico-conceptual así como una práctica consolidada en el quehacer plástico. - Conocimiento de su medio nacional como acercamiento a lo que sucede fuera del país que marque tendencias de desarrollo artístico, para proponer creativa y plásticamente su trabajo personal y grupal. Se requiere trabajar mucho y ser constante en la producción y en la investigación del arte, en particular en la disciplina (s) en las que se haya especializado uno. Es difícil que terminando la licenciatura “seas un artista”; tiene que ver con una comprensión y maduración por parte del artista en donde sea capaz de afrontar distintas situaciones y acontecimientos que tienen que ver con el arte mismo, desde la estética en la que se está desenvolviendo el arte actual hasta cómo funciona el mercado del arte, tanto a nivel nacional cómo en una esfera internacional. Considerando que las estéticas y el arte mismo siempre están en movimiento, es decir, siempre está cambiando. El poder desarrollar y sustentar el trabajo artístico con obra que haya sido reconocida tanto nacional como internacionalmente y que al mismo tiempo D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. reflejen los discursos contemporáneos que el artista sustente. El reto es tener un buen discurso conceptual y la obra que lo avale.

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Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: • el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar. Que sus habilidades y conocimientos le permitan aplicar lo aprendido en la inserción del campo profesional como son los circuitos del arte, así como en el uso de herramientas teóricas para su desarrollo en estudios de posgrado. Desarrollando su conocimiento y capacidad de producción, investigación, crítica y observación de las disciplinas artísticas visuales para su participación en proyectos especializados y de integración a la práctica profesional. Las exigencias son tener las capacidades de manejo y acceso a las tecnologías de la información, comunicación y en su caso que también son medios de creación para D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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llegar a un mayor número de público o de receptores de sus trabajos o propuestas. Conocer los canales más adecuados para sus producciones y así alcanzar una difusión que no dependa de padrinazgos o trámites burocráticos. Considero importante también que que tenga la capacidad de manejar y tener la visión necesaria para organizarse en equipo o grupo y así obtener mayores logros o bien de manera individual bases para manejar o supervisar el manejo económico de su carrera. Las exigencias de desempeño actuales y futuras de la práctica profesional del Artista Visual a mi parecer son dos: La primera es romper con el in formalismo que en ocasiones rodea el quehacer artístico, y darle a la práctica profesional el rigor que da el conocimiento de su ámbito y el oficio que se consigue volviendo la práctica profesional una forma de vida, en esta parte desde luego está implícito el contar con todas las herramientas que le permitan enfrentarse a cualquier reto. La segunda es la congruencia, entendida como la obligación de desarrollar propuestas que respondan o sean coherentes con su momento. Yo creo que no las hay, el arte es ignorado como profesión, y a aquello que es ignorado no se le exige, y para ser honesta, este es una de las grandes oportunidades del arte, que no se le exige. Sin embargo se exige a sí mismo la participación, la inclusión y hasta la transgresión en cada uno de los ámbitos profesionales, sean éstos Humanísticos, científicos, económicos, etc. Estoy segura que el artista visual debe formarse como un ser pensante, sensible, creativo, reflexivo, propositivo, y no como una persona que pronto pudiera ser cliente de alguna bolsa de trabajo. la responsabilidad del artista no va en términos institucionales o empresariales sino de conocimiento y propuesta estética La demanda de todo productor de bienes culturales; ya que el Artista Visual bien puede desempeñar la tarea de gestor, curador, promotor, etcétera; es llegar a todos, eso implica involucrar al mayor número de personas existentes. Como bien sabemos es casi imposible, entender el carácter heterogéneo del consumidor por medio del conocimiento del contexto va permitir un óptimo acercamiento a quien se dirige. Básicamente creo que actualmente no solo en esta institución , de hecho comparativamente con otras instituciones se ha marcado una dificultad o una pugna a dos posturas que tiene que ver con las maneras de producción, ya que actualmente las producciones han quedado separadas en tres terrenos de producción: tradicional, conceptual, en un aspecto positivo estas dos se han decantado en algunas propuestas que entran en terrenos de la trandsciplina que involucra otras áreas no necesariamente de las humanidades.

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En ese sentido considero que el desempeño y las prácticas profesionales deben de aportar esas tres características, finalmente el alumno pueda decidir qué tipo de producción quiere trabajar: 1.La práctica de las disciplinas artísticas y su valor por si mismas en cualquiera de sus especialidades, es decir la revalorización del significado del oficio involucrado obviamente con una investigación de manera que necesariamente el egresado sea capaz de realizar proyectos creativos propositivos, así mismo considero importante para el egresado tener un conocimiento del mercado del arte, la realización de proyectos debe de incentivarse desde los inicios y debe permanecer esta necesidad para encaminar sus propuestas a la investigación, la publicación de resultados del egresado independientes de un trabajo de tesis debe de existir ya sea de manera electrónica o impresa de manera profesional. 2. La práctica y la elección al terreno conceptual enfatizando entonces o fortaleciendo el ámbito de la investigación, como es el caso actual que ofrece algunas alternativas de la escuela con la colmena, o el seminario de Medios múltiples 3. Por otra parte, debe de existir la apertura a incentivar el trabajo de producción dentro de los terrenos y las ventajas expandidas que da las posibilidades de la transdiciplina, en este sentido tanto las producciones tradicionales como las conceptuales pueden entrar a esta consideración, en el campo de la gráfica con las posibilidades que ofrece por ejemplo las creaciones de los libros de artista que en ocasiones se involucran en otras áreas , o bien en las investigaciones y producciones conceptuales que muchas veces requieren ser abordadas y enriquecidas con otro proceso o otras herramientas de otras disciplinas, en ese sentido debe de existir una apertura con otras escuelas para la realización de este tipo de proyectos. Será necesario que el profesional de las artes tenga una sólida formación desde luego no sólo en el campo de lo técnico, sino en la reflexión que pueda reflejar a través del trabajo artístico que puede entenderse como obra, para que de esta manera pueda incidir en la sociedad que lo rodea. Por otro lado, mientras más posibilidades tiene el alumno de producción, más posibilidades de tener un resultado sustentado, que es producto de la investigación y la reflexión y que sea mucho más eficiente en la presentación, en la proyección, en la transmisión de una idea, un concepto; una pieza rica no sólo técnicamente sino intelectualmente también. Deberá generar un compromiso con la obra y con las ideas que a través de ella manifiesta.

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Menciona algunos de los retos derivados del actual proceso de globalización que consideres han de afrontar en el ejercicio de su profesión, los egresados de la licenciatura en Artes Visuales. Debe de tener el conocimiento de otro idioma, aparte del materno. El fenómeno del arte al tornarse globalización exige de la salida constante hacía otros países. Constante actualizaciones tanto teóricas como prácticas. Debe de comprender que su educación y formación es universitaria, lo cual indica que debe de estar pendiente de lo que la academia y la universidad generan constantemente como conocimiento. Debe de conocer las tecnologías de la comunicación e información para apoyarse en su proceso creativo y laboral. Con respecto al proceso de globalización, y cómo ha respondido el gobierno de México. Lamentablemente, mal. Existen pocas oportunidades decorosas de trabajo. Para el gobierno actual no es relevante invertir ni en la educación ni en la investigación. Ante esta realidad me parece que el estudiante de Artes Visuales requiere una preparación completa de su disciplina; pero también, en la investigación, la tecnología y, desde luego, la parte de las humanidades y las ciencias sociales. Mayor solidez y rigor en el momento que tenga que enfrentar los retos en su vida laboral y, por qué no, personal. Ego globalizado de musas colectivas, con resultados de producciones deprimentes porque no se oyen a sí mismos, se los comió la tecnología, la filosofía no saben si es leída o un mundo aplicado, porque su metodología se nulifico ante los avances que se incluyen en sus vidas. Producción y comprensión de la producción del capital simbólico en todas sus relaciones: económica, política y social. LOS RETOS QUE ENFRENTAN ALUMNOS Y EGRESADOS EN LO GENERAL SON: LA ACTUALIZACIÓN TEÓRICA Y PRÁCTICA, LA INVESTIGACIÓN, EL USO DE NUEVAS TECNOLOGÍAS Y MATERIALES, EL CONOCIMIENTO DE OTRA LENGUA Y LA REDACCIÓN. ENTRE LOS RETOS QUE ENFRENTA DE MANERA PARTICULAR ESTÁ: LA COMPETENCIA QUE SE GENERA CON OTRAS UNIVERSIDADES NACIONALES Y EXTRANJERAS QUE OFRECEN DIPLOMADOS Y GRADOS CON RECONOCIMIENTO ACADÉMICO, LO QUE LAS HACE ATRACTIVAS SOBRETODO PARA LOS EGRESADOS, POR QUE LO OTORGA UNA ESCUELA EXTRANJERA, DEJANDO A UN LADO LO QUE PUEDE OFRECERLES UNA INSTITUCIÓN NACIONAL. COMO AFRONTAR ESTE RETO?

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. LA ESCUELA PUEDE Y DEBE APOYAR LA PROMOCIÓN DE LA INVESTIGACIÓN Y LA ACTUALIZACIÓN TECNOLÓGICA Y PROFESIONAL QUE OFREZCA PROYECTOS ATRACTIVOS Y PROPOSITIVOS QUE SE PUEDAN REALIZAR.

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La incertidumbre de encontrar un trabajo remunerado El ingreso al mercado del arte La competitividad artística La carencia de recursos didácticos al ingresar como docente En el caso de un Artista Visual egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, la descalificación de la Formación en la Tradición frente al manejo de Tecnología como recurso plástico. Formar profesionales de las artes visuales productores de obra artística original que enriquezca la cultura y el arte nacionales, con las capacidades para desempeñarse en la docencia, investigación y extensión de la cultura; así como un alto nivel competitivo en el mercado laboral de la cultura y el arte a nivel nacional e internacional. Libre productor de obra gráfica. Docente del grabado Investigador de técnicas de grabado. - En el caso de un Artista Visual egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, la descalificación de la Formación en la Tradición frente al manejo de Tecnología como recurso plástico. - Las políticas gubernamentales que preferencia el desarrollo tecnológico por encima del desarrollo humano. Lo que hace que sobrevivir solo del trabajo plástico sea tarea de gigantes; obligando a nuestros egresados a buscar otros medios para subsistir. - El secuestro de la cultura por los grupos de poder. - La descalificación de la cultura y las artes como eje nodal del desarrollo humano para el desarrollo profesional. -Conocimiento y reflexión acerca de los procesos de creación de la imagen y el objeto artístico que se realizan en otros países. -Creación de propuestas artísticas que se retroalimenten de los diversos espacios académicos y que repercutan en las políticas culturales y en los ámbitos sociales. 1- La formación en el contexto de la existencia artística, en cuanto a la calidad de su producción y al desarrollo de sus proyectos, que impacten tanto en el ámbito D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. académico como en el terreno de la difusión artística.

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2- El menosprecio de las actividades artísticas como campos de investigación y el pensamiento frente a las disciplinas clásicas científicas. 3- Producir el proyecto artístico en el contexto de la caída de las estéticas nacionalistas y regionales. Así como la asimilación de las nuevas corrientes de la estética a los territorios de pensamiento periféricos. 4- Preparar al alumno en la elaboración de proyectos artísticos. 5- La extinción del mercado del arte, en términos de la venta del producto artístico. 6- Desarrollar en el estudiante habilidades para la autopromoción, relaciones públicas, presentación de proyectos. 7- La pobreza económica del artista como destino de proyecto individual de vida. 8- Conocimiento y reflexión acerca de los procesos de creación de la imagen y el objeto artístico que se realizan en otros países. 9- Creación de propuestas artísticas que se retroalimenten de los diversos espacios académicos y que repercutan en las políticas culturales y en los ámbitos sociales. (Posibilidad de cono0cer diversos países e instituciones culturales). El poder del dinero y el político determinan en mucho el camino del arte. Pues en realidad veo que la globalización más que un reto, es una oportunidad enorme para el artista visual mexicano. Regresando a mi respuesta 2, creo que el problema no se encuentra en la producción de la obra artística, creo que la obra hecha por nuestros egresados se encuentra al nivel de cualquier país en el mundo, sin embargo, carecemos de una fortaleza económica y cultural suficiente como para que nuestras clases medias opten por comprar obra de arte, como para poder dar la suficiente difusión a la obra más importante, para que la gente realmente consuma arte -no que lo compre necesariamente-. Creo que el reto es al interior y que no se encuentra tanto en el ámbito de la producción sino de las demás partes del proceso mismo de la obra, aunque no por esto debamos desentendernos del problema, al contrario, las condiciones han obligado -desde hace varias décadas- al artista visual a involucrarse en otras esferas del proceso artístico y creo que es tiempo de que la escuela haga lo mismo. El primero y sin duda, la creación de una consciencia regional de producción artística adecuada a las condiciones de nuestro país. Una de las características típicas de la globalización es la proyección y programación de movimientos económicos y culturales determinadas por los países económicamente más poderosos hacia los países más pobres con la consecuente desaparición de valores culturales propios así como el socavamiento de sus propias culturas, el artista visual del futuro deberá contar con principios y valores culturales profundos relativos a su D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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región geográfica y defenderlos aplicándolos conscientemente. El Estudiante de hoy en día se encuentra en un contexto de globalización que antes no se daba de manera tan fuerte. El profesional de las artes visuales en Latinoamérica tiene que proponer nuevos puntos de vista para la cultura y que estén de acorde con su época y situación. Sobre todo el desarrollo desigual con el crecimiento social, que se ve muy reflejado en el sistema neocapitalista al que pareciera no interesarle mucho la manufactura de la obra, pero si el nombre y prestigio del artista. La relación estrecha con las nuevas tecnologías que a veces parecieran dejar fuera a disciplinas tradicionales como el caso de la pintura, no creo que sea necesario el que "desaparezca", el reto es adentrar a la disciplina en las nuevas tecnologías, hacer uso de las herramientas y no dejar que la "herramienta" se coma a la disciplina. Son varios, pero el reto más complejo es enfrentar una economía que apoya y controla a una sociedad consumidora que aplasta los valores, capacidad creativa y sensibilidad humana. Por esto es necesario que el egresado de la licenciatura en Artes Visuales, afronte al actual proceso de globalización con sólidos conocimientos humanísticos, así como habilidades y destrezas plásticas y tecnológicas adquiridas dentro de la licenciatura en Artes Visuales. Uno de los retos es el de superar la idea romántica del artista genio el que resuelve de manera virtuosa problemas de carácter netamente artístico. Como enfrentar la realidad de una globalización que ha generado grandes contradicciones, como superar en el plano ideológico la concepción de un arte excluyente de carácter occidental, como confrontar una realidad que margina y produce no sólo pobreza sino violencia que las metrópolis no endosan en aras de su bienestar y sus propensiones, acaso nos reconocemos en ese lenguaje orientado al culto y al genio al show artístico como se estila en la actualidad como las ferias del arte. Ante esta realidad tenemos que aprender a trabajar de manera colaborativa en formas de expresión situacional nuestra realidad así lo exige no sólo en los espacios de culto sino en los espacios de la calle en los espacios públicos de manera transdiciplinaria con el propósito de educar ya que un problema que arrastramos es el de un atraso social no somos una sociedad moderna por el simple hecho que no hemos construido una sociedad justa y equitativa el artista plástico de manera colaborativa se tiene que integrar como ente social en la construcción de una sociedad justa, democrática y equitativa ese es el gran reto. El principal reto que los artistas visuales han de afrontar en el actual proceso de D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. globalización es el descuido por un verdadero impulso del arte a nivel nacional e internacional, parece ser que cada día se interesa menos la sociedad por los aspectos de carácter artístico, la educación y formación artostica en la población cada vez es más incipiente o nula en muchos de los casos, creo que esto en un problema que se tiene que resolver tal vez la alternativa sería mediante la incidencia de apoyo capital a los organismos o consorcios que destinen recursos para el impulso del arte, para ello se requiere de un artista gestor de estos procesos y de un cambio de perspectiva en la gestión artística global. El mayor reto es la competitividad a nivel nacional e internacional, ya que es necesario solucionar deficiencias que en Universidades extranjeras no tienen, por ejemplo la infraestructura, los espacios de trabajo, el acceso a las nuevas tecnologías. También fortalecer logros como la posibilidad de hacer intercambios con otras Universidades. Como propuesta, se podrían traer Académicos de Universidades extranjeras que den conferencias como parte de una asignatura del nuevo programa de estudios. Competir en desigualdad con los países desarrollados. Luchar por el no rezago tecnológico derivado del rezago económico. Trabajar en proyectos que permitan que con nuestros elementos y a pesar de nuestra economía seamos vanguardistas. - En el caso de un Artista Visual egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, la descalificación de la Formación en la Tradición frente al manejo de Tecnología como recurso plástico. - Las políticas gubernamentales que preferencia el desarrollo tecnológico por encima del desarrollo humano. Lo que hace que sobrevivir solo del trabajo plástico sea tarea de gigantes; obligando a nuestros egresados a buscar otros medios para subsistir. Educación. Se necesita más preparación. El gran reto es el trabajo y la constancia; la persistente actualización y revisión de lo que se está haciendo en el mundo en cuanto arte se refiere; leer más, leer lo que se está publicando y no textos de hace décadas, no porque no tengan valor, simplemente porque no alcanzaría la vida, la formación en la escuela tendría que darte las bases para poder comprender textos más complejos ya fuera de la licenciatura. Es un camino personal. Convertirse en un buscador y en un investigador. El reto que considero importante es la vinculación que tiene el arte mexicano con el extranjero; a lo largo de nuestra historia del arte, nos damos cuenta el atraso que se tiene en comparación con el que se desarrolla en Europa y esto altera nuestro D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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proceso de asimilación de los hechos que cambian los aspectos del arte en nuestro país. Los acontecimientos que vivimos aquí no son en lo mínimo semejantes a los del europeo y si el arte está ligado al entorno social que vivimos los artistas entonces cómo se puede pretender generar un arte similar. El reto que tienen los egresados de esta carrera es desarrollar discursos propios de los acontecimientos que han de influir sin recurrir a lo que en Europa sea una “revelación”. No pueden dejar de lado lo que ocurre en el campo del arte en otras culturas pero es sumamente importante ser parte de nuestro contexto histórico. Otro punto importante, es el desarrollo de nuevas tecnologías aplicadas a las artes visuales y que van cambiando la forma del discurso artístico. Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: • el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, asi como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar. El desarrollo de la transdisciplina en el campo de las artes, así como el carácter D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. versátil del artista contemporáneo expone una problemática compleja a través de las diversas áreas en lo correspondiente al sistema del arte.

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La necesaria ruptura con los regionalismos y estilos, consecuencia del sistema de la enseñanza de las artes en nuestro país. La situación que se observa en México, en relación a las políticas culturales y su desarrollo en el ámbito social, económico y su apreciación frente al campo del arte internacional es una evidente confusión, ya que su desarrollo desde la inicial vertiente tradicional y eurocentrista en compaginación con los estilo regionalistas y artesanales en la introducción a un mercado internacional, se genera a contracorriente la aceptación de nuevas visiones, soportes y técnicas que han citado a un país en constantes cambios a los circuitos que confrontan a los espacios oficiales y la apertura de nuevas galerías independientes. Sin embargo, desde mi punto de vista, la importante y necesaria relación entre el arte y la ciencia en la actualidad deviene de la acción misma resultante de la transdisciplina que se desarrolla desde los discursos potentes de la cibernética, la telemática, lo virtual, las biotecnologías y las relaciones entre las artes y las ciencias modernas y tradicionales. Propuestas que generan una serie de interrogantes; desde la labor docente en el arte y la trasndisciplina, la producción artística y su exhibición, la difusión, autogestión y promoción de las artes desde la coexistencia de la postura academicista y tradicional con las nuevas relaciones transdiciplinarias. El artista se enfrenta a criterios académicos limitantes que no permiten una visión renovadora, necesaria en el mundo actual globalizado, por lo que el circuito del arte se vuelve aún más selectivo, surgiendo la problemática desde la misma definición de esta difícil relación entre el arte, la ciencia y su función social. Ligado a la anterior respuesta, el principal reto es servirse de la mejor manera de las grandes ventajas que nos pueden ofrecer las tecnologías de la información y la comunicación. Ya no es necesario realizar presentaciones personales de obras, pero hay que saber a quién enviar una muestra virtual, de la mejor calidad de presentación, debidamente protegida, crear un sitio web de exposición de sus obras, en fin valerse de la gran variedad de herramientas que ofrece la tecnología para abarcar globalmente al público e interesarlo en sus obras. Estos retos pienso deben reforzarse en los últimos semestres, cuando ya tienen obra para ir ensayando lanzarse a exponerse no solo en una galería local, sino ante la red global. Esto implica capacitación tecnológica, legal, de costos (que es uno de los grandes y contantes retos en la escuela), y de la experiencia de los que van un paso adelante. Hoy en día el artista visual debe sumar a todas sus herramientas tradicionales, pinceles, espátulas, lienzos, piedra, madera, la herramienta de nuestra era: la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. computadora y todas sus extensiones.

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Los retos derivados del actual proceso de globalización que considero han de afrontar en el ejercicio de su profesión, los egresados de la licenciatura en Artes Visuales son los siguientes. En primer término cabe mencionar que la globalización como un proceso social tiene ventajas como la mayor capacidad de comunicación que existe derivada de los avances tecnológicos, dichos avances tecnológicos nos dan también herramientas más eficientes. Pero lo cierto es que la globalización es un proceso mayormente económico, partiendo de este hecho y de analizar la realidad de este proceso tenemos que a pesar de que se considere a México como una economía fuerte en las cifras y en indicadores macroeconómicos en la realidad sufrimos como sociedad de muchas carencias derivadas de la desigualdad. La globalización nos vuelve vulnerables a los desajustes o crisis que se den del otro lado del mundo, y ante una situación de crisis se dan medidas de rescate o de ajuste o como le quieran llamar, lo cierto es que esos ajustes castigan los bolsillos de la población y los recortes tocan principalmente aspectos como educación, salud, y cultura y si a eso le sumamos la insensibilidad de ciertos gobiernos para con la cultura el resultado es un medio adverso producto de la inestabilidad producto de la globalización. La globalización genera ambientes adversos para el desenvolvimiento de los egresados de la licenciatura en Artes Visuales, que tienen como un reto, la autogestión y el tomar papeles que antes no ocupaban como el de promocionarse y buscar espacios, proyectos y vías para poner al alcance de la sociedad sus propuestas. El principal reto, quizás el único en este sentido es muy grande: que el artista logre insertar su producción, que encuentre un modo de ser independiente económicamente, no sólo de su familia sino de cualquier otro medio que comprometa su quehacer. Es entonces el reto de proponer, generar, crear, promover, insertar, y esto no necesariamente tendría que ver con su inserción en el ámbito laboral. La misma Política Cultural lo entiende y lo asume de esta manera, de tal suerte que se han creado varios programas que favorecen y promueven la creación. El artista necesita ser gestor de su obra, un autopromotor. Es un lugar común pensar, que el arte y la cultura, con el enfoque empresarial que ha impulsado la globalización están totalmente disgustados, del mismo modo no es posible insertar al arte en un sistema tan funcional como lo es la mercadotecnia. Sin embargo es posible la inserción de los egresados de la Licenciatura en Artes Visuales, en espacios de difusión y divulgación, que corresponden a circuitos comerciales en el arte. Definitivamente la globalización también atañe los prejuicios que hay en el arte D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. actual en general ya que la mayoría de propuestas se han orillando a entender como productos artísticos novedosos o bien, actuales y únicos los que involucren los medios digitales o bien propuestas alternativas que incluso ya no tengan que ver necesariamente con el acercamiento del oficio incluso con utilizar las manos, el peligro para las artes ha sido este en estos días de manera general la fiebre por las producciones únicamente de aspectos propositivos en cuanto a lo conceptual y la decadencia posmoderna del todo válido, son más apreciadas estas propuestas, el trabajo o el oficio difícilmente es valorado y es más común que quede contemplado como labores arcaicas lo cual es ridículo ya que también son producciones contemporáneas significantes de esta época y con esto diversificar las propuestas de producción. Si bien México tiene peculiaridades que lo caracterizan, es necesario reflexionar sobre el contexto global que puede hacer que el llegar a más público sea más eficaz a través de los más recientes avances tecnológicos. Dicho de otra manera, se deberá reconocer en las "nuevas tecnologías" posibilidades de incidencia mucho mayores que las que se tenían anteriormente. Así, será posible acceder y más aún trascender el contexto social que lo formó, y tener una mejor visión del mundo a través de lo que la tecnología le pude ofrecer. Para ello se demanda de una constante actualización en este caso de la tecnología, para poder acceder a una mayor audiencia. Sin embargo, no sólo se deberá tener una mayor actualización tecnológica, también se debe de tener conciencia de la necesidad de una mayor, más eficiente y constante actualización de contenidos, contenidos que como se menciona arriba ni sólo se refieren al ámbito tecnológico, sino también al de la teoría y la historia, con el propósito de generar en el estudiante un proceso de pensamiento que se sustenta no sólo en la producción sino también en la reflexión.

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3.2 Foro

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Instrucciones: Comparte tus comentarios acerca de las actividades y funciones profesionales que realizan actualmente los artistas visuales de la ENAP, al dar respuesta a la siguiente pregunta: ¿Cuáles son los sectores, necesidades o actividades a los cuales los egresados no enfocan su atención de desarrollo profesional y que deberían de hacerlo?

Re: Foro: Contextos de la Práctica Profesional. de Elva Hernández Gil - miércoles, 11 de mayo de 2011, 07:48

Hay miles pero sobre todo al colectivo globalizado, por decir algunos el servicio a la justicia, a la patria, a la gastronomía, a la política, a los medios digitales específicos infantiles, producción de juguetes interactivos, reciclado de materiales para apoyo del eco sistema y muchos más, la lista es interminable. Ampliaría las características de las disciplinas que lo conforman la visión educativa seria también no solo experimental e investigativa en el taller, sino de campo aplicado a las ciencias penales y criminales en ámbitos externos a favor de los servicios públicos periciales, donde el campo es muy solicitado de manera que las entidades que lo soliciten ya vinculan una bolsa de trabajo ,el arte a cambiado su concepto de aplicación ahora es también de servicio, no solo fundamental a lo estético en cualquier vertiente. Por tanto su modalidad educativa seria internacional usando su gran renombre en las artes visuales.

Re: Foro: Contextos de la Práctica Profesional. de Francisco Gilberto Quesada García - domingo, 22 de mayo de 2011, 18:54

Unas preguntas bien encauzadas En abril de 2006, algunos maestros de la Escuela se sirvieron integrar este cuestionario. No sé cuántos maestros lo respondimos, pero hago propicia la ocasión para hacer público mi comentario de entonces.

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Comentarios y prospectivas hacia una transformación de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (1).

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Francisco Quesada García 1.- ¿Cuál es el perfil del egresado que usted considera óptimo para las licenciaturas y el posgrado de la ENAP? El perfil debiera ser el de un individuo capaz de confrontar su cultura y su vivencia para reconstituir permanentemente el vínculo posible de él mismo con su tiempo, a partir de la construcción específica de sentidos de significación. Por lo que toca al egreso resulta significativo asumir que de las escuelas de arte han salido casi el 100% de los artistas, pero que muy pocos “titulados” o con algún posgrado. Es claro que las escuelas conjuntan una gran cantidad de conocimientos estabilizados y que en algunos casos contados, pero de suyo deseable, los docentes no sólo prodigan su saber sino que provocan el contraste y desarrollo del otro dando pauta a que el estudiante deje de serlo. La escuela así procura el egreso pero no necesariamente la titulación, las cuotas de titulación crecerán (en concordancia con lo antes dicho) sólo si se permite al estudiante el trascender la enseñanza institucionalizada. ¿Qué se necesita para conseguirlo? Más interacción entre alumnos y docentes, más consideración a las condiciones socio-culturales en que vivimos, desenmascarar los profundos mitos vinculados al mercado del arte. 2.- ¿Cómo se imagina a la Escuela en 20 años? En 20 años la ENAP cerrará un ciclo de envejecimiento. El cambio de edificio en 1980 marcó un quiebre en la planta docente, lo que generó muchas contrataciones. En 1996-97 la UNAM estabilizó a sus profesores re-repartiendo las cargas de trabajo académico entre profesores de asignatura y profesores de carrera, lo que saturó las plazas de carrera. Hoy se renueva el EPA y con ello se redefinen cargas y condiciones de trabajo nuevamente, pero no se vislumbra un reajuste radical, un incremento de inscripción que requiera nuevas contrataciones, lo que genera un movimiento de nuestras contrataciones sumamente aletargado y fuertemente politizado. La escuela indefectiblemente envejecerá, pero puede o no entrar en etapas de decadencia. Bajo este panorama, ¿cómo imaginar a la ENAP?: bajo los mejores augurios la imagino con un espacio de investigación fortalecido, publicando teorías, ensayos,

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etc.; reflexiones diversas enfocadas a la construcción de una sensibilidad estructurada desde lo propio, lo peculiar, para lo múltiple, lo diverso Imagino una institución sólida, que no se desintegre ante la codicia y el afán de considerar áreas feudo, talleres feudo, el poder unipersonal, monárquico, la “famafortuna” La imagino consolidando artistas conocedores, provocadores, capaces de crear espacios de reflexión, promoción, exhibición, acordes a la obra que produzcan, más creativos, menos saqueadores de las propuestas de otros, menos usurpadores de los espacios de otros, menos destructores de la propia comunidad. 3.- ¿Cómo se la imagina en 4 años? Es previsible que la institución se muestre con sus mismas estructuras académicas más parchadas que nunca, se prevé un retroceso académico, un fortalecimiento mayor de áreas relativas a la construcción de la imagen mediada: foto, video, imagen por ordenador, imagen transmitida. Un abandono del sentido de proceso reflexivo propio de la plástica, la institución olvida la materialidad del trabajo de taller, la corporalidad del individuo, la necesaria espacialidad de su condición vital, olvida construir la sensibilidad, en aras de realizar productos se vuelca sobre la distribución y se aleja de la producción y el consumo. 4.- ¿Qué áreas le parecen prioritarias en la renovación escolar? Justamente el problema es el considerar áreas y prioridades. (1) Comentarios para la Primera Jornada de Recuperación Académica de la ENAP, abril de 2006, impulsada por José Miguel González Casanova, Eloy Tarcisio y otros.

Re: Foro: Contextos de la Práctica Profesional. de Jesús Macías Hernández - jueves, 26 de mayo de 2011, 18:31

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Estimado Mtro. Quesada, me parece interesante la inclusión de sus aportaciones del ejercicio de prospectiva que se realizó hace algunos años en torno a perfiles de egreso, la visión de la vida académica e incluso el detalle del adjetivo asignado de lo bien encauzado de sus cuestiones, la mirada al futuro siempre es productiva, pero desde el pasado se convierte en presente, por qué no desde este presente para el futuro, de eso se trata este ejercicio, saludos

Re: Foro: Contextos de la Práctica Profesional. de Francisco Gilberto Quesada García - martes, 31 de mayo de 2011, 15:54

¿Por qué queremos el cambio de plan de estudios? Análisis preparatorio para la integración de un posicionamiento del Colegio de Escultura de la ENAP, que presenta Francisco Quesada García Mayo 2011 Conforme avanzamos en nuestra reflexión y en nuestro intento por participar de manera efectiva en un cambio de plan de estudios, se hace necesaria una justificación que convoque el ámbito completo y el ánimo para los acuerdos. Cambiar el Plan de Estudios de una Licenciatura es afectar de manera integral a nuestra escuela y, con ello, a la Universidad toda, pues supone un reajuste de dinámicas y vínculos institucionales. Entendemos el Plan de Estudios como: "el conjunto de asignaturas (cursos teóricos, laboratorios, talleres, prácticas, seminarios, etc.), exámenes y otros requisitos que, APROBADOS en lo particular POR LOS CONSEJOS TÉCNICOS de las facultades y escuelas, y en lo general POR EL CONSEJO UNIVERSITARIO, aseguren que quien haya cubierto el plan, obtenga una preparación teórica y práctica suficiente PARA GARANTIZAR A LA SOCIEDAD el ejercicio eficaz y responsable de su profesión." (1) Es decir que para su elaboración tendrán que hacerse consideraciones desde la institución que habrá de dar su anuencia, como desde el campo profesional y la condición de efectividad para abordarlo por parte de sus egresados. Esto es, no se puede desarrollar al margen de la acción política que le dé viabilidad al acuerdo

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académico. Podemos entender entonces que el plan no es solamente el plan de estudios, sino más bien LOS PLANES; no sólo el Plan de Estudios de la Licenciatura, sino que éste habrá de repercutir y debiera desarrollarse en coordinación con Maestrías y Doctorado, así como en una vinculación estrecha con el Plan de Desarrollo de la Dirección, quien habrá de definir su disposición a emprender las tareas correspondientes y convalidar los resultados. Para el desarrollo de nuestra participación nos resulta pertinente distinguir los problemas de la PRESENTACIÓN de la propuesta, de la complejidad inherente a la INTEGRACIÓN de la propuesta, ambas situaciones con sus respectivas condiciones de posibilidad y viabilidad. Es de subrayarse que los mecanismos en curso abogan más por las formas de presentación (como puede verse en el título del documento ofrecido como bibliografía “Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de Licenciatura”), frente al trabajo académico de integración, lo que supuso un primer esfuerzo para que se reconozca el trabajo colegiado. ¿Por qué queremos fortalecer, potenciar los recursos institucionales y recuperar una coordinación interna de la cual el actual plan de estudios no nos provee? Porque somos parte de una institución, lo cual condiciona y particulariza nuestro esfuerzo. El proceso de envejecimiento del plan de estudios genera, en principio, una desintegración, no sólo de nuestra comunidad más cercana, sino en relación a nuestra Universidad, y de las tareas que esos vínculos suponen. Nuestra licenciatura, tenemos que tenerlo muy presente, es parte de la ENAP, es parte de nuestra Universidad, y ésta tiene un carácter NACIONAL, es decir que al tiempo que consume recursos federales, tiene la obligación de responder con diversidad, abordando como obligación un espectro amplio, múltiple y completo de los fenómenos asociados a las artes plásticas. Así también, a su carácter de AUTÓNOMA corresponde la obligación del liderazgo, porque la autonomía se confiere para ello. El dirigir sus propias investigaciones supone el desarrollo de proyectos con una base crítica, supone pues la proyección en el ámbito nacional, y se cristaliza a través de las funciones sustantivas. De modo que cuando hablamos de cambio de plan, hablamos de fortalecer la institución, definir las condiciones de comunidad, propiciar la colaboración

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sabiéndonos parte sustanciosa de una unidad mayor. Cambiar el plan de estudios significa responder con nuestra labor docente a las expectativas de los alumnos, no sólo las previas a su ingreso a la escuela, sino también las que se integran desde su formación profesional. A cada momento nos queda más claro que la investigación habrá de definir el CONTEXTO INTERNO de nuestra institución, al tiempo que se presenta como MODELO INSTITUCIONAL. Un cambio de plan de estudios no sólo supone desechar las dinámicas obsoletas, sino sobre todo el responder en este tiempo a un nuevo paradigma, entendiendo por paradigmas aquellos logros: "universalmente aceptados que durante algún tiempo suministran MODELOS de problemas y soluciones a una comunidad de profesionales." (2) De modo que construir un modelo institucional dentro de la UNAM obliga a la consideración de los múltiples factores que integran y complejizan el esquema de trabajo. Y por si esto fuera poco, la difusión de la cultura toca de lleno nuestro trabajo, es factor que define al propio campo profesional, exige la investigación y proyecciones que habrán de redituar en un fortalecimiento de la condición vital de integración y ejercicio de la cultura. Francisco Quesada García Mayo 2011

Notas: (1) Reglamento General de Estudios Técnicos y Profesionales de la UNAM. Art. 16. (Subrayado mío) (2) Thomas S. Kuhn."La estructura de las revoluciones científicas". 3a. ed. Trad. Carlos Solís. México. FCE. 2006. p. 50 (Subrayado mío)

Re: Foro: Contextos de la Práctica Profesional. de Francisco Gilberto Quesada García - miércoles, 8 de junio de 2011, 18:57

¿Cómo nos entendemos como parte de la estructura actual? Análisis preparatorio para la integración de un posicionamiento del Colegio de

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Escultura de la ENAP, que presenta Francisco Quesada García 7 Junio 2011 Un plan que no se transforma también conlleva envejecimiento de las instalaciones, pues sin nuevos programas los presupuestos de manera natural se ven limitados. Y si a ello agregamos la falta de movilidad de la planta docente, ante la complejidad de los procesos de jubilación y, con ello, el lentísimo proceso escalafonario en que está sumida la Universidad toda, podemos reconocer el debilitamiento de los vínculos institucionales, donde la relación docentes-alumnos, dirección-administración, expresa en nuestra escuela su deterioro a través de un aumento de mecanismos coercitivos, proliferación del intercambio de memoranda (que alcanza ya aproximadamente un 25% de desajuste en la inscripción), así como desconcierto y apatía generalizados. ¿Cómo nos entendemos dentro de la estructura actual? El Colegio de Escultura desde su integración -a partir de la primera reubicación y diseminación de la comunidad académica de la ENAP efectuada el 8 de octubre de 1979- ha procurado funciones de coordinación académico-administrativa, en un esfuerzo por alcanzar un crecimiento académico a pesar de las dificultades administrativas. Sin embargo, la falta de un plan rector dificulta los trabajos. Así por ejemplo podemos enumerar al menos cuatro órdenes académicos que conviven en la actualidad dentro del área, lo que supone lógicas distintas, que en cierto modo flexibilizan, al tiempo que desorientan y reducen los alcances del trabajo coordinado. En primer lugar, las inscripciones se norman bajo la división que distingue talleres de EXPERIMENTACIÓN visual de aquéllos de INVESTIGACIÓN visual. Por otro lado, el acuerdo interno procuró una división por niveles a partir de diversos abordajes al material, dando como resultado los niveles de MODELADO, CONSTRUCCIÓN y TALLA. Para posteriormente, al multiplicarse los talleres de MODELADO, pues una estructura por niveles supone una base amplia, se da pie a que el resto de los talleres se organicen como de MATERIALES ESPECIALIZADOS. Y, finalmente, la reflexión metodológica que la Universidad ha procurado a través de las consideraciones interdisciplinarias, nos reportan una estructura que destaca PRINCIPIOS, PROYECTOS y REALIZACIÓN. Las dudas que esto abre se manifiestan prácticamente a través de dificultades para considerar:

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• contenidos • secuencia de complejidad

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• inscripciones • exámenes extraordinarios • tiempo de permanencia de los alumnos en cada taller ¿Cuáles son las aportaciones del Colegio de Escultura? A instancias de la maestra Leticia Moreno, quien se preocupara por impulsar una organización académica en las instalaciones del plantel Xochimilco que a la fecha ocupamos, en 1982 se integró el Colegio de Escultura. De entonces a la fecha no se han suspendido trabajos. Bajo una coordinación rotativa, hemos procurado no sólo el equipamiento de talleres, de suyo complicado, sino un espacio de colaboración académica mediante la presentación de nuestros programas y planes de trabajo, el intercambio de experiencias e interconsultas, lo que permite a la fecha una participación constante en la vida académica de la institución, que se suma a la cotidiana labor de asesoría y apoyo a proyectos que sus miembros brindan, al margen de los cursos ordinarios que imparten. Francisco Quesada García Junio 2011

Re: Foro: Contextos de la Práctica Profesional. de Colegio de Escultura - domingo, 3 de julio de 2011, 18:13

Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero

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pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura?

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¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: • el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional

Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional

De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de

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actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar.

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IV. Aspectos y áreas de las disciplinas de las Artes Visuales

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Las actividades contempladas dentro de esta área invitan a los profesores que imparten su cátedra dentro de la licenciatura en Artes Visuales desde su experiencia profesional y contacto que establecen con los alumnos y egresados a participar en las temáticas: • Actividad académica profesional del docente y su incidencia en la formación de los profesionales. • Áreas que requieren fortalecer la preparación y actualización de los profesionales. • Líneas Institucionales de la Investigación. • Resultados de la formación de alumnos y egresados. • Logros significativos en el campo profesional.

4.1 Cuestionario Instrucciones: El siguiente cuestionario explora fundamentalmente la actividad académica profesional del docente y su incidencia en la formación de los profesionales de las artes visuales, por tanto, desde tu experiencia responde brevemente las siguientes cuestiones: ¿En cuáles campos, aspectos, áreas o disciplinas se requiere fortalecer la preparación y actualización de los profesores de la ENAP para el ejercicio de la docencia del presente y del futuro? Para comenzar el docente que trabaje en la licenciatura en artes visuales debe de ser un ente creativo, es decir, debe de generar conocimiento, ya sea a nivel teórico o de investigación o como productores artísticos o bien ambas. DEBE DE TENER UNA VOCACIÓN DE SERVICIO Y COMPROMISO con la educación. Debe de estar involucrado y actualizado con el área de conocimiento del cual él imparte, a través de cursos, diplomados, etc. Si bien estos aspectos la ENAP los contempla. Más que fortalecer los campos señalados en la pregunta, es erradicar los usos y costumbres que la propia ENAP ha generado y padece, faltismos, refugio de gente fracasada que al no tener un objetivo de vida se refugia en la educación, pero que no está a la altura de las circunstancia que por medio de este conducto se pretende cambiar y fortalecer. Hay un cinismo en muchos académicos que no se mide al decir que no preparan sus clases, o bien, siguen dando "clases" en sus aulas alternativas como la cafetería" Si se quiere realmente fortalecer a la ENAP, hay que eliminar este tipo de personas y actitudes Pienso que las disciplinas, como la filosofía y la literatura, en el área de humanidades pueden contribuir no sólo a fortalecer y actualizar a los docentes de la ENAP, sino que ellas tienen mucho que aportar a la docencia. Así que sería muy benéfico para la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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ENAP invitar a docentes de otras facultades; por ejemplo, la de Filosofía y Letras para que impartieran cursos sobre diversos temas relacionados con el ejercicio de la docencia. Hacer un diagnóstico mediante una revisión y análisis de la preparación académica y ética de los profesores de la ENAP. Estructurar y unificar los objetivos de las materias teóricas y prácticas mediante la supervisión colegiada y multidisciplinaria de especialistas en las materias. Capacitación a los profesores con cursos de actualización sistemática en las materias que imparte de su especialidad y de metodologías de enseñanza-aprendizaje. Fortalecer el conocimiento del arte en relación con la ciencia, la tecnología y el diseño. La literatura y el conocimiento jurídico del trabajo artístico y la legislación del arte a nivel nacional e internacional. Crear cursos intersemestrales de Didáctica para las artes visuales y el diseño. Reuniones semestrales de profesores por cada grupo para conocer las el rendimiento del grupo y los alumnos para trabajar en beneficio de ellos. Conformar un banco de datos de profesores que llenen el perfil para impartir las materias que son de su conocimiento y experiencia y que se apegue a los lineamientos académicos de la escuela. Para la docencia se necesita interrelacionar la investigación como parte de la superación profesional de los académicos de educación superior. En la unión del trabajo compartido, poseemos el desarrollo, nos falta el aspecto del compartir las áreas, esto nos dotaría de la actualización por la misma exigencia de la preparación que nos mantendría siempre en el hoy, ni en el pasado añorado, ni en el futuro de ensueño. Es un compromiso continuo, por lo tanto, los docentes de acuerdo a su línea de trabajo están obligados a actualizarse en todos los territorios del conocimiento: teórico, práctico, histórico, pedagógico, etc. - En el aspecto laboral, puesto que los profesores que en ella laboran son egresados de Artes Visuales y conocen del campo de desarrollo de nuestros egresado, fortaleciendo la estabilidad laboral se incita a que nuestros profesores aun siendo de asignatura puedan desarrollar por ejemplo proyectos donde involucren a sus alumnos en el campo profesional y en los proyectos de investigación que la labor docente permite y aliena, fortaleciéndola por ejemplo con becas más incluyentes a un buen número de los profesores para realizar estudios y proyectos de investigación dentro y fuera de nuestra querida Universidad que fortalezcan el desarrollo profesional y por ende el desarrollo académico de nuestros alumnos.

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- En este aspecto de la integración de Docentes de la Licenciaturas de Diseño Gráfico, Comunicación Gráfica y Diseño de la Comunicación Visual; sería necesaria su preparación en el campo de las artes puesto que sin negar su aportación en el manejo de paquetería y software, por su desconocimiento del fenómeno plástico la aportación que la tecnología puede dar al quehacer queda truncada. - Por lo que sería necesaria la pertinencia que buscar entre su planta docente egresada de artes visuales estos perfiles de manejo tecnológico en su trabajo plástico y fortalecer esta preparación para optimizar su enseñanza en bien de nuestros alumnos. - En el aspecto laboral, puesto que los profesores que en ella laboran son egresados de Artes Visuales y conocen del campo de desarrollo de nuestros egresado, fortaleciendo la estabilidad laboral se incita a que nuestros profesores aun siendo de asignatura puedan desarrollar por ejemplo proyectos donde involucren a sus alumnos en el campo profesional y en los proyectos de investigación que la labor docente permite y aliena, fortaleciéndola por ejemplo con becas más incluyentes a un buen número de los profesores para realizar estudios y proyectos de investigación dentro y fuera de nuestra querida Universidad que fortalezcan el desarrollo profesional y por ende el desarrollo académico de nuestros alumnos. - En este aspecto de la integración de Docentes de la Licenciaturas de Diseño Gráfico, Comunicación Gráfica y Diseño de la Comunicación Visual; sería necesaria su preparación en el campo de las artes puesto que sin negar su aportación en el manejo de paquetería y software, por su desconocimiento del fenómeno plástico la aportación que la tecnología puede dar al quehacer queda truncada. - Por lo que sería necesaria la pertinencia que buscar entre su planta docente egresada de artes visuales estos perfiles de manejo tecnológico en su trabajo plástico y fortalecer esta preparación para optimizar su enseñanza en bien de nuestros alumnos. Con la formación de pintores, escultores, dibujantes, gráficos e historiadores se fortalecerá en el tiempo el fenómeno dialéctico de la enseñanza aprendizaje de lo plástico. - ¿Hablamos del desarrollo del Campo disciplinar de las Artes Visuales; o del desarrollo de la planta docente? Uno de los principales problemas para lograr un análisis del campo del dibujo y poder arribar a conclusiones es la diversidad y dispersión del conocimiento histórico y las plataformas teóricas de nuestros profesores. Como una forma de superación del problema anterior, y bajo la pregunta formulada en este cuestionario, el colegio propuso lo siguiente. -En la reunión del COLEGIO DE DIBUJO DE ARTES VISUALES turno vespertino del día D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. 6 de junio de 2011 se propuso la organización de dos seminarios de análisis teórico y actualización docente. Uno "MODERNIDAD Y POSMODERNIDAD EN EL TERRITORIO ARTÍSTICO"

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Dos "MODELOS INTERDISCIPLINARES Y MÉTODO EN LAS ARTES" Se consideró importante el que estos seminarios sean impartidos por especialistas que pertenezcan a instituciones u organismos externos a la ENAP, lo anterior con el objetivo de romper los círculos reflexivos internos de nuestra planta docente. Es importante actualizar a los profesores en las TIC's y en plantear la flexibilidad de talleres y materias por la seriación. Por ejemplo: Si hay materias que se pueden retroalimentar como el caso de gestión cultural y museografía los chicos podrían intercalar los semestres sin el factor seriación. No creo que se pueda determinar de manera vertical y "desde arriba" cuáles deben ser los campos, aspectos, áreas o disciplinas que se requieran fortalecer. Creo que se deben de crear mejores condiciones de trabajo en todos los sentidos, para que un verdadero trabajo académico pueda florecer. Creo que un área con mucho potencial puede ser escenografía, sin embargo no se trata de preparar o actualizar a los maestros sino de mejorar las condiciones de dicha área. Creo que los maestros de materias teóricas podríamos a futuro formar un departamento de Estudios Visuales o de Cultura Visual, pero se necesitan dar las condiciones para que esto sea posible y éste crecimiento profesional de nosotros como profesores obviamente se derrama al aula y al estudiante. De tal manera que para producir un adecuado desarrollo de las diversas disciplinas de las Artes Visuales en la ENAP, se necesitan más que nada acciones conjuntas, sí creo que un liderazgo por parte de nuestras autoridades es una parte importante, sin duda alguna, pero también lo es la creación de condiciones de trabajo, respeto a la antigüedad laboral, reconocimiento a la labor académica cotidiana, creación de proyectos específicos, dar a dichos proyectos de materiales, equipos, espacios, etc. Compromiso por parte de nosotros como docentes, etc. Resumiendo, creo que se trata de mejorar las condiciones para que la academia se fortalezca de manera "natural" y no tanto direccionándola. Se trata de un trabajo conjunto. En el terreno de la promoción y difusión de su trabajo. En la filosofía del arte, en la pedagogía del arte, en la aplicación de las técnicas ortodoxas de producción artística, en el uso de las tecnologías electrónicas, en los protocolos de investigación y experimentación propios del área artística y NO LOS DE LA CIENCIA. La actualización es de suma importancia tanto en el ámbito teórico como práctico, "intentar" (al menos) estar al día en las nuevas disciplinas y los nuevos medios, así como las teorías en las que estos se basan y/o respaldan.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. A su vez esto requiere de la implementación de herramientas a fines a dicha actualización, infraestructura en salones y laboratorios.

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Se requiere actualizar todas las áreas de la docencia artística. Primero: El fortalecimiento en la planta de profesores es posible en la interdiciplinariedad; talleres - materias teóricas. Interdiciplina entre talleres talleres. Entre materias de tronco básico y optativo, permitiendo así, una educación interrelacionada vertical y horizontalmente en la estructura curricular. Segundo: Es importante que los programas y temarios de los cursos estén apegados al plan de estudios, ya que en algunos casos se confunde la libertad de cátedra y se imparten temarios ajenos o distantes a los objetivos y contenidos de las materias del plan de estudios, haciendo así, que queden lagunas en la preparación de los estudiantes. Considero que las coordinaciones de área y los Colegios deben observar los contenidos programáticos, claro está, respetando la libertad de cátedra. A la profesionalización del docente En el campo disciplinario de la especialidad, a la formación didáctica y pedagógica, en las nuevas tecnologías, a la práctica artística, a la investigación y el contexto socio cultural en un ámbito de interdisciplina. Al desarrollo de proyectos. Al fortalecimiento de un bagaje cultural del docente en lo histórico y lo filosófico, al diseño de estrategias de aprendizaje, al diseño de modelos de evaluación. En todas En las áreas tecnológicas, en cuanto al dominio de programas digitales. También es necesario generar nuevas estrategias de transmisión de los conocimientos teóricos y prácticos, así como el desarrollo de nuevos materiales didácticos. En el uso de nuevos medios, idiomas, cursos de especialización de su área así como la revisión periódica de conocimientos en su materia. - En el aspecto laboral, puesto que los profesores que en ella laboran son egresados de Artes Visuales y conocen del campo de desarrollo de nuestros egresado, fortaleciendo la estabilidad laboral se incita a que nuestros profesores aun siendo de asignatura puedan desarrollar por ejemplo proyectos donde involucren a sus alumnos en el campo profesional y en los proyectos de investigación que la labor docente permite y aliena, fortaleciéndola por ejemplo con becas más incluyentes a un buen número de los profesores para realizar estudios y proyectos de investigación dentro y fuera de nuestra querida Universidad que fortalezcan el desarrollo profesional y por ende el desarrollo académico de nuestros alumnos. - En este aspecto de la integración de Docentes de la Licenciaturas de Diseño D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Gráfico, Comunicación Gráfica y Diseño de la Comunicación Visual; sería necesaria su preparación en el campo de las artes puesto que sin negar su aportación en el manejo de paquetería y software, por su desconocimiento del fenómeno plástico la aportación que la tecnología puede dar al quehacer queda truncada. - Por lo que sería necesaria la pertinencia que buscar entre su planta docente egresada de artes visuales estos perfiles de manejo tecnológico en su trabajo plástico y fortalecer esta preparación para optimizar su enseñanza en bien de nuestros alumnos. En los contenidos de los programas, en la forma de aplicar estos programas, en la actualización de sus bibliografías, en la actualización bibliográfica de la Biblioteca (se la pasan comprando libros de lo que ya hay mucho, por ejemplo: Las vanguardias del modernismo y de ahí para atrás); faltan foros y conferencias de personalidades internacionales relacionadas con el mundo del arte, no hay ese contacto ni intercambio que otras universidades tienen. El área tecnológica, aunque se tiene una limitante de recursos y la actualización de la historia del arte y nuevas disciplinas. Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Para con ello procurar la:

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• caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar -Sobre la introducción, desarrollo y aplicación de estrategias para las diferentes áreas de enseñanza de las artes visuales ( Teoría, práctica y la relación disciplinaria) -Sobre el uso de tecnologías para optimizar los procesos de aprendizaje en respuesta a las necesidades sociales, tecnológicas económicas y culturales. -Sobre le gestión y divulgación cultural, y su impacto en la enseñanza de las artes visuales. - Sobre el desarrollo y análisis de la transdisciplina de la enseñanza de las artes, y con ello revisar las conceptualizaciones y planteamientos de las primeras inserciones artísticas en el campo del arte – ciencia que sustentan las actuales manifestaciones. De inicio y básicamente en la actualización tecnológica, existen algunos programas de uso común que requieren de una o dos actualizaciones anuales, para cuando algunos de los estudiantes egresen seguramente habrá dos versiones más adelantadas. Esto es de vital importancia. Otro aspecto que considero necesario es el contacto con el medio profesional varios nos desenvolvemos profesionalmente de manera paralela a la academia pero no somos todos, ni con tal práctica que estemos a la vanguardia de las tendencias en la realidad del mercado profesional. El comentario anterior se refiere a la realidad inmediata, sería muy conveniente tener también referencia de la situación a nivel mundial. Es más que evidente que los sistemas de enseñanza han tenido que venirse adaptando a nuevos requerimientos que marca el uso de lo que ahora llamamos las Tecnologías para la Información y la Comunicación. A nivel mundial se plantean, cuestionan y proponen nuevos rumbos en este sentido. Yo creo que gran parte de los profesores de la ENAP requerimos espacios de capacitación, investigación y diseño de estrategias que se acerquen a incorporar los nuevos lenguajes y herramientas a la práctica docente. Creo que sería interesante que en algún foro los mismos estudiantes pudieran plantear las dificultades que observan en este sentido. La calidad comienza con profesionalizar el trabajo del ejercicio de la Docencia, que parte del carácter pedagógico; es importante la actualización constante por medio de la investigación en las "nuevas tecnologías" utilizadas desde el arte, llevar la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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práctica constante obtenidos.

de la investigación documental, publicando los resultados

La pregunta no delimita si el ejercicio de la docencia es dentro o fuera de la ENAP, por lo que comenzare por hablar más bien de la docencia hacia fuera y de la problemática que veo en este caso. Para comenzar con esta reflexión cabe hacer mención de la diversidad tan amplia que ofrece el campo de la educación, dicha diversidad genera un espectro muy amplio de necesidades que podríamos reducir al decir que la enseñanza de las artes visuales es una sola. Este espectro se abre desde la etapa preescolar hasta el nivel superior, si tomamos como referencia este último desde luego que los egresados tienen la capacidad o al menos la familiaridad de enfrentarse al desempeño académico en un nivel profesional por ser un entorno del cual salieron recientemente y con el cual están empapados. Por otro lado la ENAP por medio del TIAP (taller Infantil de Artes Plásticas) oferta a la comunidad externa talleres bien diseñados y atendidos por profesionales en donde muchos jóvenes tienen la posibilidad de prestar un servicio social mientras se capacitan y se familiarizan con un sector como lo es el infantil, este sector cabe decirlo abre con su demanda la posibilidad de incorporar a los egresados al campo laboral. Pero por su diseño y el espectro de población que atiende que comprende a niños de 5 a 12 años el TIAP no forma a los egresados para atender a niños de otras edades como lo es el sector preescolar donde existen lagunas en la preparación de profesionales que atiendan a este sector, cayendo en el informalismo y las simples manualidades al trabajar con un sector donde se podrían potenciar las capacidades expresivas y comunicativas de las arte visuales y de la experiencia al experimentar su producción experiencia que como sabemos en ocasiones trasciende las barreras de lenguaje. En esta misma situación se encuentra la población de distintas edades con capacidades diferentes, estos retos a los que se enfrenta el egresado lo llevan a situaciones para las cuales la mayor de las veces no se encuentra preparado para atender a este tipo de población. Siguiendo esta última línea de población con capacidades diferentes, podríamos agregar a la población en situación de riesgo, víctimas de la violencia, con trastornos mentales y emocionales y de la tercera edad para quien se ve como una opción de mejorar su calidad de vida al arte, de ahí que se hable en la actualidad de la arte terapia, disciplina o rama que está siendo atendida por profesionales de la psicología, sociología, pedagogía y psiquiatría. Por otro lado la población adolescente requiere planteamientos específicos para atender sus necesidades y problemáticas. Todo lo anterior me parece que se puede resumir en la necesidad que hay de hacer una vinculación efectiva de la carrera de artes visuales y sus egresados con la sociedad cuyas demandas específicas requieren mayor atención y preparación. Otro de los aspectos en los cuales se tiene que trabajar hacia el futuro es la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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capitación tecnológica para acabar con las lagunas que existen en la planta docente y hacer de las nuevas herramientas un elemento más en la formación de alumnos que ven con naturalidad a la tecnología. En el ejercicio de la didáctica o bien la planeación de programas, modos de trabajar o estrategias de enseñanza y aprendizaje, seguramente se podrán encontrar aspectos muy significativos que pueden impulsar al cambio o a las mejoras del desempeño docente, debo admitir que en estos terrenos la especificación concreta de recursos me detienen para acertar en una repuesta sólida a todo este respecto, sin embargo considero de profunda importancia que el trabajo de un docente de la carrera de Artes Visuales necesariamente debe involucrar a un gran número de docentes que se encuentren activos en su producción e investigación ya que se trata de artistas visuales que a su vez están formando, en ese sentido es muy importante que el docente aparte de transmitir el conocimiento en la investigación que le concierne, señale también la producción como una constante que produce respuestas, experiencia y en consecuencia investigación. En cuanto a las áreas y disciplinas que se requieren fortalecer, es evidente que tiene que existir un mayor fortalecimiento al área de dibujo, dos años no es suficiente para tomar una formación, de hecho el área de dibujo tiene que crecer y expandirse considerando que actualmente el dibujo es en sí una producción importante. Dentro de la actividad académica es importante la apertura de diversas herramientas para los fines didácticos, cabe mencionar a ese respecto que las condiciones actuales de las aulas están muy bien capacitadas para lograr una buena cátedra, el mejoramiento de la infraestructura es notorio, pero por herramientas también puede ser válido contar con colaboraciones de colegas que cuenten con poco tiempo de ser egresados de la carrera de distintas disciplinas pero que el contenido de su producción pueda ser compartido en clases como el caso de Educación Visual de manera que esta práctica en el colaborador , considero importante por dos razones: En primera: Este ejercicio para el egresado y productor activo resulta muy significativa ya que la práctica oral de su propósitos de producción constituyen la materialización de ideas que evidencian que existe en las producciones y en los egresados de la ENAP no solo una experimentación, existe también un interés de investigación y en ese sentido estas prácticas puede significar para estos colegas un ejercicio previo a una réplica de examen de titulación de posgrado incluso o en todo caso es importante realizar este ejercicio ya que esta práctica ayuda a ordenar ideas y comprobar si es un egresado de la ENAP es capaz de hablar de su propio trabajo y hacer aportaciones para los recién egresados. En segunda: Esta práctica es para los alumnos un acercamiento con diversas realidades que tienen que ver con lo más importante en cuanto al terreno de producción en las artes, en las jóvenes generaciones, de igual modo es importante D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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estas prácticas porque significan resultados de estudiantes generados por la Universidad y siendo así, esto puede servir de especial motivante para los alumnos de nuevo ingreso, de esa manera los alumnos pueden ser testigos de que realmente la carrera de Artes Visuales puede generar resultados motivantes e interesantes. Definitivamente el relativo a la pedagogía y la enseñanza de las artes. Probablemente antes se concebía la enseñanza de las artes a través del ejemplo, es decir, el de transmitir el conocimiento de generación en generación. Sin embargo, es de suma importancia que ahora el profesional de la enseñanza se forme en el sentido más amplio del término actualización pedagógica. Es claro que no basta ser un excelente artista para asimismo ser un excelente maestro. Se necesitan herramienta para lograr más eficientemente este cometido.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. ¿Cuáles tendrían que ser las líneas institucionales de investigación de la ENAP en el campo de las Artes Visuales?

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Primera: el ser un productor artístico o artista plástico o visual, entendido como aquel individuo que genera una experiencia artística para la sociedad. Segunda: la investigación, la crítica y la teoría del fenómeno artístico Tercera: la curaduría Cuarta: la museografía Quinta: la gestión cultural Y sexta: la docencia artística Creo que una de las líneas es, precisamente, las artes visuales en toda su complejidad y amplitud. Otra línea de investigación puede ser la relacionada en el campo de las tecnologías. Por último, no es menos importante el área de las humanidades y de las ciencias sociales. Crear un centro de investigación en el que participen los académicos de la ENAP, conforme a las Líneas Institucionales de Investigación. Y estructuradas a partir de las necesidades académicas de la educación superior de las artes visuales con un soporte teórico, conceptual y metodológico que retribuya en el campo profesional de los egresados. Impulsar la investigación en beneficio de los profesores y alumnos La interacción universal de lo existente, ¿en dónde posan nuestros ojos? es el primer paso, la observación como principio del método de investigación científico, colapsada a la creación ordenada. La inspiración es un método que arroja la experiencia y no se entumece ante el orden, porque ya es la maduración del artista plástico en su creación inconsciente, después de tanta ejecución práctico cognoscitivo. a) Análisis de la producción del capital simbólico. b) Campos ‘emergentes’ de las producciones visuales. c) Vínculos y relaciones potenciales con otras áreas de producción. d) Transdisciplina. - Las busquen explicar el fenómeno plástico tradicional y actual desde el ámbito teórico. - La experiencia plástica desde el ámbito tradicional y contemporáneo.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Las busquen explicar el fenómeno plástico tradicional y actual desde el ámbito teórico. - La experiencia plástica desde el ámbito tradicional y contemporáneo. Textos proporcionados por la División de Estudios Profesionales y la Secretaría Académica, ENAP

-La experiencia didáctica docente en el área de las artes. - La experiencia plástica de sus profesores y egresados La Escuela Nacional de Artes Plásticas como institución educativa debe de tomar en cuenta como contexto de las investigaciones lo que fortalezca la relación de lo académico con lo social. Los programas de los profesores son investigaciones que su sistematización so producto de los procesos históricos que vinculan el arte con lo social. Dentro de la normatividad universitaria existe una indefinición sobre la manera en que la investigación se realiza en las escuelas; en particular la nuestra no cuenta con plazas de investigadores para realizar esta función sustantiva. Los profesores de carrera cargan con el peso coercitivo de realizar obligatoriamente trabajo de investigación que no se encuentra claramente enmarcado y definido dentro del EPA, y para el cual la institución no le facilita recursos de espacios y presupuesto. Se dice que el nivel salarial de los profesores de carrera retribuye esta tarea, pero se olvida que el salario es una remuneración que no tiene porqué ser usada en gastos de investigación. 1- Las que se derivan de las funciones sustantivas de la UNAM; enseñanza, Investigación y extensión de la cultura. 2- Institucional significa, entre otras cosas, un impulso de la entidad educativa a las iniciativas de la investigación, así entendemos que la escuela tendría que apoyar a los profesores en su trabajo de investigación y producción, pero no están construidos los mecanismos para tal efecto. 3- Las que se refieren a los territorios disciplinares de las artes y sus lenguajes. 4- Las que emanan del trabajo de producción artística y teórica de los profesores, tanto de manera individual y colegiada 5- Las que se refieren a la Pedagogía del Arte 6- Las que se basan en el ejercicio de la producción de los proyectos artísticos y sus espacios de presentación y difusión. 7- Las de los GRUPOS DE PROFESORES QUE SE PUEDAN INTEGRAR POR AFINIDAD DE INTERESES TEMÁTICOS DE INVESTIGACIÓN. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Filosofía del arte Sociología del arte

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Profesionalización en la enseñanza de las artes Pues no TENDRÍAN que ser ningunas, es decir, no deberíamos pensar en como determinarlas y cerrar el abanico de posibilidades. Un mejor planteamiento es ¿Cuáles podrían ser las líneas de investigación...? Parece lo mismo pero en verdad, no lo es. La primera delimita, la segunda abre posibilidades. De hecho, podríamos preguntarnos ¿Cómo hacerle para que las líneas institucionales sean lo más amplias posibles y quepan aun así, en nuestra escuela? Mejor aún, ¿Cómo producir más y mejores investigadores en la ENAP? ¿Cómo fomentar las publicaciones de dichas investigaciones? Creo que nuevamente el asunto es cómo crear unas condiciones propicias para la investigación. Delimitar aspectos generales de la producción artística nacional e internacional. Indagar sobre las particularidades del arte mexicano. Realizar investigación por áreas de conocimiento específico: Pintura, Gráfica, Escultura y Dibujo. Investigaciones de carácter físico, químico, instrumental sobre materiales empleados en la producción artística actual. La investigación de nuevas tecnologías sí, pero también el cómo y el cuándo de su aplicación. En el campo teórico alterno evidentemente a lo anterior. Sobre todo en el área de docencia, me refiero, a la manera de difundir el conocimiento, proponer que el alumno interaccione con la información y no solo la reciba, que sea partícipe de ella. Líneas institucionales de investigación han sido, son y serán aquellas que QUÉ SE GENEREN Y emanen de los de los profesores, sea de manera individual, colegiada o apoyada por los diversos recursos que ofrecen los diversos departamentos de la UNAM y de la propia ENAP. Por tanto, las temáticas de las investigaciones institucionales corresponderán a las propuestas de actualización de cada profesor. En el campo de la investigación visual se tendrá que poner especial interés en aquellos proyectos que incorporen y que destaquen: Elementos técnicos, Formales y Conceptuales de las artes visuales. Que sean propositivos y que expresen la cultura y la sociedad actual. Las líneas institucionales de investigación podrían agruparse por talleres o áreas D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. apoyadas por asignaturas a fines, por ejemplo: si el alumna elige como área de investigación escultura deberá pasar por el conocimiento del modelado, cerámica, escultura en madera, piedra y plásticos, incluyendo para su formación otros campos de estudio que se relacionen con el espacio físico escultórico como anatomía artística, escenografía, geometría, incluyendo quizá algunas asignaturas de arquitectura. Sin dejar de lado el conocimiento y dominio de otros campos de estudio como la construcción de escultura por medios electrónicos virtuales. Por otro lado que el área o taller se fortalezca con el conocimiento de asignaturas o seminarios que aborden cuestiones referentes a la escultura desde una perspectiva histórica, teórica y crítica. Las que implican al arte visual, tales como la teoría del arte, Historia del arte, pintura y pintura expandida, dibujo y dibujo expandido, escultura, instalación, fotografía, performance, grafica, nuevos medios, etc. Si entiendo bien la pregunta debieran ser todas las líneas que tengan que ver de una u otra manera con las artes visuales (dibujo, pintura, escultura, fotografía, diseño, historia, filosofía, nuevos medios, etc.) pero sobre todo realizarlos de manera interdisciplinaria con escuelas, facultades e institutos de la UNAM así como también con otras instituciones de México y el extranjero. - Las busquen explicar el fenómeno plástico tradicional y actual desde el ámbito teórico. - La experiencia plástica desde el ámbito tradicional y contemporáneo. -La experiencia didáctica docente en el área de las artes. Arte contemporáneo y todo lo que está alrededor de este. Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Escultura en torno a: •el campo disciplinar Textos proporcionados por la División de Estudios Profesionales y la Secretaría Académica, ENAP

• el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar La inducción y desarrollo de las distintas áreas dentro de las Artes Visulaes como son: La docencia e investigación de las artes La crítica y el discurso curatorial en el arte La gestión y promoción de las actividades artísticas Desde mi punto de vista tendría que considerarse como hasta ahora la investigación del pasado, pero urgentemente incorporar las tendencias y posibilidad de las artes visuales a futuro, el surgimiento de las nuevas tendencias y propuestas propias (de la escuela o nacional) dentro del contexto global de la producción artística. Por supuesto el arte contemporáneo, la curaduría, la museografía, los medios de comunicación, los retos de la docencia, la formación de públicos. Estoy segura que hay muchas otras, éstas son las que alcanzo a ver. Creo que deberían considerarse en dos rubros, la investigación documental y también la investigación visual, enfocada a la producción y a la experimentación Las líneas institucionales de investigación de la ENAP, deben estar orientados a enfoques interdisciplinarios, multidisciplinarios y transdisciplinarios. Desde Mi punto de vista creo que de manera general deberían ser dos la Investigación y el ejercicio profesional. Y atendiendo dos aspectos La educación y La producción Artística En el campo de la Educación se deberá formar a los profesionales que atiendan las D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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necesidad de la sociedad en sus distintos niveles es decir estos profesionales en su ejercicio deberán de manera profesional responder a dichas necesidades. Pero este ejercicio debe estar necesariamente respaldado por Investigación seria, responsable y profesional que documente y genere propuestas, teorías, planes, que debata ideas y genere discusiones. En el campo de la producción artística se deberá formar a los profesionales que con su ejercicio profesional respondan a las necesidades de su tiempo insertando su quehacer en las distintas disciplinas en donde el arte y sus creadores son el actor principal o incorporándose de manera individual o colectiva a las áreas donde su trabajo complemente sustente, refuerce o se sume a un trabajo o proyecto. Desde luego y como en el caso anterior este trabajo debe tener como respaldo un trabajo de investigación que oriente, respalde y encauce estos trabajos mediante una investigación seria, responsable y profesional que documente y genere propuestas, teorías, que debata ideas y genere discusiones. Considero que la ENAP y el funcionamiento de producción de talleres en Artes visuales involucran en gran medida investigación a desarrollar por parte del estudiante, considero que se debe motivar al alumno a la investigación y al acopio del registro de esta desde las primeras incursiones en los talleres. Es decir, se debe de acentuar dentro de la producción el acopio de imágenes, investigación o las herramientas que el alumno tenga al desarrollar su propuesta (cuaderno de apuntes, fotografías de procesos, bitácoras de notas) o bien enfatizar la importancia del proceso de las piezas como parte de la investigación y experimentación. Por otra parte considero importante enfatizar como investigación lo relacionado a los vínculos o el funcionamiento de la venta de obra, la incursión a la gestión y la autogestión. Todas aquellas que se orientan a las "nuevas" formas de hacer arte, llámense "nuevas tecnologías", artes de la acción y artes del espacio, el video, la animación. Por años estas han sido poco valoradas e incluso desdeñadas, siendo que forman parte de los lenguajes contemporáneos del arte.

¿Cuáles consideras que han sido los resultados más importantes de la formación otorgada a los

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. alumnos y egresados de la Licenciatura en Artes Visuales?

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El seguir siendo la Institución Educativa que genera los individuos artísticos que detonan cambios en la sociedad a través del arte y sus derivados La experiencia de trabajar en universidades privadas me ha dado una visión significativa porque aprendí a distinguir estudiantes de universidades públicas y privadas. El estudiante de la ENAP tiene una formación más sólida y rigurosa en sus estudios, a pesar de los grandes retos que tenemos que enfrentar en la Escuela. El estudiante de la ENAP, por fortuna, cuenta con valores humanos y éticos, lo contrario del alumno de universidad privada. Considero que es importante que destaque estas diferencias; pues estoy convencida de que tenemos en nuestras manos a valiosos estudiantes; me parece que depende de nosotros, como docentes, que estimulemos a nuestros alumnos lo mejor que podamos. La preparación para elaborar proyectos conceptuales de una obra plástica. El conocimiento de algunas técnicas y materiales para la elaboración de sus obras en distintas ramas de las artes visuales. Estar preparados académicamente para realizar estudios de posgrado y especialización en distintas modalidades de las artes plásticas. Profesionales de las artes visuales competitivos en la práctica académica en distintos grados de la educación artística en el país. La multidiciplina improvisada, cada vez se acerca de manera precoz y mas iniciática a niveles insospechados de reflexiones que nos miran con afirmaciones y ya no con preguntas, del cómo hacer, sino del porque salió así de parte de los alumnos. a)Conocimientos técnicos-formales tradicionales y de punta b)Producción de objetos visuales en base a esquemas tecnológicos emergentes c)Competitividad en la producción visual d)Áreas de posgrado La formación en la tradición del quehacer plástico y su inclusión en la experimentación con recursos tecnológicos contemporáneos. - Y de la experiencia en la transmisión de conocimiento a otros pares, el desarrollo del quehacer plástico en grupos y la vocación docente. - La formación en la tradición del quehacer plástico y su inclusión en la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. experimentación con recursos tecnológicos contemporáneos.

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- Y de la experiencia en la transmisión de conocimiento a otros pares, el desarrollo del quehacer plástico en grupos y la vocación docente. Los resultados en la medida del posible serán: Escritos de su tesis de licenciatura, maestría, exposiciones de obra plástica, impartición de talleres, concursos, lo cual aporta conocimientos a la forma artística. No existen al interior de nuestra escuela mecanismos estadísticos ni de acopio de información que nos permitan responder esta pregunta. Tampoco contamos con "reactivos" diseñados para tal efecto. Por lo tanto, responder esta pregunta sobre la base una opinión personal contribuiría a aumentar las percepciones ideologizadas del asunto. Como en cualquier escuela nuestros egresados obtienen una formación relativa en diversos saberes, que aplican en el contexto social y laboral en sentido amplio, pero no podemos saber con certeza del carácter de ese ejercicio profesional. la disciplina del taller y la experimentación en los mismos He de reconocer que no siento haber entendido del todo la pregunta, pero de lo que creo entender, he de decir que un aspecto importante es el hecho de que de alguna forma la escuela equilibra la formación artístico-artesanal o tradicional o académica, por decirlo de una manera y con ello me refiero a que los pintores aprenden a pintar, los escultores saben cómo resolver una escultura, los grabadores resuelven el grabado, etc. Los alumnos aprenden a resolver las cosas desde el punto de vista técnico, lo cual es excelente y aún puede mejorar mucho. Es decir que los pintores pinten mejor, los grabadores graben mejor, etc. Entonces el equilibrio es entre ésta parte mencionada y una formación teórica suficiente, que lo mismo, puede mejorar muchísimo. Lo importante es, que desde mi punto de vista, la escuela si dota a los estudiantes de éstas dos herramientas en un carácter de suficiencia, que si el egresado se encarga de cultivar ambas, a un mediano plazo lo puede ubicar en un buen campo laboral, pero no forzosamente como un productor plástico, ojo. Pero esto es lo que yo identifico como resultados importantes de la formación. Su formación teórica balanceada con su desempeño técnico e instrumental en la producción artística. Su percepción estética de la realidad y su sentido lúdico. Su carácter crítico de la realidad nacional, así como su conciencia histórica. El compromiso para con ellos y con su trabajo. El principio de expresión con responsabilidad. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. La base teórico discursivo que sostiene su propuesta visual.

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Como no existe una estadística del desempeño de los egresados, mi opinión es parcial: el resultado más importante de la formación otorgada es que les han dado herramienta para poder vivir de los que aprendieron durante su formación. La formación que se proporciona en su calidad académica es muy heterogénea, los alumnos también los de niveles diferentes sociales y culturales; aun así, la formación que les brinda la escuela les permite poder desempeñarse en áreas que van desde el trabajo puramente comerciales de galerías, el de los ámbitos de las galerías institucionales particulares, el de la docencia a diferentes niveles, desde primaria hasta posgrado. La selección de alumnos y pasantes en los programas de Becas, Exposiciones y Bienales Nacionales recientes, ya que, según indicaciones y estadísticas actuales de los programas del CNA, INBA y otras instituciones estatales, en los últimos tres años se aumentó el porcentaje de jóvenes artistas premiados que fueron formados en la ENAP, esto me parece un indicador que sería bueno darle seguimiento para tener una idea más clara de los perfiles de egreso. Ignoro qué resultados ha ofrecido el nuevo plan de estudios a los egresados de la licenciatura en Artes Visuales, podría hablar en términos del antiguo plan de estudios y decir que no ha sido del todo satisfactorio. Es un tema complejo, influyen muchos factores que no se pueden abordar en unas cuantas líneas. Que el alumno posee un amplio panorama del campo de las Artes Visuales en donde puede desarrollarse o decidir su especialización. Que el alumno está cerca de profesionales de su Licenciatura de quienes recibe la orientación de acuerdo a su interés. Hasta el día de hoy considero que son los que obtienen en los talleres de pintura, grabado, escultura y fotografía. En certámenes, concursos, bienales y exposiciones dentro y fuera de México. La formación más importante está en la parte técnica de las disciplinas, de los talleres, ahí considero la ENAP es muy fuerte a diferencia de otra escuelas y universidades. Faltaría encaminar conceptualmente esta parte técnica para lograr productos que puedan insertarse en el mercado del arte actual. El tener profesionistas que pueden establecer un punto de vista en diversos ámbitos de la cultura en nuestro país a partir, por supuesto, de su propuesta artística.

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Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar La argumentación de su producción artística en función de metodologías de trabajo propia de los talleres en labor conjunta con las asignaturas teóricas. La posibilidad de generar tácticas de exploración plástica y visual desde una relación del taller tradicional con la visión del arte actual. Una postura crítica frente al campo profesional, a partir de una temprana y constante investigación del circuito del arte en una reflexión histórica y su realidad actual. Desde la reciente modificación he notado que se han integrado al uso de las D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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nuevas tecnologías positivamente, al menos en el área en la que trabajo con ellos "sacan" o buscan la forma de utilizar esta herramienta a manera de apoyo a sus necesidades, hay una clara actitud de tomarlo como una ayuda, no como substituto del proceso, solo para lograr lo que ya tienen creado/definido. Quienes se incorporaron ya avanzados sus estudios (hace un año), lo tomaron de forma más reservada, mientras quienes se incorporaron a la licenciatura con esta modificación aunque carecen más de la referencia de uso-abuso, no tienen una actitud de uso desmesurado de este aspecto tecnológico. Considero que la experiencia de los profesores es de lo más valioso que adquieren los estudiantes y lo que refieren más los egresados. Los resultados más importantes de la formación otorgada... no, no comprendo muy bien, pero Considero que tradicionalmente se ha puesto especial atención en los oficios y las técnicas, la mayoría de ellos importantes pero alejados de una comprensión clara de lo que la Escuela ofrece como artes visuales. Refiriéndonos expresamente a los circuitos específicos especializados en el campo de acción de las Artes Visuales, gracias a la formación otorgada resultan ser críticos, curadores o comisarios, teóricos, etc. Además de ser Artistas Visuales. Los resultados más importantes de la formación otorgada En este aspecto no podría hablar con certeza de manera general por no contar con el respaldo de alguna herramienta estadística de medición de dichos resultados por lo que puedo centrar mi aportación hablando de lo que para mí son los resultados más importantes de la formación que tuve en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en primer término me parece que en mi ámbito que es el de las artes visuales, la formación que tuve me dio los elementos básicos para poder enfrentarme a una problemática real de producción grafico pictórica, todo este bagaje de conocimientos y habilidades aprehendidos durante mi formación los obtuve ve de manera directa e indirecta, formal e informal pero sin duda dados a partir del contacto con la Escuela y su entorno, es decir muchos de los conocimientos son producto del conocimiento generado en las aulas y talleres y las actividades que de estos emanan, pero otro parte se dio fuera de la escuela de manera informal, en pláticas, discusiones visitas a exposiciones, medios externos como películas, libros, etc. y prácticas profesionales al margen de las actividades curriculares como la producción de obra en talleres particulares como la producción de proyectos con empresas, instituciones públicas ó privadas que en gran medida se dieron si bien no entrono al ambiente académico generado por la ENAP si se dieron a partir de este y en ámbitos o entornos cercanos a este. Por una parte, considero la importancia de formación del estudiante de Artes visuales dentro de la Escuela Nacional de Artes Plásticas como una formación que D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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permite comprender antes que las Artes Visuales, las complejidades y el entendimiento de los lenguajes visuales en la plástica, Por otra parte, los alumnos reciben dentro de su formación en los talleres las suficientes herramientas para la comprensión del oficio de cada disciplina. El alumno en los últimos años ya es capaz de adentrarse a proyectos de investigación relacionados directamente con su propuesta de producción. Definitivamente el de la formación en el sentido del oficio. Sin embargo, un buen oficio, no hace necesariamente un buen artista. Será necesario fortalecer las áreas de la teoría y la historia para proporcionarle al estudiante de más herramientas para su proyección profesional. Además, al interior de los talleres fortalecer los procesos de reflexión de o los lenguajes de esa particular área con el propósito de conseguir un discurso más cerrado y por lo tanto, más eficiente.

¿Cuáles consideras que han sido los logros más significativos en el campo profesional de los egresados de la Licenciatura en Artes Visuales? D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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la respuesta es la misma del rubro anterior: El seguir siendo la Institución Educativa que genera los individuos artísticos que detonan cambios en la sociedad a través del arte y sus derivados Respondo esta pregunta en relación con mi asignatura Textos y Tecnología Digital, la cual se vincula con los logros relevantes en el ámbito profesional. Hace poco tiempo un alumno, paradójicamente, de una universidad privada me comentó lo siguiente: "Maestra, en varias agencias de publicidad no quieren contratar egresados de universidades privadas. Solicitan egresados de la UNAM o de la UAM. Principalmente, personas que sepan hablar y escribir bien". Cuando escuché este comentario me sorprendí; pues noté que el alumno se preocupó y lamentó estar en una universidad privada. A pesar de que lo anterior es sólo una anécdota no es un estudio de mercado sobre egresados de universidades públicas y privadas. Para mí fue revelador. Pienso que sí hay logros en el campo profesional de los egresados de la licenciatura en Diseño y Comunicación Visual lo he constatado en mis clases textos y tecnología digital; por ejemplo, el estudiante de la ENAP lee más y escribe mejor; es más sensible a los problemas sociales y humanos; es más reflexivo, aunque reconozco que hay mucho por hacer. En cambio, el alumno de universidad privada casi no lee y escribe pésimo; escasa reflexión y poca sensibilidad. Poner en práctica los conocimientos adquiridos en la escuela. Prestigio académico. Capacidad de sustentar teórica y conceptualmente proyectos académicos y desarrollo artístico como profesionales de las artes visuales. Pertenecer a la Universidad Nacional Autónoma de México. Demanda de egresados por instituciones educativas gubernamentales y de la iniciativa privada. Demanda de egresados en Universidades estatales. El no haber muerto de la miseria de la voz, porque nos comemos a pedazos como caníbales, en lugar de construirnos de nuestras virtudes para crear y ser aun una institución más propositiva del legado universal del mundo, él si cree en nosotros, gracias a otros artistas plásticos, que si lo hicieron al servicio de la sociedad, es lo que aun suspira su muerte el arte de nuestra institución, pero llego el momento de renovarlo. a) Integración a los sistemas institucionales y privados de las Artes para el fomento de la cultura.

D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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b) Resguardo de la perspectiva humanista. En algunos casos el desarrollo profesional destacado y en otros debido a que hay que sobrevivir la docencia, lo que hay que preponderar puesto que en buena de los ámbitos de enseñanza donde se requiere de un docente con formación plástica existe un egresado de la ENAP. - En algunos casos el desarrollo profesional destacado y en otros debido a que hay que sobrevivir la docencia, lo que hay que preponderar puesto que en buena de los ámbitos de enseñanza donde se requiere de un docente con formación plástica existe un egresado de la ENAP. Su desarrollo personal en lo artístico, su desarrollo en lo no tan personal de lo artístico, gestores de arte, en el campo de la educación. Al igual que en la pregunta anterior, no hemos definido parámetros y arcos de pertinencia filosóficos y profesionales que nos permitan reflexionar sobre el particular para responder la pregunta. Solo nos enteramos de los logros que en lo particular consigue cada artista egresado, pero estos las más de las veces se basan en el esfuerzo personal y en la adquisición de recursos por otras vías. El interés profesional de los egresados que va más allá de lo visto en la ENAP. El tener egresados en puestos directivos en museos, en servicios educativos de los mismos La enseñanza del arte en talleres en los diferentes museos de la ciudad de México y de manera independiente Pues como decía líneas arriba, considero que la escuela da al estudiante las herramientas necesarias para que a un mediano plazo logre colocarse en un campo laboral relacionado con las artes. Creo que a un nivel más psicologista o psicológico, finalmente la escuela crea en el estudiante la falsa ilusión de crear "artistas" y si, por una parte, y no por otra dado que, insisto, muy pocos terminan produciendo obra y menos aún son los que lo hacen profesionalmente, lo cual se experimenta como frustración. De tal manera que el logro tiene un marcado contraste de luces y sombras, quizá a la larga, conseguir un empleo que le permite al egresado vivir no sea suficiente. Su inserción en el terreno de las profesiones ortodoxas. Anteriormente se les observaba a los egresados de artes visuales como meros artesanos o ejecutores de un oficio, hoy en día se les reconoce no solo su trabajo sino la esencia de este y su contribución importantísima en el desarrollo y creación de una cultura nacional D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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El reconocimiento de su trabajo en ámbito socio-cultural, al estar presentes en galerías, museos y demás sitios culturales. La invitación a muestras ferias de arte, ya sea nacional o internacional. Así como en el ámbito teórico, al reconocer su trabajo y ser invitados a simposios, conferencias o impartir taller o cursos. Considero que los logros más significativos de los egresados son: poder mantener y continuar con sus trabajos, una propuesta y unas trayectorias artísticas, algunas de esas propuestas han sido y son reconocidos en instituciones culturales, oficiales o privadas. El ser considerados como jóvenes creadores y ser acreedores de estímulos de becas, premios y menciones especiales por parte de instituciones dedicadas a la cultura y el arte. En los últimos años los egresados de la licenciatura en Artes Visuales han logrado Integrarse a proyectos interdisciplinarios, como por ejemplo en las áreas de la museografía y curaduría. Que logran desarrollarse dentro de las áreas de su elección, por ejemplo, como productores de arte, investigadores, gestores, curadores, académicos, etc. Son muchos y muy variados pero sobre todo es poder trabajar de manera independiente en alguna área (diseño, fotografía, pintura, escultura, etc.). En la docencia, dirección de museos y galerías. La participación activa en el arte nacional e internacional, pero a cierto nivel. Falta dar el siguiente paso, esto es tener una presencia mundial en el mercado primario del arte, con esto viene lo demás, publicaciones de la crítica internacional y de ahí se desencadena una serie de acontecimientos por sí mismos. Muchos artistas ya son reconocidos tanto en el país como en el extranjero gracias a su obra e imparten clases de artes plásticas en diversas instituciones en todos los niveles de escolaridad y en centros de artes. Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura?

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¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar Su adaptación a las distintas áreas de las artes en competencia, ya que algunos de los egresados desarrollan dos o más actividades, de manera profesional, concernientes al campo de las artes, además de la propia producción artística, como curaduría, museografía, docencia o divulgación cultural, entre otras; Sin haber existido un área de especialización dentro de su formación durante la licenciatura en artes visuales; Así el egresado retoma, a partir de la experiencia en el taller y el conocimiento obtenido a través de las asignaturas teóricas una adecuación de dicho aprendizaje en el campo profesional. Su desarrollo avanzado en la observación y lectura de la imagen en la conformación de una crítica y análisis frente a otras disciplinas, como son la Historia del arte, los Estudios de la Estética, etc. Mi contacto con egresados es limitado, ya que este es el segundo año que trabajo con esta licenciatura. Pero lo que percibo es una gran seguridad en poder abordar cualquier reto que se refiera a la creación de una propuesta plástica, porque se D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. presentan al mercado laboral con la capacidad de manejar un amplio abanico de capacidades.

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Pienso que los Artistas Visuales de hoy son los profesionistas que se incorporan de una nueva forma a la sociedad, más activos, propositivos y abarcando áreas en las que no era muy común encontrarlos. No sé si se pueda hablar en términos tan generales pero en un intento diré que La mayor parte de lo que podríamos llamar la plástica en México, la conforman personajes y propuestas artísticas que se vinculan directamente con la ENAP, desde la Academia de San Carlos hasta ahora. Lo que no alcanza a figurar tanto en las nuevas propuestas del arte contemporáneo y sus medios. Partimos del hecho que somos una comunidad de creadores, investigadores y lo que más predomina son jóvenes artistas visuales, que se posesionan en la industria cultural. En este punto si puedo hablar de manera más general dado que los logros están a la vista de todos, primero en el ámbito profesional creo que la incursión en los distintos campos de los egresados de La ENAP nos habla del logro de trascender la barrera del estudiante egresado al nivel de profesional que vive de su trabajo haciendo uso de su formación y experiencia para desenvolverse en la sociedad como un sujeto activo, los ejemplos se dan en distintos ámbitos como el académico en donde la planta docente de las Universidades que cuentan con un la carrera de Artes Visuales o que demandan de profesionales de las artes visuales para incorporarlos en sus propuestas educativas se encuentra formados por egresados de la ENAP. También en el ámbito de La producción Artística y de los circuitos de Arte se encuentra poblado de Artistas que se formaron en La ENAP. Los logros se dan también en otras áreas como el cine, el teatro etc. Aunque cabe decirlo una buena parte de los egresados se pierde en la búsqueda de subsistencia, atrapado en empleos que nada o muy poco tiene que ver con su formación quedando en el anonimato total y en contraste total con las figuras que ocupan los encabezados de las secciones culturales. Me puedo limitar a mencionar un logro el cual en general tiene que ver con la continuidad de la investigación, no puedo mencionar más logros porque la situación con los egresados de Artes visuales es muy diversa, en ese sentido lamentablemente no puedo asegurar que todos los egresados de la carrera continúan produciendo obra, o que continúan desarrollando el oficio o bien generando ideas y proyectos. En realidad el destino de muchos egresados dentro de esta carrera resulta realmente diverso al igual que las causas de esto, sin embargo si se puede asegurar que por parte de muchos egresados existe el interés o necesidad de la investigación, la prueba de esto es la continuidad que existe del D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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egresado de licenciatura al ingreso de la maestría o posgrado, aunque bien esta acción común por parte del egresado puede ser la respuesta a una necesidad social del presente la cual evidencia que el nivel de licenciatura ya no cubre las mismas necesidades profesionales de antes. Cada vez es menos significativa la presencia de los egresados de Artes Visuales, dado que ha faltado la actualización de contenidos en nuestra escuela. Asimismo la profesionalización de los docentes e incluso la contratación de nuevos docentes son la consecuencia de una falta de proyección de nuestros egresados en el campo profesional contemporáneo.

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V. Objetivo general y perfiles de la licenciatura

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Las actividades contempladas dentro de esta área invitan a los profesores que imparten su cátedra dentro de la licenciatura en Artes Visuales desde su experiencia profesional y contacto que establecen con los alumnos y egresados a participar en las temáticas: • Conocimientos, habilidades y actitudes que promueven y consolidan en los alumnos el alcance de sus logros educativos durante la carrera y al término de la misma. • Objetivo general. • Perfil de Ingreso. • Perfil intermedio. • Perfil de egreso.

5.1 Cuestionario Instrucciones: Con base en la lectura del apartado de las páginas 26-28 del “Fragmento de la Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura”. El objetivo general del plan de estudios de una carrera, se traduce en el logro educativo que se espera alcanzar durante el desarrollo del proceso formativo y al término del mismo, por lo tanto desde tu punto de vista y con base en tu experiencia profesional y docente: ¿Cuál debe ser el Objetivo General del nuevo plan de estudios de la Licenciatura en Artes Visuales? Podríamos dividir en dos parte el objetivo general de la Licenciatura en Artes Visuales . Por una parte formar especialistas capaces de comprender el arte como un fenómeno estético, educador, expresivo y de autoconocimiento del ser humano, a través de las obras y actos que han sido producto de la creación artístico-intelectual. Y por otra, como complemento del reflexionar profundo en el desarrollo de la sensibilidad humana, desarrollando una habilidad psicomotriz a la par de un grado de conceptualización, a través de propuestas artísticas contemporáneas. Con base en la lectura de las páginas 26 y 27 de la Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura es posible el siguiente objetivo general para licenciatura de Artes Visuales: Formar profesionistas y profesionales con una actitud humanista, ética y científica. Creadores visuales que cuenten con herramientas metodológicas y habilidades técnicas para proyectar, expresar y promover proyectos artísticos. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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La propuesta personal de formación interdisciplinaria conjuntativa en áreas de comprensiones aplicadas en asignaturas elegidas por ellos mismos, la salida del estar apartado con formación única, tiene una diferencia de lo apartado que se tiene que derrocar para salir en busca de la vinculación y del cómo se realiza esto, desde su formación en la elección de su perfil constructivo curricular. La formación de profesionales en la producción y el análisis de las artes visuales con capacidad para formalizar diversos discursos artísticos bajo fundamentos teóricos. Egresados competentes con la habilidad para establecer debates que generen de manera objetiva, en torno a las artes visuales, ámbitos para la iniciación y divulgación de las producciones culturales de acuerdo a su momento histórico. - Formar individuos y productores en el campo de las Artes Visuales capacitados para comprender y dominar el lenguaje propio de las artes a través de las herramientas, teórica, prácticas y metodologías para el desarrollo del conocimiento de diferentes disciplinas tradicionales y contemporáneas y en el campo de la investigación del fenómeno plástico que le permitan insertarse en campos de trabajo de la cultura en sintonía con la realidad del entorno contemporáneo. El objetivo de la carrera de Artes visuales, preparar profesionales a manera de líderes de las artes plásticas que respondan al medio cultural a donde se ubican y al declive de las artes plásticas tengan la capacidad de construirlas. Pues nuevamente no me quedó muy clara la pregunta ni siquiera con la ayuda del glosario. Creo que el objetivo debe ser dotar al alumno del conjunto de conocimientos, capacidades y habilidades suficientes para que a un plazo razonable, el alumno pueda insertarse en el campo cultural, una de las críticas que hacía en la fase anterior era que tanto la escuela como los alumnos de artes visuales, creamos y tenemos, según el caso, la falsa ilusión de que egresamos única y exclusivamente artistas visuales y en realidad no es así. Creo que la Escuela debería -o deberíamos, mejor dicho- ampliar el abanico de posibilidades y darnos cuenta de que podemos egresar muchos profesionales relacionados con el campo artístico, sin necesariamente ser artistas visuales. Regresando a la pregunta, sospecho que el objetivo del pasado plan será algo así producir artistas visuales de excelencia, con una visión social, capacidad crítica, etc. y creo que está bien y creo que cumplimos con el objetivo general: egresar profesionales en las A.V. de excelente calidad, sin embargo, creo que faltarían agregar objetivos particulares para que el egresado tenga una gama más amplia de posibilidades para poder insertarse en el campo laboral. La formación de artistas visuales profesionales comprometidos con su producción y responsables con la repercusión que está tendrá dentro de la sociedad. Así como el generar un discurso teórico-práctico bien fundamentado, al manejar los conceptos

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. relacionados directamente con su área de producción.

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- Esta es la gran pregunta cuyo análisis nos debe ocupar en una instancia comunitaria organizada; y a la que NINGUNA VISIÓN DEL GRAN OTRO o resumen o síntesis técnica estadística puede suplir. - Formar artistas y de acuerdo con la guía anexa: promover en los alumnos la construcción de conocimientos y la adquisición de habilidades y destrezas, desde una perspectiva crítica, rigurosa y actualizada, que permita el desarrollo profesional al más alto nivel y que propicie procesos formativos cuya estructura y organización sean flexibles y con enfoques interdisciplinarios o multidisciplinarios. Formar artistas y De acuerdo con la guía anexa: Promueva en los alumnos la construcción de conocimientos y la adquisición de habilidades y destrezas, desde una perspectiva crítica, rigurosa y actualizada, que permita el desarrollo profesional al más alto nivel. Y que, propicie procesos formativos cuya estructura y organización sean flexibles y con enfoques interdisciplinarios o multidisciplinarios. El nuevo plan de estudios debe cumplir con el Objetivo de formar artistas visuales con sólidos conocimiento teóricos, así como habilidades y destrezas prácticas y tecnológicas que los conduzcan a enfrentarse he integrarse no sólo al sector social y cultural, sino también empresarial. Formar profesionales que posean un amplio y sustentado panorama del campo de las Artes Visuales a nivel nacional e internacional, de las diversas esferas de conocimiento que esto implica, tanto teóricas como prácticas. Como productores de arte podrán desarrollarse como generadores de cultura del país, con capacidades reflexivas, críticas y propositivas. También podrán involucrarse en diversas funciones de los aspectos social, cultural, y económico, ya que podrán desarrollar distintas especializaciones, como: Curaduría, Investigación, Docencia, Museografía, Crítica y Gestor cultural. Formar profesionales en AV con la capacidad para abordar, conocer y resolver cualquier proyecto, problema o trabajo relacionado con su campo de desarrollo así como abordarlo de manera creativa, crítica y reflexiva; ajustándose a su tiempo y contexto social. - Formar individuos y productores en el campo de las Artes Visuales capacitados para comprender y dominar el lenguaje propio de las artes a través de las herramientas, teórica, prácticas y metodologías para el desarrollo del conocimiento de diferentes disciplinas tradicionales y contemporáneas que le permitan insertarse en campos de

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. trabajo de la cultura en sintonía con la realidad del entorno contemporáneo.

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Formar mejores estudiantes, para que puedan insertarse en el campo profesional de las Artes. Formar profesionistas capaces de conocer, analizar y evaluar los procesos interpretativos implícitos en la acción del arte, dándoles competencias que los distingan en su campo. Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar El Objetivo General para un nuevo plan de estudios de la Licenciatura en Artes Visuales sin duda debe incluir la formación de los estudiantes en las artes tradicionales, como se ha venido haciendo, además incorporar el uso de las D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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herramientas que ofrecen las nuevas tecnologías, con la finalidad de que al egresar el estudiante tenga la capacidad de intervenir como creador, mediador o interprete de y para la sociedad. Esta combinación de lo tradicional sumado a la tecnología es una fórmula necesaria en la vida cotidiana y debe ser la constante para enriquecer la capacidad de expresión de los universitarios de la ENAP. - Formar individuos y productores en el campo de las Artes Visuales capacitados para comprender y dominar el lenguaje propio de las artes a través de las herramientas, teórica, prácticas y metodologías para el desarrollo del conocimiento de diferentes disciplinas tradicionales y contemporáneas que le permitan insertarse en campos de trabajo de la cultura en sintonía con la realidad del entorno contemporáneo. Formar Profesionales en las Artes Visuales que sean capaces en su área o disciplina de abordar, desarrollar y resolver la problemática y necesidades que se generan en su entorno social. Formar alumnos que investiguen, que reflexionen, que teoricen, que sustenten su quehacer no sólo desde la técnica.

D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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¿Cuáles deben ser los rasgos óptimos para el Perfil de ingreso de la Licenciatura en Artes Visuales, en términos de conocimientos, habilidades, actitudes y valores? Forzosamente debe de haber al igual que las otras escuelas y centros artísticos que la UNAM alberga (ENM,CUT,CUEC) un curso propedéutico y posteriormente presentar un examen de proceso de selección. Eliminar el pase automático. Las escuelas mencionadas no aceptan dicho pase. Por qué la ENAP si? El interesado en ingresar a la ENAP, debe de tener una cierta habilidad psicomotriz desarrollada en el sentido artístico, gusto por la lectura, compromiso con su profesión y su sociedad contemporánea. Tener un profundo sentido de la responsabilidad como ente que generará el futuro visual de su sociedad. De acuerdo con el texto Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura de la páginas 27 y 28. Mi aportación para responder a esta pregunta es la siguiente: Perfil de ingreso: a) capacidad creativa y observación crítica b) interés en la apreciación artística c) destreza para elaborar formas, colores y volúmenes d) conocimientos generales sobre historia y teoría del arte e) curiosidad para investigar f) conocimientos básicos de redacción, ciencias sociales, naturales, matemáticas y humanidades Conocimientos: a) conocimientos sobre los procesos teóricos de la creación artística, de la comunicación, de la imagen y de su producción analógica y digital b) formación conceptual de técnicas y oficios en su dimensión tradicional y contemporánea c) formación en conceptos históricos y filosóficos d) formación del manejo de herramientas digitales como recurso expresivo para la creación visual Habilidades: a) comprensión y estudio del arte b) razonamiento verbal

D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. c) interés por la lectura d) manejo básico de procesador de textos Actitudes: Textos proporcionados por la División de Estudios Profesionales y la Secretaría Académica, ENAP

a) capacidad de autocrítica y reflexiva b) vinculación con proyectos colectivos c) búsqueda creativa de la experimentación e innovación d) apertura para interrelacionarse con otras disciplinas e) apreciación para los asuntos estéticos y de sensibilidad artística Valores: a) tenacidad b) responsabilidad c) respeto y confianza en sí mismo d) puntualidad e) valores éticos que se reflejen en el aula y durante la formación f) capacidad de autocrítica y compromiso social Los conocimientos son los intereses del alumno, la habilidad la que se desarrolla con la práctica, la actitud es donde el hincapié es importante porque sin eso desaparece todo, y el valor tiene que ser en su seguridad participativa del cómo ser único entre tantos. No delineamos mentes para que obtengan lo mejor, ayudamos a definir mentes para ser únicos y estas son prioridades creativas para el servicio de todos y no de ellos mismos, así funcionan mejor, ahí encuentran su justificación y su alimento espiritual en el placer y el bien que otorgan con su creación, independientemente si fue buena o mala fue útil, para ellos porque ya no les estorba para pensar la expulsaron y para nosotros porque nos dejaron ver un nuevo orden que no emergió de la nada sin fundamento del todo. b) Tener conocimientos previos sobre el panorama general de las producciones culturales. c) Mostrar habilidad para la formulación técnico-formal de producciones visuales. d) Inclinación para generar objetos a partir de la producción plástica. e) Demostrar capacidad reflexiva y crítica para elaborar análisis y reflexiones sobre las producciones culturales. f) Probar aptitud y disposición para la investigación interdisiplinaria y transdiciplinaria. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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- Tenemos un perfil de ingreso institucional esto es admisión de alumnos por pase automático y por ingreso por examen, lo que hace los perfiles con los contamos no sean siempre los idóneos pero el reto es precisamente este involucrar a esta población en el campo de las Artes Visuales - Por otro lado el perfil idóneo sería que tuviera gusto por la visita a espacios y actividades culturales, habilidades en el dibujo, desarrollo previos en algunas de las ramas de las artes, capacidad y curiosidad para la investigación, actitud propositiva, de observación y conocimiento del campo y el quehacer del artista visual. El perfil de ingreso debe de ser repuesta natural de las condiciones institucionales que vinculan lo cultural con lo social en la cual se encuentra inmerso el estudiante. Pues considero que si en términos de un perfil de ingreso la escuela fuera medianamente rígida, quedaría prácticamente vacía y no creo que sea que eso sea la intención de nadie. Sabemos muy bien de las deficiencias e inconsistencias del sistema medio superior de la educación en México, tanto en sistemas particulares como públicos. No creo que sean pésimos sistemas o pésimos alumnos, pero nos queda claro que la educación artística en nuestro país siempre queda relegada, que no se le da la debida importancia y que debido a ésta es que los alumnos que ingresan a nuestra escuela sean tan variopintos en cuanto a los conocimientos, habilidades, actitudes y valores. Ahora bien, creo que la escuela sí debería aplicar un examen de "aptitudes" para el ingreso, que sirva de filtro, sin embargo, creo que éste examen tendría que ser muy concienzudo para que evalúe más que nada la actitud, creo que ésta última es la determinante para que un alumno con serios huecos en cuanto a conocimientos o a habilidades se refiere, puede remontar todas esas deficiencias. Interés en al ámbito de las artes visuales Conocimiento básico de los conceptos arte, creatividad, imaginación, dibujo, academia, nuevas disciplinas Haber cursado en nivel bachillerato algún taller a fin con las artes visuales Estar abierto a desarrollar su creatividad y romper sus propios límites - En cuanto al "Perfil de Ingreso" la pregunta tiene poco sentido, de no ser que pudiéramos participar en la determinación de la formación educativa de los estudiantes de bachillerato. - El aspirante a ingresar a la licenciatura en Artes Visuales debe tener una inclinación hacia el campo humanista que comprenda una formación básica teórica y práctica de las diversas áreas de las artes visuales. El aspirante a Ingresar a la Licenciatura en Artes Visuales, debe de tener una D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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inclinación hacía el campo humanista que comprenda una formación básica teórica y práctica de las diversas áreas de las artes visuales. Los rasgos óptimos para el Perfil de ingreso deben partir hacia una actitud de conciencia y ética por parte del aspirante en aceptar ingresar a una licenciatura donde deberá poner en práctica no sólo habilidades, destrezas, dominio de técnicas, materiales y tecnología, sino también valorar el conocimiento teórico que servirá para fundamentar su propuesta visual. Al ingresar a la Licenciatura en Artes Visuales el alumno deberá poseer conocimientos acerca del arte, en mayor medida de las Artes Visuales, de historia y actualidad. También deberá demostrar creatividad y habilidades de expresión, en varias de las diversas disciplinas de las artes visuales, así como sus capacidades de análisis y crítica. Que el alumno haya cursado talleres y/o materias relacionadas con las artes visuales durante el bachillerato, que cuente con conocimientos de historia y filosofía del arte, tenga conocimientos básicos de dibujo, pintura y modelado, que será sensible a los acontecimientos políticos, sociales, económicos y culturales de su entorno, que sepa emplear los nuevos medios (ordenador, video, etc.) para su desarrollo artístico. Conocimientos: Nociones básicas de filosofía e historia del arte. Habilidades: Se van cultivando, que quieran crear productos artísticos. Actitudes: Terminar la licenciatura titulados, y dedicarse a lo que estudiaron. Valores: Es difícil, pero creo, querer ser buenas personas y hacer las cosas cada vez mejor, en lo físico, lo mental, lo emocional y en lo espiritual. Deben de tener conocimiento, e interés por las artes plásticas, la imagen, la historia del arte en general; eso a la larga ayuda mucho. Habilidades para el dibujo, a pesar de que no todos vayan al área de dibujo si es importante tener habilidades manuales, esto por el uso de las técnicas y demás. Ser muy observadores. En actitudes y valores deben de estar dispuestos a resolver problemas, esa creó que es parte esencial para esta carrera, ser comprometidos con todo lo que realicen y tener autocrítica y tolerancia para aceptar las críticas y consejos. Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes:

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¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar EL Perfil de ingreso de la Licenciatura en Artes Visuales debe ser algo más que el cursar el área correspondiente en el bachillerato, considero necesario establecer algún mecanismo tipo un curso propedéutico, o bien a quienes señalen su interés en la carrera antes de egresar del bachillerato ofrecerles más información y darles a conocer el perfil del estudiante con el fin de que quienes ingresen tengan presentes los conocimientos y habilidades indispensables para cursar con un mejor aprovechamiento la licenciatura, así como las actitudes y valores deseables a fin de que su desarrollo y formación sean compatibles con la actividad profesional de un Arista Visual. Los rasgos óptimos para el perfil de ingreso de la licenciatura en Artes Visuales que deben tener los aspirantes son los siguientes: Tener los conocimientos necesarios que le permitan analizar e integrar los conocimientos generales con que cuenta un alumno egresado del bachillerato a los datos y conceptos propios de las artes visuales. Contar con las habilidades mínimas relacionadas con este campo, que le permitan enfrentarse al aprendizaje y perfeccionamiento de nuevas habilidades en vías de desarrollar un lenguaje propio de las artes visuales. Contar con las actitudes y valores que le permitan abordar de manera crítica y reflexiva las necesidades que D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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le demande la sociedad. El aspirante a ingresar a la licenciatura deberá ser un individuo que guste de la lectura, de la investigación, de la historia del arte y de todo lo relativo a las imágenes, a la visualidad, llámese artes cinematográficas, artes plásticas, artes visuales.

¿Cuáles deben ser los conocimientos, habilidades, actitudes y valores del Perfil intermedio de los alumnos de la Licenciatura en Artes Visuales? D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. En este nivel debe de tener un proyecto artístico forjado a través de las materias cursadas. Su proyecto debe de ser versátil e intégrala que abarque lo teórico y lo práctico.

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Haber desarrollado un gusto por el debate, la discusión y la crítica fundamentada Gusto por el trabajo grupal Con base en el texto Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura de la páginas 27 y 28. Mi aportación para responder a esta pregunta es la siguiente: Perfil intermedio: Conocimientos: a) conocimientos sólidos de acuerdo con su vocación b) conocimientos básicos de diseño c) historia y teoría del arte vinculadas a la creación artística c) conocimientos sobre los procesos teóricos de la creación artística, de la comunicación, de la imagen y de su producción analógica y digital d) conocimientos sobre tecnologías avanzadas e) proyectos culturales y artísticos que puedan convertirse en producto de interés social Habilidades: a) analizar las bases metodológicas, características, desarrollo y evolución de las artes visuales b) conocer los talleres de experimentación plástica y visual c) conocer los talleres de especialización en materiales y técnicas artísticas, así como la realización de proyectos y obras artísticas visuales d) ser crítico y reflexivo sobre los problemas vinculados con el arte e) resolver los retos que plantea el quehacer del artista visual f) enfoque mercantil para los proyectos y obras artísticos Actitudes: a) actualización permanente b) búsqueda de la creatividad y la excelencia c) compromiso con la sociedad y el ambiente D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. d) carácter emprendedor e innovador e) proponer proyectos individuales y colectivos f) impulsar la promoción gestión de proyectos artísticos Textos proporcionados por la División de Estudios Profesionales y la Secretaría Académica, ENAP

g) apertura para trabajar con otras disciplinas Valores: a) Valores: a) respeto b) disciplina c) tolerancia d) confianza en sí mismo e) adaptarse a los cambios f) sensibilidad artística g) actitud reflexiva y crítica h) responsabilidad i) disposición para el trabajo en equipo los conocimientos se comprobaran ante el uso del conocimiento , las habilidades tomaran su grado de virtud, la actitud se refinara a la responsabilidad compartida de ellos con nosotros ,ellos son los que darán la cara y nosotros solo seremos consejeros así que se invertirán los valores de responsabilidad y la exigencia subirá por parte de los alumnos a los maestros , y el valor se acrisolara en la exigencia del resultado porque emergerán los errores de la experiencia y la convivencia como profesionales. a) Haber seleccionado una línea de producción técnico-formal dentro del espectro de los lenguajes de las artes visuales. b) Haber alcanzado los conocimientos básicos sobre los contextos históricos, sociales, políticos y económicos del cual emergen las diversas tendencias, temas y contenidos que dan pauta al desarrollo de líneas de producción en las artes visuales. c) Poder cimentar sólidamente las bases para proyectos de investigación individual y conjunta, en términos interdisciplinarios. - Conocimientos básicos y desarrollo del dibujo como columna vertebral, teoría , organización, estructuración de forma, aplicación de materiales, uso de herramientas y utensilios en el área de los talleres, desarrollo primario de D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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elaboración e investigación para proyectos. Actitud comprometida con su desarrollo académico y profesional que fomente el trabajo de equipo que valore la aportación personal. El perfil intermedio del estudiante de las artes visuales y plásticas debe de responder en su integridad al proceso formativo que se indica en la curricula del plan estudios vigente o futuro. Pues creo que una seria enumeración y breve comentario de cada uno de los conocimientos, habilidades, actitudes y valores del perfil intermedio sería algo muy extenso y no creo que éste sea el lugar para desarrollar algo así, de manera que seré muy breve en mi comentario: lo fundamental en el perfil intermedio es que el alumno esté plenamente consciente de lo que son las artes visuales EN EL CAMPO PROFESIONAL, no tanto en la escuela. Que sepa plenamente en qué se está metiendo y que evalúe si REALMENTE esto es lo que quiere. Si sus conocimientos, habilidades, actitudes y valores le "alcanzan" para dedicarse a la profesión. Seguir manifestando un interés por las artes visuales (se q parece obvio, pero desafortunadamente no siempre lo es) Tener una concepción fundamentada de arte, creatividad, imaginación, dibujo, academia, nuevas disciplinas Manejar con cierta facilidad las herramientas, materiales y conceptos implicados en la creación de piezas visuales (cual sea el área-taller en el decidieron producir) así como en el respaldo teórico que lo sustenta. - La pregunta solo se podría responder en relación con la estructura curricular y los contenidos programáticos del plan de estudio una vez que estos hayan sido acordados; de cualquier otra manera no es posible una respuesta. - Fortalecer un nivel de comprensión conceptual y práctico que le ayude a definir del área o disciplinas artísticas que le servirán como medio de expresión. El aspirante a Ingresar a la Licenciatura en Artes Visuales, debe de tener una inclinación hacía el campo humanista que comprenda una formación básica teórica y práctica de las diversas áreas de las artes visuales. Deberá adquirir los conocimientos y habilidades básicas, como por ejemplo el dominio del dibujo y anatomía artística que le servirá para apoyar su preparación, así como valorar la elección de taller o área de elección: escultura, pintura, grabado; etc. Al cursar el alumno la Licenciatura en Artes Visuales deberá poseer mayores D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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conocimientos acerca de las Artes Visuales. También deberá demostrar creatividad y habilidades de expresión, en el sustento conceptual de sus proyectos, el dominio de la o las técnicas necesarias para sus propios intereses, así como demostrar sus capacidades de análisis y crítica. Que el alumno muestre la capacidad para el aprendizaje de las artes a partir de una valoración del momento en que ingreso y hasta la mitad de la carrera. Que en este momento haya logrado identificar una probable línea de investigación en alguna área, que las habilidades obtenidas hasta este momento le permitan desarrollarse de manera paralela al resto. - Conocimientos básicos firmes del dibujo como columna vertebral, teoría , organización, estructuración de forma, aplicación de materiales, uso de herramientas y utensilios en el área de los talleres, desarrollo primario de elaboración e investigación para proyectos. Actitud comprometida con su desarrollo académico y profesional que fomente el trabajo de equipo que valore la aportación personal. Conocimientos: Estar en una constante búsqueda e investigación personal. Actualizarse y leer – ver mucho, lo más que se pueda. Habilidades: Desarrollar las capacidades adquiridas en su disciplina (s). Actitudes: Ejercer su profesión. Valores: Querer ser buenas personas y hacer las cosas cada vez mejor, en lo físico, lo mental, lo emocional y en lo espiritual. Tener una participación activa con la sociedad. Aquí los antes mencionados ya deben de ser más enfocados, más específicos, porque es en esta parte donde te das cuenta si la carrera es realmente lo que pensabas, lo que te interesa hacer por el resto de tu vida; igualmente es donde empiezas a darte cuenta que especialidad es la que te llama más, y dependiendo de esto deben de reconocer las habilidades y conocimientos. Uno mismo va buscando si les llama más las técnicas de representación, de fotografía... igualmente las habilidades sobre todo para especialidades determinadas como son pintura, escultura... La actitud siempre debe de ser de compromiso, es una carrera realmente difícil y creo que sin compromiso es muy difícil sacarla adelante. Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes:

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¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar Los conocimientos y habilidades del perfil intermedio del estudiante de Artes Visuales deben comprender el conocimiento del manejo tradicional de los talleres que haya elegido, a la par de las herramientas digitales para elegir el método de producción adecuado a los requerimientos de su producción y que esté a la altura de la comunidad en la que se presentará. Las actitudes y valores deberán ser las de un estudiante de la UNAM, consciente de su papel crítico, propositivo y como motor de cambios sociales con una clara y definida ética profesional. - Conocimientos básicos de: desarrollo del dibujo como columna vertebral, teoría , organización, estructuración de forma, aplicación de materiales, uso de herramientas y utensilios en el área de los talleres, desarrollo primario de elaboración e investigación para proyectos. Actitud comprometida con su desarrollo académico y profesional que fomente el trabajo de equipo que valore la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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aportación personal. El alumno en una etapa de formación intermedia debe tener los conocimientos necesarios que le permitan ir orientando su formación en la búsqueda de un lenguaje que incorpore cuestiones formales, conceptuales y técnicas, los conocimientos adquiridos en esta etapa deben llevar al alumno a formar criterios reflexivos sobre sí mismo y su papel en la sociedad que le permitan ir desarrollando propuestas que incorporen lenguajes y códigos establecidos en busca de sus propios códigos. El alumno en esta etapa debe ser capaz de identificar cuáles son sus habilidades más desarrolladas y orientar su formación práctica al perfeccionamiento o aprendizaje de más o nuevas habilidades de acuerdo a sus necesidades. La actitud del alumno en esta etapa de formación debe ser de análisis crítico y de capacidad de reflexión que le permita incorporar todas las cuestiones encaminadas a desarrollar su proceso personal de formación como artista visual integrando para ellos los valores que sustenten su práctica profesional. Para la etapa intermedia habrá desarrollado una capacidad de análisis, de reflexión de teorización que le permita a través de los distintos lenguajes artísticos articular un discurso mínimo para poder sentar las bases de lo que su obra será en el futuro.

¿Cuáles deben ser los conocimientos, habilidades, actitudes y valores del Perfil de egreso del plan de estudios de la Licenciatura en Artes Visuales? Dominio del fenómeno artístico, Habilidad analítica. Desarrollo de liderazgo en el campo artístico, habilidad y gusto por la investigación. Destreza y vocación por el D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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área de la docencia artística. Habilidades analíticas necesarias para discernir el valor de una obra y los paradigmas estéticos que intervienen en su explicación. Capacidad para difundir el estudio del arte. De acuerdo con el texto Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura de la páginas 27 y 28. Mi aportación para responder a esta pregunta es la siguiente: Perfil de egreso Conocimientos: a) manejo de conocimientos teóricos y tecnológicos para realizar propuestas b) conocimiento en los procesos materiales y técnicos del área de pintura, escultura, estampa, fotografía y diseño escenográfico c) conocer la aplicación de conceptos teóricos para la elaboración de propuestas individuales y colectivas, con la finalidad de gestionar proyectos en la producción de obra c) conceptos estéticos y semióticos aplicables a la comprensión del significado artístico de una obra Habilidades: a) promover y gestionar proyectos y obras artísticos b) fomentar la crítica y la reflexión c) manejar herramientas y procedimientos técnicos y artísticos d) capacidad para trabajar en equipo y vincularse con otras disciplinas e) capacidad para comunicarse oral, verbal y visualmente f) integrar un portafolio que proporcione información sobre la trayectoria del egresado g) manejo oral y escrito de la lengua materna y del inglés como segundo idioma Actitudes: a) capacidad para reflexionar y analizar crítica y éticamente su entorno social, natural, económico, político, ideológico y cultural b) identificar los escenarios y las instituciones públicas y privadas del acontecer cultural y artístico de nuestro país para gestaron la finalidad de emprender nuevos proyectos de gestión cultural c) capacidad para trabajar en proyectos artísticos colectivos

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. d) facilidad para analizar y generar procesos creativos e) disposición para la investigación Valores: Textos proporcionados por la División de Estudios Profesionales y la Secretaría Académica, ENAP

a) respeto b) disciplina c) tolerancia d) confianza en sí mismo e) adaptarse a los cambios f) sensibilidad artística g) actitud reflexiva y crítica h) responsabilidad i) disposición para el trabajo en equipo j) solidaridad Conocimiento ya le funciono porque lo comprobó en el intermedio , la habilidad la detecto en su verdadera dimensión ya no es subjetiva, su actitud cambio ya es basado en la experiencia inicial intermedia de la responsabilidad compartida con la investigación de campo y con el método científico, su valor ya no es utópico sabe cómo hacer y hacerlo a) Profesionales capacitados para establecer vínculos con otros campos del conocimiento para trabajar de forma transdisciplinaria. b)Egresados que puedan identificar, en base a la propia necesidad de expresión, las áreas de oportunidad en el terreno social en las que podría incorporar sus propuestas, etc. - Formación sólida e integral para su desarrollo en todos de los campos de las Artes Visuales de acuerdo a los puntos anteriores que le permita proponer y evaluar proyectos en relación a su campo profesional y le permitan su inserción en el ámbito laboral. -Manejo de un idioma y conocimiento y reconocimiento del fenómeno plástico a nivel global y local. El perfil de egreso debe de contemplar la dialéctica entre los contenidos de la licenciatura y las necesidades artísticas que requiere el medio cultural en la que se ubican.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Pues lo mismo que en la respuesta anterior, sería muy amplio mencionar todos los conjuntos, pero una ideas: Una aguzada capacidad crítica y analítica del campo de la producción artística, sobre todo contemporánea pero no exclusivamente. Habilidades no únicamente en la producción sino también en relaciones públicas como para poder tratar a los "decididores" -en palabras de Lyotard- del arte. Una actitud de arrojo y perseverancia para que no se deje derrotar frente a las dificultades. Que el alumno manifieste un dominio fundamentado en el manejo de conceptos como arte, creatividad, imaginación, dibujo, academia, nuevas disciplinas, más los que se involucren directamente con su producción. Que el alumno muestre calidad en su producción al conocer y manejar las diversas herramientas para la producción de su obra. Que el alumno sustente sin mayor complicación su discurso práctico-teórico. Que el alumno sea un profesional de las artes visuales y sea comprometido con su producción. Que al alumno busque el crecimiento personal y profesional en el desarrollo de su producción. - Igual que la anterior esta pregunta supone el acuerdo fundacional de la comunidad sobre el deber ser del arte y del artista; al no haberse dado este análisis y no existir el acuerdo solo podríamos emitir meras opiniones. - Debe egresar con los conocimientos de la historia y teoría del arte sólidos, habilidades: formación sólida de taller; actitudes; constante estudio y desarrollos de propuestas creativas. Y valores. La propuesta artística como un campo de conocimiento y desarrollo cultural, con la finalidad de enriquecer e insertarse, en los diversos espacios culturales que existen en México y en el ámbito global. Debe de egresar con los conocimientos de la historia y teoría del arte sólidos, habilidades: formación sólida de taller; actitudes; constante estudio y desarrollos de propuestas creativas Y valores, la propuesta artística como un campo de conocimiento y desarrollo cultural, con la finalidad de enriquecer e insertarse, en los diversos espacios culturales que existen en México y en ámbito global. El egresado debe contar con los conocimientos teóricos necesarios con los que logre fundamentar un proyecto que se concrete en el dominio de habilidades y actitudes éticas que lo conducirán a desarrollarse profesionalmente ya sea en el ejercicio individual o interdisciplinario.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Al egresar el alumno la Licenciatura en Artes Visuales deberá poseer un amplio y sustentado panorama del campo de las Artes Visuales a nivel nacional e internacional, de todas las diversas esferas de conocimiento que esto implica, tanto teóricas como prácticas. Como productores de arte podrán desarrollarse como generadores de cultura del país, con capacidades reflexivas, críticas y propositivas. También podrán involucrarse en diversas funciones de los aspectos social, cultural, y económico, ya que podrán desarrollar distintas especializaciones, como: Curaduría, Investigación, Docencia, Museografía, Crítica y Gestor cultural. Aunque durante muchos años la carrera con su cumulo de materias pretendió crear profesionales en toda el área de las artes visuales la cual era de por si muy extensa. Actualmente y gracias a los nuevos medios se vuelve mucho más extensa y compleja, pero creo que los conocimientos generales de arte como lo es la historia, filosofía y teoría del arte, materias como educación visual, laboratorios y talleres deben de permitir al egresado ser más reflexivo, crítico y sensible ante la sociedad, las habilidades que obtienen en los talleres como dibujo, pintura y modelado le permitirán competir ante un eventual trabajo o proyecto a realizar. - Formación sólida e integral para su desarrollo en todos de los campos de las Artes Visuales de acuerdo a los puntos anteriores que le permita proponer y evaluar proyectos en relación a su campo profesional y le permitan su inserción en el ámbito laboral. Conocimientos: Comprender o al menos vislumbrar con amplio criterio lo que es el Arte. Habilidades: Conocer sus materiales y herramientas. Actitudes: Ser un profesional de las Artes Visuales. Valores: Ser mejores personas, y hacer las cosas cada vez mejor, en lo físico, lo mental, lo emocional y en lo espiritual. Tener una participación activa con la sociedad. Creo que en general la escuela te da los conocimientos suficientes para poder entrar al campo laboral, considero que lo que hace falta es darle confianza a los alumnos, el que crean que realmente saben y pueden hacer las cosas, que su trabajo vale. En la escuela (en la UNAM en general) afortunadamente te contagias de actitud de querer sacar el trabajo, de buscar soluciones, pero y hago incapié en esto si falta darles confianza. Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: Textos proporcionados por la División de Estudios Profesionales y la Secretaría Académica, ENAP

¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar El perfil de egreso del Licenciado en Artes Visuales debe estar respaldado por los conocimientos teóricos y prácticos que le permitan el manejo adecuado de las técnicas y tecnologías en área de su especialidad. Así le será posible incorporarse al mercado laboral en diversas áreas, tanto en el sector público como privado, ya que las habilidades obtenidas a lo largo de su formación escolar le darán la posibilidad de cubrir los perfiles requeridos en ambos sectores o bien iniciar su actividad profesional de manera individual e independiente. El perfil de egreso en lo referente a actitudes y valores deberá ser de un profesionista universitario con altos valores éticos y sociales, que lo lleven a desarrollarse sin olvidarse de su compromiso de colaborar con el bienestar social. Tal vez un tanto idealista la propuesta pero al fin y al cabo es eso, una propuesta, mi punto de vista y como veo idealmente a los estudiantes de la ENAP. Gracias.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. El perfil de egresado del plan de estudios de la Licenciatura en Artes visuales debe ser el de un individuo con los conocimientos necesarios que le permitan enfrentarse a la problemática de su tiempo de forma crítica y reflexiva de tal forma que responda a las necesidades de la sociedad siendo congruente con sus principios y valores. El egresado deberá de contar además de los conocimientos con las habilidades necesarias propias de su orientación para resolver la problemática, y necesidades que le plante la sociedad de su tiempo siendo congruente con sus principios y valores lo cual le permitirá incidir con su quehacer artístico en la dinámica social como un agente activo. Generar una obra cerrada en el concepto que se transmite. Una obra que sustentada en una determinada forma pueda transmitir un mensaje, una idea, un concepto. Además deberá conocer los diversos lenguajes de las artes para poder transmitir lo referido anteriormente

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5.2 Foro

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Instrucciones: Discute a cerca de la siguiente cuestión: ¿Cuáles conocimientos, habilidades y actitudes habría que promover y consolidar en los alumnos para alcanzar el logro educativo de un objetivo general durante la carrera y al término de la misma?

Re: Foro: Objetivo general y perfiles de la licenciatura de Elva Hernández Gil - miércoles, 11 de mayo de 2011, 07:59

Los conocimientos, habilidades y actitudes que habría que promover y consolidar en los alumnos para alcanzar el logro educativo de un objetivo general durante la carrera y al término de la misma serian desglosados en estos mismos términos. Reflexiones y planeación el concepto intrínseco de la vanguardia que solo se piensa como todo lo actual. Lo principal es que por ser nuevo no se sabe comprender para aprovecharlo no solo es detectarlo. Es revisar su actual síntesis, que si bien no partió de la generación espontánea del no origen, si propone una lectura distinta y más unida al todo, que referencia. Vanguardia a lo existente con un cambio de visión ya no solo es proponer, ahora es mantener un servicio útil de creación, además de estético e individual sino comunal con otros profesionistas que distinguen nuestro sitio en sus vidas al igual que nosotros en otras áreas y a su vez de otras áreas hagamos a un lado la egolatría del creador único e insustituible, la musa ya es colectiva. Aportaciones con fundamentos dejo de ser estética, formal y egoísta, ahora es al servicio y con reglas compartidas, dejar de apartarse por sentirse excluyente del mundo, somos del todo no del aparte que nos califica como excéntricos por inadaptados. Naturaleza de la profesión colectiva vinculación con todo lo existente, mientras pueda coincidir en algún punto de transformación de avance, aunque existan diferentes objetivos por las posiciones en la creación, somos mentes universales colectivas y creadoras cuando nos conjuntamos para trabajar verdaderamente Necesidades homologas a otros profesionistas creativas soluciones firmes cognoscitivas del subsistir a la nueva condición conceptual de la vida, que no separa lo estético de la libertad aplicada de manera conceptual diferente, la libertad dejo de ser individual ahora es comunal y de todos compartida así como vivida por cada uno

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en su propio devenir para la supervivencia a la sobrevivencia

Re: Foro: Objetivo general y perfiles de la licenciatura de Colegio de Escultura - domingo, 3 de julio de 2011, 18:17

Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrolló a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: • el campo disciplinar • el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente • la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional

Para con ello procurar la: • caracterización del campo profesional

De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, asi como las limitaciones

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de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se

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separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar.

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VII. Convocatoria a Ensayo Las actividades contempladas dentro de esta área invitan a los profesores que imparten su cátedra dentro de la licenciatura en Artes Visuales desde su experiencia profesional y contacto que establecen con los alumnos y egresados a participar en la temática “Las artes visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI.”

6.1 Foro Instrucciones: Discute a cerca de la siguiente cuestión: ¿Cuáles son las verdaderas oportunidades de desarrollo de las artes visuales y de sus profesionales en los contextos social, económico y cultural en el presente siglo XXI?

Re: Foro: Convocatoria para el desarrollo de tema de Colegio de Escultura - domingo, 3 de julio de 2011, 18:20

Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrollo a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •el campo disciplinar •el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente •la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo

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profesional

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Para con ello procurar la: •caracterización del campo profesional

De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, asi como las limitaciones de esto y asuntos fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campo metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el

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medio de trascendencia (implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional, de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar.

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6.2 Ensayo Instrucciones: INVITACIÓN ABIERTA A LA COMUNIDAD ACADÉMICA ENAP: Participa con tus aportaciones en el desarrollo del tema: “Las artes visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI.” (Con un documento de Máximo tres cuartillas):

Manuel Gerardo Alonso Ulloa Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI El desarrollo tecnológico e industrial del siglo XX sin duda fue un factor sustancial que impactó en todas las áreas de la sociedad, transformando en distintos niveles las formas de relacionarnos con el mundo. La velocidad en los modos de producción y comunicación, en ocasiones no permiten al artista tomar el tiempo necesario para reflexionar sobre los recursos económicos, científicos, tecnológicos, la curaduría, el montaje, la difusión de su propia obra y la relación que mantiene con otros artistas. Es indudable, además, que estos aspectos siempre han estado vinculados a contextos geográficos, sociales, políticos, económicos y tecnológicos, sin embargo el actual acceso a la información ha permitido establecer conexiones y conocer el trabajo de artistas en diversas partes del mundo motivando el interés de los estudiantes por experimentar la creación en los llamados nuevos medios, término que se refiere al uso de herramientas y

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Con este panomarama es importante reflexionar sobre las posibilidades de llevar a cabo este tipo de proyectos en países que como México nos encontramos rezagados en cuanto a una cultura de la programación digital con comunidades artístico independientes dedicadas a la experimentación; esta situación nos coloca en desventaja para participar en festivales y obtener apoyos que dan impulso a la creación inter, multi y trans disciplinaria. Es importante que el nuevo plan de estudios considere romper las fronteras disciplinarias en la educación artística para conseguir una adaptación al cambio desde una visión local que permita argumentar proyectos realizables y satisfactorios para una comunidad en formación. Uno de los protagonistas del arte es el museo, por eso es importante definir el papel que juegan en la sociedad actual. Para nadie es extraño el hecho de que hoy en día, los nuevos medios tienen un gran efecto en museos y exposiciones, esto afecta a la sociedad y su percepción del espacio donde se muestra cualquier exposición, pero en particular, las de arte contemporáneo. La globalización ha sido el eje rector en esta última década en la que los espacios museísticos rompen sus estrategias tradicionales para captar a un público mucho mas consciente y ávido de conocimiento pero que también encuentra en la obra un espacio fugaz de reflexión lejos del ajetreo cotidiano. Contenedor y continente deben entablar una relación íntima para que un tercero, el público, pueda sentirse incluido en un diálogo protagonizado por el espacio, el artista y la pieza. Estamos comenzando la segunda década de un milenio; época en que el museógrafo busca traspasar el papel tradicional de montar cuadros y realizar cuestiones meramente técnicas para explorar un papel mucho mas activo en la exposición. Se vuelve cómplice del artista para ayudarlo en su objetivo de dar a conocer una propuesta al visitante que cruza

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte 25 de agosto de 2011. el umbral del museo, curioso, expectante y deseoso de toparse con un objeto que lo sorprenda y lo haga salir de su rutina diaria.

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Coincido con la maestra Ofelia Martínez, profesora de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, cuando escribe en el catálogo de la exposición 20 años de FONCA, 2009:

Me gusta pensar en el trabajo de un productor de exposiciones como el trabajo realizado por un artista. Desde mi perspectiva es indispensable que exista conciencia en el creador de exposiciones, que al producir una muestra se está realizando una propuesta artística-creativa e interdisciplinaria; que está realizando un metalenguaje en el sentido de que toma un discurso primigenio: el del artista y el del curador, y lo transforma para que el visitante construya su última significación. Juego tautológico-creativo-interminable, que a manera de cadáver exquisito construimos entre todos. Desde mi formación como diseñador y productor de exposiciones, me imagino un artista que pueda intercambiar el papel con un museógrafo para ponerse también, en el papel del visitante y definir de manera acertada tanto cuestiones conceptuales como técnicas y estéticas en el todo que conforma la exposición. Propongo promover la investigación entre la relación científica, artística y las humanidades con la revisión de necesidades y posibilidades de acceso a equipo a los profesionales, el intercambio de ideas, el diálogo y la discusión en una línea tanto vertical como horizontal y así poder lograr que la ENAP, alumnos, académicos y profesionales busquemos la mejor manera para que los artistas de la UNAM encuentren un nicho como productores de arte en la escena productiva de la sociedad contemporánea mexicana.

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Mtro. A.V. Noé Martín Sánchez Ventura Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Agosto, 2011

Las Artes Visuales y El Diseño y la Comunicación Visual en el Contexto Cultural del siglo XXI De inicio quisiera aclarar mi decisión de juntar en un solo comentario, el problema del Arte y la Comunicación Visual. En este momento de mi vida soy profesor en ambas disciplinas; en una, la comunicación, a nivel licenciatura y en el arte a nivel maestría, además de haber practicado ambas a lo largo de mi trayectoria. Esta experiencia me ha permitido apreciar que, tomando en cuenta que ambas disciplinas están por su nombre de origen orientadas a "lo visual", ambas comparten –en en términos muy generales- los mismos conflictos. En este punto se presenta como necesario anotar que tengo claro que el Arte y la Comunicación Visuales como las entendemos y se han enseñado desde hace mucho tiempo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas no se reduce como su nombre pareciera indicarlo, a la enseñanza de disciplinas o aspectos "puramente visuales"; sabemos bien que desde hace mucho tiempo el arte extendió sus intereses a aspectos más allá de la pura forma visual, por ejemplo, el arte ha privilegiado su desenvolvimiento conceptual desde mediados del siglo XX.,

y por su parte la comunicación se transformo en comunicación audiovisual y

posteriormente multimedia. Transformaciones todas ellas que se han sabido insertar en los planes de estudio de las carreras que imparte la ENAP., no sólo como respuesta automática al hecho de que tales transformaciones se han realizado en o desde el seno de tales campos, sino también en función de la comprensión de las diversas instancias que tienen que ver con la formulación de planes de estudio, de que tales cambios son el futuro del Arte y la Comunicación.

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Paradójicamente el desarrollo que en un siglo experimentaron el Arte y la Comunicación visuales nos han conducido a una especie de “debilitamiento” de eso que parece ser el

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fundamento, no sólo de las carreras que se imparten en nuestra escuela, sino de la cultura misma como la hemos asumido por lo menos desde que inicio el pasado siglo; el debilitamiento del predominio de la cultura de la imagen y más específicamente, de la imagen visual. Como lo sabemos bien, todo gran cambio cultural, es producto de diversos factores, pero quizá podamos adelantarnos en nuestra argumentación, mencionando los que a primera vista nos parecen los más importantes: 1o. La sobresaturación (banalización) de información visual. 2o. El paso de formas de comunicación fundamentalmente visuales hacia formas multisensoriales, formas de producción imaginal-formal diferentes a las visuales y 3o. y más importante, el desplazamiento en la cultura del interés por la imagen hacia la programación (elaboración de textos técnicos). Quisiera dedicar el desarrollo de este comentario, justo a la argumentación de este último factor. La Sociedad de la Imagen. Desde la aparición de la Fotografía en la primera mitad del siglo XIX., el hombre de la cultura occidental comenzó a presentir que con la inserción de ese nuevo medio técnico de creación de imágenes se avecinaba un cambio importante; evidentemente los primeros en percibir los primeros síntomas de este cambio fueron los miembros de la sociedad que estaban implicados en los diferentes campos de la producción de imágenes, artistas, artesanos, gente de prensa y del entretenimiento, etc., pero quizá la conciencia plena de que con la invención de la fotografía se había echado a andar un profundo cambio cultural fue hasta la aparición en 1936 del importante ensayo La obra de Arte en Era de su Reproductibilidad Técnica, del pensador alemán Walter Benjamín, quien señaló que era inocuo continuar con la disputa –ya para ese momento casi centenaria-, de si la fotografía era o no un arte; D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Benjamín sostenía que mejor era cuestionarse por cómo había transformado la fotografía al arte. Esta llamada de atención por la nueva condición del arte, como es evidente, implicaba

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preguntarse también por la nueva condición de la cultura, por una parte porque el arte es uno de los principales sistemas simbólicos sobre los que se funda toda cultura y por otra, porque la fotografía no tenía sólo aplicaciones en el arte, sino también en otras áreas como la comunicación, la ciencia, y el entretenimiento, es fácil hacer el ejercicio de imaginar la imposibilidad de la transmisión de una noticia de prensa, la exploración de Marte o los impresionantes espectáculos multimedia a los que estamos ahora tan acostumbrados, sin los desarrollos que genero la invención de la fotografía. A partir de reflexiones como las de Benjamín, especialmente las realizadas por pensadores como el filósofo canadiense Herbert Marshall McLuhan, no tardamos en entender que la sociedad occidental se había convertido en una sociedad diferente a la que tenía a la palabra impresa como su objeto de aprehensión y fijación del conocimiento con mayor jerarquía, que había dejado de ser una cultura fundada en un pensamiento lineal. La era de los textos técnicos. De la misma forma, un cambio cultural de las mismas dimensiones de las que implicó el desarrollo de la fotografía comenzó a gestarse entre el tercer y cuarto decenio del siglo XX., sobre ideas que tenían su origen en el siglo XIX, el desarrollo del ordenador y más específicamente de la disciplina de la Programación. Para comenzar esta argumentación puede ser de utilidad llamar la atención sobre el hecho de que "la cultura digital" que hoy día sustenta casi toda la producción cultural de nuestra sociedad, tiene su base en un aparato que originalmente no era –utilizando la expresión propuesta por Jaques Perriaultuna "máquina de comunicar", sino un aparato de cálculo (el computador), de hecho, la conversión en máquina de comunicar del ordenador, sólo aconteció hasta 40 o 50 años después de sus primeros desarrollos; personalmente considero que esto sólo aconteció D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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hasta que el ordenador se convirtió en un aparato de uso masivo, esto es, su conversión en PC (personal computer), lo cual lograron por vez primera los entonces jóvenes creadores de

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la compañía Apple Macintosh alrededor de 1977. La intención de esta llamada de atención sobre el origen fuera del linaje de los medios de comunicación del ordenador, es evidenciar desde este momento, la ruptura, el quiebre cultural que implica el predominio de la cultura digital en nuestra sociedad. Lo cual implica a su vez un cambio cultural tan gigantesco como el que se dio al abandonar la cultura tipográfica –expresión que McLuhan utilizaba para designar la era dominada por la imprenta-, que representaba el cambio de la forma (material) de pensamiento dominante o con mayor crédito, el paso de una confianza, que por momentos llego a ser ciega (textolatría), en el pensamiento conceptual, procedimental, verbal, por el pensamiento, visual, no lineal o imaginal, mayoritariamente en imágenes visuales y que también conoció sus momentos radicales (idolatría). En esta opinión académica intento sustentar que un paso de esas mismas dimensiones se ha dado con la transformación de lo analógico en digital, pero en un sentido inverso, del dominio de la producción y pensamiento imaginal, una vez más al pensamiento lineal de los textos, pero en una esfera diferente a la de su versión tipográfica, en una esfera técnica, al igual que ya sabemos que le aconteció a la imagen con su producción mediante aparatos como la cámara fotográfica, el cinematógrafo, la Televisión y el Vídeo. Para exponer esta idea, deseo apoyarme en la línea de reflexión que el filosofo Vilém Flusser propuso en su importante texto, Hacia una Filosofía de la Fotografía. En este texto Flusser divide el desarrollo cultural de la humanidad en tres grandes eras; la primera, la era de las imágenes tradicionales que va desde las primeras imágenes (prehistoria) hasta la invención de la escritura, la segunda (la historia), que abarca desde esta última invención hasta la aparición de la Fotografía (primera mitad del S. XIX.) y la tercera (poshistoria) que abarcaría desde ese momento hasta la actualidad, el momento en que Flusser escribió su texto. Aquí se debe declarar que el texto de Flusser apareció en 1990 D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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y él falleció en 1994. Lo que deseo hacer ver con estos datos es que "quizá" el autor no pudo presenciar con tanta claridad las características sobre las que se sustenta la cultura digital,

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de la manera en que lo hemos podido ver quienes hemos presenciado su desarrollo durante la primera década del siglo XXI., lo cual permite pensar que para el filósofo alemán, la lógica que subyace en las imágenes técnicas, es la misma que la que subyace en la producción de imágenes digitales, aunque, en justicia, cabe declarar, que en el texto comentado, utiliza términos más asociados a la cultura digital (scanning, programa, etc.) para explicar el universo de la fotografía. Sin embargo, hasta donde quien esto escribe lo ha podido entender, no hay en Flusser un dato que indique que él diferenciaba la producción imaginal de "lo fotográfico", expresión en la cual podemos integrar todas las formas de producción analógica de imágenes: cine, TV., Vídeo, de "lo digital". De lo cual se puede colegir que la era de la imagen técnica o dicho en otros términos, "La sociedad de la imagen" continúa hasta el presente. Sin embargo, apoyándonos en el mismo tipo de razonamiento que Flusser aplica para distinguir cada una de las eras, tenemos elementos para plantear la posibilidad de la aparición de una cuarta era, una era dominada por lo que, utilizando sus mismos términos, podríamos denominar, era de los textos técnicos. El paso de la era de las imágenes tradicionales a la era de los textos, está caracterizada por Flusser como el paso de una forma de pensamiento en plano (no lineal) a una forma de pensamiento lineal (la escritura), a través de un proceso de scanning (tal y como él lo llama) gracias al cual, lo que estaba aprehendido en las primeras imágenes de la humanidad, paso a ser el contenido de los primeros textos y de la misma forma, posteriormente, el paso de la era de los textos a la era de las imágenes técnicas, consistió en la conversión de lo que estaba asentado en términos escritos, pensamiento en línea, una vez más a un pensamiento en plano y ahí termina el esquema de Flusser, abarcando en esta última etapa a toda la producción técnica de imágenes: puramente visuales, audiovisuales y multimedia, al parecer D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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sin hacer una distinción si estas están realizadas con sistemas análogos o digitales. Pero, como es de todos conocido, los principios sobre los que se sustenta la producción de

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imágenes digitales, es muy diferente a los que sustentan a las imágenes análogas; aquellas tienen como fundamento un sistema (lenguaje) compuesto por unidades discretas, concatenacional, lineal y que sólo despliega su sentido cuando es ejecutado por un aparato; evidentemente estoy hablando de la disciplina de la programación, la que al ser la base de la producción cultural, se ha convertido en el nuevo objeto de deseo del hombre de nuestra cultura. Comenta el teórico Nicholas Mirzoeff en su libro Una Introducción a la Cultura visual, que el filósofo alemán Heidegger sostenía que la nuestra no era una cultura de la imagen porque produjéramos muchas imágenes, sino porque vemos al mundo como una imagen. Tengo cada vez más la fuerte impresión de que el objeto de deseo de nuestro tiempo ya no son las imágenes, sino el programa que las hace posibles y de la misma manera, comenzamos a asumir al mundo como un programa, como un texto. Considero, en resumen, que la era de las imágenes técnicas ha concluido, por más que produzcamos imágenes para todas las modalidades de la sensibilidad, lo que las hace posibles es un texto técnico, algo que no está en el linaje de los medios de comunicación sustentados en imágenes de ningún tipo y que no es un objeto de estudio principal de escuelas como la nuestra.

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Norma Calette Martínez

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Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Julio, 2011

La Escuela Nacional de Artes Plásticas en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Para iniciar esta reflexión considero necesario aclarar porque cambie el título original de la tarea. Desde hace dos años imparto clases en las dos licenciaturas de la ENAP y pienso que será de mayor provecho compartir mi experiencia al estar en contacto con las poblaciones de ambas carreras, así que al mencionar ENAP me referiré a los artistas visuales y a los diseñadores y comunicadores visuales. En el contexto social la ENAP cuenta con el reconocimiento de la sociedad relacionada con el estudio, formación y contratación de los egresados de sus carreras, puedo decir que tanto a nivel nacional como internacional. La presencia de estudiantes de intercambio así lo confirman. Los constantes reconocimientos en concursos y eventos muestran la presencia de la escuela y la calidad de los trabajos. Sin embargo al estar en contacto con los estudiantes principalmente a la mitad de sus estudios y en los últimos semestres, noto una gran diferencia en las actitudes de lo que podríamos llamar “la visión de los social” entre diseñadores y artistas visuales. Mientras los diseñadores y comunicadores visuales se muestran ajenos y conscientemente desinteresados del acontecer en la sociedad (en la cual se desarrollarán profesionalmente y “comunicaran”), los artistas visuales se mantienen informados, críticos y con cierto grado de participación local, nacional e internacional. Esta situación tomando en cuenta la población de cada carrera, hace que la actitud visible de la escuela sea la de los diseñadores. Desde mi D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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perspectiva no es la posición deseable de una comunidad universitaria, de la UNAM y menos de quienes serán comunicadores sociales. Pienso que sería conveniente motivar un cambio

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en esta actitud, ya que los estudiantes de ésta escuela tienen en su futuro inmediato la tarea de comunicar, de informar, de generar propuestas y mensajes de la manera más conveniente a una sociedad que deben conocer en su sentir, en aspiraciones, carencias, fortalezas, pasado histórico y reciente, para así lograr los resultados deseados con su trabajo, al conocer a quien le están hablando. El quehacer profesional de ambas carreras se da en la atención a necesidades de comunicación, de expresión en todos los sentidos (del artista a la sociedad, de un grupo a la sociedad, de la sociedad al estado, etc.) ¿Cómo estar preparados para intervenir en cualquier nivel de comunicación sin el conocimiento de las partes? En el ámbito económico podemos hablar de dos aspectos, el de la incorporación de los egresados al mercado laboral y el de su posible aportación a la economía desde sus actividades. El primer aspecto en términos generales es bueno, la mayoría busca colocarse idealmente como empleado, en lugares donde adquieren la experiencia en manejo de equipos o programas más actualizados que los aprendidos en la escuela y así continúan su ascenso en el medio profesional como empleados. Pocos son los que consideran ser “free lance”, trabajar por su cuenta o emprender alguna empresa por su cuenta o en sociedad. La escasa formación en el campo administrativo podría ser la causa del poco interés o la falta de visión empresarial entre los estudiantes de la ENAP. Por tal motivo son raros los casos de egresados que se han lanzado como emprendedores para arrancar alguna empresa, quienes lo han hecho han padecido el desconocimiento de bases administrativas para iniciar un proyecto productivo. No es el campo de desarrollo de la ENAP pero en la actualidad es importante la formación interdisciplinaria, conocer en la práctica lo necesario para crear una D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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organización productiva exitosa, habilidades gerenciales, planeación estratégica. Esto sería de gran utilidad, ampliaría la visión y daría una opción económica real a los egresados de la

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ENAP. El contexto cultural de la Escuela Nacional de Artes Plásticas en el siglo XXI, es el campo natural de desarrollo de la Escuela, la vida productiva de la comunidad se da en y para este contexto. La participación de la ENAP con ambas carreras en el contexto cultural se da históricamente desde su fundación, hace dos años oficialmente se incorporaron nuevas materias al programa de artes visuales y con ellas el uso de las herramientas de las nuevas tecnologías digitales. La parte del diseño y la comunicación visual ha ganado un lugar y reconocimiento en el espectro cultural. La velocidad de incorporación al uso de las nuevas tecnologías como herramientas para la producción de nuevas expresiones culturales propias de los artistas visuales de este siglo no es la deseada, pero se ha iniciado. Los diseñadores y comunicadores visuales se hayan desde hace varios años más inmersos en este ambiente digital aunque con ciertas carencias en actualizaciones que son fácilmente enmendadas al salir al campo laboral. Considero que en el contexto de la cultura nacional la Escuela se encuentra un tanto aislada de la participación y el contacto con el resto de los actores y creadores de la cultural en todos los niveles (local, nacional e internacional). Sería deseable un mayor intercambio, convivencia y exposición con otras escuelas, creadores y actores de la cultura contemporánea, con el fin de enriquecer la formación y el panorama cultural de los estudiantes en formación. La interacción con creadores de disciplinas afines es recomendable y también con las diferentes áreas que conforman a la Universidad Nacional.

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Para terminar, en mi opinión la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, debe esforzarse por ofrecer una formación interdisciplinaria

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acorde al siglo XXI, que le permita consolidarse como la Escuela de CREADORES VISUALES, conocedores de los contextos socio-económico y cultural, local y global, que generen productos culturales acordes a su tiempo, que expresen su visión, sentimientos, crítica y propuestas con calidad y ética.

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Prof. Martha Gloria Castellanos Cerda

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Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

El Diseño y la Comunicación Visual y las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Introducción Presentamos una opinión académica. Reunimos en un sólo texto nuestra aportación reflexiva para las licenciaturas de Diseño y Comunicación Visual y Artes Visuales. Esperamos que este escrito pueda contribuir satisfactoriamente en la Segunda Fase de acopio del Proceso de Actualización de los Planes y Programas de Estudio de la licenciaturas de Diseño y Comunicación Visual y Artes Visuales. Lectura de los signos de los tiempos Antes de dar inicio a una reflexiona sobre el Diseño y la Comunicación Visual y las Artes Visuales tenemos en primer término una aproximación a una lectura e interpretación de los signos de los tiempos; es decir, realizamos un breve examen y diagnóstico de los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI. La importancia de la lectura e interpretación de los signos de los tiempos es indispensable porque esto pude contribuir a ubicarnos en nuestro momento histórico y en las condiciones sociales-culturales que nos toca

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vivir; además nos abre a la posibilidad de comprender la condición humana en que nos desenvolvemos, en particular en las relaciones: maestro-

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alumno, enseñanza-aprendizaje y formación escolar-fuente de trabajo. Siglo XXI El siglo XXI desborda la primera década y se precipita con celeridad en la segunda. Apenas transcurridos los primeros años, se observa que muchos de los problemas proceden del siglo XX, y aún persisten. Es innegable que han surgido aspectos y dimensiones novedosas en los inicios de siglo XXI; así éste se nos ofrece como una herencia del pasado, y al mismo tiempo como un nuevo reto. Contexto económico En la situación económica nos encontramos en un proceso en que se enlazan dos elementos: por una lado, la expansión del capitalismo en el fenómeno de la globalización; por el otro lado, una fase de radicalización del capitalismo llamada neoliberal. Este periodo abarca desde la última cuarta parte del siglo XX hasta la segunda década del siglo XXI. Para algunos autores nos aproximamos a un límite de estos modelos sociales y económicos. Mientras tanto, esta condición económica ha generado una fractura en el mundo contemporáneo por lo menos en tres aspectos: el primero, la riqueza se concentra en 20% de la población y 80% vive en la pobreza; el segundo, el planeta se divide entre los países ricos del Norte y los pobres del Sur, esto sigue generando una geopolítica de tensión y el tercero es el

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no poder revertir la crisis ecológica, pues el deseo de ganancia privada y de

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consumismo se impone sobre el bien común.

Contexto social Con la fractura de la base económica se observa una descomposición del tejido social. Han aumentando las corrientes migratorias, población que huye de la miseria económica o del deterioro político y ecológico o bien una combinación de estos factores. Se incrementa la violencia social y las actividades ilícitas como el narcotráfico, la corrupción, el traslado y venta de personas, entre otros muchos aspectos que afectan a la sociedad y a las personas. Los Estados-Nación se encuentran rebasados o incluso, como se les conoce, son estados fallidos. Así, la democracia, los derechos humanos y el Estado de Derecho que se ofrecen a la población como el “mejor mundo posible” son manipulados por la propaganda política a través de los medios de comunicación o mejor aún por los medios de condicionamiento. De modo que el “paraíso” ofrecido se convirtió en “infierno”. Ante esta condición real que se vive emerge una respuesta social viejos y nuevos movimientos sociales aparecen en las calles, grupos religiosos se expresan, la sociedad civil se revela, pese a que hay un deseo de transformar a la sociedad también los grupos conservadores luchan porque no cambie el mundo y una élite se mantenga con sus privilegios.

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Contexto cultural En la segunda década del siglo XXI, la expresión cultural oscila entre un Textos proporcionados por la División de Estudios Profesionales y la Secretaría Académica, ENAP

desaliento y muerte de la utopía a un renacer de la esperanza que anhela otro mundo posible. Esto se observa en posiciones filosóficas, teológicas, artísticas y en el quehacer cotidiano. La cultura contemporánea está entrecruzada con los siguientes signos: una cultura de la globalización que alterna con las culturas locales (nacionales y regionales). Se combinan visiones premodernas, modernas y posmodernas. A lado de las tecnologías rudimentarias irrumpen las nuevas tecnologías. Junto con las religiones tradicionales cohabitan el neopaganismo y el New Age. La noción de ecología, término desgastado e institucionalizado, se ha convertido en uso ordinario. Es imposible pensar las manifestaciones culturales sin mencionar la idea de género y de la diversidad sexual, y en este mismo sentido ha penetrado en la cultura el término sobre los derechos humanos. Finalmente, los rasgos culturales que hoy habitan se vinculan al imperio de la imagen (cine, multimedia, fotografía, entre otros) y de la música. De manera que la cultura contemporánea se presenta como un campo sinérgico y dinámico. Diseño y Comunicación Visual Existe una gran demanda para el diseño y la comunicación visual, el reto está en superar los cartabones que se imponen y pasar a propuestas innovadoras y de calidad. Se requieren abrir caminos de investigación que puede encontrar en la indagación del propio diseño, en el campo de las nuevas tecnologías y de la filosofía, pues ésta ofrece argumentos sólidos y

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creativos. Con esto podemos vislumbrar otras posibilidades para el diseño y la comunicación visual.

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Artes visuales Estamos en el imperio de la imagen por todos lados se observan fotografías, películas, videos, multimedia, entre otros; sin embargo, muchas de estas imágenes pueden considerarse basura visual, imagen sin imaginación ni creatividad, por ejemplo una propaganda banal que no aborda los problemas centrales de la población, pero que sí genera una contaminación visual y una fuerte derrama económica. También la publicidad satura el entorno visual de los espacios exteriores, impresos y medios electrónicos. Así que rescatar un concepto generoso de las artes visuales es tarea que compete a la comunidad universitaria de la ENAP, y puede beneficiar al pueblo mexicano ante el exceso de imágenes de nota roja, de propaganda política y de publicidad superficial. El arte siempre ha contribuido a elevar y nutrir el espíritu de la gente y de una sociedad. Las Artes Visuales han aportado a México identidad, dignidad y belleza a las personas. Conclusión Para concluir proponemos que la filosofía puede contribuir no sólo a fortalecer y actualizar a los estudiantes y a los académicos de la ENAP, sino que ella tiene mucho que aportar a la docencia. En particular, la filosofía puede ofrecer una visión de la totalidad dentro del campo tan amplio y dinámico en que vivimos; pues una visión filosófica otorga sentido y reflexión profunda a la complejidad de los fenómenos que nos acontecen.

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Otra tarea de orden filosófico, para este momento contemporáneo, es atender la erosión de los valores sociales donde se producen antivalores o

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desvalores. El estudiante de la ENAP, por fortuna, cuenta con valores humanos y éticos, es conveniente no descuidar esta promoción y reforzar una visión axiológica.

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Prof. Roberto Caamaño Martínez Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Julio, 2011

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Cada uno de los rubros propuestos para elaborar un escrito reviste desde el punto de vista profesional una complejidad y grado de dificultad mayúsculo y una inversión de tiempo de investigación a su vez dilatada. Así la cuestión lo que podemos proponernos en un ejercicio de responsabilidad y ética profesional es ofrecer una serie de opiniones académicas, que en todo caso tienen como sustento nuestra experiencia profesional de tres décadas: Contexto económico El neoliberalismo que la clase dominante ha impuesto en nuestro país desde hace treinta años, tienen que ser forzosamente reconocido como el marco en el que nosotros como ciudadanos y profesionales de a pie nos encontramos inmersos. El modelo de país que nos ha sido impuesto, ha implicado muchas consecuencias las cuales sería imposible de abordar en un escrito como este, sin embargo se podrían mencionar algunas de las más obvias y que no requieren grandes disertaciones teóricas: enorme concentración de la riqueza nacional en unas cuantas manos. En el mismo sentido el despojo de dicha riqueza ha llevado a que prácticamente la mitad de la población mexicana viva en la pobreza. En nuestra patria el nacimiento de los monopolios no se inició con el neoliberalismo, sino que se había iniciado en la etapa previa, sin embargo, en la etapa neoliberal, observa dos características que no se habían visto con anterioridad: rapiña y saqueo: los anteriores fenómenos son los que tipifican

con alto grado de propiedad el despojo realizado mediante la llamada

“privatización”. La apropiación de las compañías y grandes empresas que otrora habían D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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estado en manos del estado mexicano y que en procesos turbios y legaloides fueron transferidos a manos de los amigos, “socios” y familias de la alta burguesía tanto nacional

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como extranjera de los presidentes en turno, serán el sello que marcará la estructura económica de nuestra país en el tiempo presente. Naturalmente esta dinámica no fue un producto estrictamente propio, sino que a su vez fue la expresión casera del modelo económico impuesto por Bush y Tacher a nivel global. El modelo neoliberal impuesto interesadamente por la clase política, trajo de inmediato consecuencias: proletarización de la clase media; empobrecimiento de la gran mayoría de la población. Políticas de brutal contención salarial; abandono sistemático de las obligaciones del estado en materia de salud; servicios; educación y ni que decir de la “cultura”. En cada uno de los rubros señalados la política de abandono ha sido sistemática y continua desde la década de los 80’s. En estas condiciones por ejemplo en el sistema de salud son por decir los menos de una precariedad escandalosa: falta de medicamentos “básicos”, de insumos, equipamiento. Sobre explotación de la fuerza laboral de médicos y enfermeras (cuando a un médico se le exige recibir en consulta a treinta y cinco o más pacientes por turno laboral de seis horas, fácilmente se puede entender porqué la calidad de los servicios médicos ha bajado en su calidad en niveles nunca vistos en México). En el mismo orden de ideas podemos hablar de la educación: abandono de las condiciones materiales de las escuelas; sobre explotación del trabajo académico de los profesores (sirva como referencia el hecho de que en nuestra Escuela, a finales de los setentas los grupos académicos era de diez y ocho a veinte alumnos. Hoy tenemos grupos de cuarenta y más por grupo –claro hay facultades como Contaduría cuyas “clases” llegan a tener más de ¡cien alumnos!-. Pero esto que sucede en el nivel superior también ocurre gravemente en otros niveles. Lo anterior ayuda a comprender una de las causas del gran decaimiento de la calidad educativa en nuestra patria). Hacer insistimos un recuento de las políticas de depredación y saqueo que ha impuesto la gran burguesía, a través de sus administradores de la clase política, resulta una tarea casi D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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imposible de cumplir en unos cuantos renglones, sin embargo los efectos de las políticas del modelo neoliberal, para nada nos son ajenas, pues hemos sentido directamente su embate y

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consecuencias. El México de hoy reducido a ser un país productor de materias primas (México produce hoy tres millones de barriles diarios de petróleo crudo); con una industria controlada por el capital extranjero; dependiente en materia de ciencia y tecnología; maquilador de productos y mercancías de las corporaciones del gran capital extranjero; dependiente en materia de alimentación. Actualmente ya ni siquiera producimos

las

cantidades de maíz y frijol, que hoy por hoy constituyen la base de la dieta de los mexicanos; un sistema bancario controlado por el gran capital transnacional. En fin un país en permanente desmantelamiento y venta de garaje es claramente, el contexto económico en que como profesionales nos movemos y nos moveremos por un largo rato más. En esta situación es obvio que la producción de toda clase de arte, llámese Pintura, Escultura Gráfica, Dibujo, Fotografía, o cuales quiera de las hoy llamadas artes en contexto. Interdisciplinarias o las que se vayan sumando esta semana, se encuentra clara y totalmente fuera de el interés de las élites dominantes autóctonas y muchos más las internacionales. Plantear hoy día en un verdadero mercado del “arte” en México resultaría claramente una tomadura de pelo. La producción artística en términos de producto interno bruto, no representa claro está un rubro de algún interés o importancia en el actual modelo económico. Contexto Socio-Cultural Dentro del seno del la cultura mexicana desde luego se puede aclarar la importancia de la producción de las artes plásticas y visuales, al margen claro está de criterios pecuniarios y de ganancia capitalista. Es decir el hecho de que en el plano económico estemos en una condición francamente desventajosa, ello no quiere en modo alguno que en otros planos de lo social estemos condenados a la extinción o la inanición. En modo alguno. La importancia de la producción artística en nuestro país, tiene que forzosamente enmarcarse no solo en el D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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contexto inmediato, sino que es irrecusable echar una mirada retrospectiva para poder con toda justeza confrontar en las diferentes etapas de nuestra vida social, cual ha sido su

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importancia en nuestro devenir como cultura. Como fácilmente se comprenderá no es factible agotar en unos cuantos renglones la enorme trascendencia que desde tiempos Prehispánicos, durante la Colonia. El México independiente y pos revolucionario, jugó en cada una de estas etapas la producción de una grandísima variedad de objetos pictóricos; escultóricos; cerámicos; dibujísticos; ornamentales, etc. La consolidación del estado burgués post revolucionario no hubiese sido para nada posible sin el muy enorme sustento que le dio la enorme producción de obras muralísticas, gráfica, fotográficas, escultóricas, las cuales acompañaron

a todo el proceso de consolidación del estado mexicano moderno. Ya

plantados en el pleno siglo veinte, la escuela mexicana de pintura y los sucesivos movimientos posteriores (aclaro que no se hace un listado exhaustivo de todos y cada uno de los movimientos que los artistas plásticos produjeron a principios del siglo veinte pues ello llevaría este pequeño escrito fuera de su cometido). Movimientos como el de “los independientes”; la Gráfica del 68; los grupos de los setentas; los Neomexicanismos. Y finalmente la gran explosión de la diversidad de producciones artísticas del último decenio del siglo XX (particularmente este fase ha sido de tal magnitud que hoy día no existe ningún estudio que se acerque pálidamente, ya no digamos a investigar lo que ha sido la producción plástico-visual

de los últimos veinte años. Simplemente a tratar de describir los

intrincadísimos derroteros que ha sufrido la producción de “arte” en México). TODAS, las anteriores tendencias son una prueba palpable de la gran energía creadora de los artistas mexicanos. No hay periodo de la cultura mexicana en la cual nuestros creadores no hayan escrito, a través de sus obras, páginas imborrables y de una trascendencia cultural incuestionable. Desde luego se puede pasar de la simple apología a una demostración puntual, tanto en el plano histórico, así del plano sociológico, antropológico, filosófico. Intentarlo desde luego nos rebasa en nuestra muy modesta intención, que no es otra que la de mostrar que si bien es cierto que el momento por el que atravesamos debido a las D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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prioridades del sistema, no es el más favorable, para la producción de obra artística. Ello en modo alguno quiere decir que en el contexto de nuestra Alma Mater, nuestro quehacer se

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encuentre al borde de la extinción. Para nada, es precisamente nuestro ser universitario el que nos permite reflexionar de una manera rigurosamente autocrítica, cual es el papel que en estos momentos tienen que jugar las producciones de imágenes artísticas, sean las de la tradición clásica –Pintura, Escultura, Gráfica, Dibujo, Fotografía- . O bien las de más reciente expansión: Artes en contexto; arte Corporal; Animación digital; Gestión cultural: Museografía; Proyectos Interdisciplinarios; Multimedia, etc. En este orden de ideas en todo caso y bajo el cobijo generoso de nuestra Universidad es necesario plantearnos

con

seriedad y rigor cuales son los retos y cuales las perspectivas para continuar desarrollándonos, más allá de la actual coyuntura. Que por cierto no nos es nada favorable, como ya se mencionó, pero que siendo honestos para ¿quién, que no sea del grupo de las trescientas familias “dueñas” de México, lo es? En función de todo ello es menester plantearnos con responsabilidad y seriedad profesional y esto es muy importante, más allá de la imposición de una idea mercantilista de la educación, cuales son los derroteros, éticos, estéticos, políticos, por los que es conveniente plantearnos una modificación del Plan de Estudios de Artes Visuales. Es decir qué queremos de la formación que imparte nuestra Licenciatura y para qué la queremos de una determinada manera y no de otra. En la medida que seamos capaces de responder clara y responsablemente estas preguntas, estaremos en condiciones de imprimirle un nuevo aliento a nuestra profesión. Se nos ha dicho una y otra vez que tenemos que definir el “mercado de trabajo” de nuestros egresados. Sin entrar en descalificaciones de ninguna naturaleza, nosotros consideramos que al seno de nuestra Alma Mater, no es lícito plantear la cuestión solo en estos términos, pues a lo largo de su historia nuestra Universidad, de ser ese el caso hace ya mucho tiempo hubiese segregado de su corpus, un muy importante número de profesiones. Nos D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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explicamos: en la UNAM existen Profesiones que se han cultivado como campos cognitivos específicos, más allá de que sus egresados puedan o no insertarse en un determinado

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campo de trabajo. Así áreas como la Geografía, Filología, Biología, Genómica, Cosmografía, et., etc.. No tienen una demanda del mercado, que pudiese tomarse como índice de su permanencia dentro de la UNAM. No. Desde luego que no. Han estado aquí, y seguirán aquí más allá de que el mercado de trabajo lo demande o no, porque como campos de conocimiento son importantes no solo para nuestra sociedad, sino para la humanidad. Más allá de que en lo inmediato los conocimientos que todas aquellas producen, puedan redituar una ganancia. Esto último, lo sabemos, en el dogma neoliberal que nos azota es lo único que importa e interesa, pero ¡cuidado! No hay que confundirnos, ni confundir los valores de la UNIVERSIDAD, con los valores de la oligarquía dominante. No. Nuestra casa de estudios. Es eso, una casa abierta a la generación de conocimientos y cultura (desde luego no estamos negando para nada que aquella tenga que estar vinculada a las necesidades sociales inmediatas. No. Nuestra Universidad tiene una enorme lista de profesiones cuya orientación esta rigurosamente dirigida a diversos sectores de la planta productiva; de las finanzas; de la banca; de la industria de la transportación; etc., etc. A nuestra Universidad no se le puede reclamar que no esté respondiendo a las “necesidades sociales”. Desde luego que lo hace: nutre permanentemente con una gran cantidad de egresados a distintos sectores de la sociedad mexicana). En estos términos la cuestión es claro que hay profesiones y actividades que por su propia naturaleza, requieren unas condiciones DIFERENTES para su cultivo, desarrollo y concreción. Es el caso de las ARTES. Y nos referimos no solo a las Artes Plásticas y Visuales, sino también

a actividades como la Música, la Danza, el Teatro, la

Cinematografía, entre otras. En este orden lo que estamos planteando es que en el seno de la UNAM, existimos una rama de actividades las que por su propia naturaleza requieren una condiciones muy particulares para su cultivo y ejercicio y que consecuentemente requieren de

planteamientos específicos, metodológicamente rigurosos, pero cualitativamente

diferentes a los que en no pocas ocasiones pretenden imponérsenos. A modo de ejemplo D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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de lo que queremos plantear tomemos la siguiente situación: hoy día en México el “mercado del arte” no existe como tal. En cuanto al estado mexicano ha renunciado a ser un promotor

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de la actividad de la producción plástica (en otros momentos lo hizo y con mucho vigor). Hoy día la actividad de este último se ha reducido a otorgar un número limitado de becas, de “creación”. Lo que el artistas produzca no le interesa en lo más mínimo al CONACULTA, BELLAS ARTES o a quien este otorgando la beca en cuestión. Su función es distribuir una cierta cantidad de dinero entre un número limitado de “becarios” y con ello dar la impresión de que el gobierno en turno “si se preocupa por la creación artística” (claro además de que cuando lo requiere realiza una que otra exposición internacional, para redondear la imagen de una “efectiva” promoción estatal). En estas condiciones qué es lo que debe hacer una Escuela como la nuestra. Cómo debemos entender y realizar nuestras tareas de investigación (creación), docencia y promoción de la cultura artística. Todo ello enmarcado dentro del contexto de una muy profunda y comprometida discusión en torno a lo que significa hacer “arte” hoy día. Cuáles serían las tareas que tendríamos que realizar para el desarrollo, tanto del conocimiento del arte, como de la producción del mismo. Derivado de lo anterior estaríamos en condiciones de saber efectivamente que es lo que Institución comprometería como formación para las generaciones que harán el arte de las próximas décadas. Finalmente cual serían las tareas de

difusión de las obras que produce su

comunidad académica y estudiantil (sobre esto último hace falta una reflexión muy seria y en consecuencia un conjunto de tareas que hasta el día de hoy la Escuela tiene en el más completo abandono. Nos explicamos: siendo la difusión y extensión una de las tres tareas sustantivas de la UNAM, para la Escuela Nacional de Artes Plásticas consecuente con su esencia debería tener como tarea esencial la difusión de lo que su planta docente y estudiantil producen en los distintos talleres, aulas, laboratorios, etc. No solo a lo interno de la limitada exposición de sus propias galerías, sino lo más importante hacia lo externo. Es decir, si la Escuela no promueve lo que hace, entonces NADIE lo va a hacer. Hoy día cada uno

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de quienes producen alguna forma de “arte” tiene que ver bajo sus propios medios cómo y dónde promueve lo que realiza.

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Sostenemos que solo en la medida que la ENAP se comprometa con un muy serio proyecto de verdadera DIFUSIÓN AMPLIADA de lo que su comunidad produce, en esa misma medida la Escuela se proyectará en su verdadera magnitud tanto en el plano nacional como en el internacional. Minimizar o soslayar esta tarea no puede sino condenarnos al feo ostracismo que hoy por hoy nos aqueja y el cual es origen de que en nuestra propia UNVERSIDAD, haya muchísimos universitarios que ni siquiera saben que existimos como entidad académica. Resulta muy triste que en la actualidad en nuestra propia casa seamos para una inmensa cantidad de universitarios: desconocidos. Finalmente: en este momento un proyecto de Plan de Estudios de Artes Visuales, quedaría gravemente incompleto sino contempla en su estructura los vínculos con la difusión obligada de lo que se produce en sus distintos momentos de formación.

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Rosa Martha Aguilar Olea Escuela Nacional De Artes Plásticas

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UNAM

Las artes visuales, el diseño y la comunicación visual en los contextos social, económico y cultural del siglo XXI¨ Más que un espació de individualidad o de experiencia e interpretación intimista del mundo, las producciones visuales contemporáneas, como otras tantas esferas de la realización creativa actual deben atender en nuestro País, a las áreas de oportunidad que emergen de los problemas sociales que en él se generan. Las elaboraciones visuales que operan desde campos deterritorializados de la realidad social o, por el contrario, a partir de una dependencia absoluta a las políticas asignadas por diferentes administraciones al espacio público, en base a un eje económico que cumple la función de mediatizar y democratizar las intersecciones de los conflictos regionales al ir diluyendo la importancia de la memoria histórica que contiene las significaciones suscitadas desde nuestro territorio, se han resguardado en la utilización de las grandes líneas temáticas que aparentemente entablan los valores que desplazan a tales producciones a proponer otras visualidades en el terreno de ‘lo mexicano’. Movilizándose a través de la enunciación de contenidos que re-articulan el populismo, re-intensifican el foklor y ratifican la escenificación de lo político, lo abyecto y

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las experiencias particularizadas en los tonos profundamente apocalípticos, ya instaurados

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en el proscenio de una superflua emancipación de los contextos culturales globalizados. Si bien para hablar del diseño, las artes o la comunicación visual, en base a los tratamientos que encuentran dentro de la cultura nacional, no se debe acceder a espacios de discurso que exacerben alguno de estos polos, es decir, desde los márgenes de una postura que avale por un lado un cierto regionalismo nostálgico, a partir del completo rechazo a las exigencias de las circunstancias productivas contemporáneas; o por el otro, de una eliminación completa de los registros patrimoniales que nos constituyen. Las condiciones a las que se vinculan los procedimientos creativos en nuestro País, así como de tantos otros, no resultan óptimas si se las contempla desde la vieja perspectiva de un Estado-Nación paternalista. Debemos reconocer que han sido muchas de las iniciativas privadas, como en otros momentos de la historia, las que a través de agrupaciones e iniciativas privadas han mantenido a flote las producciones plásticas y visuales que sirven a la fecha como un testimonio de la condición de ‘sobrevivencia’ de las identidades, la cultura y del área de las humanidades, frente a las políticas neoliberales. Este tipo de afirmaciones puede verificarse cundo se constata que del presupuesto nacional, en el caso mexicano y en relación al PIB, que corresponde a la subdivisión de las partidas presupuestales en los diversos ramos representados en los erarios destinados a

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las áreas públicas, la cultura debe pelear su porcentaje junto con la asignación también

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fluctuante para los rubros de educación básica, media y superior. No obstante el reconocimiento del que gozan varios de los bienes culturales, entre los que se encuentran patrimonios tangibles e intangibles que proyectan de una manera objetiva la afirmación de nuestro país, frente a lo propio y las miradas externas, los productores visuales se encuentran vehementemente ligados a la noción de ‘rentabilidad’ dentro de las prácticas del actual sistema neoliberal. Esto es algo que las Instituciones de Educación Superior públicas y privadas deben considerar, entre otros factores, y así poder proyectar sus planes de crecimiento y adecuación para la formación objetiva de profesionales.

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Es pertinente plantear, en esta reflexión, que la transformación continua de las sociedades, es la condición necesaria para reformular la relación de las Artes y la Comunicación Visual así como del Diseño con su realidad histórica, a partir de la consideración de tres esferas fundamentales: a) el rescate de la expresiones particulares, para el desenvolvimiento ontológico de los individuos sociales, en relación al análisis objetivo de su contexto; b) la adecuación razonada de la producción de ideas o de creatividad a los términos político- económicos de las nuevas sociedades de conocimiento y las políticas de compensación, demanda y oferta; finalmente, c) la consideración de las formas de producción e intercambio simbólico en las que las humanidades inscriben su propia confianza o prevención respecto a estos dispositivos administrativos. Frente a los designios de las operaciones hegemónicas de las actuales sociedades democrático-capitalistas, el Arte, la Comunicación y el Diseño deben atender y fomentar relaciones con los mercados y las industrias, para alejarse lo más posible del terreno de ‘incertidumbre’ que conforma su realidad y la de otros tantos sectores. La propuesta reside en que todo lo anterior se perpetre desde las trincheras de un análisis crítico que tome en cuenta, para su reordenación, tanto los factores particulares de sus protagonistas, como aquellos componentes internos y externos que deben dar pie a las modificaciones de las estructuras, de los sistemas y subsistemas, administrativos o educativos dentro de las Instituciones.

Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Salvador Herrera Tapia Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos socioeconómicos culturales del siglo XXI

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En los años ’20 del siglo pasado en Europa se vivían las Artes Visuales como el nuevo paradigma estético, mientras en México se vivían, en esa época, las Artes Plásticas como una construcción de una nueva realidad y rostro de nuestra Nación. La definición de las Artes Visuales no se sabe con exactitud que debe de entenderse por Arte Visual, es producto de las interdisciplina s del comienzos del siglo pasado con el nacimiento de la psiquiatría que plantea al individuo como “El sujeto” portador del inconciente colectivo y en el cual se centran los conocimientos del ser humano desde su nacimiento a nuestros días y que como tal junto a otros sujetos pueden interactuar individualmente, reconstruir las estructuras sociales. El Arte Visual , que es lo que se ve a través de los ojos del inconsciente, que en base a una estructura voluntariosa crea uniendo diferentes conocimientos un objeto que es visual con una estructura que es igual al hombre subjetivo, es decir el artista visual trata por muchos discursos de estructurar una idea textual y estética. El artista visual supone un manejo del lenguaje de muchas disciplinas para resolver un objeto visual, la dificultad es que la idea del artista difícilmente se desprende de una estructura histórica y social que siempre aparecerá en su producto (geométricas, físicas, biológicas, científicas etc…) y que sea fiel al principio de pura visualidad inconciente. En ese sentido el arte visual toma la estructura de lo que ve como estructura del inconciente presente sin historia. Ubicando, el arte visual, en una sociedad a donde los adultos no recuerdan y los jóvenes no saben

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. La asimilación de las Artes Visuales en México floreció en los años ’50 del siglo pasado dando otra posibilidad al arte mexicano de entonces. En esos contextos e influenciados por el momento cultural y de lucha democrática universal que se vivía se creo un ambiente de apertura en el terreno de lo educativo como en la producción del arte mexicano de entonces. A casi 50 años en México del Arte Visual no se ha podido crear “la otra realidad posible” porque, considero, que no ha habido un avance significativo en la fundamentación de su definición y en la innovación de la “Forma” Artística del Arte Mexicano moderno.

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Los procedimientos y su fundamentación, que en muchos casos se convierte en una actividad empírica, carecen de argumentos y de investigación, en lo artístico, que den un contexto histórico actual vinculando la tradición y la contemporaneidad

a la elaboración del objeto. Y en la

aportación a la Forma podría decir que los nuevos lenguajes y sus taxonomías han logrado productos mayores y de importancia pero conviviendo con lo Plástico, es decir Lo Visual convive con lo Plástico, siendo lo Plástico una realidad histórica artística que viene desde tiempos milenarios hasta nuestros días y que en ese tiempo y espacio se inserta lo Visual. Lo Plástico es la forma del arte, lo Visual es confusa su definición hasta ahora arte-ciencia (Escuela Nacional de Artes PlásticasCarrera de Artes Visuales). Para hablar del Arte Visual que se produce en México se tendría que hablar también de que tipo de sociedad nos encontramos hablando. No es lo mismo la sociedad mexicana de mediados del siglo pasado a la sociedad mexicana del 2011. La sociedad en la cual nos encontramos se ubica en lo que se llama el des-orden global a donde lo económico y lo político se encuentran muy contrastados provocando un descontento generalizado en las naciones del planeta. México ante la situación internacional que se vive” la del poder del dinero” determina en mucho lo que se hace en otros niveles de la sociedad incluyendo la Cultura y las Artes. Las Artes Visuales en el contexto antes mencionado tanto los artistas y el arte que se produce lo hacen con la finalidad D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. de satisfacer al “mercado y la publicidad” las Artes Visuales seguirán existiendo como producto de consumo esteticista formalista y efímero que no unirá la cultura con lo social. Así el artista visual y las artes visuales en poco satisfacen las necesidades personales pero si las necesidades de otros. Las Artes plásticas perderán terreno la tradición se olvidara y por lo tanto las Artes Visuales se irán desgastando. Solo quedaran artistas de buena factura y de obras menores. Es decir en las sociedades internacionales, globales, transculturales, multidisciplinares de Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

economías desiguales y liberales, el artista visual con inconciente y sin historia, responde a las necesidades de los dictámenes de los sistemas con historia más desarrollado y poderosos del mundo. El Arte visual no cerrara el circulo, que plantea platón, de la vida con el Arte, porque responde a la realidad donde se ubica.Pero no unirá al hombre con su inconciente que es colectivo.

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Santiago Ortega Hernández Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Agosto, 2011

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Las artes visuales siempre han sido un reflejo de las visiones y sensibilidades de sus Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

creadores; cuando estos producen sus obras artísticas, al mismo tiempo, construyen su propia identidad y se van convirtiendo en una parte esencial de la sociedad, por el mismo hecho de que sus discursos tienen un vínculo con la vida, su momento histórico y la conformación de una memoria social. Las diferentes tendencias, movimientos y temáticas en las artes visuales que se desarrollan en una zona geográfica, ciudad o país y que en su constante interacción con los diferentes públicos de esa región construyen una experiencia estética colectiva, consolidan una identidad grupal y se convierten en referencias

de

estudio

y

análisis

para

las

futuras

generaciones.

La obra artística genera un acercamiento cognoscitivo de la realidad y está en constante evolución, sobre todo por los múltiples auto-cuestionamientos y reflexiones en torno a su esencia y existencia. Los artistas visuales se acercan a diferentes disciplinas de estudio para enriquecer su discurso, algunas de ellas son la filosofía, la sociología, el psicoanálisis, la semiótica, la antropología, la ciencia y la tecnología. Las artes visuales en la economía Las artes visuales juegan un papel importante en los países con mayor desarrollo social y económico del mundo. En este ámbito se tiene a un grupo heterogéneo de participantes: artistas, críticos, curadores, museólogos, intermediarios, coleccionistas, grandes consorcios financieros y empresariales por citar a los más importantes; este grupo realiza D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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un cuidadoso estudio sobre el carácter artístico que pueda tener un objeto, gesto o acción; para ésto, se dan a la tarea de revisar soportes, técnicas, idea estética y concepto plástico que en su conjunto crearán un discurso que se materializará en un texto, en una exposición de objetos o en una serie de acciones que a nivel social generarán una serie de valores simbólicos y que el mercado del arte se encargará de otorgarles un valor económico. Este mercado es muy especializado, conoce la calidad de lo que comercia, los perfiles de

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sus participantes, es altamente especulativo, desde su surgimiento, siglos atrás, se ha consolidado en un sistema económico que capitaliza los diferentes discursos que se denominan arte y tiene fuertes vínculos con el poder político y económico de múltiples naciones, así como una importante repercusión social por incidir en el gusto, los anhelos de poder, status quo y prestigio que es característico de los diferentes grupos sociales. El mercado está dividido en zonas geográficas a lo ancho del mundo, en cada una de éstas existen círculos de poder político, social y económico; cada zona tiene sus propios discursos artísticos que la llevan a generar tendencias y movimientos hasta llegar a conformar proyectos regionales que con su originalidad llegan a adquirir un carácter internacional. Los centros de poder de este mercado a nivel mundial se ubican en Nueva York y Londres, desde donde se marcan los liderazgos en las tendencias artísticas, en el mercado y en el reconocimiento del arte actual. No se puede obviar que están emergiendo nuevos mercados, están el asiático y el de medio oriente; siendo objetivos el segmento de mercado mexicano todavía no accede a ellos, las barreras culturales e idiomáticas no han sido rebasadas por nuestros artistas, lo que es una lástima, pues son áreas de oportunidad excelentes.

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Las sociedades de inversión en el mercado del arte En la historia del mercado del arte, las sociedades financieras son las últimas en este amplio y milenario eslabón. Estas atraen capitales a nivel mundial, pues ofrecen grandes ganancias valiéndose de la especulación; son empresas audaces que gozan de una sólida estructura administrativa, a la cabeza están los consejos de administración, sus áreas operativas se dedican a realizar compra y venta de obras artísticas en todo el mundo. Una primer recomendación a sus inversionistas es que obtendrán beneficios a largo plazo. Se

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dan a la tarea de “sensibilizar a sus clientes” de informarles sobre los movimientos artísticos, las cualidades de las obras y los vaivenes de la moda. Maurice Rheims señala que desde 1939 una parte de la fortuna internacional es invertida en obras de arte, el gobierno francés lo viene haciendo de manera sistemática desde mucho tiempo atrás, la mayoría de las obras parten de los impresionistas hasta el arte actual. Estas inversiones están centradas en artistas consagrados vivos y muertos, debido a que son inversiones de bajo riesgo. Esto ha ocasionado una severa distorsión en la apreciación del arte por parte de este sector de la sociedad, porque se centran más en el pasado prestigioso que en la calidad de la obra y se ocupan del valor financiero que representa cada una de éstas, que la pieza en sí con todos sus valores estéticos. 1 El impacto del mercado del arte en la economía mundial Que este mercado impacta en las economías de los países participantes es una realidad. Un estudio que realizó la revista Artnews entre corredores, coleccionistas 1.

Rheims Maurice. Mercado de arte. En Diccionario Larousse de la pintura (Tomo II) PlanetaAgostini. Barcelona, España. 1987. P. 1324.

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y asesores de arte señala que éstos coincidieron en que las ventas privadas alrededor del mundo están entre los 25 y 30 Billones de Dólares, pues existe una fuerte demanda de China, India, Rusia, Arabia Saudita y Brasil considerados mercados emergentes. Esta información coincide con un reporte de The European Fine Art Foundation (TEFAF) titulado “El mercado internacional del arte, una encuesta en Europa en un contexto global” por el prestigiado economista berlinés Clare Mc Andrew quien señala que las ventas de arte por corredores a nivel mundial en 2006 alcanzaron la cifra record de $ 28.6

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Billones de Dólares, con cerca de un millón de operaciones. A estas cifras habrá que agregarle las que reportan las casas subastadoras en 2007; Christie´s y Sotheby´s, que dominan este segmento del mercado reportaron en conjunto más de $ 1.2 Billones de Dólares, Bonhams $ 600 Millones de Dólares, Phillips de Pury & Company $ 308 M de D. de los cuales $ 262.3 M. de D. son de arte contemporáneo, las casas subastadores francesas cerca de $ 1.4 B. de D. 2 La evolución del mercado del arte El mercado del arte se ha transformado en las dos últimas décadas, sobre todo entre los intermediarios; algunos de los factores que permitieron estos cambios fueron el vertiginoso desarrollo de las tecnologías de la comunicación, así como las bondades que les ha traído la realización de ferias a nivel nacional e internacional; para esto han constituido asociaciones que representan a su segmento de mercado. Estas ferias de arte como Zona MACO en la Ciudad de México y Monterrey, Art San Diego Fair, Art Basel Miami Beach y Art Los Angeles Contemporary por citar algunas, se han convertido en aparadores culturales que no requieren de gran inversión por el hecho de que las obras exhibidas son consignadas, no adquiridas por las galerías participantes; en ellas se cuida la calidad de las obras y la selección de autores.

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Estas ferias están abiertas a todo público, sólo que la inversión va dirigida a la participación de las redes del mercado, cuidan más la promoción del espacio que la promoción del artista. Lo que importa en estos eventos es la obra como producto a consecuencia de una demanda generada por estilos y modas. 3 El mercado del arte tiene una sobreoferta por parte de los productores de arte que buscan ingresar al mercado y sobrevivir en él; lo que ha creado un severo caos 2. Kinsella, Eileen. (2008). $ 25 Billion and Counting in Art news. New York, NY, Volume 107, Number

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5, p. 125. 3. Costa-Peuser, José. (2010). Las 6 reglas principales para poder jugar en el mercado del arte. (y no morir en el intento). En Arte al día. Año 8, No. 43, pp. 30-31.

por la diversidad de propuestas que circulan y no pueden ser revisadas, lo que provoca que muchas veces se trunque la carrera artística de creadores emergentes. “…La inversión propagandista, la facilidad dialéctica, la recomendación particular, el Estado, el mercado mismo con sus galerías y coleccionistas, las situaciones de crisis económicas, las pautas marcadas por los líderes consumidores… influyen en que sean elegidos unos u otros en función de las necesidades creadas por una economía de mercado, por una política de mercado que selecciona el producto a consumir (apenas un 15 por ciento de lo producido)…” (Iturbe Josu y Miguel Peraza; 2008: 36-37).

En síntesis se debe considerar al mercado del arte actual como un sistema complejo que entrelaza los bienes culturales, económicos y de prestigio individual. Arte, cultura y economía En México se tiene una cruda realidad para los creadores artísticos, debido a que no se visualiza a la cultura de manera integral; aún cuando se puede comprobar que durante decenios se ha constituido en fuente de desarrollo, no sólo en términos de crecimiento D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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económico, sino también como una vía para acceder a una vida intelectual, afectiva, espiritual, estética y moral. A los artistas visuales se les agrupa con diferentes creadores artísticos y con las diferentes instituciones, organismos y empresas que se dedican a actividades relacionadas con la creatividad en lo que se les llama “industrias protegidas por el derecho de autor” término que la misma UNESCO respalda. Es importante señalar que se forman valores de la producción cultural, uno de ellos es el económico; en México, por ejemplo, se estima que

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representa un 6.7% del Producto Interno Bruto, cifra que coloca a estas industrias en un papel importante en el desarrollo económico de este país. 4 Un alto porcentaje de trabajadores de la cultura no tienen un tratamiento formal de sector económico por parte de las autoridades hacendarias; se carece de una política fiscal y de incentivos fiscales para el desarrollo y la capitalización del potencial productivo de un sector, que permanentemente es un generador de bienestar para la sociedad. Como todo ciudadano el artista visual tiene la obligación a contribuir con el gasto público; cuando lleva a cabo la venta de obras de su autoría el Estado otorga facilidades para el pago del Impuesto Sobre la Renta ISR y el Impuesto al Valor Agregado IVA a través del Programa Nacional de Pago en Especie. También el artista visual desempeña actividades afines a su profesión laborando bajo el régimen de servicios profesionales o como asalariado. Se insiste en que el creador artístico requiere de una política fiscal y una mayor protección de sus derechos de autor para que pueda acceder a mejores condiciones en su producción y calidad de vida. En cuanto al producto artístico se debe destacar el valor simbólico que crea y que está por encima de los valores económicos. Las obras artísticas pueden llevar al público a la contemplación y al goce estético; también pueden provocar diferentes tipos de emociones, hasta llegar a confrontar y cuestionar los conceptos de cultura y arte que maneja un grupo social. Las artes en general contribuyen a conformar una memoria de su tiempo y a la creación de la historia no escrita por el Estado y sus instituciones. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. 4. García Canclini N. y Piedras E. (2008) Las industrias culturales y el desarrollo de México. México, D.F. Secretaría de Relaciones Exteriores, FLACSO MEXICO y Siglo Veintiuno Editores. 2ª edición. P.

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Ulises García Ponce de León

Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI

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El arte en el siglo XXI Siglo XXI El siglo XXI es una ensoñación del siglo XX así como el siglo XX fue una ensoñación del siglo XIX. La diferencia entre ambas ensoñaciones es que el siglo XIX se proyectaba al XX como la realización de las utopías humanistas creadas por sus intelectuales: de Proudhon a Marx como Bakunin o Fourier, sobre todo Marx inspirado en las teorías evolucionistas de Darwin, proyectaban un futuro en el que los ideales de la Revolución Francesa “Libertad, Igualdad, Fraternidad” dejarían de ser ideas para devenir en realidades que regirían las nuevas organizaciones humanas. El siglo XX es un fracaso que se proyecta al XXI, primero desde los años 70 como ciencia ficción: sociedades de consumo que apuntan al bienestar doméstico con una cultura automatizada e hipercomunicada. En ningún momento se proyecta un desarrollo social que sea paralelo al desarrollo científico y tecnológico. A mediados de los 80, Gilles Lipovetzky anticipa lúcidamente lo que sería este siglo como una cultura fundamentalmente narcisista con deseos a la carta, hedonista y vacía. Desde los 90, las potencias occidentales le han vendido a los países subdesarrollados como el nuestro

la

panacea

del

libre

mercado

y

la

globalización

(querrán

decir

norteamericanización) y con ello se han cambiado leyes y proyectos, con miras a D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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adaptarse al nuevo orden económico mundial. Desde 1994 ingresamos al Tratado de Libre Comercio de América del Norte y, sobra decirlo, nos encontramos con otro gran y colosal fracaso. Los imaginarios futuristas caducaron en los años 80 y la entelequia finimilenarista de los 90, no fue otra cosa más que una convención: para el aniversario 2000 de Jesús el Nazareno se hizo una fiesta aparatosa que carecía de contenido y de sustancia, de cuyo acontecimiento, al poco tiempo después, vino la caída de dos edificios en Manhattan y

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con ello estrenamos el rostro de nuestro nuevo siglo. El siglo XXI, en el poco tiempo que lleva, es una calamidad, una agenda apretada de desigualdades, escases de recursos energéticos, depredación de recursos naturales, crisis económicas recurrentes, migración descontrolada, genofobia, y sobre todo, estupidez. Para acabar este cuadro lamentable, los partidos políticos que dicen llamarse de izquierda y que supuestamente se inspiran en las ideas de los pensadores mencionados al principio de este texto, no son otra cosa que una pandilla de corruptos, ineficientes y, en suma, una extremidad de la derecha. El arte contemporáneo Lo que hoy en día se llama arte contemporáneo, es un fenómeno creado en los años 90 por las instituciones culturales que han reciclado las estéticas vanguardistas de los años 60 y 70, y cuyo espectro abarca fundamentalmente el arte conceptual de inspiración dadaísta, el mínimal en su concepción formal y el pop art como entorno cultural. Estos estilos se han formalizado en disciplinas artísticas como la instalación, el performance, el arte objeto, etc.; con la aparición de las nuevas tecnologías han surgido el video, el arte digital, etc.

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La producción, difusión y consumo de estas obras se dan por medio de las instituciones culturales a través de la figura del curador, que funciona como reclutador de artistas y como enlace entre los espacios artísticos y las fundaciones creadas por las grandes empresas, y cuyo consumo de productos artísticos funciona como exención fiscal. Este sistema de producción artística, en lo que se refiere a sus contenidos ha sido inseminado por el political correct de los Estados Unidos, y que tiene como fundamento abrir los espacios de expresión y representación a las minorías raciales, religiosas, de lengua y la

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integración de los géneros. El marco crítico social que constituye esta mentalidad “progre” se produce en las universidades norteamericanas de los años 60. También tiene como influencia el pensamiento post-estructuralista francés y la semiótica. El equipamiento teórico de las artes visuales de las décadas 90, 2000 y 2010 se apoya en este coctail para justificar la pobreza creativa y su nulo efecto social. Los curadores no sólo lograron conceptualizar el arte, sino que además lograron el concepto de museo baldío. Sobra decir que la pintura, la escultura y la gráfica son vistos con desprecio por el sistema global del arte, y estos prejuicios se han incrustado también en la crítica y las escuelas de arte. México La obsesión nacional es tener el reconocimiento del exterior. Desde las críticas a la llamada Escuela Mexicana en los años 50, se han importado los modelos de producción, distribución y consumo de arte así como los estilos y los movimientos artísticos de Europa y Estados Unidos. La diferencia es que mientras en las metrópolis culturales hay un sistema que engloba el mercado, la producción, la crítica, la teoría y la academia, en México cada una de estas D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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instancias trabaja por su cuenta y sin establecer puentes de comunicación. Esto quiere decir, que tenemos la ausencia de un sistema cultural y en cambio instituciones que “funcionan” con bajos presupuestos. En México se favorece la inversión con bajísimos impuestos para las empresas, y la mayor cantidad de recursos de los que se hace el Estado provienen del petróleo, las remesas y el IVA. Las fundaciones culturales son pocas y la inversión en arte por parte de la iniciativa privada es volátil. Con todo esto, se puede ver que la imitación del sistema cultural

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internacional está fuera de contexto, y que la única instancia que ha sido constante en el financiamiento en el arte y la educación artística es el Estado, cada vez más pobre, cada vez más renuente a la inversión en las artes y las humanidades. El hecho de que en este sexenio la SEP haya sacado a la filosofía de los planes y programas de estudio a nivel medio básico, muestra bastante la mentalidad del siglo XXI mexicano. No extraña que el desprecio contra la pintura contemporánea en este país sea una política de Estado. La ENAP 1.- El plan de estudios es de 1973. No se han incorporado las tendencias contemporáneas. En su estructura se inhibe la producción artística. Es inadmisible que alguien se forme como artista con nueve horas de taller. 2.- La mayor parte de la planta docente no tiene carrera artística. 3.- La presencia de la escuela en los museos de la UNAM es nula. 4.- La presencia de la escuela en cualquier otro espacio exterior también es nula. 5.- Los pocos maestros que tienen una producción no tienen nivel de investigador y los que tienen nivel de investigador no son artistas.

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6.- Los pocos maestros que tienen una producción artística se ven acosados por el fachismo cibernético, viéndose obligados a la firma electrónica, con lo que se limita aún más su capacidad de maniobra para operar en la escuela y en la producción y difusión de su trabajo, por no mencionar el sueldo con lo que la institución lo tiene valorado. 7.- Los únicos maestros que producen artistas son los que tienen obra y carrera artística. 8.- Urge separar las dos carreras y urge cambiar a Artes Visuales a CU.

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En conclusión, México es el país que camina en sentido contrario al sentido común. Para corregir el severo deterioro en el que se encuentra la escuela es necesario corregir el rumbo que nos trajo hasta aquí.

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Profesora Teresa Bárcenas Barreto Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Reflexión sobre el proceso de comunicación en el arte del siglo XXI Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

Los procesos de comunicación construyen modelos socioculturales que relacionan lo social, lo personal lo interpersonal, lo institucional, las organizaciones, los partidos, los sectores los movimientos y las actuaciones de las masas; donde interesan no solo los modos de decir y de ser sino también las formas de interactuar. Estas interacciones implican narraciones de identidades, de procesos interculturales, de visiones del mundo que se proyectan en torno a la sociedad y el estado y gestan las condiciones sociales, económicas y políticas en las que se escribe la historia. En el siglo XXI la revolución de la comunicación ha producido profundos cambios culturales, sociales, políticos y económicos.

. El registro del incremento en la

comunicación ha producido un cambio sustancial en la civilización moderna y por ende un cambio cultural que se percibe a gran velocidad en un modelo social producto de inmensas transformaciones a las cuales no todas las sociedades y los seres humanos que en ella forman parte están preparados para cambios culturales tan intensos, sorpresivos y veloces. Sin embargo la comprensión del cambio y la capacidad de asimilación de los mismos es una necesidad imprescindible pues ahora es uno de los activos más importantes de la sociedad. Es aquí donde las nuevas ideas y cambios surgen evolucionando los marcos culturales en direcciones diversas que se acomodan y reajustan en nuevas visiones del mundo. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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El arte como medio de expresión cultural participa en el proceso de transformación y expansión de la comunicación

evolucionando conforme al progreso tecnológico y

abriendo paso a la modernización creativa. En este proceso de creatividad humana nos identificamos y nos comunicamos siendo capaces de establecer relaciones con modelos de expresiones artísticas “clásicas” como pintura, escultura, estampa, entre otras y con otras formas de expresión más innovadoras como graffiti, media art , body painting entre otras.

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El arte de las nuevas tecnologías es reciente y alternativo, demandante de nuevas técnicas de percepción artística y de innovadoras perspectivas críticas. Silvia Berkoff establece que la fluidez de los medios de comunicación nos permite que las tendencias artísticas más complejas e innovadoras no permanezcan cerradas y contribuyan al enriquecimiento entre ellas no importa lo lejanas que se encuentren entre sí pues ya no resultan ser desconocidas contribuyendo al entendimiento y comprensión de los modos de ver el mundo. Las tendencias creativas transitan de lo local a lo regional, luego a lo nacional y en instantes a lo internacional suscitando la comunicación en constante retroalimentación en forma de diálogo entre el emisor y receptor. De esta manera las nuevas tendencias artísticas no permanecen constantes a su originalidad, quizá se modifiquen se vuelvan híbridos de otras y sean más ricas y distintas pero referentes a este modelo de “comunicación inmediata” de una nueva realidad inherente a las nuevas tecnologías. Todo ello genera una complejidad en el proceso que hace identificar al artista en su rol social que desempeña en esta nueva sociedad con tecnologías innovadoras e “instantáneas.” El artista del siglo XXI es producto de una identidad colectiva que debe de explicarse paradójicamente a la esencia que lo hace ser más humano, más racional,

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multidimensional; y a la capacidad de avance y evolución de su pensamiento filosófico y antropológico. Es a través del acondicionamiento de su capacidad de asimilación a los cambios de transformación que el ser humano genera innovaciones a la forma en que se adapta y emerge al cambio. La evolución de la vida misma podríamos decir se mueve a la velocidad de la expansión de las comunicaciones en esta nueva sociedad. El arte como proceso social y cultural Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

avanza a la par del progreso de las nuevas tecnologías y suscribe interacciones entre el artista y el espectador que día a día son inimaginables en el proceso de comunicación. El siglo XXI extendió la variedad de lenguajes y expresiones del arte en una nueva manifestación de la cultura en continua evolución conformando una pluralidad de lenguajes, modos de ver el mundo, técnicas de expresión visual donde la universalidad del lenguaje informático condujo al arte fuera de sus propios límites. Para los artistas contemporáneos, la tecnología abre nuevas puertas. El empleo de nuevas herramientas provoca la reflexión del espectador donde los lenguajes cambian pero las preocupaciones fundamentales del hombre siguen vigentes en las preguntas de ¿quiénes somos? Y ¿a dónde nos dirigimos? Ejemplos de la relación de las comunicaciones y el arte son innumerables. Entre muchos citaré las expresiones artísticas que hubo en el Museo Reina Sofía, el cual presentó trabajos de artistas que relacionaban el arte, la ciencia, la tecnología y la sociedad, específicamente en el 2008 con muestras de ADN. Específicamente en esta exposición los códigos de interrelación entre el espectador y el artista provocan que el arte se evidencie como “vivo” en la manera que interactúa con el espectador. Máquinas en movimiento, robots animados, fuentes animadas con fluidos D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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químicos de colores, animaciones, instalaciones, dibujos y pinturas en tercera dimensión que siguen al espectador, animales plastificados que se mueven con el viento; además de la participación del artista Theo Jansen con sus creaciones de máquinas con algoritmos que simulan programas. Es interesante reflexionar sobre los nuevos procesos de comunicación referentes al arte en cuanto nos conlleva a una nueva realidad construida a partir de una nueva serie de transferencias y desplazamientos generados por un momento de cambio radical donde

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tiene cabida la posmodernidad con componentes

transgresores y aperturistas que

generan una realidad global dirigida a la diversidad cultural, la difusión artística, la influencia intercultural y la competencia interdisciplinaria.

D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Mtra. Adriana Raggi Lucio Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Junio, 2011

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Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Las artes visuales en nuestro siglo están atravesadas por diversos elementos, uno de los más importantes es la cuestión de la teoría. Los creadores artísticos del siglo XXI deben ser capaces de cuestionar su producción y el contexto de esta, deben saber cuestionarse para empezar qué es la imagen, pensemos desde el punto de vista de Georges Didi-Huberman:

[…] la noción misma de imagen –tanto en su historia como en su antropología– se confunde precisamente con la tentativa incesante de mostrar lo que no puede ser visto. No se puede “ver el deseo” como tal, pero los pintores han sabido jugar a encarnarlo para mostrarlo; no se puede “ver la muerte”, pero los escultores han sabido modelar el espacio como la entrada a una tumba que “nos mira”; no se puede “ver la palabra”, pero los artistas han sabido construir sus figuras como otros tantos dispositivos enunciativos; no se puede “ver el tiempo”, pero las imágenes crean el anacronismo que nos lo muestra en acción; no se puede “ver el lugar”, pero las fábulas tópicas inventadas por los artistas nos muestran –por medios a la vez sensibles e inteligibles– la potencia “vaciadora” de éstas. De este modo, toda la historia de las imágenes puede explicarse como un esfuerzo para rebasar visualmente las oposiciones triviales entre lo visible y lo invisible.1

1

Georges Didi-Huberman, Imágenes pese a todo. Memoria visual del Holocausto, trad. Mariana Miracle, Biblioteca del presente Barcelona, Paidós, 2004, p.p. 197-198. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Por lo que el arte rebasa las oposiciones triviales a través de dispositivos enunciativos, estos son una cuestión sumamente importante para entender de qué se trata la construcción de un pensamiento artístico que lleve a la producción ya sea de objetos, ya sea de conceptos, que cuestionen y sean capaces de incidir en la sociedad, o cuestionar sus contextos, de una forma contundente. Los artistas contemporáneos han construido diferentes medios a través de los cuales pueden expresar y cuestionar a su público, así como también a su mismo medio creativo. Una de las características más importantes del arte actual es que habla desde la construcción conceptual y a

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través de ella analiza a sus propios medios. Ya sea un pintor, un artista conceptual o un creador de objetos, el pensamiento es la base de todo arte, de hecho la interdisciplinariedad es lo que le da al artista la capacidad de moverse de un lugar a otro para poder ver desde diferentes puntos de vista a la creación artística.

Aquí cabe pensar en la construcción de imágenes y conceptos en el contexto actual del arte tiene diferentes lugares y repercusiones, uno de los más importantes es la realidad del mercado del arte y de la llamada corriente principal o mainstream, de la cual Luis Camnitzer nos dice que:

A pesar de que el término se reviste de repercusiones democráticas al sugerir la existencia de una institución liberal que goza da apoyo de la mayoría, es en realidad un ordenamiento más bien elitista que refleja una clase social y económica en particular. En realidad, la corriente mayoritaria presume la existencia de un grupo reducido de cancerberos culturales y representa un grupo selecto de naciones. Denomina una estructura de poder que promueve una cultura hegemónica autodesignada. 2

2

Luis Camnitzer, El acceso a las corrientes hegemónicas del arte, 1995, http://www.proyectotrama.org/00/trama/SaladeLectura/index.html. Consultada en junio 2011. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. La promoción de esta cultura hegemónica va a influir fuertemente al creador de América Latina que se verá atrapado en este mundo de cancerberos culturales y que tendrá que enfrentarse a este hecho y tomar decisiones al respecto: ¿porqué conceptos y caminos llevará su trabajo?, ¿entrará en este mundo del mainstream o intentará cuestionarlo? Para poder enfrentarse al problema necesita tener muy clara la situación, necesita tener un respaldo de conocimientos que lo lleven a entender qué sucede a su alrededor. Es por esto que el fondo cultural y educativo que debe que tener un creador actual en el mundo del arte es sumamente relevante, para ser capaz de tomar decisiones el artista necesita una fuerte

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capacidad de análisis y una solida formación, que le permita desarrollar ideas y que no frene sus capacidades creativas e intelectuales. Las finalidades del arte contemporáneo son distintas y variables, los artistas deben ser capaces de decidir de forma individual y libre qué es lo que quieren hacer o en su caso y momento cuestionar.

Si como dice Didi-huberman existe en el arte la tentativa incesante de mostrar lo que no puede ser visto, lo que un artista hace es mostrar a través de diferentes construcciones problemas sociales, que son concretos pero que pueden estar invisibilizados, traer a la luz a través del arte es un trabajo esencial del artista. Quien nos hará ver, por ejemplo, las hegemonías culturales y sus dobles discursos, pensemos aquí en la obra de Sandra Ramos (Cuba, 1969), quien a través del cuerpo y la geografía cuestiona la situación de América Latina en el mainstream, o también en la obra de Nicola Costantino (Argentina, 1964) quien utiliza su cuerpo para criticar las construcciones sociales respecto a la mujer. Es por lo tanto, esencial entender que el arte contemporáneo va más allá de las forma y los encasillamientos formales y técnicos, que su construcción está atravesada por conceptos, ideologías, el mercado y los poderes económicos y sociales, y que la única forma en que los artistas pueden enfrentarse a la realidad artística y social es a través de D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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la construcción del conocimiento y de la teoría. Un artista contemporáneo es el que es capaz de manejar su espacio, su tiempo, sus conceptos, la teoría, los materiales del arte, con fluidez y gracejo. Es aquel que trata de mostrar lo que no puede ser visto, de una forma interdisciplinaria y siempre con conocimiento de los elementos, los conceptos y el mundo que lo rodea. El arte es siempre

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un mundo que se abre ante nosotros.

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Bibliografía Didi-Huberman, Georges, Imágenes pese a todo. Memoria visual del Holocausto, trad. Mariana Miracle, Biblioteca del presente, Barcelona, Paidós, 2004.

Camnitzer,

Luis,

El

acceso

a

las

corrientes

hegemónicas

del

arte,

1995,

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http://www.proyectotrama.org/00/trama/SaladeLectura/index.html. Consultada en junio 2011.

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A.V. Aidee De León De la Torre. Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Hablar del contexto social, cultural, económico y político en un panorama de egreso de la Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

Escuela nacional de Artes Plásticas es algo en extremo complejo. Comenzaré por analizar la situación actual del arte en México, siendo nuestro objetivo principal como institución de arte. El interés principal de la Licenciatura en Artes visuales es introducir artistas bien preparados a la sociedad dentro de la esfera cultural, siendo, en menor importancia un afán económico, porque comparado con el mundo económico del país, el arte ´proporciona un porcentaje mínimo. Aún no es una obligación para la sociedad ni existen leyes sobre las empresas que obliguen a destinar cierto porcentaje de sus ingresos al arte como en otros países. El perfil de un artista visual “exitoso” es lo que compete, es por demás decir que es completamente polémico hablar de esto de acuerdo a los criterios que lo definan, ¿Qué es un profesionista artista visual exitoso? Desde un extremo puede tomarse como tal cuando el egresado es capaz de sobrevivir dentro de la sociedad sin dejar su campo de estudio. Es una Licenciatura donde el alumno va definiendo sus intereses de acuerdo al transcurso de su carrera, de acuerdo a esto el alumno logra sus propios objetivos. Otro tipo de egresado “exitoso” es aquel que en menor o mayor escala, su formación le sirve para D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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otras actividades diferentes a la producción de obra artística, tales como los investigadores, curadores, museógrafos, etc. En otros pocos casos comparten 2 o más funciones incluso al lado de la producción personal. Otros son los “románticos”, un sentir que acompaña a la mayoría de estudiantes, la importancia de proyectar su obra bien sustentada en específicos recintos de la cultura, la trascendencia, el tener reconocimiento en la esfera cultural, y a veces más que la nacional. Qué alternativas ofrece la ENAP para ayudar a los jóvenes a incorporarse a un modus

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vivendi, que en países de primer mundo si es posible vivir como con cualquier otra Licenciatura. Los artistas visuales profesionales en este siglo XXI se encuentran desde el XX dentro de una movilidad constante, tanto física como ideológica, conceptos como la globalización van marcando caminos diversos dentro del arte. Ya sea por estudios, por exposiciones o por trabajo de producción los artistas viajan y se “internacionalizan”, de ahí que en muchos casos los artistas se queden fuera del país, en otros casos regresan para aportar conocimientos asimilados a través de su obra, no así “”mexicanizándola” como en el caso del artista visual Gabriel Orozco, egresado de esta institución. Tampoco se trata de usar lo local afectado del arte extranjero del primer mundo, sino seguir la línea de investigación propia con todas sus ramificaciones alternativas del arte. No se puede escapar de mencionar el débil mercado del arte contemporáneo que existe en nuestro país, que apenas se distingue en un mercado global, son muy pocas las galerías que se destacan fuera del país. Incluso dentro hay gran cantidad de ellas con aportes culturales de distintos niveles pero que en su mayoría no venden lo suficiente y en pocos años cierran si no encuentras otras alternativas de mercado.

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En este panorama, ¿Cómo puede una escuela de arte colaborar dentro de la sociedad para generar mayor cultura del arte? ¿Cómo se pueden formar nuevos coleccionistas y consumidores de arte? ¿Cómo ampliar el mercado a los artistas vivos, al arte contemporáneo? ¿Qué más se puede aportar desde las consignas multiculturalistas? ¿Qué hay más allá de los estigmas del Kitch, lo exótico, lo primigenio, lo marginal, lo indígena, la promiscuidad, lo decadente, lo popular, la tradición, las copias o pastillajes del arte de primer mundo?

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Por otro lado las posibilidades técnicas se multiplican por ello la experimentación en todos los ámbitos se encuentra fértil desde aquí se sigue hablando de las realidades sociales políticas y culturales como dice la historiadora y crítica de arte Irma Arestizabal “ Se transita de formas de arte cruel a obras que reflejan un sentido lúdico de la existencia, de la fruición estética al compromiso político, desde lo social a las obsesiones personales, de la liberación de la sexualidad a lo erótico y simbólico, de la ironía a la inversión lógica. Del humor más creativo a un imaginario más frío y personal”. Ejemplos claros de artistas contemporáneos mexicanos que se deben analizar en nuestra labor como académicos son: Carlos Amorales, Iñaki Bonillas, Miguel Calderón, Minerva Cuevas, José Dávila, Guillermo Gómez-Peña, Silvia Gruner, Yishai Jusidman, Gonzalo Lebrija, Rafael Lozano-Hemmer, Teresa Margolles, Gabriel Orozco, Damián Ortega, Fernando Ortega y Pablo Vargas Lugo principalmente. Estos artistas son un ejemplos de aportes sustanciales a la cultura de nuestro país, se podría buscar un vínculo con algunos de ellos, no una conferencia una vez al año, sino cursos o vinculaciones con sus proyectos para los Académicos y de esta manera transmitir los conocimientos a los alumnos, de esta manera se llegaría a más comunidad de la ENAP y con el compromiso de los docente a la cultura y a la sociedad.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. M.A.V. Alejandra Ríos Silva Escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM

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Agosto, 2011

Consideraciones sobre el diseño curricular de las licenciaturas en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM Este documento es una respuesta a la solicitud de puntos de vista sobre la situación actual de las Artes Visuales y el Diseño y Comunicación Visual, en el marco de la presentación de propuestas para la actualización de planes y programas de licenciatura de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Expongo aquí, respetuosamente y bajo mi completa responsabilidad, algunas consideraciones – muy posiblemente compartidas- desde mi experiencia docente en las artes y el diseño, en nivel superior y en el ámbito público, con el sano deseo de que brinden alguna utilidad para nuestra comunidad universitaria. Estas se refieren a la estructura curricular, e intentan incidir en los criterios de reorganización de los planes y programas. Una base pedagógica clara y adecuada al área de conocimiento: Es muy importante precisar las bases pedagógicas idóneas para la enseñanza-aprendizaje actual de las disciplinas preponderantemente creativas, que atiendan a las necesidades psicológicas, expresivas, constructivas y emotivas de los estudiantes, respecto a su potencial creativo o, específicmente, su “zona de desarrollo próximo” (Vigotsky), además de los aspectos cognoscitivos; desde luego, precisadas por expertos y expuestas oportunamente a la planta docente en su D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. ingreso y en continuidad. Las disciplinas artísticas seguramente difieren en sus necesidades emocionales respecto a la enseñanza-aprendizaje de las sociales, las tecnológicas o las científicas; sabemos que una cosa es producir experiencias y otra diferente es producir modelos teóricos u operativos. Asimismo, la correspondiente capacitación y actualización docente constantes, respecto a un conocimiento adelantado en las técnicas desarrolladas por los especialistas. La investigación como base formativa: El trabajo formativo por proyectos puede descargar a los estudiantes –y también a los profesores-,

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de gran parte de labores mecánicas y automáticas superfluas que requieren de muchas horas de elaboración tortuosa en el cumplimiento de numerosas materias. Esto es, abordar la educación en base a problemas (sociales) concretos, como recomienda la teoría pedagógica del constructivismo (social), nada nueva (está el trabajo experimental de Von Glaserfeld en Italia, en los 70’s) y recomendada internacionalmente hace al menos dos décadas: menos materias y más observación de la realidad individual y social; misma práctica (o mayor) de habilidades, destrezas y competencias, y una mejor comprensión de la intervención con el medio. Este punto, en mi opinión, es el más importante. Es pertinente enfocarse a problemas objetivos, pues tanto en los problemas artísticos como en los del diseño y la comunicación visual es preciso el planteamiento de objetivos y metas. Más allá de ser la intuición la guía principal del trabajo creativo, la organización y la disciplina son fundamentales para la generación de productos viables, así como para la misma experiencia formativa. La comprensión de la utilidad de las metodologías disciplinarias, en su justa dimensión, es una herramienta fundamental para la investigación en cualquier área de conocimiento. Desde el comienzo del nivel licenciatura, la metodología de la investigación aplicada (no sólo informativa, o como materia aislada), puede convertirse en el principal apoyo del desarrollo formativo y profesional. Conocer en la práctica cómo armar un protocolo de proyectos de investigación (así como las bases de gestión cultural de tales proyectos) como pertenecientes a una realidad social, otorga un mayor significado a los proyectos formativos. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Es cierto que definir qué es investigar en diseño y en artes es uno de los retos actuales, pero hay que acelerar y arriesgar propuestas pronto para no postergar más los productos de nuestras disciplinas, ante la competencia productiva con las otras escuelas y facultades, y con otras instituciones; también urge fomentar la interdisciplina, con visión a la transdisciplina. Los productos de la investigación en artes y diseño pueden rebasar en número y hasta en calidad a los reportes esporádicos –en su mayoría muy interesantes y trascendentes- que se realizan y presentan en la ENAP, los cuales deberían ser la norma de una universidad que se apoya en los propósitos de la Investigación, la Divulgación, la Docencia y el Servicio; sí atender más a los

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productos en forma de publicaciones, pero mejor aún a los resultados tangibles en la sociedad. Asimismo, vemos que va ganando terreno la epistemología como parte necesaria de toda formación profesional (acaso una materia básica y no optativa). Una epistemología del arte y una del diseño, que configuren en el pensamiento creativo de los investigadores una noción más depurada de lo que significa producir conocimiento artístico y diseñístico, como experiencias reales, mucho más allá de una teoría hueca o una historiografía cientificista. Del mismo modo, la práctica de la reflexión teórica debe contribuir en la construcción de una historia y una teoría propias del (los) Diseño (s) y de la Comunicación Visual, las cuales siguen siendo profesiones emergentes; hacer crecer a estos marcos de referencia paralelamente a los ya mejor conformados del arte, cada uno con su propia evolución. Este es un aspecto más de atraso respecto a otras escuelas, en las que se imparte expresamente la materia de Historia del Diseño Gráfico, Historia de la Comunicación Visual o Historia de la Imagen y no solo una Historia del Arte para que interpreten los comunicadores y diseñadores. Por otro lado, la Historia del arte mexicano oficial puede ser rebasada por una Historia del arte mexicano más real, si la investigación teórica e histórica ocupara un espacio respetable en el diseño curricular, inclusive como especialidad profesional dentro del arte aplicado. Es menester argumentar porqué sí, o porqué no, un estudiante de artes o de diseño pudiera aspirar desde su formación a convertirse en un especialista de la crítica o la teoría de su propia área de conocimiento (una práctica literaria poco abordada aún), antes que dejar a la especulación de los filósofos o historiadores la definición de nuestros propios marcos de referencia conceptuales; esta posibilidad es por lo común rechazada, D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. pero ha producido el mito de que los críticos y teóricos del arte o del diseño sean creativos frustrados; tal vez ya sea hora de insistir en argumentar el arte y el diseño desde los talleres, y hacer su teoría desde su práctica. El plan por materias en la formación de las disciplinas creativas, tiene muchas limitaciones para permitir “observar el panorama completo”, como recomiendan los expertos en creatividad, paradójicamente. En resumen, menos materias y más tiempo para la reflexión teórica sobre la práctica, con asesorías adecuadas.

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Un tronco común para ambas licenciaturas: Es deseable irse encaminando hacia un plan de estudios de unificación de las artes visuales actuales, previa definición institucional concienzuda tanto de las artes como del diseño. Esto sugiere la conveniencia de convertir en un tronco común la primera etapa de ambas licenciaturas. Las diferencias entre las artes y el diseño son pragmáticas –como sus coincidencias son instrumentales-, y es en la convivencia cotidiana como pueden apreciarse mejor sus diferencias y sus similitudes disciplinarias. Por ejemplo, comenzar con un taller básico de proyectos guiados y algunas materias de habilidades teóricas y prácticas, en lo sucesivo menos materias y un taller de proyectos asesorados. Posteriormente la elección de talleres de especialidad (diseño para la animación, diseño para la edición, plástica escultórica) y talleres de perfeccionamiento técnico (dibujo anatómico, técnicas de animación digital) para cada área. Además, la posibilidad de practicar el dibujo en todos los niveles, en sus diferentes vertientes (técnico, artístico, digital) y en altos niveles de calidad. Por último, sería oportuno fomentar servicios sociales y tesis profesionales interdisciplinarias. Una definición profesional de las Artes Visuales, de la UNAM: Es indispensable no postergar más una redefinición clara y actual de las Artes Visuales de nuestra Máxima Casa de Estudios –bien reconocida en Latinoamérica-, que se actualice con la realidad cultural del país. Esto es, puntualizar con claridad de qué diseño y de qué arte hablamos en la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Escuela Nacional de Artes Plásticas con el fin de plantear mejor nuestros objetivos, así como también el perfil de ingreso y egreso de los estudiantes. La oferta educativa del Diseño y de la Comunicación Visuales hoy es extensa y variada en las diferentes instituciones y centros educativos públicos y privados del área metropolitana y del país, rebasando ya a la UNAM en su claridad por especializaciones. Y, aunque es cierto que la UNAM pretende abrirse a la diversidad de la sociedad, las orientaciones que ofrece desde la pasada actualización de planes y programas no han sido suficientes ni entonces ni ahora ante las demandas sociales; los egresados reportan que tienden a comenzar a reaprender modos de Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

laborar en la realidad, eso sí, aprovechando las habilidades técnicas (no las teóricas ni las metodológicas que les ofrecerían seguridad e iniciativa propias, desafortunadamente) aprendidas en nueve semestres de numerosas materias. Por otra parte, en oferta educativa de las Artes Visuales o Plásticas, la UNAM sólo compite de manera profesional con la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, del INBA (y con la escuela de diseño y artesanías), aún en el discurso de las “bellas artes”, igualmente en crisis de recursos y poca atención del gobierno. Hacerse artista visual profesional en la ciudad de México hoy en día no tiene muchas opciones, lo cual incrementa el compromiso de la UNAM. Es cierto que el estímulo a la formación de productores de las artes no es prioridad de gobiernos en crisis económica. Sin embargo, es desde la Universidad, generadora del conocimiento como fortaleza de una nación, que pueden generarse las mejoras culturales, haciendo uso pleno de la autonomía ganada por nuestros predecesores universitarios. La actualización de planes y programas es una oportunidad para dar el lugar que merece el conocimiento artístico, junto con el científico y el tecnológico. Entre otras cosas, necesitamos un Arte que vista al entorno urbano, el público y el privado, que desarrolle el espíritu estético en lo social y en lo doméstico, y que lo haga de manera más congruente con nuestra realidad cotidiana. Necesitamos estimular nuestro espíritu constructivo de principios estéticos auténticos, que se viertan en todos los quehaceres de nuestra cultura. Es decir, requerimos facilitar la apropiación de nuestras capacidades expresivas, y en ello la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. construcción de nuestra propia identidad cultural, sin negar la diversidad y el contacto e intercambio internacionales; un arte no nacionalista pero sí uno que reconsidere también a nuestras raíces anteriores a la colonización europea, cada vez más olvidadas y abandonadas; una percepción más refinada en la que se comprenda mejor la idea del diseño mexicano y del arte

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mexicano, actuales y genuinos.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Alfredo Rivera Sandoval Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

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Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI

El dibujo en el contexto del siglo XXI La enseñanza del dibujo ha pasado de ser académica a eminentemente reflexiva. Si bien antes la clase se fundamentaba en el desarrollo de una imagen que partía del objeto frente del autor, y que había que conseguir una imagen mimética basada en estrictas fórmulas de degradación y proporción, hoy en día el dibujo se le reconoce como un valor formal claramente independiente y que no necesariamente debe de responder a criterios de naturalismo. El dibujo es el medio para transmitir ideas. El dibujo contemporáneo no se basa sólo en un adecuado manejo de una técnica sino en la posibilidad de su reconocimiento como lenguaje. Un dibujo puede ser hecho con cualquier materia, desde el clásico lápiz de grafito, un bolígrafo, carboncillo e incluso mediante una tableta digital. En realidad lo que importa no es el medio como se ha conseguido el resultado en forma de dibujo sino la idea que se pretende transmitir. El momento que pasan el arte contemporáneo exige una profunda reflexión que va desde lo social, lo económico, lo conceptual y no sólo lo emotivo. Debe de hacerse una revisión de los planes y programas de estudio de la licenciatura en Artes Visuales con el propósito de que cubran este factor.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Actualmente no existe un programa de contenidos en el área de dibujo que contemple este factor. Se debe de reunir el colegio o de manera aislada hacer propuestas específicas para posicionar el dibujo como una forma particular y única dentro de las artes plásticas y visuales. Es importante considerar que al estudiante se le inculcará la formación más que como entrenamiento como un proceso. Se trata de un proceso reflexivo que involucra los sentidos, que involucra el intelecto. El alumno ingresa al la carra teniendo poca idea de que es lo que enfrentará en una asignatura así.

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Se dará cuenta de que el dibujo implica más que una fórmula, que implica más que un entrenamiento, más que una habilidad. Se dará cuenta que es un proceso, un proceso largo que probablemente abarque mucho más que la duración de la carrera misma. Si bien los criterios de formación en el inicio de dibujo tiene que ver con la experimentación, el conocimiento de los materiales tanto nuevos como tradicionales del dibujo, el entrenamiento y la generación de disciplina, es importante que desde un inicio se le inculque la necesidad de la reflexión en torno a la actividad dibujística. Cuando se dibuja se piensa, se reflexiona, se analiza, se toman decisiones. No es una actividad meramente mecánica, involucra los sentidos, el cuerpo de ahí que se deba dirigir el conocimiento hacia el desarrollo de la sensibilidad y el análisis. Así llegado el momento de analizar sus propios dibujos la autocrítica será fundamental dado que ha aprendido a valorar no sólo desde el uso específico de los materiales sino en función de la búsqueda específica deseada. El dibujo está en todas partes, no sólo en el aula. Es importante inculcar en el estudiante no sólo la necesidad de aprender a dibujar ya que si sabe dibujar sabe ver, sino también en el hecho de que el dibujo como razón de ser por si misma puede proveerle de herramientas de observación y análisis que le conducirán de ser el caso a mejores resultados en la práctica de otras artes. Además la educación visual que supone el reconocimiento de que le dibujo está por doquier le permitirá ser más sensible a las expresiones que mediante el dibujo constantemente se tienen como puede ser el grafitti, el rotulismo, o cualquier expresión que en principio pueda ser considerada ajena al arte. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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La experiencia de llevar el dibujo fuera del aula contribuirá también en una mejor compresión del

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mismo desde el ámbito de lo cotidiano y no nada más como una expresión “artística”

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M. en A.V. Antonio Morales Aldana Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Junio, 2011

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Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI

“la Universidad debe ofrecer al estudiante por diversas vías de la docencia organizada, el panorama de los conocimientos que se están generando en los campos diversos de su interés profesional”.

Daniel F. Rubín de la Borbolla

Para abordar el tema seleccionado, desearía tomar como ejemplo el caso de la Universidad Nacional Autónoma de México. Si bien, tan noble tarea se realiza en diversas instancias pero dada la riqueza de información que quien escribe cuenta, es natural describir la fenomenología de la mencionada universidad.

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Sin duda, la revolución cultural del siglo XX mexicano fue construida y lograda por la Universidad Nacional Autónoma de México; fue la Universidad Nacional, con un programa de extensión y difusión de la cultura único en el mundo la que construyó una tradición de difusión cultural fuerte e importante, -pocas o casi ninguna universidad en el mundo tiene esta tradición de difusión cultural. Sin embargo, hoy día en una Universidad de carácter Nacional como lo es la nuestra, la generación de conocimiento carece de sentido siendo que ésta no se difunde.

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En la UNAM se publica un libro y medio al día, en esta estadística se ubica ligeramente atrás de Oxford University Press y Harvard University Press pero, existe una diferencia: Oxford y Harvard distribuyen sus libros, la UNAM los embodega. Por esta razón, es impostergable formular una política institucional de difusión cultural que de manera articulada y eficiente, no sólo contribuya a educar y difundir nuestro invaluable patrimonio sino genere conocimiento en nuestro seno y nación. Ya el Rector Ignacio Chávez decía “convencernos de que la cultura no es sólo un saber, sino un saber aprender, un saber juzgar, un saber resolver”.

“Conciencia de la cultura como una realidad a partir de la cual ha de ser ella misma transformada. …Cultura como expresión de una realidad que sentimos insuficiente …y por lo mismo urgida de cambio…”.

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Efrén del Pozo El proyecto cultural del siglo XX mexicano le debe mucho a la Universidad Nacional. En el México de los años cincuenta y sesenta, era imposible pensar en vida cultural alguna sin que en ésta estuviera incluida en las aulas, teatros, orquestas, exposiciones y cines de la Universidad Nacional. En su carácter Nacional, la Universidad era un parámetro, un punto de referencia

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necesario para todas las universidades del interior del país, y el modelo de enseñanza, investigación y difusión, como objetivo integral, fue multiplicándose en distintos lugares del país con mayores o menores posibilidades. Luego, el país se diversificó, nacieron otras universidades, otras instituciones y la difusión cultural ciertamente dejó de ser universitaria.

La Universidad hizo mucho por la vanguardia en este país, pero de unos años a la fecha dejó de ser la vanguardia en la vida cultural, en ella se adocenó el radicalismo político y la empobreció rotundamente –todos los radicalismos tienden a empobrecer la imaginación y la creatividad que son las condiciones esenciales del desarrollo artístico-, sin embargo, la Universidad no por ello ha dejado de ser protagonista, si bien es cierto que ahora no es la única, de todas maneras está destinada a jugar un papel muy importante en este siglo veintiuno. Y es que una de las pocas instituciónes nacionales que puede iniciar la gran revolución académica que genere la posibilidad de la interdisciplinariedad y la multidisciplinariedad es la Universidad Nacional.

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Es por ello y, particularmente basándome en las investigaciones y opiniones universitarias vertidas en los diversos espacios de reflexión y análisis que la Comisión Especial para el Congreso Universitario (CECU) de la UNAM generó del 2003 al 2008, es que deseo dar un panorama general de la tercera función sustantiva de la UNAM: la difusión cultural.

Desde 1929 se estableció que la UNAM tiene el imperativo de "extender con la mayor amplitud posible los beneficios de la cultura". A partir de entonces, el Estado le ha Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

encomendado la salvaguarda de museos, colecciones e instituciones científicas, humanísticas y culturales. La difusión de la cultura es, para la Universidad Nacional, una de sus tres tareas sustantivas, adquiriendo la misma importancia y trascendencia que las funciones de docencia e investigación, aunque sean diferentes sus características académicas. Para incorporar las actividades de difusión cultural a la estructura que rige la vida académica de la UNAM, en 1993 el Consejo Universitario aprobó la creación del Consejo de Difusión Cultural integrado por un representante de cada una de las entidades académicas afines, así como de los consejos académicos de área.

La política de Difusión Cultural y Extensión Universitaria contempla como objetivos principales:

1. La vinculación de las tres tareas sustantivas de nuestra casa de Estudios con un carácter integral del quehacer universitario haciendo accesibles para todos los

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conocimientos adquiridos en cada campo específico del saber y difundiendo los valores de la cultura universal. 2. La promoción de la actividad cultural en todas las dependencias universitarias. 3. La proliferación de grupos artísticos donde participen todos los miembros de la comunidad. 4. La profesionalización de las actividades artísticas y de medios de comunicación. 5. El aprovechamiento al máximo de los medios de comunicación universitaria

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6. La generación de recursos extraordinarios para desarrollar las artes y la cultura de la Universidad.

Bajo este contexto, se promueven diferentes reformas a fin de diversificar y mejorar la vida cultural de la UNAM. En general, los temas que la comunidad universitaria considera torales a modificar para el mejor desempeño de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM son los siguientes:

Organización y Estructura

Problemática: -

La difusión de la cultura no es una función sustantiva, ni en términos de

presupuesto, ni en la estructura misma del propio subsistema, ya que tiene un status no académico. -

La estructura administrativa del Subsistema de Difusión Cultural ha crecido en

muchos sentidos improvisadamente. Se ha creado un aparato burocrático duplicado, D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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recursos humanos desperdiciados, división administrativa traducida en un sin sentido de operaciones, trámites, y papeleo.

Propuestas: -

La difusión de la cultura debe ir acompañada de la profesionalización de su

personal. Su integración a la UNAM debe darse a partir de procesos de evaluación

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académica que queden comprendidos en el Estatuto del Personal Académico y así permitir la formación del personal de carrera en esta área.

Política Institucional

Problemática: -

La difusión cultural no tiene como objetivo general coadyuvar a la formación

integral de los estudiantes. -

Ausencia de una política cultural, así como carencia de directrices políticas, ligado

esto a la improvisación. Propuestas: -

Debe discutirse y proponer lo que la UNAM entiende por Difusión Cultural; señalar

de que cuerpo y órganos se compone, sus metas y objetivos específicos.

Personal D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Problemática: En toda actividad universitaria, y no se diga en la de difusión cultural, el personal que forma parte de dichas actividades juega un papel fundamental para el éxito de las mismas. En este sentido, la principal problemática planteada va en dos sentidos: el primero se refiere a los programas de actualización y promoción del personal académico, ya que quienes realizan labores de difusión y extensión difícilmente son considerados dentro de Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

dichos programas. El segundo y estrechamente relacionado con el primero se refiere a la falta de reconocimiento como personal académico.

Propuesta: -

Reunir a los cuerpos colegiados correspondientes del Consejo Universitario para

crear la figura de Gestor Cultural dentro de la figura de técnico académico de tiempo completo.

Vinculación

Problemática: -

Su problemática hace referencia a que no se forma integralmente al estudiante ya

que los planes de estudio en ninguna de las carreras que se ofertan se incluyen horas de actividad cultural y deportiva, se siguen dejando a criterio del estudiante. Tampoco se

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vinculan las tres áreas sustantivas con la finalidad de subsanar estas deficiencias a través de programas alternativos.

Propuestas: -

Difundir estas actividades entre la población estudiantil y crear programas de

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estímulos claros y eficientes para los estudiantes que participen en dichas actividades.

Financiamiento

Problemática: -

No se generan recursos necesarios para hacer autofinanciables las actividades de

difusión cultural.

Propuesta: Incorporar una reforma que permita a la Coordinación de Difusión Cultural y a la UNAM en general, acceder al patrocinio privado.

Es particularmente importante el rubro del financiamiento y más aún en un momento de recesión mundial. Así, deseo mencionar los siguientes datos estadísticos que vendrán a ubicarnos en la realidad nacional de la difusión cultural.

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La Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) contó en el año 2002 con un presupuesto de poco más de mil 73 millones de pesos para la difusión de la cultura y la extensión universitaria. Casi millón y medio de personas asistieron a alguna de las 10 mil 500 actividades que organizó la Universidad Nacional. Los recursos asignados a las actividades culturales representan 7.6 por ciento del presupuesto total de la UNAM, el cual fue en 2002 de 14 mil 106 millones 594 mil 841 pesos.

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Por su parte, y para ubicarnos en un contexto presupuestal, la Secretaría de Cultura del Distrito Federal recibió en 2010 un presupuesto de 238 millones 687 mil 12 pesos para desarrollar sus programas de trabajo. En relación con los 280 millones ejercidos en el año 2007, significó una disminución real de 15 por ciento. No obstante, la Secretaría logró conseguir una partida de 50 millones de pesos que se destinaron, por medio de la secretaría de Obras, a la remodelación y el remozamiento de la infraestructura cultural.

En el caso del presupuesto federal para el año 2010 en el subsector cultura, éste fue de aproximadamente 5 mil millones de pesos, lo que corresponde a poco menos del 0.075 por ciento del Producto Interno Bruto, de acuerdo con información del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CNCA) y de la Comisión de Cultura de la Cámara de Diputados Luis Vázquez Cano, Secretario Técnico "A" del CNCA indico que en el 2010 se invirtió 278 millones de pesos a proyectos culturales como el programa federal Hacia un país de lectores ( 100 millones), acciones de conservación del patrimonio cultural (66 millones) y otros 12 nuevos proyectos de inversión. El subsector cultura agrupa tres grandes renglones de gasto público: los recursos designados para el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y el Instituto D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Nacional de Bellas Artes (INBA), y las asignaciones d diferentes partidas de la SEP que integran los recursos del CNCA, organismo que no cuenta con personalidad jurídica para disponer de un ramo presupuestal propio.

El presupuesto para el rubro de la cultura en México nos ubica en el 0.53 por ciento del gasto total público programable. Hay que señalar que el porcentaje recomendado por la

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UNESCO es del 1 por ciento. Sin duda, los retos que vive la promoción cultural nacional son distintos a los trazados hace cincuenta años. México, la UNAM y la vida cultural nacional eran diferentes. Cuando en 1959, el entonces Rector de la Universidad Nacional, doctor Nabor Carrillo, designa al doctor Daniel F. Rubín de la Borbolla como primer director del Museo Universitario de Ciencias y Artes (MUCA), se iniciaba una de las empresas culturales más prolíficas de nuestra institución. El nuevo espacio cobraría con el tiempo y logros, el carácter de sitio de avanzada en la educación y la transmisión de la cultura.

El MUCA explotaba como pocas veces se ha visto, la riqueza total de la Universidad. Así, el Dr. de la Borbolla comentaba “La riqueza universitaria se compone del conocimiento que imparte con su cuerpo docente; del avance que se realiza por medio del trabajo científico al que está dedicado el conjunto de sus investigadores; por los servicios que pueden dar los laboratorios, las bibliotecas, los archivos documentales y fotográficos, las cinematecas y fonotecas, los museos, salas de exhibición, teatros, colecciones científicas, tecnológicas humanísticas y de arte.

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La Universidad cuenta además, con una información increíblemente variada, que abarca todos los campos del saber y todas las épocas de la historia…sólo que esta riqueza la aprovecha aislada y fragmentariamente, en lugar de amalgamarla en un fondo común puesto al alcance de todos por los medios adecuados de exhibición”.

A casi cincuenta años de estas palabras, las condiciones no parecen haber cambiado. La Universidad y, particularmente, la promoción cultural nacional exigen un alto en el camino Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

que sirva para reflexionar sobre su devenir. Como ya se ha mencionado, la mayor revolución por realizar en la educación nacional será en el aspecto interdisciplinario y multidisciplinario donde no sólo la UNAM sino todas las instancias educativas del país estás destinadas a llevar la brújula, valiéndose del mayor y más importante recurso con el que cuentan: el recurso humano.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Profesor. Arnulfo Olvera Olvera Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Agosto, 2011

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Uso y empleo de las nuevas Tecnologias en las manifestaciones artísticas Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

Las manifestaciones artísticas realizadas

con los múltiples materiales y las modernas

herramientas con que cuenta el Artista Visual, El Diseñador y El Comunicador Gráfico, en la actualidad le han proporcionado una amplia gama de posibilidades en la representación de los modos de vida de la sociedad moderna en que vivimos y nos desarrollamos como individuos. Es parte de nuestra formación como profesionales en las artes visuales, como profesores y como maestros manifestar los acontecimientos que se suceden en el diario ir y venir de nuestra existencia en los diferentes campos de nuestra cultura pudiendo ser en la religión, la ciencia, la economía, la historia, la política, y la educación. Los pintores, grabadores, y escultores son los más conocidos que han manifestado críticas a la sociedad y a su gobierno desde hace muchos años no todas las críticas llevadas a cabo por estos artistas son de carácter negativo también hay aciertos y sus manifestaciones se han visto reflejadas en muros con los murales, en galerías y en los mismos centros de enseñanza escuelas, universidades y museos. Los nuevos aportes para las diferentes técnicas de representación plástica se ven en los útiles, materiales y herramientas de que se vale el artista para realizar su cometido de información, comunicación o interpretación del mundo que le rodea. Una de las herramientas más recientes es la computadora y los programas de computación que son su complemento junto con las impresoras ya sea a color o blanco y negro mismas que nos

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. permiten tener una nueva visión de su uso y aplicación en la enseñanza dentro del campo del arte, con esta herramienta aparece un nuevo concepto de manifestación plástica a la que se le da el nombre de arte digital. La máquina es empleada en la actualidad por artistas visuales, diseñadores y comunicadores gráficos cada vez con mayor frecuencia para manifestar sus ideas o creaciones en función de su especialidad. Con esta llamada “nueva herramienta” se realizan en la actualidad obras de tipo digital que antes

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no se concebían, también se puede realizar arte digital en forma mixta con las técnicas tradicionales de la gráfica como son el grabado en madera, grabado en metal, la litografía y la serigrafía de igual modo se realiza el arte digital con la pintura. Otra herramienta que no se puede omitir es el ploter máquina de diferentes tamaños que nos brinda la oportunidad de realizar impresiones de diferentes formatos y en varios soportes como el papel, la lona, el cartón y el vinilo materiales que nos brindan otras maneras de experimentación y de investigación en la plástica. Estos aportes técnicos que benefician al artista visual quien esta siempre en busca de nuevas formas de expresión e investigación, le permiten como profesor reorientar su enseñanza a los alumnos para que experimenten nuevas maneras de creación para su futura vida como profesionales en una sociedad cada vez más exigente en las formas de comunicación, en el campo laboral existe una mayor competencia lo que obliga al estudiante a tener día con día un bagaje cultural más amplio para poder mantenerse y sobresalir en el medio de su especialidad. Por ende el profesor y el maestro tienen la misma obligación de ampliar su cultura y con una mayor obligación, debido a la gran tarea que tiene que desempeñar en el proceso de la enseñanza y el aprendizaje. Dentro de las demas ramas o manifestaciones del arte se encuentra la denominada área de multimedia, conjunto de elementos visuales, gráficos y de sonido de que se vale este especialista

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. como medio de comunicación y que cada día tiene más aplicaciones para la difusión de la cultura y como apoyo de carácter didáctico para las más diferentes áreas del conocimiento humano. Por parte de la rama editorial, parte importantísima dentro de los medios de comunicación y para la comunicación masiva, estas nuevas herramientas le han permitido al diseñador y al comunicador gráfico así como al propio artista visual experimentar, creando sus propias ideas de lo que es un medio impreso como puede ser una revista, un libro, un folleto y por que no hasta un periódico sea en forma impresa o digital y también el poder subirlo a la red haciendo que su

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conocimiento e investigación sea de dominio más amplio, o para sectores especializados. Los multiples usos y variadas aplicaciones de las nuevas tecnologías se irán enriqueciendo cada día en la medida de las nuevas ideas que cada quien pueda aportar según sea su especialidad y su capacidad creadora. Tengamos la confianza suficiente para seguir adelante en esta tarea de la enseñanza para con los nuevas generaciones que en algún momento tomaran nuestro lugar para proseguir con esta tarea nada fácil que es enseñar y aprender.

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Mtra. Beatriz Buberoff Chuguransky Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos social, económico y cultural del siglo XXI Para Herder, Schiller y Von Humboldt el ideal humanista y el compromiso fundamental del género humano reside en el progresivo perfeccionamiento de la capacidad humana, ideal Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

como finalidad interior. El arte reproduce en forma ideal y fantástica la búsqueda del espíritu de humanidad y se erige en un proyecto pedagógico humanista. La educación debe proponerse la conducción hacia lo que abstractamente es la finalidad espiritual autónoma del hombre. La Universidad representa el vértice más alto de la formación humanista. En el encuentro Nacional de Escuelas de Artes Plásticas celebrado en 1981 el maestro Torres Michúa se refirió al peligro de “caer en generalizaciones o abstracciones idealistas o románticas en especulaciones que solo nos llevaran a soluciones utópicas”. Debemos sobre todo tomar en cuenta la realidad social del México actual, partir del conocimiento de la historia, las características del Estado, de la ciudad y de las condiciones de nuestra escuela para poder precisar un proyecto coherente, realista y objetivo que sea factible de insertar a la Escuela de Arte en el desarrollo de la cultura nacional y en la comunidad a la que pertenece. Históricamente se puede comprobar que el desarrollo de los países latinoamericanos, incluyendo a México es distinto al de los europeos. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Tenemos en México, país de enormes diferencias, una clase social muy rica y otra sumida en la pobreza, nunca hubo una clase media predominante, de donde generalmente provienen los productores de bienes culturales. En los hogares de nuestros estudiantes generalmente no abundan los libros, las pinturas, ni se practica la buena música como en Europa, donde la familia es el punto de partida y el mayor apoyo a las artes. La peculiaridad de México es la dominación económica, el subdesarrollo, la dependencia científica y tecnológica de Estados Unidos y Europa, la penetración cultural.

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La Escuela de Arte no puede evitar esa condición colonizada porque es precisamente esa condición de país dominado lo que permite explicar la función que tiene el arte y, por ello la función liberadora que cumple para nuestros pueblos. Profundizar en el conocimiento implica asumir una postura acorde con esta realidad. Entender el concepto de dependencia y sus consecuencias. Una propuesta concreta sería tener tecnologías artísticas propias, no depender de técnicas o modas colonizadoras. Buscar independizarnos de la subordinación de medios y maquinaria que por diversos motivos no está a nuestro alcance. Ejemplos serían la fotografía casera fomentada por Carlos Jurado en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Impresiones manuales de la mimeografía (neo-grafía) impulsada por Felipe Ehrenberg. El estudiante debe encontrar la guía y el estímulo para aprender en libertad, para superarse pero sin desarraigarse de su realidad social sin la cual acabaría identificándose con ideales abstractos propios de una clase social burocrática burguesa, olvidando que el artista es un trabajador de la cultura. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Debemos hacer conocer incluyendo en los programas de estudio la historia del arte contemporáneo en México y en América Latina temas que son de sumo interés para los estudiantes y que la mayoría ignora. Uno de los problemas del arte, del mal llamado “Tercer Mundo”, es el logro de una identidad que le permita crear de dentro hacia fuera, en respuesta a sus propios intereses y acorde con la situación del mundo contemporáneo. Será importante recalcar el compromiso moral y social de las innumerables expresiones Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

culturales. En países latinoamericanos cuya identidad nacional continúa en proceso de definición, y cuyos problemas sociopolíticos resultan descomunales e ineludibles, el sentido de responsabilidad del artista con respecto a la sociedad, no necesita justificación. Muchos artistas extraen su iconografía a partir de sucesos políticos y los comentan en sus obras (ejemplo es Puerto Rico). El tema de la ecología ha sido utilizado para concientizar a la comunidad internacional. Se han realizado proyectos que recogen mitos y leyendas en vías de desaparición (con los indígenas de la región amazónica de Venezuela), y no debemos olvidar en esta diversidad a la herencia africana (en las Islas Caribeñas, La Costa Oriental mexicana y Centroamérica). La influencia de la inmigración de Italia, Europa Central y Oriental a finales del siglo XIX, es también trascendente en países como Argentina, Uruguay y Brasil. El continente Americano resulta un fenómeno de variedad, un mundo vital y espontaneo que debemos conocer y valorar. Esto pone de manifiesto la necesidad de contar con un proyecto de investigación donde se confronten diversos puntos de vista que fortalezcan la identidad latinoamericana.

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El arte latinoamericano contemporáneo ha seguido más o menos el destino del arte universal. Sin embargo, mirando con detalle presenta algunos caracteres particulares que no pueden simplemente imputarse a la imitación de las escuelas europeas o norteamericanas. Hay mundos distintos y complementarios: el de la pintura y escultura tradicionales, más el cientismo y las máquinas, las manifestaciones como los happenings, videocasetes, arte ecológico, body-art, arte conceptual. Se trata de un continente cultural ecléctico donde se Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

alternan un arte social, el paisaje, el retrato, la violencia de unos expresionistas formados en Europa, la “antropofagia” como movimiento cultural nacionalista, el constructivismo concreto y severo, la imitación de la Escuela de Paris, el surrealismo, la fijación ancestral con un indigenismo directo, la abstracción telúrica, el arte óptico y todas las formas de arte de vanguardia. Captar este mosaico tan diverso para ver a través de él la propia expresión de nuestros pueblos es una tarea altamente gratificante pues nos ayuda a comprender nuestra esencia. Es fundamental señalar la función social del arte y los artistas en nuestra época para saber que requiere el país. Contrariamente a la enseñanza técnica en que la industria señala sus requerimientos, el artista plástico que egresa aún con su fuerte vocación creativa debe dedicarse a la enseñanza para sobrevivir aún sin estar preparado pues en la carrera no le dan los conocimientos pedagógicos indispensables para transmitir su aprendizaje práctico. La puerta grande por donde entra la cultura es la visual, y las artes amplían, renuevan y transforman la sensibilidad y cultura estética. He aquí una labor importante que debe realizar nuestra escuela con nuevas estrategias.

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- Un estudiante de Artes Visuales debe tener amplios conocimientos de Historia y Teoría del Arte - Desarrollar con habilidad y destreza los instrumentos y materiales de diversas técnicas. - Adquirir una cultura visual aplicando los principios teóricos que le permitan analizar la intención y los resultados en su propio trabajo. - Tener capacitación para que sus conocimientos puedan estar al servicio de propuestas

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concretas surgidas de las necesidades de grupos, no solo personales. - Confirmar o cuestionar la concepción histórica del arte. Cuestionarse cuál es su función y cuál es su propósito al elegir ese camino. - Hacer conscientes a los estudiantes de la importancia social de su trabajo y su deber de vincularlo con la sociedad. Trabajo social comunitario, realización de murales, exposiciones. Influir en el medio social en que está situada la escuela. - Resolver problemas concretos, inmediatos no utópicos. - Realizar ejercicios y obra arraigada, comprometido con su realidad cotidiana, como propuestas auténticas y personales. - La Escuela de Arte no puede ignorar la extracción social de la mayoría de los estudiantes dándole los medios que permitan su formación (libros-música-videos-películas que se comentan en clase-talleres-papeles para dibujar) - Debe fomentarse una conciencia crítica del estudiantado, la obligación de no separar teoría y praxis, ya que el arte es una forma de trabajo intelectual y manual y debe tenerse en cuenta sus peculiaridades y problemas específicos para que ambos aspectos se cumplan con integridad.

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Cardoso Olmedo Carlos Emilio Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Agosto, 2011

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI El Arte está relacionado con el ser humano en muchos niveles; tiene un valor económico,

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social y cultural. El arte analiza, reflexiona y construye; se convierte en un fruto que nutre a la sociedad; tiene una trascendencia cultural e histórica en la que podemos ver distintas versiones del ser humano; en su historia, el arte nos ha contado lo extraordinario o lo terrible que podemos ser y nos ha concedido una visión a través de los ojos de los artistas quienes al figurar, materializar su pensamiento, sensibilidad y conocimientos nos han permitido ver o comprar esa carga emotiva y comunicativa. Pero no solo el artista es el que construye una obra de arte; la sociedad juega un papel importante; Atreves de los años la sociedad ha marcado en distintas etapas de la historia su preferencia por ciertas corrientes artísticas; hoy en nuestros días no es la excepción; los artistas cuando observan, analizan y construyen una obra, exponen un lenguaje visual que muestra los aspectos constitutivos de una realidad, es entonces que se manifiesta un producto de un modelo del pensamiento que como gentíos observamos y al final del recorrido de la obra con sus resultados estéticos bien logrados puede crear diversos puntos de encuentro y desencuentro entre grupos humanos quienes en muchas ocasiones deciden la trascendencia de la obra artística a través de la historia del ser humano.

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Es así que los artistas y la sociedad exteriorizan un lenguaje que se convierte en el hilo conductor de los cambios y valores de la sociedad y que podemos observar preguntándonos ¿quiénes fuimos?, hoy,¿quiénes somos? y refleja todo lo que hemos conseguido y lo que aparente mente hemos perdido en una sociedad que está expuesta al cambio y que convive con la rareza día a día. El arte en la cultura del siglo XXI podemos decir que ha ingresado a una nueva etapa en donde la fuerza popular ha hecho fuerte al arte moderno pero también lo ha debilitado,

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los cánones racionales y ortodoxos que le indicaban al artista hacia donde debe mirar, en esta fase del ser humano han sido quebrantados; el artista sin un código moral que le indique hacia donde debe ir, queda expuesto a la incertidumbre; ya no solo la obra se mide por lo que representa sino también por la carga emotiva que esta tiene; el arte nos muestra cosas completamente transformadas en un mundo extremo donde las manifestaciones impredecibles se plasman con gran recurrencia en el mundo. Con el arte de hoy en día vienen muchas preguntas; ¿que se representa en la obra?, ¿qué proyectamos?, ¿qué es lo que somos?, ¿la gente se identifica?, si no eres un pintor, escultor, etc, abstracto ¿cómo lo entiendes?; el artista coexiste en el entorno humano a partir de que su obra encaje y logre interesar a las masas. La inmediatez y la ciencia han jugado un papel importante en este siglo y junto con la experimentación, el artista siempre está en búsqueda de sofisticar sus procesos y técnicas construyendo nuevas formas de producción. Pero la experimentación como su nombre lo dice parte de algo incierto no se puede decir que ya se conoce, se pone a prueba para ver qué es lo que sucede y en muchos casos no confirma nada.

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Las nuevas generaciones enfrentan este reto la incertidumbre, el caos, la falta de valores, el no creer en nada, las motivaciones vulgares, la búsqueda de mejorar algo en el arte inmersos en un caos creativo que deriva de nuestro pasado. Pero aunque todo esto ha sonado caótico también se puede ver que en este caos aparente se construye el nuevo conocimiento y futuro en las artes; se desarrollan nuevas generaciones como nosotros creamos nuestro presente a partir de nuestro pasado, las futuras las generaciones nos verán del mismo modo.

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El arte y la obra pueden justificar su existencia en medida que su valor significativo sea consumido por la sociedad ; también depende del contexto en el que el arte este inmerso puesto que para dimensionar el sector económico en el que se expone, se requiere de un estudio que nos dé una verdadera visión de la realidad. Desarrollar planes, programas y proyectos que apoyen este designio; es una tare muy importante en esta época de comercio artístico, la innovación y la investigación forman parte de nuestra realidad hoy en día. Las nuevas tecnologías construyen un medio muy importante para la divulgación y exposición en un mercado interconectado, los soportes que hoy en se han volcado hacia la multimedia confirman que el artista debe adaptarse a los cambios de la sociedad y encontrar nuevos mercados. Otro punto a considerar es la situación financiera de los artistas hoy en día su condición de vida, la falta de capital obligan a dejar el arte de lado y ocuparse de las necesidades básicas, en el arte esto crea un deterioro que debe subsanarse. Formar artistas con el conocimiento de crear su propio mercado, es una herramienta que hoy en día se debe apoyar como un primer orden, no solo exponer sino también vender.

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El arte es una representación histórica y cultura; es nuestra identidad.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Prof. A.V. Carlos Mier y Terán Benítez Escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI A la cultura la contextualizo en todo lo humano por lo que al explicar que sucede en el ámbito

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social y económico estaré hablando de la cultura. Y estos ámbitos el económico y el social envuelven a toda la producción de las artes. En lo económico y lo social haré algunas observaciones de la relación que hay entre los cambios en el pensamiento social, el modelo económico vigente y la producción de los nuevos medios en el arte contemporáneo. La definición del arte esta determinada por la época y el contexto en el cual se desarrolla. Me serviré de un ejemplo histórico. En la edad media la producción de imágenes estaba limitada a los artesanos o mejor dicho a los gremios de pintores, grabadores y dibujantes dedicados a producir representaciones de acuerdo a su forma de pensamiento. Por el lado económico existía una economía de tipo feudal, un régimen político monárquico. El rey y la iglesia compartían el poder religioso y el económico. Los miembros de estas comunidades se pensaban como propiedades del rey y que su paso por el mundo terrenal sólo era una prueba para caer en el infierno o ganarse el cielo. El mundo dividido en tres partes: el cielo, la tierra y el infierno. El cuerpo del hombre se le concebía como un recipiente del alma o espíritu así que el cuerpo era la primera prueba a superar. Todo deseo corporal era un pecado. Por lo tanto el deseo sexual o simplemente el deseo de comer por gusto es decir todo lo que produjera placer físico era una tentación diabólica. Así las imágenes que se produjeron en esa época representaba a los dioses de forma esquemática y simbólica ya que un dios no podía parecerse a un humano ya que no era humano. El arte servía para decorar o educar (mas adelante retomare esta idea). Las imágenes con santos sangrantes y dolientes representaban de forma simbólica que ellos podían soportar el dolor corporal puesto que mientras mas negaran el cuerpo mas puros de alma serian. La sociedad se educaba por medio de

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. ese tipo de imágenes ya que la lectura o escritura (no se enseñaba a leer y escribir) era prohibida solo era para los religiosos y el rey. Todo lo envolvía un pensamiento religioso. El mercado del arte no existía ya que todas las producciones eran encargos del clero y del rey. Se vivía y se trabajaba para ellos. Es decir la existencia en el mundo era administrada por el clero y las cortes del rey. Ahora con este pequeño ejemplo histórico podemos entender que en la actualidad las formas de producción del arte responden a la forma económica, política y religiosa que permea a nuestra sociedad.

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La forma económica en la cual vivimos es el capitalismo de libre mercado, los gobiernos de república democrática, y la libertad de credo. Sea cual fuera nuestras preferencias políticas o que pensamos que podemos vivir mejor sin el sistema económico del capitalismo neoliberal estamos sumergidos e irremediablemente encerrados o aprisionados en este sistema económico el cual determina que es lo que se produce en el arte. Por lo que la sociedad vive en un modelo el cual determina su forma de pensar el arte. En la actualidad se define por un producto de mercado suntuario es decir que no es necesario para vivir. Regresare a la idea del ejemplo histórico en el que en la edad media el arte servía para educar o decorar. Educar o decorar En la actualidad el arte sirve aun para educar o decorar según sea el caso. En la época posrevolucionaria de México Vasconcelos lo utilizo (como se hizo en la edad media pero con distintas intenciones) para educar a una sociedad en su mayoría analfabeta y campesina. Esto lo logro con lo que ahora se llama escuela mexicana de pintura y los muralistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Se le enseño a la población por medio de imágenes el origen histórico del lugar donde vivían y así se creo una identidad. Voy hacer una división tajante cuando el arte educa lo incluyo en la sección de arte no comercial y cuando se usa para decorar lo incluyo en la sección de arte comercial. Cuando una obra que educa deja de tener esa función digamos un cuadro de Diego Rivera su valor pedagógico se desvanece puesto que el público para el que estaba dirigida esa obra ya no existe. La sociedad mexicana actual ya no somos campesinos D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. analfabetas. Entonces pasa a ser una obra de arte comercial, decorativa. Toma los valores de arte comercial tiene una marca quiero decir un nombre y un valor histórico. A los cuales se les da un valor económico, un precio. No es el caso de los murales ya que están dentro de un contexto público e histórico y mientras permanezcan en ese ámbito nunca perderán ese valor histórico y educativo. Encontramos en la actualidad que no sólo las obras de arte histórico se vuelven decorativas. Existe un gran mercado del arte el cual es provisto de obras por los artistas que en la época actual se

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dedican a producir ya sea arte tradicional o de nuevos medios (arte contemporáneo). Sería ridículo pensar de nuevo en realizar murales de nuevo con el fin de educar y dar de identidad nacional a una cierta población. En el contexto de los últimos 20 años los medios de comunicación han cambiado por lo que también los artistas los utilizan como una forma de comunicar las ideas. La distribución de un mensaje por medio de Facebook o Messenger o Twiter es en segundos y a una red pública de miles de millones, la pared de la esquina solo los vecinos de mi cuadra y uno que otro despistado. Los nuevos medios en el arte han surgido por este cambio en las formas de producción. Quiero decir que al vivir en una producción industrial y en serie a partir de los avances tecnológicos que incrementan la acumulación de capitales el arte se ha adaptado a ellos o mas bien es un reflejo de lo que se vive. Así encontramos nuevos medios como el arte video a consecuencia de las telecomunicaciones, los múltiples que son obras que se pueden reproducir en miles de copias, el art-net consecuencia del internet, etc. Las formas de producción, distribución y consumo de las artes han cambiado radicalmente. Se han adaptado a las del mercado capitalista. El productor es decir el artista provee al distribuidor que es el galerista y este a su vez se lo vende al consumidor coleccionista o publico que decorara su casa. En el contexto del siglo XXI existen artistas que producen para un sistema de mercado y los que producen fuera de este sistema con el fin de que la obra no sea consumida por los valores del mercado.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Así tendremos que los nuevos medios o arte contemporáneo que se ha desarrollado estos diez últimos años han sido consecuencia en los cambios en las formas de producción de los bienes materiales. Surge la pregunta de ¿para quien producen los artistas que están fuera del sistema del mercado y si el arte es un sistema de representación a quien representa ahora el arte? Además de los nuevos medios tecnológicos que otras propuestas se han desarrollado. Las nuevas propuestas artísticas que se desarrollaron durante los sesenta hasta la fecha actual

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surgieron en parte como una forma de ir en contra de un sistema de mercado que convertía al arte en un producto mas. Del pensamiento moderno al posmoderno como una forma de producir arte. Pero no sólo han surgido como una lucha contra el mercado los cambios en la sociedad. Estos cambios se han generado partir de un modelo de pensamiento el posmodernismo. Que surge a partir de hacer una critica a las ideas de modernidad. Como algunos de los postulados del modelo moderno es la emancipación del conocimiento como herramienta para liberar al hombre de sus vicisitudes, la búsqueda de los universales, la homogeneidad o la igualdad, la voluntad del individuo, la razón sobre todas las cosas. El uso de la tecnología para el desarrollo y el progreso. Un ejemplo de los grandes desarrollos que genero el modernismo fue la invención de la píldora anticonceptiva. El invento de este método anticonceptivo transformo la vida y el desarrollo social de la mujer la cual la libero del hombre. Ahora puede tener relaciones sexuales por placer sin miedo a quedar embarazada por mencionar un cambio. Este simple pero gran invento dio lugar a una corriente de arte que en un principio se llamo feminista y que en la actualidad se le llama arte de género. Podemos darnos cuenta que esta nueva propuesta de arte no tiene que ver con el mercado sino más bien con una consecuencia en el desarrollo del conocimiento y la tecnología. En un principio defino el pensamiento posmoderno como una critica a los ideales del pensamiento moderno. Esto es debido a que no todo es blanco o negro. Uno de los desarrollos tecnológicos qué se consideraba como un gran avance para la humanidad fue el aislamiento y uso de la energía radioactiva que genero las bombas nucleares y el accidente de Chernobyl y el actual escape de D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. vapores radioactivos en Japón. Este tipo de usos de la tecnología o el conocimiento para destrucción humana dio pie a propuestas artísticas de tipo ecológico. En los 70 surgió el Land art pero como una forma de relacionarse con el mundo de una manera ritual es decir utilizar los medio naturales para realizar obras que conviviera con la propia naturaleza y no sacarlos de su contexto. Tenían el fin de desaparecer el distanciamiento entro hombre y naturaleza. En la actualidad se realizan obras en contra de los alimentos modificados genéticamente. Dando lugar a las corriente de bio-arte en las que se utiliza los mismos métodos para modificar a la naturaleza por ejemplo de las plantas para crear una nueva planta de cuya existencia se debe sólo a la

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manipulación de genes. Como consecuencia de estas contradicciones en el modelo moderno el arte fuera del sistema de mercado se utiliza como una forma comunicación, reconciliación, estrategia política, etc para comunicarse con el mundo. El individualismo se defendió tanto que ahora se percibe un hartazgo de el artista que crea para si mismo sus inquietudes mentales. Se explora las relaciones que tiene uno como artistas y para quien produce. Así se reflexiona en cuanto que es lo que el otro percibe de la obra y como es que la consume. En ese sentido ya se piensa el arte como una formula universal sino el arte dirigido para un público específico. Un artista que que piensa en una comunidad especifica y en la que el artista mismo se involucra con la comunidad con el fin de desarrollar a partir de lo particular una obra que pueda comunicar a lo general es decir a otro publico que no necesariamente este vinculado con esa comunidad. En este tipo de obras se pretende casi borrar por completo la autoría individual del autor ya que se produce entre varios. Se busca que el arte refleje. Cuando un publico se ve reflejado en ellas este se acerca a ellas, es mas son para ellos. Lo que da pie lo que se llama los localismos. Estas practicas locales las cuestiona el sistema de mercado por considerarlas ineficaces. Quiero decir para el sistema de mercado deben de ser comunicables a toda la sociedad mundial si noes posible deja de ser arte puesto que deja de ser universal. Cuestión que es discutible.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. En conclusión el devenir del arte en la actualidad es múltiple puesto como he explicado de una forma muy general este no depende ya de una definición universal sino de un conjunto de practicas y posturas en cuanto a las formas de producción y su desarrollo en las que cada vez más es muy notorio el alejamiento de la mayor parte del público del arte comercial por saberse

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inaccesible o inentendible ya que no esta echo para ellos sino para el mercado.

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Colegio De Escultura Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos social, económico y cultural del siglo XXI

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Fase 2 de la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales El Presente documento contiene, la más reciente etapa de trabajo del Colegio de Escultura, el cual se Desarrollo a través de ponencias por parte de los maestros y dio pie a la discusión y reflexión sobre asuntos que consideramos fundamentales, las ponencias giraron en torno a una serie de Preguntas que el colegio considero pertinentes dada la etapa de trabajo, las preguntas son las siguientes: ¿Qué es para cada uno de nosotros la Escultura? ¿Qué es lo que procuramos comunicar en clase a los alumnos? ¿A través de qué tipo de actividades lo ponemos en juego? Responder a los cuestionamientos, permitió iniciar la reflexión colegiada. Para así evidenciar la diversidad de concepciones que se conjugan en el Colegio de Escultura en torno a: •

el campo disciplinar

•

el taller como espacio donde se sucede nuestra actividad docente

•

la reflexión personal y posicionamiento que define nuestra actitud y proyección frente al campo profesional

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Para con ello procurar la: •

caracterización del campo profesional

De esta manera las reflexiones en general nos llevaron a alcanzar una serie de coincidencias y diferencias fundamentales que nos encaminaron en primera instancia a revisar al área de escultura en relación a la carrera de Artes Visuales, el termino mismo de Artes Visuales y lo que intenta definir, así como las limitaciones de esto y asuntos Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

fundamentales como la nomenclatura de los talleres, su orientación hacia una investigación visual, la pertinencia de los talleres, como espacios teórico-prácticos, etc. El texto que intenta recoger los trabajos de esta etapa considera lo siguiente: Sobre el campo de la Escultura, se reconoce el que el interés reflexivo trasciende el campó metodológico sin alcanzar a suprimirlo, ya que este persiste como condición histórica así también como estructura de análisis y propuesta contemporánea para el estudio del arte, problematizamos su materia considerando una proyección histórica en una situación actual por lo que habrá de suprimirse la falsa confrontación entre técnicas tradicionales y procedimientos actuales como fundamento para la integración de la propuesta artística, entendemos así mismo que se requiere de profundizar en la sistematización de la terminología especializada que agilice el intercambio de ideas entre la comunidad de nuestra escuela para agilizar también la difusión del trabajo académico, apuntamos el que la condición de actualidad considera tanto las técnicas y procedimientos asociados a aspectos tecnológicos como al reconocimiento de las circunstancias del desarrollo social y la vivencia, así también de las peculiaridades de la integración y presentación de la obra, reconocemos en nuestro análisis que el área se sostiene a partir de la complejidad de la sensibilidad asociada a ella, pero que se enriquece en la integración de vínculos con

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diversos campos metodológicos y estructuras de la propuesta artística que así recomponen el área. Hablamos de la perspectiva académica que es espacio de exploración que antecede a la integración del planteo, lo que nosotros estudiamos es la condición de integración entre lo académico y lo profesional, la profesionalización empieza desde la escuela, se plantea que lo profesional es una condición de reflexión artística, lo profesional es una parte sustancial de la reflexión académica, no es un ámbito, es el medio de trascendencia

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(implicación de lo profesional) cuando se va de lo académico a la reflexión profesional, las derivaciones de ese planteamiento generan cultura y conlleva a la trascendencia. Deslindamos a el medio social de lo profesional, pues el medio implica dinámicas sociales establecidas, vías ya transitadas con resultados estables (históricos), mercado, reconocimiento, instituciones. Se propone reconocer un planteo que se concreta en concepto toda vez que se desarrolla la acción interpretativa (la presencia del espectador) y el objeto es la condición de integración de la obra, pero las condiciones de integración no pueden desvincularse de la profesionalización, se separa el medio de la profesionalización, el medio es un ente de gestión, pero no implica una profesionalización como tal. A la productividad no se le reconoce como parte de la definición de lo profesional,

de esta manera deslindamos lo profesional de la productividad y del

reconocimiento pues esto corresponde al ámbito, al medio, y no a la trascendencia, asunto correspondiente a lo profesional. Lo profesional implica la trascendencia y la consideración de un tercero (otredad). Modelo interdisciplinar.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Mtra. Diana Salazar Méndez Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Agosto, 2011

Las Artes Visuales en los contextos social, económico y cultural del siglo XXI

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Enseñar Pintura en el siglo XXI Siempre he concebido la enseñanza como una acción política y como una función social necesaria para poder contribuir a modificar las ideas preconcebidas, en este caso sobre el arte y la pintura. Desde que comencé mi carrera como docente en la Escuela Nacional de Artes Plásticas hace 16 años, estas concepciones se han ido transformando y enriqueciendo, siempre con la intención de contribuir a la formación de artistas con juicio crítico, independiente y sensible. La historia de la pintura moderna y contemporánea nos muestra en repetidas ocasiones muertes y renacimientos tanto del cuadro como de los pintores. Del mismo modo, la educación artística ha generado debates en cuanto a la función social y estética de los objetos artísticos y los artistas mismos.

La pintura se ha re-significado al igual que las sociedades, las concepciones artísticas a partir de la modernidad se han embarcado en una gran travesía de diversidad y cuestionamientos. Parece ser que los límites que definían cada disciplina de las artes visuales se fueron diluyendo, desdibujando y en ocasiones volviéndose a erigir. Buena parte del arte actual que llamamos contemporáneo es crítico y con tono de denuncia; en los mejores casos apela a consideraciones sociales, morales y/o políticas. Sin embargo, vemos que para esta intención existen medios que resultan más efectivos para D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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transmitir ese tipo de mensajes: el cine indudablemente, el teatro porque acerca físicamente, sin transfer, a la caracterología que asumen los actores. El video, la fotografía de reportaje y aun la fotografía ajena al reportaje, las manifestaciones públicas, etcétera. Es en buena medida gracias a la liberación de responsabilidad por transmitir algún mensaje social o moral que obtuvieron los pintores desde el siglo XIX, con la aparición de la fotografía como medio fiel a la representación del mundo visible, lo que les permitió

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Lo que tendríamos que asumir, como dijo en una ocasión Susan Sontag, es que hay buen arte y arte mediocre. La palabra arte no redime de nada y en sus inicios linguísticos era sinónimo de techné. La techné, o la mano que obedece al intelecto como escribió Miguel Ángel en un soneto, tiende a sustituirse por ingeniosidades que con bastante frecuencia o no son tales, o resultan ininteligibles. Pero, ¿qué mueve más, la glosa que hace Lucien Freud de Chardin, trasportándolo a los inicios del siglo XXI, o la cama deshecha de Tracy Emin?, se pregunta el estudiante de Artes. ¿Acaso todavía vivimos la época baudeleriana de épater la burgoisie? La moción de épater existe desde la segunda mitad del siglo XIX y sus rediciones actuales, salvo raras excepciones, difícilmente provocan asombro. Estas son algunas de las premisas a las que se enfrenta, en el mejor de los casos de formación e información, un alumno de la licenciatura en Artes Visuales que vislumbra ser pintor. Considero que para abordar de manera directa la confusión y afrontarla de manera productiva, se requieren cualidades que se tienen que haber forjado precedentemente, lo cual solamente se logra por medio de método y esfuerzo. El Seminario de Pintura Contemporánea cuenta ya con una tradición de más de 25 años formando jóvenes pintores en la ENAP, los cuales actualmente se encuentran activos en el medio artístico tanto en México como en el extranjero. En buena medida esto ha sido posible gracias a que en el

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. transcurso de estos años, se han formulado diversos modelos visuales a la par de una concepción sistémica de la pintura, utilizando diversos métodos para su estudio y práctica. El tercer aspecto, y quizá el más importante, se refiere a los procesos de investigación y creación de la obra; el estudiante-pintor no es un receptor sino un generador de ideas y contenidos en relación a la pintura. Se ha buscado un método de enseñanza y aprendizaje que, más allá de responder, ayude a preguntarse en la acción misma sobre el qué, el cómo, el porqué y el para qué, vinculados con un

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recorrido que es fruto de la experiencia personal del joven pintor o pintora. Existen diversas aproximaciones que se llevan a cabo en el Seminario para el estudio de los procesos pictóricos, como puede ser la perspectiva fenomenológica. ¿Cómo funciona la pintura? ¿Cómo funcionan cada una de sus partes? La mejor manera de comprender esto es en la práctica misma, tratando de dilucidar la relación íntima que se establece entre el artista y su obra durante el proceso de creación de la misma. Proceso doble de creación ya que el artista, cuando crea, se construye y se crea a si mismo. La noción de un taller- seminario plantea no solamente la producción de un cuerpo de obra personal y su reflexión crítica, además de la tradicional exposición y confrontación de los trabajos se proponen cursos teóricos que ponderan la reflexión sobre la práctica y la creación pictóricas. Es importante recordar que podemos reflexionar, hablar o debatir sobre pintura, formular todas las teorías que queramos o describirla inteligentemente. Si no surgen de la propia experiencia crean un mayor vacío y confusión. Cuando solamente se le brindan soluciones, el alumno muestra un reconocimiento inmediato, supone una inversión con resultados a corto plazo. Sin embargo, cuando se encuentra en una situación en la que tiene que buscar sus propias soluciones, es necesario realizar un esfuerzo, adquirir un compromiso y tomar determinadas opciones que, por lo general, deben ser rectificadas. En la educación artística se trabaja en ocasiones en torno a un modelo educativo cuyos fundamentos no se estudian y donde, al cabo de un tiempo, se desarrollan ciertos automatismos que le permiten al estudiante producir obras que pueden tener cierta eficacia social, sin que por D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. ello se inserte en su propia historia. Así, el joven artista habiendo eludido todos los procesos previos de comprensión y de interiorización que comporta cualquier modelo, se encuentra en una vía sin salida. Queda por proponer entonces una vía alterna que se fundamenta en la construcción de una identidad, de una personalidad artística. Esta opción resulta en principio menos atractiva ya que considera la obra como una consecuencia de dicha construcción por lo que, al dejar de ser la obra el objetivo principal, puede aparecer como una pérdida de eficacia y, por consiguiente, no se suele entender. La obra como producto se presenta de manera más concreta ya que establece la Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

relación directa con el reconocimiento social de la misma. La enseñanza del arte basada exclusivamente en el producto artístico busca un resultado inmediato sin establecer fundamentos. El aprendizaje resulta de una relación interpersonal en la que cada participante se transforma en sujeto del proceso, en un elemento activo. El estudiante aprende a descubrir por sí mismo y, al incorporar lo que aprende, se transforma. De igual manera, el profesor o profesora debe abandonar sus propias barreras de defensa para entender lo que la experiencia del alumno significa. En el texto de más de 2000 años, El Arte de la guerra, el general chino Sun Tsu concibe cualquier realidad como un proceso perteneciente a una serie de interacciones y confrontaciones: el manejo del sable, el tiro al arco, la estrategia militar, o la pintura misma. Se refiere, de manera general, al modo de conservar la iniciativa ante cualquier situación de confrontación, partiendo siempre de un profundo conocimiento de la naturaleza humana. No se aprende a manejar la espada, ni el tiro al arco como una técnica en sí, sino como un conocimiento más amplio sobre la naturaleza humana y sobre el propio control mental que se adquieren confrontándose con lo concreto de una técnica. Esta manera de concebir una práctica determinada, como la pintura, destruye los conflictos que se presentan en cuanto a falsas especializaciones y falsas interdiscipliaridades , para entender que todo se fundamente en un tipo de interacciones que, aprendidas en un campo, pueden ser traducidas en otro, planteando un sistema de transversalidades con una increíble riqueza. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Elizabeth Ávila Figueroa Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

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Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI

... habría que volver por un momento la vista atrás, para ver cuál podría ser la mejor forma de renovación en la enseñanza, de la misma manera que originalidad es volver al origen. Salvador Moreno

Difícil resultaría abordar a las artes visuales en el contexto social, económico y cultural del siglo XXI sin antes precisar a partir de qué perspectiva se verá dicha disciplina, pues el abanico de panoramas es diverso: difusión, producción, consumo, enseñanza; etc. Respecto a la enseñanza de las artes visuales, y dado que la reforma educativa que se planea en México también a tocado a las facultades y escuelas de la UNAM llevando a un proceso de revisión de sus planes y programas de estudio, se considera viable tratar brevemente las artes visuales a través de una de las asignaturas fundamentales y columna vertebral de su enseñanza: el Dibujo. Aun con los avatares por los que ha pasado la enseñanza de las artes visuales, desde la fundación de la Academia de San Carlos hasta la formación de la Escuela Nacional de Artes Plásticas así como los encuentros y desencuentros con otras disciplinas, una de sus grandes fortalezas ha sido ir de la mano con otros campos de estudio como la: arquitectura, humanidades y ciencia. La historiografía de la enseñanza de las Artes Visuales en México ha dejado considerable material de consulta y hoy día sigue prestando interés su investigación. Se han rescatado fuentes escritas de archivo que documentan las distintas asignaturas y los D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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métodos didácticos empleados, así como fuentes visuales que conserva la Academia de San Carlos. Gracias a la conservación y estudio de estás fuentes se puede conocer la antigüedad de muchas asignaturas, los profesores que impartían las cátedras, los modelos y textos didácticos empleados dentro de los distintos campos de estudio como la pintura, escultura, arquitectura, grabado, dibujo; etc. 3

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Desde la fundación de la Academia en el Virreinato de la Nueva España y el inicio de su enseñanza en 1781, 4 hasta el presente, el dibujo ha pasado por distintos métodos didácticos. Dos de ellos se aplican y conservan hasta el día de hoy: Dibujo de la figura humana y la Anatomía artística. Los métodos y herramientas didácticos empleados a partir de la implantación de la enseñanza de Anatomía artística en la Academia Novohispana, y durante el transcurso del siglo XIX hasta la primera década del siglo XX, fueron sobre todo libros de anatomía, estampas y yesos entre los que destacan los écorchés (figuras sin piel para el estudio anatómico). 5 Estás fuentes didácticas permiten apreciar el vinculo existente entre Arte y Ciencia que muchas veces solemos olvidar y que en la actualidad, al ser Anatomía artística una asignatura optativa, conduce a que muchos alumnos la desconozcan.6 Esto conduce a varias interrogantes ¿Cómo desarticular o abstraer una figura humana si desconozco como esta articulada?, ¿Por qué una asignatura fundamental como es Anatomía artística no se imparte como asignatura obligatoria en las licenciaturas de Artes Visuales y Diseño y Comunicación Visual de la ENAP? ¿Cómo cursar Animación si ignoro cómo se organiza anatómicamente una figura humana? Se podría pensar que estas dos asignaturas son contrariamente opuestas y sin relación alguna. Si se regresa al Reconocido es el interés que ha prestado el historiador del arte Eduardo Báez Macías, así como Flora Elena Sánchez Arreola, sobre la búsqueda y rescate de documentos de archivo de la Antigua Academia de San Carlos y la Escuela Nacional de Bellas Artes. Al documentar estos autores fuentes escritas invitan al lector a revisar los procesos de enseñanza y aprendizaje dados a lo largo de la historia de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. 4 Manuel Toussant, “La Academia de San Carlos”, en Pintura Colonial en México, México, Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 1990, p 200. 5 Clara Bargellini y Elizabeth Fuentes Rojas, al ofrecer la catalogación del acervo de yesos de la Academia de San Carlos, dan cuenta de los avatares por los que pasó importar, reproducir y conservar las remesas que sirvieron como material didáctico desde la fundación de la Academia hasta el siglo XX. Entre este acervo destaca un considerable número de écorchés para la enseñanza de la Anatomía artística y Escultura. Clara Bargellini y Elizabeth Fuentes Rojas. Guía que permite captar lo bello. Yesos y dibujos de la Academia de San Carlos 1778-1916, México, Instituto de Investigaciones Estéticas, Escuela Nacional de Artes Plásticas, 1989. 6 Elizabeth Fuentes Rojas ha sido la primera en abordar la enseñanza y aprendizaje de Anatomía Artística y su estrecha relación entre ciencia y arte desde la fundación de la Academia hasta el siglo XXI. Elizabeth Fuentes Rojas, “La ciencia al servicio del arte: la enseñanza de Anatomía en la Academia de San Carlos” en Arte y Ciencia. XXIV Coloquio Internacional de Historia del Arte, 2002, pp. 277-300. 3

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programa de 1930 de Anatomía artística, “llamada también mecánica humana“, se verá que entre los objetivos de la asignatura “se plantea observar a los atletas, obreros y campesinos en diversas actitudes y utilizar el cinematógrafo”.7 Sobre este ejercicio didáctico Elizabeth Fuentes Rojas dice que: “La denominación del curso como mecánica humana enfatiza el interés del mismo en el movimiento del cuerpo. Orienta abiertamente el estudio de la anatomía a su relación con las artes plásticas”. 8 Esto muestra cómo, a través del empleo de herramientas didáctica propias de la cinematografía, el dibujo de figura humana y la Anatomía, se ponía en práctica el trabajo interdisciplinario, dando así sentido a la enseñanza y aprendizaje de las Artes Visuales. En este sentido es importante que en la actualidad, la enseñanza de la Anatomía artística se vincule no sólo al aprendizaje de la Pintura, Escultura, Grabado, sino también a las asignaturas optativas, que si bien podrían parecer aislarse unas de otras, guardan una relación innegable entre las mismas (Anatomía artística, Animación, Diseño Escenográfico, Museografía, Técnica de los Materiales; etc) Quizá resulte inadmisible el prestar interés a la enseñanza de la Anatomía artística como asignatura obligatoria. Sin embargo, habría que considerar que el alumno con el aprendizaje de ésta y otras asignaturas prácticas y teóricas desarrollaría mejor sus sentidos hacia una mejor interpretación del dibujo de figura humana, naturaleza, animales, objetos; etc. Así, al enfrentarse el egresado con las herramientas suficientes a los constantes cambios tecnológicos, las Artes Visuales tendrían un mayor impacto en los contexto social, económico y cultural del siglo XXI. Por último cabe decir que, esta breve opinión sobre la enseñanza de las Artes Visuales no es sólo desde una mirada académica sino dando voz a los alumnos que han manifestado, a través de sus reseñas, su inquietud por la carencia de ciertas asignaturas, particularmente la enseñanza y aprendizaje de la Anatomía artística. Quizá sea el momento de replantear qué

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Elizabeth Fuentes Rojas, “La ciencia al servicio del arte ... p, 298. Idem. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. asignaturas son fundamentales como asignaturas obligatorias y deban reivindicarse en el actual

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Plan de estudios de la licenciatura en Artes Visuales.

D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Elva Hernández Gil Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

¿Cuáles son las verdaderas oportunidades de desarrollo de las Artes Visuales y de sus profesionales en los contextos social, económico y cultural en el presente siglo XXI?

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Solo emergen de la autocritica individual del como nos vinculamos. En estos aspectos y durante la solución que otorgamos como formadores. Expectativas de la profesión sobre resultados concluyentes. Al vincularse profesionalmente surgirán nuevas ideas de organización y subsistencia del arte, sus justificaciones surgirán de sí mismas cuando sean usadas en una mente única organizativa que aflorara nuevas corrientes justificadas de un medio distinto Actividades académicas comprometidas a sí mismos Intercambios escolares y académicos, locales, internacionales y rotativos en las mismas facultades de nuestra casa y de otras universidades, en todas las áreas que existen en todas las universidades sin que tengan que justificar que estamos conexos, simplemente porque existen están presentes en el arte, poder ver el arte con los ojos de ellos, adentrándonos en su mundo, escuelas de arte para dejarnos ver el sitio que ocupa el arte en las diferentes rotativas de sitios que nos hacen vivir con sus ojos, dejándolos estar en nuestros cuerpos creativos con sus propias ideas nos darán transformación imaginativa de una locura organizada y explosiva de ideas. Actividades formativas sin lustre ególatra

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Al incluirnos en sus investigaciones y realizaciones profesionales compartidas serias preguntarles a los externos donde nos encuentran a nosotros en sus actividades y necesidades, con mayor claridad, como lo necesitan el recurso creativo de nuestra percepción o el cómo resolveríamos así como nosotros proponer lo mismo en sus áreas al expresar lo que vemos. Objetivos… no subjetivos Hacer del arte universal, una realidad cosmopolita de todas las áreas profesionales y dejar Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

de ser sectaristas y privados de un circulo incomprendido de producción individual, cuando vivimos en todo lo existente, absorber el arte y transpirarlo es metabolizarlo de manera diferente a la perspectiva de la formación de nuevas generaciones, de apartados ahora haremos integrados más que nunca al verdadero concepto del arte, que se ha aplicado opuesto. Porque se dice que el arte existe en todo momento se ha consumido y hecho así, es conceptualizado por todos aun en la menor escala, aunque no se crea necesario solo por ser ejecutores de un gusto, de manera que dejemos entrar a todos realmente con la mente y el hecho. Perfiles de ingreso de claridad práctica y psicológica Solamente ubicar si existe facilidad compensada con el gusto y si existe el seguimiento o solo es una vanidad de poder… realizarlo, para concretar tal estudio. Exacerbar la realidad tan escueta actual del artista para poder abrirse paso si no tiene imaginación para resolver, el cómo va a vincular su realidad para poder ser productor útil. Intermedios pero no en su decisión por arrepentimiento o desilusión. Iniciar la vida profesional del artista en el punto intermedio de su licenciatura como un requisito, donde los calificados seremos a la par con el alumno el profesor a manos de un externo que dependiendo del resultado del trabajo que recibamos someteremos nuestra D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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responsabilidad como trabajo de equipo como homólogos creativos entre alumnos y maestros ambos obtenemos beneficios. Con organizaciones e instituciones que realicen investigaciones con fundamentos creativos de cualquier orden o disciplina que participen en el desarrollo de lo facultativo en las artes plásticas con otras áreas externas e internacionales. Egreso y se quiere regresar, que no suceda así ante nuestra vista. La perspectiva cambio y es constante. Significa que no se acaba, comienza, ahora es Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

continuar el camino que decidieron dentro del mismo respaldo escolar, no estuvieron solos para ser apoyados e iniciados en el desempeño profesional de su formación, por tanto al saber el proceso aseguramos el resultado, no adivinamos el cómo les ira, porque el planeamiento del inicio dio

secuencia desarrollada y esta empujara la iniciativa

investigativa con los medios que lo difunden , finalmente estamos presentes en todo, con todos y para nosotros mismos, unidos .

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Fernando Ramírez Espinosa

Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en el contexto: social, económico y cultural del siglo XXI La Escuela Nacional de Artes Plásticas cuyo antecedente está ligado a la construcción y

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fundación de este México hace 400 años, enfrenta el gran reto; la valoración del arte como forma de vida, es decir; la mixtura del desarrollo profesional y humano, que hoy en los inicios de este siglo XXI, se compone de la formación en la tradición pos académica y el bum del desarrollo tecnológico que permea a las artes. Este panorama hoy se enfrenta a la sobrevaloración de la novedad y la improvisación como soporte del buena parte del arte actual, condición que tiene su origen en las condiciones de compra-venta y distribución en el mercado del arte a partir de la segunda mitad del siglo XX. Es contexto nos que conduce a que en la escuela se comience a descuidar, la enseñanza de los procedimientos tradicionalmente vinculados a la producción artística, dificultando la formación de profesionales capaces de establecer el vínculo entre las razones del pasado y las proyecciones al futuro en el terreno de la plástica. Pues lo contemporáneo y lo posmoderno, no es lo tecnológico; es paradójicamente la revaloración del pasado y su proyección hacía nuestro contexto en el presente, somos una escuela nacida en para el desarrollo de la tradición, esta tradición; que no mas es que el resultado de la experimentación de medios y el desarrollo tecnológico, es decir; la tradición sus medios y herramientas y materiales están ligados al desarrollo del pensamiento humano, por lo cual lo “actual” del arte sigue estando a la par del desarrollo intelectual del hombre en vías del campo de las artes.

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Este desconocimiento de la importancia de la tradición como parte medular de la formación académica, dificulta la comprensión del arte contemporáneo y, en consecuencia, genera confusión y de recursos humanos. En nuestra escuela esta dilapidación genera el desdén hacía la formación en el perfil de académicos; dándose paso a jóvenes cuyo proceso académico y profesional en proceso formativo por encima de una formación académica y profesional sólidas; en el afán de atraer hacía nosotros las modas y novedades en el campo de la plástica que como ocurre

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hoy en día pasan tan rápido como el desarrollo en el campo de software. Por lo cual reitero, lo contemporáneo y lo posmoderno en la enseñanza del y para las artes en este comienzo de Siglo XXI; es la mixtura entre la tradición y el avance tecnológico y el regreso al origen; tanto como institución, a la experiencia docente y la desarrollo humano tanto de sus docentes, administrativos y alumnos. Es por esto, hoy; tenemos ante nosotros la enorme posibilidad de resignificar quienes somos con entidad académica, como grupo marginal aun dentro de nuestra universidad mostrarnos ante la comunidad universitaria, de revalorarnos como fuente de conocimiento en vías del pensamiento y objetos e imágenes que involucren quienes somos como grupo inserto en una comunidad académica, y en un contexto cultural, social, ideológico y hasta filosófico, que nos identifique y diferencie con otras instituciones que desarrollan el conocimiento del arte y por el arte. Todo en comenzar a conocernos y revalorarnos desde las cabeza del grupo, llámese director, ex directores, eméritos, sus docentes, sus alumnos en formación, sus egresados, para apreciarnos y aceptarnos tal y como somos, la institución de arte pilar del desarrollo plástico de nuestro país.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Prof. Víctor Fernando Zamora Águila Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI

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Las artes visuales en el contexto de la imagen globalizada.

El tema de este ensayo es la ubicación de las artes visuales en el contexto de la producción globalizada de imágenes. Específicamente, abordaré la situación del artista visual como un productor de imágenes dirigidas al consumo en una sociedad globalizada. Para apreciar la situación actual a la que están llegando las artes visuales (o artes plásticas, o bellas artes), me parece útil remontarme a las etapas de la cultura europea anteriores al Renacimiento, 9 y a partir de ahí recorrer los avatares de la noción de "arte" hasta la actualidad. A grandes rasgos podemos identificar tres grandes momentos en este desarrollo: 1. La noción "ampliada" de las artes, que las entiende como el dominio de una técnica (téjne en griego; ars en latín). Ésta es un saber transmisible de maestro a discípulo y por tanto está sujeta a reglas, a normas y a criterios de corrección. Desde las culturas griega y latina, pasando por el helenismo, artista es quien demuestra destreza y capacidad de aplicar estándares de calidad sancionados a sus producciones escultóricas, pictóricas y dibujísticas, así como a sus actividades práctico-utilitarias: la herrería, la carpintería, la jardinería, y un amplísimo abanico de oficios. De este último término proviene nuestro "arte", referente a "lo bien hecho", a lo técnicamente 9

Me centro en la cultura europea porque de ella hemos recibido (incluso quienes no habitamos ese continente) gran parte de las nociones todavía corrientes sobre "lo artístico", "lo bello" y "lo estético". Aunque actualmente nos abrimos cada vez más a conceptos no occidentales, como el hinduísta de rasa (que significa literalmente "jugo" y suele traducirse como "belleza"), los nahuas de in xóchitl in cuícatl ("poesía") o de toltecáyotl ("cultura", "artes") o los taoístas de i hua ("pincelada única") y qiyun ("ritmo"). Esto es por demás conveniente, puesto que permite a las teorías sobre lo artístico, lo estético e incluso lo bello abrirse a la influencia vivificadora de otras formas de pensar, antiguas y contemporáneas, ajenas a la tradición occidental. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. funcional y útil a la sociedad. Tal concepción pasó sin grandes cambios al Medioevo europeo e, incluso, al mundo islámico. En la europa cristiana, por ejemplo, el conjunto de las "artes" se separaba en "artes mecánicas" 10 y "artes liberales" 11. Así, tanto el escultor como el gramático, el herrero como el músico eran "artistas". En el mundo islámico, un autor como Ibn Jaldún incluía la agricultura, la partería, la arquitectura y la escritura en el conjunto de las artes. 2. La noción "restringida" de las artes. A partir del Renamiciento, y con la necesidad de reconocimiento por parte de algunos sectores cultivados en las ciudades italianas, se empezó a delinear una diferenciación entre las "artes bellas", las "artes puras", por un lado, y las "artes Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

aplicadas", las "artesanías", por otro lado. Surge la noción del "Arte" (y su correlativo, el "Artista") como un ámbito creativo distinto y superior al de las "artes menores". Esto es, se abandona la milenaria división entre "artes mecánicas" y "artes liberales", para establecer una nueva división: las "bellas artes" (música, poesía, pintura, escultura, arquitectura) y las "artes menores" (las que antes eran llamadas "mecánicas", aunque excluyendo de éstas a la pintura y a la escultura). A partir de entonces, el artista pasó a ser una especie de semidiós tocado por la inspiración y los altos ideales de la cultura. Esta concepción se mantuvo en Europa durante siglos. Por ejemplo, cuando en el siglo XIX hubo un verdadero culto al "genio creador" por parte de los literatos románticos, así como por algunos pensadores (Kant, Hegel, Schopenhauer). Y, en el siglo XX, todavía el en el período de las vanguardias predominó un auténtico culto al artista, incluso por encima de la admiración hacias sus obras artísticas. A este largo compás de varios siglos podemos considerarlo como una especie de "edad de oro" de las artes. 3. El paulatino pero seguro abandono de la noción de "arte" como un ámbito especial, e incluso superior, de la cultura. A partir del declive de las vanguardias empezó a darse, a veces en un tono violento, a veces de forma más serena, una desvalorización de la actividad artística frente a las producciones masivas de imágenes (cinematográficas, propagandísticas, publicitarias, científicas, etc.). Es cuando surgen, en los distintos países y entornos culturales, las nociones de "diseño 10

Aquellas realizadas con base en el esfuerzo físico y las manualidades: herrería, escultura, carpintería, pintura, etc. 11 Que a su vez se dividían en dos grupos: el trivium (gramática, retórica, lógica) y el cuadrivium (aritmética, geometría, música, astronomía). D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. gráfico", "comunicador gráfico", "ilustrador" o incluso de "publicista". En este contexto se ha decretado varias veces la "muerte de la pintura" (Régis Debray) o el "fin del arte" (Arthur C. Danto). Sin embargo, no por ello ha dejado de producirse pinturas de caballete, piezas escultóricas o grabados, todos ellos entendidos como obras de autores individuales. Mas se ha dado un cambio esencial en la apreciación de estas obras: su denominación como "imágenes" —además de, o en vez de su denominación como "obras de arte". Un ejemplo inicial fue Andy Warhol, cuyas pinturas de caballete, serigrafías u objetos son copias (imágenes) de otras obras: una lata de sopa, una fotografía del algún personaje famoso, una caja de detergentes. Desde la década de los años 60 en

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el siglo XX hasta la actualidad, este fenómeno ha estado enmarcado por el explosivo crecimiento de las imágenes (sonoras, visuales, audiovisuales...) en la vida social. Libros, documentales para televisión, fotografías, folletos o anuncios espectaculares en las calles de las ciudades... son algunos de los medios por los cuales las obras de arte actuales o tradicionales se acercan a un público ahíto y a la vez siempre ávido de información. En este entorno, un autor como Vilém Flusser prefería ya desde 1985 llamar "conformadores de imágenes" a los fotógrafos, ilustradores, diseñadores, videoastas y demás productores que se valen de los medios tecnológicos para producir sus obras. Llamaba "imágenes técnicas" a sus obras. Y con ello los distinguía de aquellos productores que se valían y siguen valiendo de los medios tradicionales: la pintura al óleo o al acrílico, la talla en piedra o en madera, el dibujo a lápiz, etc. Las obras de éstos eran para Flusser "imágenes tradicionales". De cualquier modo, a unos y a otros los consideraba productores de imágenes. Luego de describir brevemente esos tres momentos en el desarrollo de las prácticas artísticas, quisiera ensayar algunas reflexiones. La primera se refiere a la relación entre el productor artístico y su comunidad. La segunda, a la función de las instituciones educativas (como la Escuela Nacional de Artes Plásticas) como formadoras de productores de imágenes. La tercera, a la definición del ejercicio de las artes como producción globalizada de imágenes. 1. El productor y su comunidad. Históricamente, podemos identificar tres situaciones, tres tipos de relación entre el productor de imágenes (artísticas o no) y su comundidad.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. a) En primer lugar, en el occidente premoderno (desde la Antigüedad hasta fines de la Edad Media), así como en los grandes entornos culturales no occidentales (India, China, Mesoamérica, Bizancio, sociedades tradicionales en Australia y en África), las personas dedicadas a la producción de dibujos, pinturas, tallas, grabados, etc. realizaban su trabajo como parte de las actividades colectivas de culto, como un aspecto más de los complejos rituales y usos sociales concebidos para mantener el orden establecido. Daré un par de ejemplos: en Mesoamérica, el toltécatl ("artista") que producía obras de arte plumaria, libros pintados o tallas en piedra ponía su trabajo al servicio del estado de cosas predominante; en la Rusia del siglo XIV, un pintor como Andrey Rubliov

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realizaba sus pinturas (murales o de caballete) como un medio para acceder él mismo a lo divino y permitir que los demás lograran el mismo acceso. En ninguno de estos dos casos el productor de imágenes consideraba su propia obra como un medio de expresión exclusivamente personal, como una evasión o como un acto de rebeldía. Más bien, la obra era una manera de integrarse a la comunidad. b) En segundo lugar, con el inicio de la Modernidad en Occidente, se dio (quizá por primera vez) una separación entre el productor de imágenes artísticas y su sociedad. Hacia el siglo XV, en las ciudades italianas, los anteriores patrocinadores de imágenes (y de textos) empezaron a disponer de medios de reproducción masiva que no sólo hacían más barata la producción y reproducción de motivos visuales (y de textos) con fines educativos, científicos y propagandísticos, sino que volvían prescindible al sujeto dotado de talento dibujístico o escultórico. Este factor tecnológico, aunado a la creciente secularización de la sociedad occidental, así como al desarrollo del capitalismo, condujo poco a poco al aislamiento de los artistas, o a su reducción a la condición de empleados asalariados. Entre los siglos XV y XVIII, la gradual desaparición de los gremios y el establecimiento de academias (de arte, de letras, de ciencias), no sólo volvió innecesaria la integración entre el artista y su comunidad, sino que sometió las artes a rígidos cánones. Con ello, los centros de producción artística "oficiales" se desligaron más y más de la sensibilidad popular y de las tradiciones. Las letras, por ejemplo, se desligaron cada vez más de las tradiciones orales, en las cuales la gran cantidad de personas analfabetas depositaban (y siguen depositando) su sentido de la vida. Otro caso es el de la Academia de San Carlos de la Nueva España (hoy ENAP), que fue

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. fundada para codificar y controlar la producción pictórica, escultórica y arquitectónica: cumplió a cabalidad con dicha misión. En ese periodo de cuatro o cinco siglos la producción de imágenes artísticas osciló entre el conservadurismo academicista y la rebelión romántico-vanguardista: entre la sujeción conservadora a cánones clasicistas y la ruptura individualista con el orden establecido (político, estético, académico). Se trató de las dos caras de una misma moneda en donde el artista aparecía como un ser libérrimo "inspirado", un "genio", un "semidiós", un "creador". c) En tercer lugar, vino el fin de los paradigmas modernos. Los conceptos de "nación", de Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

"gobierno central", de "sociedad planificada" se han visto rebasados por nuevas relaciones entre los sujetos a todo lo ancho del planeta: las micronaciones virtuales, las redes sociales, las ONGs internacionales son algunos ejemplos de cómo la sociedad actual se ha globalizado, rebasando las fronteras políticas tradicionales. En el terreno de las artes y de las letras, la noción de "autoría individual", si bien no ha desaparecido y probablemente no desaparezca, se ha relativizado al grado de que hoy es completamente natural el concepto de "autoría compartida". Es ya un lugar común hablar de la "participación del lector" o del público de una obra, lo cual lo convierte en auténtico "co-autor". Así, el del culto al genio creador individual es cada vez más una reliquia de los tiempo romántico-vanguardistas. En su lugar, el artista o el productor de imágenes es más bien un "generador" o un "productor", que un autor único. Entonces, si en los tiempos modernos los artistas se debatían entre el polo academicista y el polo rebelde, actualmente se debaten entre su necesidad de individualismo y su necesidad de insertarse en una comunidad transnacional o global. Se debaten entre la obligación de cumplir con una responsabilidad social y ética ante su sociedad (fungir como depositarios de una tradición, como voceros de una comunidad, como conciencia de un grupo, como educadores estéticos de las nuevas generaciones...) y la necesidad de satisfacer sus aspiraciones individuales de expresión, de éxtasis, de evasión, de reconocimiento y celebridad, de escape de una sociedad a la que quizá rechacen.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. 2. Las instituciones formadoras de productores de imágenes. Una institución como la Escuela Nacional de Artes Plásticas detenta un poder y a la vez es la titular de una importantísima misión. Su poder radica en que es una transmisora, una reproductora de valores éticos, estéticos o ideológicos, los cuales recoge de una tradición cultural y proyecta sobre los estudiantes que ingresan a sus aulas. Éstos, a su vez, cuando egresan difunden tales valores: como diseñadores, como productores plásticos, como docentes en escuelas de distintos niveles e incluso como investigadores. Una institución universitaria como la ENAP es, pues, una formadora de "conformadores de imágenes" (artistas, diseñadores, fotógrafos, ilustradores...). Ahora bien, Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

los valores que difunde por un lado están formulados en las directrices oficiales que tiene como parte de la Universidad Nacional Autónoma de México, que a su vez surgió hace un siglo para contribuir al desarrollo de la sociedad mexicana. Pero, por otro lado, cada profesor y/o investigador es un difusor de valores que corresponden a su ideología, a su ética o a su estética individuales: pueden tener una orientación conservadora, izquierdista, centrista (por mencionar las orientaciones ideológico-políticas más esquematizadas). Entonces, dada la pluralidad de posiciones en el seno de una universidad pública como la UNAM, es esencial a la misión de una escuela como la ENAP acoger a todo tipo de aspirantes, sin distinguir sus orientaciones ideológicas; no tomar partido institucional por ninguna orientación ideológica, así como acoger las tradiciones culturales, artísticas, religiosas de todos los entornos sociales y geopolíticos, no sólo de la órbita occidental, sino de todos los continentes y de todas las épocas. Esto sería una auténtica globalidad del conocimiento. 3. Producción artística como producción de imágenes. La producción de imágenes no es la única función de las artes. Hoy en día, independientemente de los talentos individuales que distingan a un artista, éste es un generador de imágenes, sobre todo si para producirlas se vales de los actuales medios tecnológicos disponibles: computadoras, cámaras digitales fotográficas y de video, internet. Las imágenes resultantes de su actividad están hechas para traspasar fronteras (lingüísticas, ideológicas, religiosas, estéticas). El llamado "poder de la imagen", que ha operado socialmente desde las llamadas imágenes aquiropoiéticas (imágenes aparecidas milagrosamente, no hechas por mano humana), se manifiesta actualmente por la capacidad de las imágenes de D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. incidir en la vida cotidiana de las personas (incluso cuando han sido producidas en ambientes culturales ajenos a los de quienes las consumen). Esto es lo que se quiere decir cuando se afirma que vivimos en una "cultura de la imagen". Y este término me parece más adecuado que el de "cultura visual", pues las imágenes —hay que subrayarlo— no son sólo visuales: pueden ser táctiles, sonoras y olfativas. El egresado de una institución como la ENAP es, pues, un productor de imágenes. En ello consiste su especificidad profesional. Considero que es tiempo de asumir académicamente estos cambios que afectan a los productores y a los consumidores de imágenes en todo el planeta. Y una forma de asumirlos es introducir en Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

los planes de estudio los cambios pertinentes. Por ejemplo, actualizar las asignaturas de "Historia del Arte" y de "Teoría del Arte". En su lugar, habría que implantar asignatura como Historia de la Imagen" y "Teoría de la Imagen". O bien, en una solución intermedia, "Historia del Arte y de la Imagen" y "Teoría del Arte y de la Imagen".

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Las Artes Visuales en los contextos social, económico y cultural del siglo XXI Hasta hace poco la historia del arte moderno se ha concebido y presentado como una sucesión cronológica de movimientos artísticos, y se ha consagrado tanto en los libros como en colecciones permanentes de los museos como secuencia de innovaciones estilísticas. Cualquier estudiante de arte podría recitar de memoria los movimientos más destacados: Impresionismo, posimpresionismo, cubismo, surrealismo, expresionismo abstracto y demás. Y la mayoría entienden esos movimientos como una ruptura radical con los postulados anteriores por parte de un grupo de artistas con inquietudes comunes cuyas acciones desembocaron en una tendencia coherente de experimentación y evolución artística. Alfred H. Barr, hijo del primer director del Museo de Arte Moderno de (MoMA) de Nueva York, fue el primero que formuló una hipótesis acerca de esa sabiduría convencional. En 1936 publicó un diagrama en el que representaba la evolución del arte moderno por medio de flechas y líneas curvas que reflejaban la genealogía de los nuevos movimientos. Barr apostaba por una historia del arte moderno exhaustiva y generativa según la cual, antes de expirar, un estilo no engendraba solo otro, sino varios. Por ejemplo, a partir del neoimpresionismo trazó dos líneas que, a su modo de ver, daban origen al cubismo y al futurismo. A su vez, el cubismo generaba el dadaísmo y el surrealismo, mientras que el futurismo dejaba su germen en el constructivismo, la Bauhaus y la abstracción geométrica. La concepción de la historia del arte de Barr implicaba la inevitabilidad del cambio, pero no esbozaba un principio reactor que explicase la evolución del arte moderno. Quien lo develó fue el crítico Clement Greenberg, quien a partir de 1940 fue muy influyente y se le conoció a su doctrina como “formalismo”, y este influjo aún se siente en la actualidad. Greenberg sostenía que el arte moderno representaba la ruptura con la fijación renacentista por el ilusionismo y avanzaba hacia un ideal de en el cual la pintura y la escultura eran expresiones puras de sus cualidades intrínsecas. Pero aunque el formalismo se impuso y contó con el apoyo de la crítica, empezaron a oírse voces discordantes. En la década de 1960 la teoría de Greenberg cayó en desgracia a causa de la aparición de nuevos movimientos que refutaban con rotundidad el principio de la pureza. El arte Pop y el minimalismo, D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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surgidos más o menos simultáneamente, atacaron desde frentes muy distintos al aparato crítico formalista que había servido para explicar la emergencia evolutiva del expresionismo abstracto. Hacia la década de 1970 el término pareció dejar de condensar la fluidez de la situación. Posminimalismo, arte conceptual, land art, arte corporal, performance, bad art, etc. Si algo tenían en común todos esos planteamientos era su actitud rebelde, no contra los movimientos artísticos precedentes, sino contra la autoridad categórica de la historia del arte. Los artistas exigían libertad de expresión y encontraron medios radicales para cuestionar las limitaciones de cualquier definición del arte. Rechazaron la noción del arte como objeto, se rebelaron contra su estatus como bien de consumo y minaron los criterios al uso para juzgar la calidad de una obra de arte. Descartando las nociones históricas de forma y contenido, experimentaron con los límites del arte para ver hasta dónde era posible llegar siendo conscientes de estar creando arte. A principios de 1970, los blancos legítimos se multiplicaron: Dennis Oppenheim presentó una obra de arte consistente en una quemadura solar en su torso, Michael Heizer cavó un enorme hoyo en el suelo, Richard Serra salpicó paredes con plomo fundido, paredes que sirvieron también de fondo a Lawrence Weiner para sus líneas de texto y Vitto Acconci persigió a gente por la calle. El inventario plantea interrogantes. ¿Cómo argumentar que todos esos ejemplos y más pertenecen a una misma disciplina? ¿Qué es el arte actual si puede englobar tal diversidad? Sería posible crear un árbol genealógico contemporáneo como el de Barr que registrara cada uno de esos ejemplos como obra de arte? Responder a estas preguntas resulta acuciante para la crítica, que en los últimos años ha estado inmersa en una debido a la pérdida de consenso en materia de dirección, materiales, público y objetivos del arte, todo lo cual hace temblar su tesis de valor, calidad y significado. Los artistas ven en este estado amorfo del arte contemporáneo un obstáculo para saber cómo proceder, mientras que comisarios y otros profesionales del mundillo luchan por diferenciar el arte relevante del que no lo es. Y, por lo general, el público se halla sumido en un estado de confusión, sin capacidad de tender puentes entre el arte ecléctico de la actualidad y el arte del pasado. Para hallar respuestas, lo primero es preguntarse cómo se ha llegado a esta situación. Un análisis retrospectivo permite detectar una serie de tendencias que aunaron esfuerzos para socavar y derrocar la fe en la modernidad en la progresión del arte. ¿Cómo es posible escribir un ensayo sobre arte contemporáneo en una era de pluralidad anárquica? Ocurre que los principios organizativos convencionales han dejado de ser válidos. Sin una narrativa maestra carece de sentido presentar el arte contemporáneo como un cúmulo de

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. movimientos. El concepto de estilo es un anacronismo desde hace décadas. Y, habida cuenta de la movilidad de los artistas y el alcance mundial del arte actual, la clasificación geográfica no parece visible. Además, ahora los artistas trabajan con cualquier cosa, desde chicles hasta pixeles, en varias disciplinas a la vez, y abordan desde la clonación hasta el consumo, catalogar el arte por el material, el género o el tema parece igualmente insatisfactorio. El verdadero quid de la cuestión es que el arte ya no puede concebirse como un fenómeno aislado que sigue sus propios imperativos ajeno al mundo exterior.

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Heartney, Eleanor, Arte & Hoy, Barcelona, España, Phaidon, 2008.

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M.A.V. Héctor Inda y Hernández Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

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Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Para situar los fundamentos teóricos que justificaron uno de los paradigmas que enarboló el arte en su cambiante fisonomía, debemos aceptar que fue la representatividad de lo nuevo lo que prevaleció hasta finales del siglo pasado… pero admitimos que en pleno siglo XXI este límite, hace rato que ya se ha alcanzado; no quedando otra opción que cuestionar si actualmente cualquier cosa puede pretender (ilusoriamente) llegar a ser ARTE como afirma Sureda al analizar los motivos de una articulación artística…(1); en tanto que así se le considere por insertarse en un contexto donde se pueda formular la existencia de una desintegración de contenidos que parecerían carecer de sentido. Esto podría llevarnos a reflexionar sobre el principio Hegeliano de la “accidentalidad subjetiva” para acoger el pasado como disponibilidad en la manipulación al servicio del artista que “…emplea su acopio de imágenes, modos de configuración, formas pasadas del arte, que tomadas por sí mismas le son indiferentes y solamente se convierten en relevantes cuando las considera como las más apropiadas para este o aquel tema… ahora toda forma como tema están al servicio del artista”…(2). Tal “disponibilidad inmediata” se manifestará más adelante con increíble agudeza: …parecería que se transmitieran recombinaciones de las obras de Duchamp, Joseph Beuys o de Andy Warhol como estrategia para los jóvenes artistas. Siendo cierto que “…ahora que el movimiento moderno es historia, resulta aceptable preguntar si el arte no sufrirá simplemente un leve agotamiento o si estará perdiendo peso definitivamente”…(3) No olvidemos que Clemente Greenberg ya había advertido que “…las masas urbanas presionaron a la sociedad para que les proporcionara el tipo de cultura apropiado a su consumo: el sucedáneo KITSCH” …(20). Sus escritos sirvieron para explicar su personal reflexión acerca de la práctica artística como una necesaria orientación al público. ***De especial interés son sus ensayos críticos D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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que fueron publicados originalmente por Beacon Press y que fueron traducidos en 1979 por la editorial Gustavo Gili y reeditado en 2002 por Paidós Ibérica… .

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Aquí es válido aclarar que la tarea del crítico es explicar cómo y porqué una obra reúne esas características específicas para relacionarse con otras cuyo contenido estético las hace ser admitidas (sin discusión) en un entorno artístico ya determinado por su nivel de calidad. Lo que quedó establecido, no fue únicamente una serie determinada de “juicios y preferencias” ni una “interpretación determinada” de la historia del arte, sino más bien, una cierta relación entre la tradición y las nuevas propuestas… Lo que importa es la búsqueda e identificación de la máxima calidad en sus componentes; esto equivale a encontrar cierta efectividad técnica compartida al analizar la coherencia con la iconografía derivada del mundo de los anuncios, los comic´s, el cine y otras publicaciones donde las figuras, paisajes y objetos tienen un aspecto representativo de la sociedad en que están inscritos; es decir que las ideas y los valores de una época estarán en consonancia con las expresadas tradicionalmente, pudiéndose rastrear la influencia de los argumentos esgrimidos por una teoría crítica… (4). Pasamos ahora al territorio de la legitimación teórica por parte del crítico de arte acerca de la obra de un artista novel: Si la certeza de su aceptación está avalada por juicios y valoraciones ya probados y que salieron victoriosos de cualquier refutación teórica… entonces hablamos del “efecto práctico” de las declaraciones del estudioso acerca de la obra del nuevo artista y podríamos aseverar confiadamente, que la obra propuesta posee las características incuestionables que defienden su existencia (a manera de confirmación) más allá de la “novedad” que pudiera tener en su presentación. Leo Steinberg en 1972 empleó por primera vez el término “postmodernidad” para indicar las diferencias y cambios significativos en las obras de un grupo de pintores con respecto a lo habitual de la producción de los expresionistas abstractos; pero debido a su ambigüedad especulativa se aceptó su uso para referirse específicamente al “arte conceptual” al “Land Art”, a los “performances” y a otras obras de finales de los setentas, realizadas sobre otros medios.

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En 1979 se publicó “LA CONDICIÓN POSMODERNA” de Jean-Francois Lyotard y en 1986 aparece “POSTMODERNISM or the cultural logic of late capitalism” de Fredric Jameson. Ambos escritos trataban de explicar la transformación de la expresión cultural desde lo que llamaron realismo hasta la modernidad (y ahora posmodernidad).

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CRAIG OWENS publica “THE ALLEGORICAL IMPULSE” y Rosalind Krauss “THE ORIGINALITY OF THE AVANT-GARDE AND OTHER MODERNIST MYTH” donde ambos parten del reconocimiento de que la diversidad estilística del arte tras la modernidad, oculta un principio unificador subyacente (algo diferente al estilo) y aseveran que se ha producido un cambio en el modo de significación del arte que sitúa al contenido en primer lugar. Básicamente la posmodernidad está alerta acerca de la crítica del mito de la originalidad y de las diferencias que engloba la sociedad en su seno. Así como de la narrativa histórica….(4) El arte comprometido de los setentas quedó establecido como uno de los pilares de la posmodernidad artística, sin diferenciar las cuestiones de sexo y de raza. Así, uno de los principales temas desarrollados por Barbara Kruger se centró alrededor de la relación entre sexos: su obra se caracteriza por conjugar una imagen fotográfica con un texto que funciona como “slogan”. El texto se presenta en letras blancas sobre fondo rojo atravesando o bordeando la imagen, a diferente escala de la usual… dirigido a un espectador hipotético (generalmente del género masculino). Aparte de exhibirse en galerías, la obra se reprodujo en camisetas, en revistas y en carteles. El crítico Hal Foster (siguiendo a Roland Barthes) ha descrito esa concepción del arte como situada en “una encrucijada de instituciones de economía política y artística, de representaciones de identidad sexual y vida social”. Para él, el artista se convierte en “manipulador de signos” más que en “productor de objetos de arte”; y el espectador, en vez de ser “contemplador pasivo” se transforma en un “lector activo de mensajes”, sin ser ya más un simple consumidor de lo espectacular…(4) En 1973 Jean Baudrillard publica “EL ESPEJO DE LA PRODUCCIÓN” donde propone centrarse en lo que llamó la “economía política del signo” haciendo énfasis en la producción del significado, la información y los medios de comunicación que parecen haberse convertido en una parte fundamental de la experiencia moderna. Afirma que la realidad en sí misma ha desaparecido, perdida tras una pantalla de signos para conformar una hiperrealidad: un mundo de representaciones, de imágenes… un mundo en el que lo D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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real se ha convertido en un simulacro. Uno de sus efectos es difuminar los límites entre fantasía y realidad. Precisamente, ese mundo de signos es sobre el cual se han fijado los artistas. Por ejemplo Jeff Koons muestra como ARTE bienes de consumo: aspiradoras que se alejan de su contexto habitual al ser exhibidas en vitrinas o escaparates como si fueran objetos de arte en un museo.

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Haim Steinbach dispuso en estantes (a manera de aparador) objetos comprados en los mercados: ropa deportiva, tazas producidas en serie y simples jarrones decorativos… rondando la frontera de lo kitsch. Ahora, los productos de la cultura popular y del diseño industrial pululan entre los contextos artísticos (con carta de naturalización reciente, sin llegar a la mayoría de edad)…(4). Ruhrberg en el libro “ARTE DEL SIGLO XX” dice que “…en los años setenta, los artistas criticaron el mundo mediático e ilusorio en el que el simulacro de Baudrillard reemplazó la realidad primaria y tangible. Múltiples aspectos escultóricos se concentraron en objetos que provenían del “ready-made”… “durante los años ochenta, la nueva escultura renunció a la experiencia física directa; en cambio la ilustración y la ficción se convirtieron en estrategias clave de la representación”. En otro capítulo de la misma publicación Ruhrberg continúa diciendo que “…el teatro, las maquetas escenográficas y las vitrinas marcaron las pautas. Inesperadamente se permitió una “escultura caprichosa, literaria, simbólica, narrativa e incluso anecdótica; Con el reciclaje del “ready-made” y de objetos encontrados, la presentación se convirtió en la razón de ser que dotaba de significado a los objetos, confiriéndoles cierto carisma” (5) ***Como ejemplo de esta aseveración podemos recordar los objetos monumentales que Claes Oldemburg presentó semi-enterrados en el césped de una casa particular. Octavio Paz en “LA APARIENCIA DESNUDA” dice: “…la repetición del acto acarrea una degradación inmediata; desalojado, fuera de su contexto general, el “ready-made” pierde bruscamente todo significado y se transforma en un objeto vacío. Solo una “inyección de ironía” lo ayuda a preservar su anonimato y su neutralidad”… (6)

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Joan Sureda asegura que “…el “ready-made” es un objeto anónimo, vulgar… que adquiere la categoría de arte única y exclusivamente por la voluntad caprichosa del artista, por su gesto gratuito”; “…la obra artística es un acto y no un hecho; es el acto a través del cual el no-arte se convierte en arte”…(1)

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Yves Michaud en la introducción de su libro “EL ARTE EN ESTADO GASEOSO” nos dice que: “…los nietos y ahora bisnietos de Duchamp han invadido los lugares artísticos para depositar “ready.made” en todas partes” Y más adelante continúa: “…mientras tanto la industria de la cultura lo devora todo, incluyendo los museos… sin embargo nadie se engaña, a pesar de todo, cada quien desempeña su papel”. En otra parte de su libro podemos leer que “…la imagen pierde su valor de referencia o de denotación para entrar a la serie de una fantasmagoría”. Michaud comenta que en el Museo vemos con atención obras únicas… “aunque en la mayoría de los casos, estas obras únicas son en la actualidad, ejemplares más o menos escasos y más o menos idénticos de la producción mundial y estandarizada de tal o cual artista”…(8) Jean Baudrillard confiesa que “tal cual, el objeto “ready-made” me ha parecido siempre una especie de animal disecado, vitrificado en apariencia, en su identidad estéril”…(9) Asegura que “el mundo estético es el de la fetichización: es preciso que haya cada vez más (objetos estéticos) para que exista un universo estético” y nos dice que “existe un arte de la simulación, una cualidad irónica que resucita una y otra vez las apariencias del mundo para destruirlas” y a manera de profecía asevera: “nos preparamos para la repetición insensata de todas las formas de nuestra cultura”…(9) y puntualiza: “…donde el azar tiene ahora la iniciativa, llevado hasta el punto de desvanecer cualquier simbolización inteligible, en un proceso de transformación sometido al capricho del artista”” …(9) Podríamos concluir que ante la proliferación indiscriminada de propuestas que inundan el horizonte artístico de nuestro tiempo, constatamos que “…el arte contemporáneo en el fondo aparezca mucho menos sorprendente y hasta más trivial de lo que se podría creer” y comprobamos que (…el arte contemporáneo se acerca a rituales efímeros, ornamentaciones corporales, procedimientos pirotécnicos, performances teatrales y hasta a los arreglos florales) en su afán por llamar la atención. …(8) Desde el punto de vista conceptual, pareciera que esta situación permitiera definir más ampliamente una conducta humana de naturaleza artística diferenciado actitudes cuya D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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“intencionalidad” pudiera ser sospechosa… haciéndose necesario aislar e identificar fenómenos artísticos y experiencias estéticas… y supondría ubicar estas actividades en relación con el arte del siglo XXI para finalizar en una búsqueda de perspectivas al tratar de encontrar la “significación del nuevo régimen del arte”. Y es que en la actualidad podríamos dejarnos llevar por la sensación de que “la belleza está en todas partes y el ARTE en ninguna” y que lo único que queda es “la experiencia estética”. Retrocedamos un poco: Durante los primeros años de la década de los ochentas, surgió una tendencia por recuperar el potencial narrativo de la imagen. Los principales artistas de esta corriente fueron Robert Longo Sherrie Levine y Cindy Sherman. Anteriormente, en Octubre de 1977 se presentó en Nueva York la exposición “PICTURES” que abrió el arte a los medios de comunicación a partir de un proceso centrado en la crítica de la representación y en la concepción de imágenes a partir de otras. La pintura empezó a ser entendida como “pantalla neutra” para proyectar un mundo de imágenes ya no como Representación sino únicamente como Presentación. No se trabajaba con imágenes originales de la realidad sino con “imágenes apropiadas directamente de otras imágenes” que reflejaban el mundo circundante con el que mantenían un tenso diálogo de significaciones. Los artistas eliminaban el significado primitivo de fotografías publicitarias, de tomas televisivas o cinematográficas y hasta de la Historia del Arte para otorgarles otro significado totalmente nuevo que “sugería ambigüedades”. Lo que se pretendía era indagar en las estructuras del significado: detrás de cada imagen siempre se puede hallar otra imagen. Para el teórico y pintor T. Lawson la fotografía era un medio para generar un proceso de apropiación: “…nosotros conocemos la vida real tal como aparece representada en filmes y videos”…(11) Por otro lado, Craig Owens reivindicó la alegoría como fenómeno posmoderno: La imagen apropiada (fotograma, fotografía, dibujo…) debía ser sometida a una serie de manipulaciones que la vaciarían de su resonancia y significación y la convertirían en “opaca”. Como consecuencia parecen extrañamente incompletas: fragmentos o ruinas que deben ser descifradas. En la pintura “apropiacionista” se dio un proceso por el que imágenes muy familiares y emblemáticas (alegóricas) se hacían “opacas y distantes” respecto a sus orígenes. Es decir que “…la resonancia psicológica no reside en la temática D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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de las imágenes presentes en la obra, sino en la forma en que estas imágenes se presentan o escenifican” ”…(11)

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Robert Longo aisló imágenes del cine y de la televisión para manipularlas y convertirlas en “naturalezas muertas” a gran escala. Más que representar personas concretas, las trató como “logotipos de carne viva” que servían de alegoría de una situación social determinada. En sus obras converge la “deshumanización de la sociedad corporativa urbana” que el artista descompone en efectos impersonales y fríos.”…(11) Levine se apropia de medios artesanales (acuarela y dibujo) para realizar versiones en color de trabajos de destacados artistas del siglo XX, conservando la iconografía de estas obras pero cambiando su técnica, su formato y su composición. Insiste en el “cuestionamiento de la originalidad” Substituye la copia de obras concretas por la “apropiación de imágenes” y motivos aislados de su contexto: “La imagen solo existe en función de su doble. Todo es una simulación” ”…(11) El postestructuralismo constituyó la base teórica que dio validez a los intercambios múltiples entre el mundo de las artes, la publicidad, la fotografía, el cine y los medios de comunicación. Para R. Barthes “… un texto NO es un conjunto de palabras con un único significado, sino un espacio multidimensional en el que una variedad de estilos se combinan, mezclan y chocan distanciándose del significado primigenio” ”…(11) Un texto (o una imagen) debe entenderse como un tejido polisémico de códigos donde lo más importante no es el acto creativo único, original, irrepetible… sino las acciones selectivas de escoger y combinar” ”…(11) Se podría anunciar paradójicamente que “…el artista ha muerto, vive el productor de obra artística”. Estamos ante un libre juego de “significantes” que destruye la unidad que parecía indisoluble entre el “significante” y los “significados” de un signo. ”…(11) J. Baudrillard considera a la sociedad como un espectáculo fantasmagórico en el que el valor de cambio de un objeto ya no obedece a cuestiones de orden económico, sino a criterios de moda y de prestigio vinculados al lenguaje de la publicidad: el objeto NO es valorado por sus cualidades intrínsecas o por sus significados sino por su apariencia: el simulacro ha suplantado a la realidad. El objeto ha perdido su función; el consumismo ha provocado que solo interese su imagen artificial: la imagen es la máscara de la ausencia de la realidad, por lo que NO guarda relación con ninguna realidad al convertirse en su propio

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simulacro. “El objeto artístico toma la apariencia de “fetiche” algo extraño, sorpresivo e inquietante… irreal, que se convierte en un acontecimiento eventual”…(11)

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El arte se transformó en un generador de mundos simulados, ficticios, irreales, artificiales e ilusorios. Nació así una estrategia de presentación al mostrar la obra dentro de una vitrina, sobre una repisa en un mostrador… Es decir que se trataba de un “espectáculo de consumo” inmerso en manipuladoras estrategias visuales. Cuando todo tipo de arte se convirtió en mercancía, los artistas no expusieron propiamente pinturas ni esculturas, sino híbridas obras objetuales relacionadas con la estética industrial y con simples y banales mercancías con cierto aire reminiscente del POP. ”…(11) La popularidad representada por Jeff Koons se manifiesta en sus imágenes de “la pantera rosa”, Michael Jackson, querubines, trenes de juguete, peluches, ramos de flores… lo que le significaba convertirse en “estrella” de un espectáculo insubstancial. ”…(11) Según Dan Cameron “…ante este panorama, se cuestionó la validez de las propuestas que se “liberaron” de todo el dogmatismo conceptual, insertándose en la exaltación de la ironía, el humor, el cinismo, lo superficial y lo ingenuo como símbolos de un mundo en desorden, de una cultura nacida de sus propios intereses competitivos” ”…(11) John Armleder reúne objetos del mobiliario cotidiano encontrados en la calle o comprados en el mercado (cuadros, mesas, sofás…) y los expone en Ginebra en 1981. Es algo parecido a los escaparates de una tienda comercial”…(11) En varias conferencias dadas en Berlín entre 1993 y 1995 Kabakov desarrolla lo que después sería el fundamento para postular una teoría de la instalación y a manera de un discurso explicativo propone la transformación del objeto: “…el sujeto se considera fuera de su contexto y estará dispuesto a penetrar en “la memoria de lo propio” Es decir que acepta desprenderse de lo “cotidiano” para reconocerse en lo representado. Por ejemplo, una cocina con todo y sus sartenes, cucharas, manteles, platos y hasta cochambre… que le permite apreciar el borde de artificialidad que le pertenece al acceder a “la otredad” de lo artificial”. Sus ámbitos se presentan en cosas, cuerpos, seres, personas, sucesos, situaciones, acontecimientos, conceptos, recuerdos, lugares… estructurados según las posibilidades interpretativas: Exploración de la emotividad como un pretexto para efectuar la “experiencia artística”. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Por otra parte, sabemos que ya desde 1985 Dan Flavin utilizaba en sus obras tubos de Neón de diversos tamaños y colores para exhibirlos en espacios de grandes dimensiones, como si se tratara de escultural a gran escala..acomodándolos adecuadamente para articularlos en un conjunto unitario. En cualquier instalación, podrá confluir lo viejo y lo nuevo, la tradición y la innovación… el instalador elige formas, formatos, medios y soportes para “explorar distintas opciones creativas” de interés espectacular… Este despliegue organizado de algunas cosas, objetos, imágenes, sonidos, textos… en un espacio determinado, responde a una cierta premisa o “trama argumental” que se pretende ofrecer al espectador para favorecer una “lectura coherente” conforme realiza su recorrido, según sea la complejidad del discurso propuesto. Una instalación puede ser “reconstruida” con todo detalle en otro tiempo y lugar o “readaptarse en función a su nueva ubicación” generando versiones modificadas que la reproduzcan en lo fundamental… como si fueran “ediciones limitadas” según el capricho del cliente (ya sea coleccionista o galerista de cualquier museo de vecindad). Guilles Lipovetsky en “LA ERA DEL VACÍO” postula que “…la edad posmoderna está obsesionada por la información y la expresión, de tal modo que pronto no habrá ni una sola actividad que no esté marcada con la etiqueta . Esta “aspiración masiva” se manifiesta por la extraordinaria proliferación de radio difusoras. De repente todos somos “disk-jockeys” o presentadores y animadores: al sintonizar cualquier estación F.M. de inmediato nos asalta una nube de música, de frases entrecortadas, entrevistas, confidencias, afirmaciones culturales regionales y de barrio o de grupos restringidos… que tienen “algo” que decir a partir de su experiencia íntima. Y todos quieren ser oídos… lo mismo pasa con los “graffiti” pintados en las paredes de las escuelas y casas particulares, sin que nadie pida permiso para ser escuchados y que les hagan caso… aunque cuanto mayores sean los medios de expresión, menos cosas se tienen que decir…y más anónimo y vacío es el efecto logrado….(12) “Eso es la expresión gratuita, la primacía del acto de comunicación sobre la naturaleza de lo comunicado, la indiferencia de los contenidos, la reabsorción lúdica del sentido, la comunicación sin objetivo ni público. El emisor convertido en el principal receptor .De ahí esa abundancia de espectáculos, exposiciones, entrevistas, propuestas… totalmente insignificantes….(12) D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Gillo Dorfles afirma que “…hemos caído en el terreno de lo pantanoso, de lo incierto, de lo problemático, de lo ambiguo que lo hace más misterioso a causa de su indescifrable ambigüedad” y más adelante continúa: “…la ambigüedad puede coincidir con lo irracional y con lo ilógico pero no con lo inverosímil… traicionando su medio y dañando su valor, valorando ciertos aspectos de imposibilidad, de improbabilidad, de ambigüedad… extrayendo de ellos una indiscutible eficacia artística”…(15) Para Umberto Eco “…la existencia de un sistema de significación es previa al proceso de comunicación e incluso susceptible de ser establecida independientemente de cualquier posibilidad de actualización comunicativa”; “pero la significación sin comunicación es inútil desde el punto de vista de los fenómenos culturales como el arte… El arte no se entiende ni se define solo por su capacidad de significación, sino también por su realización que lo convierte en un complejo proceso comunicativo, llegando hasta la reconsideración histórica de la propia noción de ARTE”…(13). Cuando Cassirer considera que el significado metafórico precede al significado concreto (racional y conceptual) en la visión de imágenes, hace prevalecer la idea de una estética simbólica al referir que los pueblos primitivos pensaban por medio de imágenes y no por medio de conceptos… lo que significaba el uso de jeroglíficos antes que el de los caracteres gráficos no figurativos, culminando en el desarrollo de actividades artísticas …(15); Max Lieberman postula que “…cuanto más se aproximan los jeroglíficos del artista a las impresiones sensorias de la naturaleza, mayor esfuerzo imaginativo se necesitó para inventarlos”…(15). Hoy podemos intuir un significado metafórico y hasta simbólico en las obras del pasado si aceptamos la existencia de “arquetipos comunes a todos los tiempos y lugares”; baste recordar la expresión de principios normativos sociales que confirman contenidos latentes inconscientes, como si fueran “remanentes arcaicos” de tendencias colectivas heredadas” …(17) Calabrese menciona el potencial comunicativo que tiene una obra debido a cualidades interiores propias, de acuerdo a ciertos mecanismos de funcionamiento… considerando la acción simbólica como su característica esencial y atribuye una importancia fundamental a la ambigüedad artística, entendida como portadora de significados acumulados y polivalentes…(18) Pero como dice Danto: “…comprender una obra de arte es captar su metáfora”. …(19)

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(3) Haden-Guest. “AL NATURAL-LA VERDADERA HISTORIA DEL MUNDO DEL ARTE”. página 301.Ed PENÍNSULA. España 2000 (4) Wood Paul et al. “LA MODERNIDAD A DEBATE”. páginas 174-188,242,243, 245. Ed. AKAL/Arte y Estética. España 1999 (5) RUHBERG et al. “ARTE DEL SIGLO XX”. PÁGINA 561. Ed. TASHEN. España 2001 (6) Paz Octavio. “LA APARIENCIA DESNUDA”. PÁGINAS 31-35. Ediciones ERA. México 1979 (7) Jiménez José. “TEORIA DEL ARTE”. Alianza Editorial. España 2002 (8) Michaud Ives. “EL ARTE EN ESTADO GASEOSO”. PÁGINA 101-103. Fondo de Cultura Económica. México 2007 (9) Baudrillard Jean. “LA ILUSIÓN Y LA DESILUSIÓN ESTÉTICAS”. Página 81. Monte Avila Editores. Venezuela 1998 (10) Baudrillard Jean.”EL COMPLOT DEL ARTE”. PÁGINA 25. Amorrotu/editores. Argentina 2006 (11) Guash Ana María. “EL ARTE ULTIMO DEL SIGLO XX”. Editorial ALIANZA-FORMA. PÁGINAS 341,354,399. España 2000 (12) Lipovetsky Guilles. “LA ERA DEL VACÍO”. Páginas 14-15. Ed. ANAGRAMA. España 2007 (13) Saborit José. “RETÓRICA DE LA PINTURA”. Paginas70-71,166. Ed. CATEDRA. España 2000 (14) Jung Carl Gustav. “SOBRE EL FENÓMENO DEL ESPÍRITU EN EL ARTE Y EN LA CIENCIA”. Ed.TROTTA.España 1999

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(15) Dorfles Gillo. “EL DEVENIR DE LAS ARTES”. Páginas 33-39. Fondo de Cultura Económica. México 1970 (16) Gombrich. E.H. “ARTE E ILUSIÓN”. Debate. España 1998 (17) Del Conde Teresa. “ARTE Y PSIQUE”. Página 23. Plaza Janés. México 2002 (18). Calabrese A. “EL LENGUAJE DEL ARTE”. Páginas 33, 35, 39. Ed. PAIDÓS España1997 (19) Danto C. Arthur. “ESTETICA DESPUES DEL ARTE”. Página 188. La balsa de la medusa. España 2005

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(20) Greenberg Clement.”ARTE Y CULTURA”. Ed.PAIDÓS. España 2002

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Herlinda Sánchez Laurel Zúñiga Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Agosto, 2011

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Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Del arte sublime al arte posindustrial.

En éste mundo collage, en estas culturas desterritorializadas, el arte y las teorías estéticas han sentido también los impactos de la globalización económica, tecnológica y de la mundialización cultural, actualizando la problemática entre arte y mercado, sociedad de consumo y gusto estético. Esta confrontación, que tiene su origen en el siglo XIX y un desarrollo vertiginoso a mediados del siglo XX, se manifiesta en su totalidad a principios del XXI, produciendo reacciones en cadena en las estructuras y categorías estéticas y las producciones artísticas. El acelerado crecimiento de la cultura de masas, gracias al desarrollo de los medios de comunicación –los cuales deslocalizaron aún más a los habitantes de campos y ciudades- ha provocado un “malestar cultural” sentido entre algunos intelectuales y artistas que no ven con buenos ojos aquel crecimiento mordaz y despiadado que ha transformado lo urbano en una “sociedad de extraños”. Anonimato, soledad, extrañamiento, masificación y homogeneización de gustos y actitudes van a llevar a los intelectuales a enfrentarse con la “cultura de masas” ya que ésta desplaza y desarticula la noción de elite privilegiada o de “hombres diferentes” refiriéndose a los artistas. De allí que los intelectuales se opongan a la racionalidad instrumental e utilitaria, la cual produce diferenciación, racionalismos burocratizados, pérdida de dirección, alienación y explotación, control, poder y

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. castigo. La repulsión frente al arte masivo, el “mal gusto” y el kitsch, se observa en las reflexiones que sobre la industria cultural realizó la Escuela de Francfort, especialmente Adorno y Horkheimer, y que dieron origen de infinidad de posiciones teóricas e ideológicas al respecto. “Cultura de mercado” versus “cultura erudita”, “cultura de masas” versus “cultura culta”. La discusión sobre cuál es el “verdadero” arte, si el promovido por las industrias culturales o el elaborado con la autenticidad de la individualidad creadora, es del siglo XIX una de las preocupaciones más trabajadas en las estéticas modernas y sigue atormentando a los posmodernos. Las relaciones de hoy día entre la tecnología y la cultura, manifiestas en la industria editorial, la prensa, la prensa, el

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cine, la fotografía, la televisión, la microelectrónica y las redes, hacen parte de una situación límite que obliga a pensar en las rivalidades con nuevas categorías, superando las antiguas dicotomías moralizantes, para asimilar y observar mejor las múltiples posibilidades estéticas que la cultura del mercado y la estatización ofrecen. Se trata de superar la visión unilateral de códigos binarios que ha imperado desde los tiempos de una modernidad crítica e instalar una visión heterogénea con teorías adecuadas que no dejen de lado la tensión analítica y superen las viejas rencillas ideológicas dogmáticas, analizando los elementos que constituyen la cultura mundializada, la globalización del mercado y sus impactos en las esferas del arte. El debate, entonces, se ha centrado en aclarar si las industrias culturales masivas privan a la sociedad de pulsiones críticas, generando la banalidad y la trivialidad de los gustos, o más bien, abren fronteras, llenan al mundo de una cultura más democrática y accesible a todo público. Un ejemplo de ello lo tenemos en el imaginario del consumo masivo que se rige por la homogeneización y el anonimato; sin embargo, es viable aclarar que las personas escogen “libre” e individualmente los objetos ofrecidos por el mercado, pero que colectivamente “forman parte de un conjunto homogéneo de consumidores”. De una parte, se estandarizan los gustos, las sensibilidades, los imaginarios. Todos poseen un deseo de adquirir productos culturales, o dicho en otros términos, poseen al menos un imaginario colectivo con pulsión deseante para adquirirlos, y esto no es otra cosa que un proceso de homogeneización del gusto. Pero por otra, la estandarización vuelve heterogéneos los deseos, puesto que ésta, como estrategia de mercado, D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. segmenta, elige, selecciona a sus compradores, esto quiere decir que cada producto cultural, estandarizado es cierto, tiene su público al cual va dirigido, proyectando un tipo de democracia simulada del gusto. No se pretende vender a “todos” los ciudadanos y consumidores los mismos productos. Allí están las ciudades-vitrinas para que en su “libre” elección, cada cual escoja según el proceso de homogeneización de su sensibilidad. La ambigüedad es conflictiva. Se homogeneiza la pulsión deseante (a todos se les impone el deber de ser consumidores como un acto civilizatorio moral ciudadano) y se diversifican los productos (cantidad, variedad) para que de forma individual se adquieran, se consuman.

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Las industrias culturales diversifican y homogenizan. Al público se le da, con esta lógica del consumo, una “gran variedad de lo mismo”. La simulación como se ve es amplia y beneficia a la cultura del mercado transnacional. Es desde aquí de donde parten las preocupaciones de artistas e intelectuales por la basurización cultural, las estéticas de la repetición, los componentes de una socialización Light, los procesos de la transpolitización y de trans-estética criticados como resultante de la economía global de mercado. En fin del Arte, la pérdida del áura y de lo sublime, los problemas de la originalidad, la trascendencia, la autenticidad del artista versus la multiplicación, estandarización, homogeneización del mundo del arte y estetización por parte de las nuevas tecnologías, frecuentan los discursos académicos e intelectuales en el actual debate. Algunos autores se oponen ingenuamente al consumo, olvidando a veces que éste no sólo es un sistema ideológico del capital – lo cual es cierto – sino que también es una institución formadora de una ética del mercado entre los ciudadanos, paralela a a la escuela, y que cumple un proyecto educativo en la construcción de la sensibilidad imaginaria y mental de los individuos. Otro caso es que dicha educación global de consumo produzca microproyectos individualistas, narcisistas, hedonismos inciviles y lleve en su interior el germen de una “antiética” de control, vigilancia y competencia capitalista. El arte, como veremos, está inmerso en esta lógica del mercado, es cliente y asiste a esta institución educadora formadora de imaginarios. Fue ante este asombroso hecho que los artistas y teóricos del XIX y XX, se levantaron contra la sumisión que lo estético presentaba a las industrias culturales. El arte perdía la autonomía crítica y creativa ganada en la modernidad, y se alistaba en D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. las filas de la sociedad de consumo y la masificación, mimetizándose con las esferas económicas e ideológicas capitalistas. Fuerte preocupación. La autonomía del arte, su independencia de la religión, la moral, la metafísica tradicional lograda en la fragua del iluminismo moderno, se relajaba, cayendo ahora en otra dependencia más grave y astuta: el mercado transnacional y su mundialización. Frente a esta segunda secularización estética, este desencanto de lo ya desencantado, a las teorías metafísicas y postmetafísicas les ha tocado repensar sus planteamientos con respecto al juicio, al gusto y la experiencia artística. La Escuela de Francfort, por ejemplo, con Theodor Adorno a la cabeza, es la clara muestra de la angustia sentida por el

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avance de las industrias culturales sobre la cultura culta y la popular, no bastante la visión más abierta de Walter Benjamín al respecto. Es en Adorno y Max Horkheimer donde se encuentran los gérmenes de la crítica a las transformaciones sufridas en el arte debido a la racionalización instrumental de la modernización económica y tecno – científica. Frente a la segunda secularización y desentronización del arte – lo llamado por algunos: - trans - estética o pérdida de la ilusión – las nociones mistéricas, epifánicas y auráticas sobre el arte han sido desplazadas, mutándose por otros sentidos. Es probable que en la mundialización cultural, la idea de expresar lo sublime a través del arte no signifique nada. “La obra de arte es a la vez apariencia de lo que no aparece, de un noente, apariencia de una epifanía de lo absoluto”. Esta frase de Wellmer, que nos remite a un concepto del romanticismo alemán y que dialoga con Adorno, nos sirve de ejemplo para observar las distancias de sensibilidad entre la estética moderna y la estatización posmoderna. Para Adorno “lo sublime, que Kant reservaba a la naturaleza, se convirtió después en constituyente histórico del arte mismo. Lo sublime traza la línea de demarcación respecto a aquello que más tarde se llamó la industria artística”; es decir que, para el filósofo alemán, entre lo sublime y el mercado, hay una ruptura profunda y compleja, origen de la agonía del arte ilustrado. Lo sublime para Adorno, posee la capacidad de constituir el arte en una experiencia de la posibilidad en medio de la imposibilidad; hace que el sujeto entre en un vértigo, en un estremecimiento de su sensibilidad. Lo extraño, lo contingente, el caos, el abismo, lo absurdo, lo terrible, se encuentran dominados por un sentimiento de pena y de placer en la obra de arte. Estas cualidades son las que la industria

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. cultural postindustrial trata de ignorar o borrar de la memoria colectiva homogenizada y desterritorializada por el mercado. La estética de Adorno procura sostener una querella entre la salvación de lo sensible autónomo del arte y el hundimiento del proyecto artístico moderno en las aguas de la estatización pragmática de la tecnocultura. En el origen de estas contradictorias posiciones, se encuentra la vieja distinción entre el arte y lo útil; la autonomía artística y la esfera de los objetos artísticos instrumentales. Del Romanticismo a Duchamp; de Vang Gogh a Warhol. Distinciones y pugnas que las hallamos ya en la modernidad triunfante, pero que en el estado de eclipse racional actual, se han agudizado y Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

expandido de forma global. Arte funcional, arte decorativo, ornamental, arte de la publicidad versus arte monumental, crítico y sublime. Desde estas diferentes bases se han edificado y hecho posible grandes innovaciones, produciendo otras visiones tanto en las pragmáticas técnicas del arte, como los sentidos de una estética que pelea aún por su autonomía; o más bien, se han fundido, elaborando productos artísticos donde las cualidades de los objetos dialogan con las dimensiones instrumentales y útiles, dando así origen a un funcionalismo artístico, reflejado en la publicidad, la decoración y la arquitectura posmodernas. Bricolage e hibridación de conceptos y funciones. Podríamos pensar también en el aprovechamiento de lo técnico-funcional, que se realiza en algunas instalaciones o en performances, donde los límites entre la tecnología, los productos industriales del mercado y el arte desaparecen construyendo un objeto de múltiples estilos indiferenciados. Estas articulaciones nos llevan a reflexionar sobre cómo se han borrado las distancias prácticas y teóricas existentes entre el espacio del artista y el espacio del instrumentalizador técnico, al conseguir un “placer estético” que también puede poseer la fuerza para generar un estremecimiento de la sensibilidad, expresar lo inexpresable, la posibilidad en medio de la imposibilidad que exigía Adorno, o el “acontecer de la verdad” que proponía Heidegger. Con esto cambia de por sí el sentido del arte tradicional moderno, situándonos en una nueva idea de autonomía artística en donde la obra de arte sigue existiendo como ser autónomo que está allí y sin embargo, ha sido elaborada con materiales y procesos multimediáticos, los cuales pierden su utilidad cotidiana, en tanto entran a la esfera de lo simbólico, al universo del lenguaje poético y D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. metafórico. Otro lenguaje, otra forma de comunicación, otros sentidos, son los que adquieren las esferas técnicas y tecnológicas, cuando forman parte de la obra artística. La angustia neoromantica adorniana queda mutada en el arte de la “posmetafísica” cibercultural y transnacional de ultima hora. Se llega así a re-imaginar la esfera artística y a construirla con otras lógicas acorde al mundo global que le corresponde sobrellevar. En estos contextos lo viable es preguntarse cómo se han manifestado las confrontaciones entre creatividad y comunicación masiva; experimentación y elaboración de estilos estándares o de paradigmas internacionales; lectores vanguardistas y Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

públicos-mundo relajados: artes nacionales y artes transnacionales. Sabemos que en las artes plásticas el “mundo del arte” está lleno de artistas-jet y críticos-jet, viajeros y promotores. La estancia de la industria ha entrado a formar parte hace mucho tiempo del campo estético. Exposiciones internacionales, bienales, museos globales, revistas especializadas, registran lo novedoso del arte, pero en tanto éste se haya integrado al ordenamiento mundial del mercado, y más aún, si sus procesos de compra – venta y distribución, se equiparan con los del turismo, los autos, la moda. Es decir, lo estético ha adoptado las formas y reglas de la globalización financiera: rentabilidad, expansión comercial, alejándose de la calidad artística y de los juicios conceptuales sobre la obra. Las actividades artísticas se equiparan de igual a igual con la lógicas del capitalismo postindustrial y transnacional, lo que ha puesto en aprietos a muchos puristas de la escuela crítica tradicional moderna. Así espectáculos, moda, diseños, turismo, fotografía, video, realitys show, Word music, se exponen en museos y ciudadesvitrinas en la mundialización cultural. No obstante, algo de las antiguas vanguardias queda entre las artes; éstas siguen siendo creadoras de lenguajes con sentido y simbologías diferentes en relación con la oferta de otros productos mucho más apreciados y deseados por el público. Pero de otras maneras, las artes plásticas, la música, el cine, y el video han optado por superar las estéticas neo-románticas e idealistas, proyectando una desacralización de la gracia poética y de los componentes de lo sublime estético.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. En la industria editorial también encontramos estas transformaciones generadas por la mundialización cultural. El mundo de libro se ha visto sometido a cambios de fondo debido al metarrelato del mercado y del consumo. Las editoriales, tanto de prestigio como las pequeñas e independientes, han sentido los impactos de la globalización; saben de los retos que tienen para publicar en tiempos tan competitivos (competencia con la televisión, la Internet, las novedades de literatura Light, calendarios de farándula, publicidad, moda, etc.). A su vez, los avances de las tecnologías digitales y de las comunicaciones en red, los hipertextos, las revistas virtuales, páginas web, librerías virtuales, están provocando un cambio en Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

relación con los procesos del arte escritural y las industrias editoriales. Entramos a un posible mundo de encuentros multilinguísticos, gracias a la interacción de industrias culturales digitales y publicaciones periódicas por Internet, lo que permite un mayor desplazamiento virtual de los productos editoriales; pero ello no significa un crecimiento real de los concretos lectores. Esto hace que la demanda de la lectura en libro sea escasa y se masifique la pulsión de reproducciones y fotocopias sobre todo en el tercer mundo. Como se ve, la cultura del arte ha pasado a constituirse en una de las empresas productivas más rentables del momento. No cabe duda, que su expansión económica se debe al desarrollo de las tecnologías y a la formación de mercados globales para la distribución y consumo de sus productos. Así, la interconexión y las redes, el cable y los satélites, la reducción de las barreras aduaneras, los agigantados pasos de dominación del capitalismo trasnacional y postindustrial después de la caída del socialismo y de la Unión Soviética; como también la reducción del Estado y el acelerado crecimiento de la empresa privada, son espacios propicios para la intensificación del mercado cultural. Sus resultados se observan en las industrias audiovisuales, las cuales poseen actualmente una de las más altas rentabilidades económicas en el planeta. De allí que la producción de discos, videos clips, programas televisivos para cantantes y públicos hispanoamericanos se encuentran en Miami. Desde esta ciudad se globalizan y mundializan cantantes, integrándose al sistema económico y cultural de otros países, promoviendo en casi todos los casos, las músicas de las

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. regiones. Miami, por lo tanto, se ha convertido en un lugar global, donde interactúan artistas, públicos, audiencias tanto latinas como anglosajonas. Sin embargo, “la interrelación es desigual… Las culturas locales irrumpen en el mercado global seleccionadas y resemantizadas, con criterios de gestión descontextualizados”, dice García Canclini; es decir, sus videos, presentaciones y discos, no son producidos dentro del país ni en el contexto cultural de donde son originales, sino que se les desterritorializa, constituyéndose en una amalgama de imaginarios y símbolos mundializados. Como un golpe de realidad ante estos sucesos, a nivel internacional se planteó en las universidades, escuelas y academias de arte, la necesidad de adecuar los planes de estudios para Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

no quedar rebasados por los acontecimientos. En general, se eliminaron materias teóricas obsoletas y se incluyeron materias teóricas relacionadas con el conceptualismo y nuevos medios alternativos, se reforzaron los talleres existentes, agregando por ejemplo talleres de carpintería, herrería, etc. que no existían en la escuela o facultad, por la necesidad de los artistas jóvenes sin recursos de resolver personalmente la elaboración de las piezas para ambientaciones, reproducciones, esculturas, etc. Mi opinión personal es que, los nuevos planteamientos para un plan de estudios implican no solo investigación y la participación de todos los maestros, sino un análisis realista de las instalaciones con que contamos, que ya son insuficientes e inadecuadas para un proyecto actualizado. Desde luego también, la consideración de fusionar ambas escuelas en un solo tronco, para que los jóvenes de diseño tuvieran sensiblemente más creatividad y los de artes visuales sumaran a su sensible quehacer un sentido más práctico del que ahora tenemos. En resumen, un trabajo de personal especializado para la elaboración de un plan de estudios, funcionando ambas escuelas en una sola e instalaciones, instalaciones, instalaciones nuevas que nos posibiliten convertirnos en la facultad de arte que tanto soñamos. Voto por la elaboración de un plan de estudios actualizado hasta con matices futuristas, en base a la construcción de la nueva Facultad de Artes Visuales en Ciudad Universitaria, instalaciones que se requieren para nuestra amada ENAP y su futura proyección a nivel nacional e internacional.

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Lic. en AV. Homero Santamaría Padilla Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

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Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Las artes visuales desde sus orígenes respondían a necesidades de distinta índole, el hombre primitivo se valió de la pintura para plasmar sus miedos y sus anhelos en un ritual al que después se le llamaría “pintura”, el color materializo lo intangible, hizo visible el interior de esos hombres primitivos, que llenaron de formas las bóvedas de las cavernas anteponiendo esta forma de comunicación al lenguaje mismo, las artes visuales han acompañado a la humanidad y su historia que son una , uno puede entender el devenir de los tiempos analizando las representaciones que siguen hablándonos de lo mismo, sus miedos, sus anhelos, sus formas de organización, las artes visuales han narrado y acompañado el nacimiento de sociedades, el declive de las mismas, las pinturas primigenias nos hablan de una sociedad comunista donde no existía la propiedad privada, donde el sentido de esas pinturas se intuye era en beneficio común, las artes visuales han tenido múltiples caminos desde entonces imitar, describir, narrar, mostrar, contar, educar, adoctrinar, intimidar, glorificar, evidenciar, rendir honor a la belleza, exaltar los sentidos y mostrarnos el lado mas sublime de nuestra naturaleza, pero también el lado mas grotesco, desnudar al hombre y sus miserias mostrarnos los desastres de la guerra. Las artes visuales han forjado identidades y construido mitos, han cruzado fronteras para mostrarnos otros horizontes y abrir nuestras miradas a otras realidades, el siglo XX fue nombrado el siglo de las imágenes, desde finales del siglo XIX los avances tecnológicos

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aceleraron los cambios en la sociedad, en las comunicaciones y acrecentaron también las divisiones sociales, fue por ese entonces cuando apareció la fotografía, que provoco grandes cambios en las artes visuales que dejaron de tener el papel que tenían hasta entonces, para buscar otros caminos que llevaron a las artes visuales a ir de la imitación mas pura a la abstracción mas separada de lo icónico. Hoy apenas rebasamos el primer decenio de un nuevo siglo, lleno de cambios y confusión, el siglo XXI se abre al futuro como un siglo que en ocasiones promete elevar la conciencia humana a su plano mas

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alto, en donde los avances tecnológicos no son ya una sorpresa, donde los presagios futuristas del pasado se encuentran rebasados por un presente que declara obsoleto al día de ayer, donde el siglo de las imágenes se ve rebasado por una sobrestimulación visual que nos invade y nos persigue a todas partes con nuestros dispositivos móviles. Pero todo el espejismo de modernidad y desarrollo se desvanece con las fuertes dosis de realidad que nos son suministradas cotidianamente, en un país como México en donde no sabemos con certeza si estamos dentro de las economías mas fuertes del mundo o en competencia con el África subsahariana en la generación de pobreza y exportación de mano de obra barata, en un país amenazado por la crisis económica y de valores donde la violencia tiende a volverse una costumbre. Se abre la pregunta, ¿Qué papel juegan las artes visuales? ¿El Arte para qué? El arte en México a tenidos momentos extraordinarios, pero como un proceso que se inserta en una dinámica cultural podemos hablar de una continuidad del arte como actor de su tiempo. Justo en este contexto es donde las artes visuales para poder ver hacia el futuro, deben ver hacia atrás, es decir, en un mundo deshumanizado, sin valores en donde parece que la apuesta es la mercantilización de todo(incluido el hombre) lo que hace falta es voltear a vernos a nosotros mismos, volver a ponernos en los muros de nuestra conciencia, generar espacios de reflección y de debate visual, recobrar el sentido original volver a hablar de nuestros miedos y de nuestros anhelos acompañar las voces de los que no tienen vos ni nombre, ser congruentes con nuestro tiempo, ser testigos pero no solo ser testigos, testimoniar y evidenciar, gritar D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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cuando haga falta, echar mano de las tierras coloreadas y de las nuevas tecnologías para expresar, volver a las artes visuales una herramienta de la sociedad, una herramienta que nos lleve a un progreso como sociedad. Las artes visuales pueden y deben acompañar este proceso desde sus diferentes ámbitos de desarrollo como la educación donde las artes visuales pueden apoyar otros procesos de crecimiento humano. En el aspecto de producción artística la tarea es ser congruente con el momento que vivimos y generar debate, discusión, reflección con piezas que esperan por nosotros para ver la luz y por una

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sociedad que espera que con luces y sombras, con blanco y negro, con la forma y el color podamos encontrar un sentido y un futuro, un rumbo por el que se pueda caminar, un espacio para la mirada.

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Las Artes Visuales y el Diseño y la Comunicación Visual en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI En la actualidad no se pueden desligar –en la mayoría de los casos–, las Artes Visuales ni el Diseño

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y Comunicación Visual de las cuestiones digitales; desde luego me estoy refiriendo al uso –al menos en algún proceso de la creación– de las computadoras o también llamados ordenadores. La computación actualmente participa en todas las áreas del conocimiento e inclusive se ha vuelto imprescindible en algunos espacios. Según mi experiencia como docente dentro de la UNAM, puedo decir que desde los últimos lustros la forma de comunicación, las formas de enseñanza con respecto del Diseño y las Artes están cambiando continuamente. Para interrelacionarse con un ordenador, uno se vale de una serie de toma de decisiones que nos presenta el monitor gráficamente, mediante sistemas operativos, programas que emulan estos, y softwares que utilizan interfaces con base en ventanas. Que desde luego, por cuestiones de avances tecnológicos o mercadotecnia, todos los hardwares y softwares cambian presentando mejoras permanentemente. Esto nos obliga continuamente a tener que adecuarnos y actualizarnos con respecto de los cambios; cambios tan repentinos que no es tan sencillo estar al día con las constantes variables. Está por demás decir que los que tenemos más de 60 años de edad, nos es más complicado adecuarnos de manera pronta para poder comunicarnos con nuestros alumnos; sobre todo si las materias que nos competen incluyen necesariamente asuntos de computación. Pero, tenemos una ventaja sobre la juventud; conocer el origen de ciertas cosas. Al cursar nuestros estudios años atrás; dicho de otra manera, antes de las computadoras personales, conocimos métodos análogos, como por ejemplo: para diseñar un cartel, después de haber analizado el concepto y el mensaje que debiera contener éste, implicaba realizar la imagen con acuarela o cualquier otra técnica, y D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. luego dibujar la letra a mano, ya sea con lápiz espatulado, plumillas speedball o con pinceles planos; para esto último, obviamente teníamos que conocer las cualidades morfológicas de la familia tipográfica de la que se tratara; el conocimiento necesariamente debía ser profundo. Mencionaré otro ejemplo: la luz en la fotografía. La fotografía nos plantea problemas con respecto de la luz, que entonces debíamos resolver sin ver el producto final; teníamos que analizar las condiciones lumínicas, calcular ángulos, medir intensidades, conocer el resultado probable antes de hacer la toma, para evitar gasto inútil y ahorro de tiempo. Hoy desde luego, con las magníficas cámaras de fotografía digitales, podemos ver de manera inmediata el resultado fotográfico y

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repetir la toma en caso de haber error. Siempre con la posibilidad de hacer más tomas para experimentar posibilidades, y así, escoger entre varias tomas la mejor. Además de poder retocar las imágenes digitales posteriormente. Sin embargo, conociendo los fenómenos lumínicos y resolviéndolos durante la toma, también produce un ahorro de tiempo. En los ejemplos del cartel y de la fotografía, habrá mayor consciencia y mayor disfrute de los resultados. Los maestros de dibujo de la Escuela Nacional de Artes Plásticas vivimos una problemática en relación con la enseñanza de nuestra materia; los alumnos, me parece, no valoran en su justa dimensión el dibujo, al menos en la licenciatura de Diseño, pues tal vez piensan que ya no es necesario, porque si necesitan una imagen, simplemente la “bajan” de Internet, o, en el mejor de los casos toman una fotografía digital y ya resolvieron el problema. Lo veo claramente en la materia de animación “tradicional” que imparto en Diseño –especifico con el término “tradicional”, pues no quiero que se confunda con animación digital–. Los alumnos deben presentar bocetos de su trabajo para revisar la narrativa que debe contener su historia antes de producir la serie de imágenes que conformará la animación. Primero un guión técnico –escrito–, para planear la visualización de su guión literario; y luego traducir en imágenes cada escena en un guión gráfico –storyboard–,

y lo que hacen muchos, es simplemente imprimir fotos que

ejemplifican esto, y en el mejor de los casos, calcan las fotos para salir del paso. Normalmente el resultado es una mala visualización del texto, pues, con la fotografía, que desde luego resuelve encuadres y ángulos de toma, evita el esfuerzo para generar una imagen mental que el dibujo obliga a plantearse. Un proceso mental que entre otras cosas, favorece las interconexiones

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genera basura de lápices, ni polvo de carboncillo, no contamina el agua del drenaje, ya que no se usan solventes, ni se lavan pinceles, además se ahorra agua, no tiene uno que esperar a que seque la capa de acuarela, para aplicar la siguiente, puede uno equivocarse y regresar al paso anterior, por supuesto puede uno experimentar en un momento dado, y generar dos o más opciones sobre el mismo trabajo; además, puede uno emular casi cualquier técnica tradicional con el mismo equipo: una computadora, una tableta digitalizadora y algunos softwares será suficiente. Me queda claro que esta opción utiliza electricidad, y para generar esta electricidad, Comisión Federal de Electricidad, contamina. Bueno, pienso que pronto habrá la posibilidad de utilizar las celdas solares para el uso casero, al menos para poder conectar una computadora y una tableta digitalizadora.

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Incluyo una imagen relativa al texto

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Mtro. Jorge Fanuvy Núñez Aguilera Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI

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Siglo XXI en esta primera década irremediablemente se reconoce

como el natural

producto de las consecuencias del siglo XX que implican fuertes y significativas transformaciones en cualquier contexto, basta con mencionar el malestar y renovación que genera el impacto de dos guerras mundiales que engendraron a la vez una serie de conflictos aún vigentes de tal manera que la guerra se ha convertido básicamente en una realidad cotidiana, en ese sentido la sociedad vive entre la guerra desde hace años. Bien sabemos que el protagonismo de las guerras en el siglo XX dan como obvio resultado una serie de cambios, transformaciones que en las Artes originan una constante secuencia de movimientos que se suceden, evolucionan prácticamente en base a la contradicción o negación, así las manifestaciones artísticas de ese siglo van surgiendo como siempre ha funcionado, es decir -obedeciendo a la época que se vive- y en ese siglo de grandes trasformaciones se ocasiona ese gran abanico de discursos formales y conceptuales que se originaron desde el expresionismo hasta el posmodernismo, surgiendo por mencionar algunos ejemplos como pilares importantes y muy vigentes en el discurso contemporáneo de manifestaciones artísticas las presencias de: la importante carga de sentido social del muralismo mexicano, Picasso, Duchamp, expresionismo abstracto, Joseph Beuys, Andy Warhol, Basquiat, Jhon Cage, Land art, Jeff Koons, etc… Siglo XX que significa también el principio de la guerra de imágenes, es decir; Se genera la conciencia de las producciones artísticas que se niegan a la construcción de imágenes argumentando y de acuerdo a la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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época y el entorno más cercano al actual el cuestionamiento sobre la creación de imágenes en un mundo lleno de imágenes, con esto se da entrada a diferentes cuestionamientos sobre los alcances y funcionalidad de la labor del artista en la sociedad, lo cual se presenta como algo positivo ya que las posibilidades de manifestación en la actualidad son muy diversas. Sin embargo, la mayoría de las ocasiones en la actualidad el siglo XXI entiende y da continuidad

al estigma posmodernista desatendiendo que esa ideología ya se ha

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rebasado e incluso se ha llegado a un agotamiento de discurso engendrado por la premisa posmodernista que anuncia un “ ya todo es válido” incluso no tener discurso o argumentación en las producciones artísticas se convirtió en un acierto. Este extremo que llega incluso a un discurso agotado y a su vez se ha convertido en un malentendido para las jóvenes generaciones que albergan desde sus inicios en las artes una razón la cual consideran valida escudarse ya que la entrada al siglo XXI como letrero de bienvenida para las generaciones jóvenes ofrecen un despiadado y peligroso pero debatible concepto sobre –cualquier cosa es arte-, lo cual desafortunadamente se ha convertido aparentemente como la única verdad y premisa necesaria como consideración. Pienso que esto significa un peligro ya que socialmente se ha llegado incluso a entender que solo estamos en un época en que el arte ya no necesita del oficio. Aunque esta verdad es practicada en algunas manifestaciones artísticas muy interesantes que resaltan la importancia de la idea, del concepto no significa que actualmente las artes visuales solo se encuentren al servicio de esa postura válida, actualmente y es evidente que también tiene una importancia fundamental e inamovible el oficio en las artes visuales. Es importante relacionar un hecho muy significativo ya que la correspondencia al contexto actual obedece a esta primera década del siglo XXI en que vivimos, siglo que inicia con la D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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era digital en todos los aspectos prácticos de la vida, época en que se venden en millones de dólares territorios en la luna; podemos encontrar por ejemplo, de manera paradójica, información en la red que nos muestra la época en relación a los inventos, que en síntesis y en muchos aspectos, podríamos referirnos a la época del control electrónico, o la famosa vía GPS, las fibras ópticas, refrigeradores que tienen tv y radio, y además se conectan a internet y envían un correo electrónico si algo ya descompuso, y si se descompusiera no importa, pues la nano-silver- tecnology hace que las bacterias no

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apesten y purifican el aire, o incluso se habla hasta de “biotecnología”, que supuestamente indica que se podrán hacer seres humanos al por mayor, libres de enfermedades, con mayor capacidad para los deportes, güeros, negros o como se quieran, e incluso tiempos tan irónicos, que más bien tienden al humor negro, como la utilización de chalecos blindados con los que ahora puede ser posible ponerse un traje casual y resistir una balacera. Una época de grandes transformaciones tecnologías que se sintetizan en la era digital, como la importancia que ocupa la computadora, herramienta eficiente en todos los contextos, es una herramienta que ha ganado terreno y que verdaderamente ha llegado a sintetizar de manera práctica ciertos procesos para creación de piezas y ofrecer una multiplicidad de alternativas es algo innegable, importante también el terreno de las imágenes el cual todos tienen acceso de crear por ejemplo mediante aparatos que acompañan la vida cotidiana. Estos hechos sin duda han generado más alternativas en las producciones y en los alcances de las Artes Visuales. A este respecto es necesario señalar que estas ventajas solo constituyen o significan “recursos” “herramientas”, el prescindir de estas herramientas evidentemente también es un acierto y esto es lo que culturalmente y económicamente se debe señalar en este siglo, es decir este tipo de herramientas no se deben de entender como únicos medios para la creación, solo se trata de herramientas.

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La creación de imágenes para el productor plástico necesariamente son el resultado en primera de una serie de procesos que siempre corresponderán a terrenos de investigación amplios en relación a la creatividad, que son entonces el origen o la cuna del concepto, del precepto basados en la observación o en la memoria, e incluso una imagen que surge a partir de otra imagen más de acuerdo a manifestaciones contemporáneas con discursos de apropiación, es una época ahora en donde la creación de imágenes se vale de diversos materiales, desde una hoja de papel y lápiz, hasta una fotocopia, una

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computadora. Esta diferencia de materiales a la vez, ha orillado

a dividir en tres terrenos a la

producciones en las artes visuales, en cuanto a lo tradicional y lo alternativo, y la tercera que consiste en propuestas que juntan las herramientas y las posibilidades, generando resultados sorprendentes, es decir los terrenos de la transdisciplina en que incluso no solo se trata de mezcla de herramientas o bien amalgama de medios tradicionales y alternativos, se trata de propuestas que incluso conjuntan distintas áreas fuera de las artes. Es decir actualmente las barreras que separan una disciplina a otra aparentemente han sido demolidas ampliando así los alcances de cada disciplina, por ejemplo: la pintura hermanada con medios de estampa o medios gráficos, o la gráfica en movimiento materializadas en animaciones que conjuntan distintas atmosferas con la música o incluso la multiplicidad de formas y matices que rodean actualmente la escultura. En general tanto la utilización de los métodos tradicionales como los alternativos, son en estos tiempos de trans-disciplina muy ligados con el concepto de intervención del espacio, y en mayor medida el espacio urbano Sin embargo existe una pugna entre los medios alternativos y los tradicionales, esta pugna parece ser por una parte una tendencia a una manipulación cultural disfrazada de “novedad”, el interés por el presente de los “nuevos medios”, ya que éstos tenían o tienen D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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la etiqueta de lo alternativo, que quiere decir de alguna manera que corresponden a la época que se vive, con herramientas como la impresión digital, láser-grafía y la electrografía, esto significa una división entre la tradición y lo alternativo, que no es otra cosa más que otro síntoma de lo que está pasando en general con la época que estamos viviendo, en el que el desgastante ritmo de vida está arrasando con la humanidad, gracias al fenómeno de la globalización y el ataque de los medios electrónicos. Las artes visuales en el siglo XXI, no se encuentran exactamente en una situación de

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guerra entre lo tradicional y lo alternativo o la transdisciplina, simplemente las dos últimas han ganado terreno significativo pero también este presente siglo se respira también una fuerte necesidad y presencia de revalorar en varios artistas contemporáneos y compañeros lo fundamental del oficio.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Profa. Josset Cristina Herrera Vinueza Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en los contextos social, económico y cultural del siglo XXI

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Los creadores glocales Un solo punto de vista no es suficiente para abarcar los múltiples espacios que nos rodean; una sola versión de lo sucedido no es suficiente para darnos claridad respecto a ello; una sola lógica venida desde una cultura no es suficiente para adentrarnos en la riqueza del ser humano. El arte como se ha concebido principalmente desde el Renacimiento ya no tiene mayor cabida en un mundo que se reconoce cada vez más como muchos mundos. Las resoluciones y soluciones a las cuestiones creativas ya no pueden mantenerse en la línea en que se han venido dando: teorías, técnicas, manejo de los espacios, organización del sistema de consumo y distribución del arte, el sentido del arte, la idea misma de “arte”, etc., se han dado básicamente siguiendo las necesidades de Occidente y su cosmovisión (y, a partir de la segunda mitad del siglo XX, se han venido siguiendo los parámetros estadounidenses principalmente). Obviamente no se trata de tomar un rumbo contrario pues nosotros mucho tenemos de la tradición occidental y a la vez somos parte de ella, aportamos en ella (esto es importante reconocer). Más bien se trataría de mantener este aspecto importante de nuestra cultura y también de conocer aspectos de la América Latina de la cual formamos parte; y también conocer aspectos de África que tanto ha aportado a nuestras culturas (por mencionar sólo un ejemplo, está la música), y de Asia (de donde seguramente provinieron algunas culturas prehispánicas, y donde ahora se está gestando un gran movimiento económico y cultural), y de Australia (que algunos

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. puntos en común tendría con nuestra historia), y de Europa por supuesto, con sus diversas tradiciones. La creación (llámese arte, diseño, literatura, filosofía, teatro, arquitectura, etc.) tendría la facultad de profundizar en el espíritu humano: ésta sería la tarea de los creadores pues deben ser capaces de desarrollar esa mente crítica que les permita comprender su época para incluso, ir más allá del propio tiempo y del propio lugar. A su vez, para desarrollar la mente crítica es importante tener referencias múltiples pues de no tenerlas, las opiniones y expresiones plásticas mantendrán un

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solo enfoque y sus discursos son previsibles. Mas ¿cómo es posible aseverar que el mundo contemporáneo se reconoce cada vez más como muchos mundos si vivimos en una época en la cual la globalización es evidente?, ¿en la que los medios de comunicación se expanden como arterias de un solo cuerpo?, ¿en la que el comercio del arte está incidiendo tanto, que los creadores prácticamente entraríamos en una carrera de obstáculos después de haber concluido la carrera universitaria? ¿No parecería que, más bien, estamos yendo hacia la uniformidad mundial? Estas pocas preguntas reflejan las muchas incógnitas que van surgiendo y con las cuales podríamos seguir reflexionando a lo largo de nuestras actividades creativas (entre ellas ¿por qué no? las actividades académicas). Somos parte de una época en la cual los cambios más fuertes se han dado básicamente a partir del uso de los medios de comunicación y de la tecnología. No podemos obviarlo. Mas en el quehacer artístico tampoco podemos entregarnos a ese vértigo pasivamente: la información, el conocimiento que adquiramos es importante, y la reflexión que hagamos es aún más; sin ellas, la creación se vuelve una imitación (ya sea de estilos, de formas de vida, de pensamiento, de imágenes, de sistemas, de sentimientos, de sonidos, etc.), una moda. Para generar propuestas y no caer en una repetición ciega y sorda, los creadores necesitamos estar atentos a las voces de nuestras sociedades y también de las de otros. En un mundo globalizado las voces locales han ido afirmándose (tienen que hacerlo); lo global y lo local se han conjugado: hablo de lo glocal.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. Claro, lo global y lo local contienen muchos elementos en juego y es por eso que lo glocal no se puede considerar como el encuentro de dos fuerzas antagónicas nada más; hay una interrelación que es posible apreciar en los distintos ámbitos y en las expresiones de las diferentes culturas que existen incluso dentro de un mismo país –como es el caso de México–. Al hablar de glocalización no podemos pasar por alto que uno de los sentidos a los que alude, es la estrategia de mercado pues para entrar en los mercados locales los productos han sido adaptados a los gustos de cada lugar; el otro sentido del término glocal tiene que ver con este tejido virtual de personas (porque no son sólo datos o conexiones, somos personas) que a través de internet Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

mediante los blogs, redes sociales, correos electrónicos, libros en línea, periódicos en línea, revistas en línea, videos, etc. estamos en contacto constante; hay cercanía a pesar de la distancia o a pesar de las restricciones. Por ejemplo: si sucede algún sismo en algún lugar, inmediatamente eso aparece en la red (principalmente en las redes sociales); también es posible mirar imágenes, leer conceptos y contactarse con creadores de imágenes que tienen sus blogs; en otro sentido, si hay algún levantamiento de la sociedad, algún enfrentamiento bélico, confrontaciones, disturbios, etc., aparece también en las redes o en los blogs sin pasar por versiones oficiales, editoriales de periódicos, noticieros y demás; tanto es así, que en la actualidad hay ciertos gobiernos que frente a problemas internos, han bloqueado inmediatamente el uso de internet a la ciudadanía civil. Hago estos comentarios para enfatizar el poder que los grupos locales han ido desarrollando a través de medios globales: varias veces la versión oficial es una y las miles de voces por internet son la otra versión. Obviamente estos aspectos no podrían tomarse en cuenta sin los medios de comunicación, sobre todo internet. En los lugares donde no se usa internet el ritmo de vida es diferente a donde sí lo usamos –generalmente en la ciudad–. Actualmente el reconocimiento de la existencia de una gran variedad de formas de vida, de pensamiento, de economías, de religiones, en fin, de culturas propiamente dichas, se ha convertido en una presencia innegable. Palabras como “tolerancia”, “respeto”, “diferencias”, “derechos”, van ganando terreno poco a poco; con ello no pretendo dar D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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esquema de creación y creatividad se centró y se ajustó a los parámetros venidos desde el Renacimiento, o sea al denominado “arte”. Esta idea de arte hasta la actualidad hay confusión en el término y no sabemos bien definir si el arte prehispánico lo es, o si el arte rupestre lo es, o si las artesanías de los indígenas los son, o si el arte popular es popular es pop o qué, cómo se le dice; si el floklore es imitación hecha nada más para turistas o si realmente es la expresión popular (folk, Volk). Entre un idioma y otro, entre una cultura y otra, entre una época y otra, ahora ya es tiempo de “aterrizar” los términos que tienen que ver con la creatividad y de reconocernos en nuestros propios términos –lo cual no implica que no se incluyan otros idiomas en la conformación lingüística propia, sino que éstos sean reconocidos dentro de nuestra realidad, de nuestra conformación de signos–. Y así como sucede con los signos lingüísticos, pasa algo similar con los signos visuales, los símbolos, las imágenes en general. En la enseñanza de las artes y el diseño, una de las tareas más complejas es crear, desde los mismos profesores, una actitud de apertura hacia otras culturas no sólo contemporáneas, sino también pasadas. Esto implica también cuestionar la llamada Historia: ¿La Historia o las historias? ¿Historia del Arte o de las imágenes? ¿Humanidad (ya ni decir “del Hombre”) o de los seres humanos, de las culturas? Y es que detrás de los términos hay también historias, ideas, sentidos, ideologías. Es la pluriculturalidad la que se hace necesaria en los procesos creativos frente a los puntos de vista únicos, las informaciones unilaterales. El arte ha ido tomando cada vez más, tintes sociales y

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011. participativos. Como sabemos, desde inicios del siglo XX con las Vanguardias, el mismo arte occidental ha querido cambiar el paradigma del objeto único producido por un individuo, por un “alguien” separado de la sociedad; incluso los límites entre arte y diseño han sido muchas veces cuestionados: si ambas son actividades creativas, ambas se interesan por expresar los pensamientos, sentimientos de una época, entonces quizá las semejanzas sean mayores a las diferencias puesto que el diseño no van ligado necesariamente a la publicidad. Las tendencias contemporáneas en el arte y el diseño, se encaminan cada vez más a borrar límites entre obra, autor, público e inclusive, con el lugar de exposición; ¿es que esto no nos habla de un Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

interés por asumir a la obra, el creador, la galería, el observador como partes activas y participativas de la creación? ¿y no han sido esos también los enfoques en otras culturas o en otros tiempos? Como vemos, la historia de los seres humanos vuelve a dar otra vuelta: los movimientos cíclicos se cumplen constantemente; la historia lineal va quedando como parte de una idea centralista y hegemónica. Me gusta pensar en que las sociedades tienden a actuar como un rizoma: una raíz compuesta por varias raicillas, todas ellas importantes, sin subordinación a una raíz grande. Ya la dependencia y la obligación de tener como parámetros de belleza, arte, religión, conocimiento, está ampliándose cada vez más a favor de las cosmovisiones propias de las diferentes culturas, y los sentidos de belleza, estética, religión, etc. que ellas generan. Con los hilos finos que están tejiendo los medios de comunicación alrededor del planeta, nuestros espacios y lugares van adquiriendo nuevos significados, se modifican: puedo enterarme de lo que sucede en este instante al otro lado del mundo o en la ciudad vecina. El vertiginoso internet nos permite tener contacto con infinidad de información (y desinformación se diría también) y ante esta cantidad de datos, es importante reforzar el criterio selectivo, la crítica y principalmente la reflexión. El ejercicio de la discusión madura y de la crítica bien fundamentada tanto de textos escritos como de obra plástica u otras expresiones, son prácticas que se deben mantener y estimular entre estudiantes y productores de artes y diseño. La tendencia globalizante en el mundo seguirá y se mantendrá en este ritmo, frente a ello es importante reforzar la parte intelectual –si no

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da un indicio de cuáles son las prioridades del pensamiento “moderno”, o sea, de moda. La globalización no se da completamente, se presenta en ciertos aspectos y hay otros en los que, como respuesta, los grupos tienden a crear rasgos identitarios muy fuertes. Considero que el creador frente a un mundo globalizado tiene la opción de voltear hacia donde más se identifique y reconozca y, a través de esta identidad, producir su obra. En ese sentido, el creador, el estudiante de artes o de diseño, es un miembro importante dentro de la sociedad y no el individuo fuera de ésta que debe tener éxito ante todo; es la persona que reflexiona a través de la factura de objetos, se siente satisfecha con lo que hace y puede vivir (material y económicamente hablando) con la actividad que realiza. Creo que es importante tomar en cuenta que no todos los alumnos se dedicarán a hacer obra plástica propia; quizá se puede incursionar en otros enfoques de lo que es estudiar artes o diseño: hacer proyectos culturales o a impulsar el interés por la curaduría, la crítica, la teorización sobre el arte, la formación de talleres, dar cursos, etc. Si se reconoce la realidad de nuestro medio y se toman referencias de otras escuelas o ciudades en situaciones similares y que hayan realizado con éxito algún proyecto para los creadores, puede ser que se presenten planes que den opciones a los estudiantes para seguir realizando actividades relacionadas con la creación. Como vemos, la glocalización conlleva ideas de reforzamiento multicultural para poder tener más fuentes referenciales y generar así propuestas propias. Para este propósito también es importante mantener e incentivar es la multidisciplinariedad puesto que ella nos permite ampliar D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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unas sensaciones, las cuales son parte de la obra. Claro que no se trata de pelear la tradición vs. lo contemporáneo. Al crear es importante que se reflexione sobre el medio en el cual vive el creador: su colonia, su ciudad, país, su “mundo”. Esto nos lleva a ubicarnos en el aquí y el ahora básicos para profundizar sobre el lugar del creador: es parte de un tiempo, de una geografía, de una idiosincracia, de una cultura. Si el creador no se contextualiza a sí mismo ni a su cultura, entonces este productor de imágenes estará repitiendo lo que se dijo en otros tiempos o lo que se dice en otros lugares. Entonces, tenemos que las tecnologías contemporáneas nos llevan a reflexionar sobre el hecho mismo de usarlas sin que ello implique que sean mejor ni peor. Así como el mantener la investigación y el ejercicio de técnicas tradicionales (y de diversas tradiciones) tampoco nos lleva a un estancamiento en la creación: por el contrario, las ideas y las obras que se generen a partir de la experiencia teórica y práctica, llevadas por la reflexión amplia y profunda, serán las que hablen de nuestro tiempo, nuestra comunidad: seremos creadores glocales.

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Juan Carlos Mercado Alvarado Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Julio, 2011

Las Artes Visuales y el Diseño… y la Comunicación Visual en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Empezaré mis comentarios subrayando lo extenso que es el tema para el presente Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

ensayo, más si consideramos los campos del quehacer humano con los que se relacionan las artes y el diseño…¿ y la comunicación visual?, observo la necesidad de acotar el parámetro de análisis. Tratamos de indagar sobre el diseño del siglo XXI, pero ¿desde dónde? o ¿para quién?, entonces; “La enseñanza de las artes visuales y el diseño y la comunicación visual para el siglo XXI en la Escuela Nacional de Artes Plásticas”, pero repito que este tema es muy extenso debiéndose desarrollar como tesis de doctorado, por el momento el objetivo que dirige mis reflexiones son en el sentido de abrir un diálogo, un re-conocimiento con nuestro contexto, el de la ENAP. La ENAP ubicada en el Barrio La Concha del pueblo de Santiago Tepalcatlalpan, de la delegación Xochimilco una de las demarcaciones delegacionales que conforman el Distrito Federal, capital de la República Mexicana. Me ubico en la entrada de la ENAP como un “visitante” a este centro de enseñanza y observo alrededor para identificar y conocer su conformación arquitectónica, sus espacios, sus materiales de construcción, sus dimensiones, sus colores, un diseño que data de la vanguardia de los años setentas del siglo pasado. He de referir que este “visitante” pudo haber llegado por Tepepan o por Miramontes pero eso sólo importa para señalar la ausencia de señalamientos que orienten para llegar a dicho punto. Entonces el punto de partida es la valoración de su condición que ubique a la ENAP como lugar de enseñanza de las artes visuales, del diseño… y comunicación visual y ésta como objeto de estudio, de conocimiento, inquiero; ¿pragmático?, ¿semántico?, ¿sintáctico? D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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No observo en este contexto una señalética coherente que atienda a las necesidades de ”visitante” en su tránsito peatonal o vehicular (velocidad límite en estacionamientos), de identificación de áreas, espacios o servicios (directorio) desde antes de llegar y al llegar la bienvenida la da una escultura reconocida como “Victoria de Samotracia”. Ahora los equipos de comunicación tienen en sus aplicaciones (GPS) una forma de cómo llegar a un lugar con sólo teclear los datos, estando dentro de la escuela a quienes nos es común los salones, talleres, edificio de gobierno, servicios escolares, “la capilla”, la cafeta

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de diseño y la de artes”, etc., no requerimos tal sofisticación tecnológica, pero díganme ¿dónde está el salón 203? ¿Por qué se tiene que vocear el evento que habrá en alguna de las galerías, en la sala de video-conferencias o en el auditorio?, ¿el salón S-201 tiene puerta roja?, ¿acaso la información visual no está cumpliendo su cometido social?, hasta aquí son meras referencias que son parte de nuestro diario acontecer en el número 600 de Avenida Constitución donde antaño fueran terrenos de la Hacienda de San Pablo. Pero recordemos que se trata de indagar sobre la enseñanza del diseño en el siglo XXI, y subrayo enseñanza, pero ¿desde dónde? o ¿para quién? Un argumento recurrente “son los usos y costumbres” y lo que brilla por su ausencia ¿también se ha hecho costumbre enseñarlo así?, una pregunta más, antes de mirar hacia afuera hay que observar hacia adentro tratando de respondernos si el diseño y las artes visuales son una forma de vida (debida) o si son proyecto de vida (debida), el diseño en función de necesidades de comunicación visual, y las artes visuales en función de qué, yo empezaría por pedir a quién corresponda pintar las áreas de cruce de peatones en el crucero del lado poniente de la escuela (camino a San Pablo) y en el del lado oriente (Acueducto), colocar topes que reduzcan la velocidad de los vehículos que transitan frente a una zona escolar y marcar la parada de descenso de pasajeros de taxis, determinar los D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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puntos críticos para poner señalamientos que orienten la llegada a la ENAP desde sus distintos puntos cardinales (si vengo de Topilejo cómo llego a la ENAP), tener como principio rector que quienes tenemos vehículo ser los más correctos en respetar al peatón y a las señales de tránsito al conducir, o sea usar la señalética que se diseña con un fin logrando que no sea atropellado el “visitante” por haber las barras que indican el paso de individuos que allá, allá y allá adelante están ante la luz verde. Esto que anoto ¿tiene que ver con “Las Artes Visuales y el Diseño y la Comunicación Visual en los

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contextos: social, económico y cultural del siglo XXI”? o esto nos ayudaría a saber si tenemos que hacer un cambio de planes de estudio, una reforma, una actualización?, desde mi punto de vista me parece que sí y es información que habrá que anexar a la ya compilada para el necesario cambio y arranque de siglo. Observemos que lo social, lo económico y lo cultural tienen relación con las tareas sustantivas de la Universidad; docencia, investigación y difusión de la cultura, quiere decir que pasarse la luz roja, cederle el paso a un peatón y luego pasar al plano expresivo de las percepciones de realidad y difundirlo nos compete. Como alumno o como profesor me pregunto ¿por qué ocurre esto?,

¿qué nos corresponde hacer?, ¿acaso sólo el diseño per se no alcanza para agudizar este indicio e inicio de diálogo con el contexto de las artes y la comunicación visual como necesidad del siglo XXI?. Planteo un análisis crítico y no sería prudente por ahora identificar responsables la historia se encargará de ello, encontrar respuestas y soluciones como comunidad académica universitaria teniendo una perspectiva lo más clara y enriquecida posible resultado entro de la idea del diálogo. Habría que anotar las maneras en que conocimiento, disciplina, pensamiento y creación se complementan ya que afuera de este contexto de enseñanza (o fuera de este centro de enseñanza) el diseño gráfico y las artes visuales no son ajenas entre ellas, no están

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divididas son melodía y ritmo y a partir de esto la función de esta actividad profesional sería congruente en la construcción y participación de su contexto global, he aquí la exigencia de desempeño de la enseñanza y del aprendizaje porque la globalización no sólo toca lo que está afuera de las bardas que delimitan territorialmente a la ENAP de la realidad. Es por esto que necesitamos encontrarnos con esas barras que indican el espacio en el que camina un peatón común, de sabernos qué significa una luz roja y que un académico sea el primero en respetar un señalamiento de restricción de acceso con

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alimentos o un espacio libre de humo y entonces observar si el compañero trabajador y el alumno se suman, luego entonces el diseño está generando comunicación visual que requiere hoy de fortalecerse y cumplir su cometido, esto implícitamente generará indicios de líneas de investigación, pero también hay que re-encontrarnos con la expresión que parte de enriquecer el espíritu, la sensibilidad, la emoción, , las formas, el color, texturas, ideas, pensamientos, humanizados espacios de expresión plástica, el sorprendernos y emocionarnos en la investigación de campo de ambas áreas. Hasta ahora hemos dado las herramientas que tenemos para la enseñanza de las artes visuales y el diseño y la comunicación visual, la parte significativa para que un egresado logre desarrollar sus capacidades en donde son requeridas es porque además de lo poco, mediano o mucho que haya adquirido durante su estancia de formación profesional en la ENAP, tiene la necesidad de existir y ya en otros de hacer que existan sus congéneres, aquí llama mi atención que quisiéramos tener un plan infalible y ha ocurrido que el tiempo nos ha rebasado más de una vez y ocurre que cuando nuestros jóvenes estudiantes (con los que se tiene la distinción de coincidir en espacio y tiempo) están ávidos de aprender, a quienes también más de una vez los alcanza y rebasa el tiempo y los reencuentros son ahora con los padres y sus hijos, entonces el logro fue hacerlos partícipes de “armarse”, como lo referiría Darwin, de un largo cuello para alcanzar las hojas más altas y alimentarse. D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Y vienen otras preguntas: ¿por qué se han insertado asignaturas para los alumnos de artes que son nodales en diseño y comunicación visual?, ¿esto no sobrecarga los créditos o son equivalentes?, ¿por qué un alumno de artes puede tomar animación en primer semestre y el de diseño hasta quinto semestre?, ¿podrían los alumnos de diseño y comunicación visual de la orientación de audiovisual y multimedia tomar el taller de modelado en artes?, ¿es definitivo que el alumno de artes no diseña?, ¿el alumno de diseño podría alcanzar mayor plasticidad en sus trabajos?, ¿los alumnos de artes no tienen problema con el

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dibujo?, ¿cómo se valora la técnica sobre el concepto?... Debe recordar el lector que este dialéctico poético ensayo apenas asoma la mirada buscando horizontes, invitando al diálogo entre pares académicos por encontrarnos con el futuro en este presente común desde las artes visuales y el diseño y la comunicación visual, así denominados hoy, mañana… tengo la esperanza de que la ENAP sea la mejor escuela y después la mejor facultad de la unam en el campo de las humanidades.

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Lic. Karina Erika Rojas Calderón Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM Julio, 2011

Las Artes Visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI Para la elaboración de esta opinión sobre las artes visuales en el siglo XXI, observo Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

importante el desarrollo de la transdisciplina, al enfatizar

como una de las áreas

fundamentales de desarrollo de esta necesaria relación entre el arte y la ciencia, así, en este breve análisis tomo como elemento central la labor de la transdisciplina en las artes y su relación con la ciencia como áreas de conocimiento. Es menester mencionar que el arte, en la actualidad se continua percibiendo para un sector específico - y por supuesto se centraliza -, sin embargo mas allá de todos estos problemas estructurales hay también uno importante y grave “la falta de redes” , es decir; Tener conocimiento de lo que otros artistas están haciendo en cuanto a estos tópicos en otros países y localidades, justo parte de la labor la Universidad, así como de las Escuelas y Facultades que la conforman es generar redes de trabajo, producción, conocimiento así como fungir como enlace entre diversas esferas del arte y la ciencia que están generando piezas cercanas al tema de la transdisciplina, si bien no específicamente de bioarte, si denotando que hay un camino por el cual se transita para llegar a dichas obras. Otro punto importante de mencionar es el perfil de los artistas y científicos, en la mayoría de las piezas que revisamos hay una tendencia a colaborar con biólogos, biotecnólogos, etc. En lo que se refiere a América Latina, la mayoría son artistas visuales, plásticos o bien

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ingenieros en diversas áreas, robótica, mecatrónica, cibernética, lo cual de antemano esta determinando temáticas, discursos e intereses muy diferentes que en otros países. Lo complejo de la realización y la técnica no determina completamente las piezas, en mi opinión lo determina el concepto, el contenido, la congruencia entre lo material y conceptual, la relación con el espectador y por supuesto la herramienta y la técnica para hacer llegar la intención de la obra. Pero obviamente el acceso y la complejidad de lo

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empleado si anticipa una dificultad de desarrollo.

Contexto general del arte y la ciencia; La transdisciplina En Iberoamérica existe una interesante variedad de artistas que se preocupa por la interacción y diálogo con las ciencias y la tecnología. En Brasil, México, Colombia, Argentina y Centroamérica hay artistas que mediante las ciencias y la tecnología reflexionan sobre la condición humana en una era que algunos ya denominan posbiológica o posthumanística, según sus distintas posiciones ideológicas y filosóficas. Se puede seguir en los artistas iberoamericanos la reflexión de la situación humana actual. En nuestra época no es suficiente adoptar nuevos métodos tecnológicos para indagar las viejas preguntas del ser humano. Sino que se trata de prospectar la condición humana. A raíz del desarrollo científico el significado de “humano” y “vida” ha cambiado. Cada vez más se abren interfaces y espacios de interacción entre la vida humana y los avances tecnológicos y científicos.

¿La situación de México con relación al arte y la ciencia y sus problemáticas futuras? La situación que se observa en México, en relación a las políticas culturales y su desarrollo en el ámbito social, económico y su apreciación en el campo del arte es una D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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evidentemente confuso, ya que desde el desarrollo del arte partiendo de la inicial postura tradicional y academicista para su introducción a un mercado internacional, así como una posterior adecuación en la aceptación de nuevas visiones, soportes y técnicas que han citado a un país en constantes cambios de lespacios independientes. Sin embargo, los antecedentes del arte conceptual en la generación de los primeros colectivos durante los años 60 hace que la postura de críticos, historiadores y artistas apuesten a un arte “diferente” que apela a los procesos como objeto artístico; Es el arte

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de la idea, de la información, generando círculos que se impregnan cada vez más de un lenguaje hermético, especializado e impregnado de elitismo. El artista asume las consecuencias de la sobre-intelectualización del objeto que empuja cada vez más a la concepción del arte como un fenómeno hecho y expuesto para pocos, hecho que ha generado un fenómeno descuidado por las políticas públicas y enriquecido por el sector privado. De hecho, actualmente de la relación entre el arte y la ciencia deviene de la acción transciplinaria que se desarrolla desde los discursos potentes de la cibernética, la telemática, lo virtual, las biotecnologías y las relaciones entre las artes y las ciencias modernas y tradicionales. Propuestas que generan una serie de interrogantes; Desde la labor docente de la producción artística y su exhibición, la difusión, autogestión y promoción de las artes desde su adecuación y convivencia con la postura academicista y tradicional del arte en nuestro país. El arte se enfrenta, aún, a criterios académicos limitantes que no permiten una visión renovadora de las instituciones, por lo que el circuito del arte se vuelve aún más selectivo,

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surgiendo la problemática desde la misma definición de esta difícil relación entre el arte, la ciencia y su función social.

Las Políticas gubernamentales que limitan al arte y a la ciencia En México, hemos visto en los últimos años los recortes al sector cultural (25% en 2010), al educativo y aunque la ley de Ciencia y Tecnología establece que la inversión en este

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rubro debe ser como mínimo del 1% del PIB, los montos destinados rondan alrededor del 0.5%. Además de plantear escenarios austeros para la creación artística, ciertos gobiernos limitan incluso su exposición y difusión. Podemos citar la supresión del año de México en Francia (reflejo de un conflicto político) y la reciente cancelación del Festival Internacional de Arte Contemporáneo en León Gto. ya que al parecer su organización necesita una restructuración de presupuesto que implica un replanteamiento del consumo de arte contemporáneo. Con esto último, salta a la vista cómo la creación en el arte se ve restringida: Se le asigna poco presupuesto, se apoyan pocos proyectos y por lo tanto los proyectos que se van a seleccionar deben de ajustarse a un “gusto” o “criterio”. Esta problemática compleja se ajusta al concepto “gusto” no sólo desde la estética, sino más bien desde su función o practicidad: Así, los resultados de los proyectos deben favorecer el desarrollo y/o establecimiento de las nuevas políticas o proyectos gubernamentales. ---

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En esta área de desarrollo de las artes visuales relacionada estrechamente con la ciencia, se aprecia la labor Gilberto Esparza con sus Plantas Nómadas y Arcángel Constantini con las Nanodrizas, compartiendo una visión ecosistémica, de monitoreo y de restauración, en empleo de

la robótica, al involucrar manipulaciones genéticas, cultivos celulares o

prótesis y que son expuestos como performances desde una proyección de los creadores mexicanos en el extranjero. Frente a las presiones económicas gubernamentales, visualizo dos grandes rutas. Una en

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la que los artistas buscan recursos en otros países y la consecuencia es que ocurre una fuga de ideas o proyectos. La segunda es el surgimiento de trabajos independientes que contemplan otros contenidos e utilizan otros medios, esto es más evidente en el rubro artístico debido a la versatilidad de medios, técnicas y soportes. Los países terminan por un lado perdiendo riqueza creativa en el área institucional y paralelamente surge en la población una necesidad inventiva para resolver las dificultades, llevando la creación hacia otros horizontes. Los comentarios previos son problemáticas generales para el arte y la ciencia, en el caso del bioarte otras dificultades se precisan. Nos enteramos cómo diversas obras no han podido ser expuestas en México debido a limitantes fronterizas para el paso del material biológico. Esto no debe ser pensado como un obstáculo particular para la difusión del bioarte sino como una política estándar que afecta también a otras áreas, como la educativa. Sin embargo esa limitante particular conlleva a buscar conceptualizar la exposición de las obras de otra forma llevándola a soportes documentales e informáticos.

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María del Carmen Gallegos Vargas Escuela Nacional De Artes Plásticas UNAM

Las Artes Visuales en el contexto: social, económico y cultural del siglo XXI En este siglo XXI, las artes se enfrentan atadura económico-cultural que en este momento tiene gran poder a través de los circuitos del arte en la figura de museos, galerías y críticos Textos proporcionados por la Secretaría Académica, ENAP

de arte, que convierte al mercado del arte, en una pasarela de moda de artistas e incluso movimientos artísticos al servicio de sus intereses. Esta situación impacta directamente en las políticas educativas a través del banco mundial, quien es el actor económico, que determina el sentido que la educación debe tener en y para el desarrollo cultural alrededor de nuestro gran globo azul. Y es por esto que la necesidad de adecuar la educación en base a tal o cual modelo pedagógico de acuerdo a esta línea educativa impacta en el desarrollo académico de los centros de estudio. En la Escuela Nacional de Artes Plásticas esta situación no ha pasado desapercibida; sin bien los modelos sociales y económicos no determinan el nacimiento del tal o cual artista o movimiento, si es responsable de las línea s de educación que se comienzan a seguir en nuestro contexto. Sin bien la figura de lo académico o la academista está siendo cuestionado, lo que en buen aparte sustenta la identidad de nuestra escuela quien la depositaria de 400 años de tradición no podemos ni debemos darle la espalada a esta aura que nos cobija; pues al referenciar los desarrollos en tecnologías y movimientos de modas estamos entrando en un campo del sabemos muy poco a nada,.

D. R. © Universidad Nacional Autónoma de México. Ciudad Universitaria, 04510, México D.F. Se prohíbe el uso o la reproducción parcial o total, sin previa autorización de la UNAM a través de la ENAP o sus autores. Se autoriza el uso de este documento únicamente al personal docente de la ENAP para actividades de tipo Académico.

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Actualización de planes y programas de estudio: Fase2. Segundo informe de acopio de información. Corte Agosto 25, 2011.

Para fortalecernos debemos revalorar nuestra herencia como la institución de tradición y punta de lanza en el desarrollo académico y la mixtura tecnológica que permea hoy a las artes, como bandera que nos identifique y nos diferencia y nos devuelva nuestro lugar y presencia en el desarrollo de las artes y la cultura en México. Por ultimo para fraseando la frase “tiempos pasados fueron mejores”, “Tiempos pasados basados en la tradición y la mixtura de los desarrollos tecnológicos y pensamiento humano fueron y serán mejores”. La bogaren y la voracidad que este siglo XXI marca para

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el desarrollo humano; debe impactar no solo en el desarrollo económico y político, a través de las artes tenemos el compromiso de subir en este tren para contribuir al desarrollo de la cultura e impactar en el desarrollo social e ideológico de este pedazo de tiempo en que nos tocó vivir.

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Anexo 1 Actividades Fase 2

Actividades dentro de la Plataforma para la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. Fase 2

Fase2: FUNDAMENTACIÓN ACADÉMICA, OBJETIVOS Y PERFILES DEL PLAN (15 de abril a 15 de agosto) Objetivo de la fase: Recuperar los puntos de vista, aportaciones y reflexiones de los participantes acerca de la naturaleza, necesidades y expectativas de la profesión, de las actividades académicas y formativas del plan de estudios, así como de sus objetivos, perfiles de ingreso, intermedios y de egreso. Bienvenida a la fase: Estimado Académico: Durante la presente Fase de este proceso de Actualización del plan de estudios, tu participación sigue siendo de suma importancia, en virtud de que ahora se compilará y analizará información relacionada con el desarrollo profesional del artista visual, los aportes que han las disciplinas artísticas en el contexto actual, así como con los rasgos fundamentales para la formación orientados a los objetivos y perfiles del nuevo plan de estudios. Lo importancia de esta sección consiste en recuperar la visión de los profesionales de las artes visuales en torno a la dinámica y demandas más relevantes del campo artístico y profesional, y conocer desde su óptica, cuáles son los perfiles para un desarrollo pleno de los egresados en el ámbito profesional en los contextos artístico, cultural, educativo, social, económico y políticocultural a nivel nacional e internacional.

Actividad 2.1 Contextos de la Práctica Profesional. Documento PDF. “Fragmento de la Guía Operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de Estudio” (pág. 24 a 28) CUESTIONARIO. Con base en la lectura del apartado de las páginas 24-28 del “Fragmento de la Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura”. Expresa tu opinión y reflexiones en torno a las siguientes cuestiones: 1. ¿Cuáles consideras que son las demandas actuales para la formación de los nuevos Artistas Visuales en los contextos artístico, cultural, social y político-cultural? 2. ¿Cuáles son las tendencias actuales y futuras de la práctica profesional del Artista Visual? 3. ¿Cuáles son los retos derivados del proceso de globalización que han de afrontar, en el ejercicio de su profesión, los futuros egresados de la licenciatura en Artes Visuales de la ENAP? Problemas técnicos y de navegación: Lic. Lina García Dudas para solucionar las actividades y de vocabulario: Mto. Jesús Macías Aportaciones a la Licenciatura en Artes Visuales diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected] Aportaciones a la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected]

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Actividades dentro de la Plataforma para la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. Fase 2

FORO: Discusión acerca de los contextos de la Práctica Profesional de la Licenciatura en Artes Visuales. Participa con tus comentarios al respecto y conoce los del resto de los participantes.

Actividad 2.2 Aspectos y áreas de desarrollo de las disciplinas de las Artes Visuales CUESTIONARIO. Desde tu experiencia docente y académica aporta tu opinión y reflexión a las siguientes cuestiones. 1. ¿En cuáles campos, aspectos y áreas de las disciplinas de las Artes Visuales se requiere fortalecer la preparación y actualización de los profesores de la ENAP para el ejercicio de la docencia del presente y del futuro? 2. ¿Cuáles tendrían que ser las líneas institucionales de investigación de la ENAP en el campo de las artes visuales? 3. ¿Cuáles consideras que han sido los resultados más relevantes de la formación otorgada a los alumnos y egresados de la Licenciatura en Artes Visuales de la ENAP? 4. ¿Cuáles consideras que han sido los resultados más relevantes que los egresados de Artes Visuales han obtenido en el campo profesional del plan de estudios de la Licenciatura en Artes Visuales? FORO: Discusión acerca de los aspectos y áreas de desarrollo de las disciplinas en la Licenciatura en Artes Visuales. Participa con tus comentarios al respecto y conoce los del resto de los participantes.

Actividad 2.3 Objetivo general y perfiles de la licenciatura. CUESTIONARIO: Con base en la lectura del apartado de las páginas 26-28 del “Fragmento de la Guía operativa para la elaboración, presentación y aprobación de proyectos de creación y modificación de planes y programas de estudio de licenciatura” responde a las siguientes cuestiones: 1. ¿Cuál debe ser el objetivo general del nuevo plan de estudios de la licenciatura en Artes Visuales? 2. ¿Cuáles deben ser los rasgos óptimos para el Perfil de Ingreso de la licenciatura en Artes Visuales, en términos de conocimientos, habilidades, actitudes y valores? 3. ¿Cuáles deben ser los rasgos de los conocimientos, habilidades, actitudes y valores, del Perfil Intermedio de los alumnos de la nueva licenciatura en Artes Visuales? 4. Cuáles deben ser los conocimientos, habilidades, actitudes y valores del Perfil de Egreso del nuevo plan de estudios de la Licenciatura en Artes Visuales?

Problemas técnicos y de navegación: Lic. Lina García Dudas para solucionar las actividades y de vocabulario: Mto. Jesús Macías Aportaciones a la Licenciatura en Artes Visuales diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected] Aportaciones a la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected]

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Actividades dentro de la Plataforma para la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. Fase 2

FORO: Discusión acerca de Objetivo general y perfiles de la Licenciatura en Artes Visuales. Participa con tus comentarios al respecto y conoce los del resto de los participantes.

Actividad 2.4 Convocatoria para el desarrollo de tema TAREA: Resolver por medio de un ensayo que se subirá a la plataforma. 1. Participa con tus aportaciones en el desarrollo del tema: “Las Artes Visuales en el contexto artístico, cultural, social y económico del siglo XXI” (Máximo tres cuartillas). Subir archivo Word. FORO: Discusión acerca del tema: “Las Artes Visuales en el contexto artístico, cultural, social y económico del siglo XXI”. Participa con tus comentarios al respecto y conoce los del resto de los participantes.

Problemas técnicos y de navegación: Lic. Lina García Dudas para solucionar las actividades y de vocabulario: Mto. Jesús Macías Aportaciones a la Licenciatura en Artes Visuales diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected] Aportaciones a la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected]

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Anexo 2 Glosario Fase 2

Glosario dentro de la Plataforma para la actualización de planes y programas de estudio de la Licenciatura en Artes Visuales. Fase 2

Fase2: FUNDAMENTACIÓN ACADÉMICA, OBJETIVOS Y PERFILES DEL PLAN (15 de abril a 15 de agosto) Objetivo de la fase: Recuperar los puntos de vista, aportaciones y reflexiones de los participantes acerca de la naturaleza, necesidades y expectativas de la profesión, de las actividades académicas y formativas del plan de estudios, así como de sus objetivos, perfiles de ingreso, intermedios y de egreso. Bienvenida a la fase: Estimado Académico: Durante la presente Fase de este proceso de Actualización del plan de estudios, tu participación sigue siendo de suma importancia, en virtud de que ahora se compilará y analizará información relacionada con el desarrollo profesional del artista visual, los aportes que han las disciplinas artísticas en el contexto actual, así como con los rasgos fundamentales para la formación orientados a los objetivos y perfiles del nuevo plan de estudios. Lo importancia de esta sección consiste en recuperar la visión de los profesionales de las artes visuales en torno a la dinámica y demandas más relevantes del campo artístico y profesional, y conocer desde su óptica, cuáles son los perfiles para un desarrollo pleno de los egresados en el ámbito profesional en los contextos artístico, cultural, educativo, social, económico y políticocultural a nivel nacional e internacional.

Glosario Acopio de Información: En investigación suele utilizarse este término cuando se trata de recuperar diversos datos de parte de las audiencias participantes o en su caso de otras fuentes de consulta. Acopio de Información: En investigación suele utilizarse este término cuando se trata de recuperar diversos datos de parte de las audiencias participantes o en su caso de otras fuentes de consulta. Actitudes: Disposiciones manifiestas de ánimo o de actuación, en torno a una situación dada. Actividades Profesionales: Representan las acciones de actuación en espacios laborales o de compromiso profesional en el ejercicio de una actividad especial con derechos y obligaciones de carácter laboral.Actualización de plan de estudios: Proceso mediante el cual se pone al día o se moderniza algún aspecto o sector que se ha rezagado.Ajuste del plan de estudios: Los nuevos Problemas técnicos y de navegación: Lic. Lina García Dudas para solucionar las actividades y de vocabulario: Mto. Jesús Macías Aportaciones a la Licenciatura en Artes Visuales diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected] Aportaciones a la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected]

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planes de estudio deben responder a las áreas prioritarias para el desarrollo del país y a las áreas emergentes que determinen la actualización de alguna disciplina o campo de conocimiento, atendiendo a las capacidades propias de la institución.Campo profesional: Espacios diversos para el ejercicio de una actividad especial o experimentada que requiere del manejo hábil de diferentes conocimientos y habilidades.Campos: Diferentes áreas disciplinarias y de actividad.Campos: Diferentes áreas disciplinarias y de actividad.Conocimientos: Conjunto de ideas o nociones que se tienen sobre una materia. Contexto actual: Conjunto de sectores y dinámica de un espacio o área en el momento históricoconcreto presente.Contexto cultural: Conjunto de expresiones culturales que se manifiestan en una población, pueblo o sector social.Contexto económico: Conjunto de circunstancias de la economía que se manifiestan en una sociedad, grupo o sector y que prevalecen en un sistema económico. Contexto político: Conjunto de expresiones ideológicas que se manifiestan en una población, pueblo o sector social.Contexto social: Conjunto de expresiones culturales, económicas, políticas e ideológicas que se manifiestan en una población, pueblo o sectorDisciplinas: Rama de una ciencia determinada, materia académica.Exigencias de desempeño: Para efectos del presente, se interpreta como: Conocimientos, habilidades, actitudes y competencias de actuación profesional, así como su manejo experto que se solicita en los espacios laborales y profesionales. Formación otorgada: Para efectos del presente proyecto o proceso, se ubica a la formación que ha sido proporcionada por un plan de estudios determinado, con todos los conocimientos, acciones y experiencias que implica.Funciones profesionales: Actuación genérica en espacios laborales o de compromiso profesional en el ejercicio de una actividad especial.Globalización: Es un proceso fundamentalmente económico que consiste en la creciente integración de las distintas economías nacionales en un único mercado capitalista mundial, este término se ha derivado a otros campos o áreas.Habilidades: Capacidad de una persona para hacer alguna cosa correctamente y con facilidad.Líneas institucionales de investigación: En el contexto del programa o de las

actividades de investigación institucionales de las entidades académicas, en este caso universitarias se establecen campos, temáticas o disciplinas para la realización estudios y proyectos de investigación con el propósito de agrupar o clasificar sus objetos de estudio. Logros: En términos genéricos es obtener aquello que se busca o que se desea (plural).Modificación del plan de estudios: Cambio que por influencia o participación del medio o de sus integrantes se realiza.Objetivo general: Se refiere a la obtención de resultados amplios en el desarrollo de actividades orientadas a su consecución. (Los objetivos se derivan de la detección de las necesidades o problemas, se formulan con base en las principales interrogantes que se deseen contestar y deben tenerse presentes durante todo el proceso).Opinión experimentada: Juicio o expresión de argumentos de parte de una autoridad en la materia, ésta derivada del conocimiento profundo y la experiencia en el campo de que se trate.Óptica: Para efectos de este Problemas técnicos y de navegación: Lic. Lina García Dudas para solucionar las actividades y de vocabulario: Mto. Jesús Macías Aportaciones a la Licenciatura en Artes Visuales diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected] Aportaciones a la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected]

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proceso el término se usa como el punto de vista personal o grupal en relación a algún aspecto o tema.Perfil de egreso: Refiere al conjunto de conocimientos y capacidades intelectuales, manuales, técnicas, y habilidades para el trabajo individual y en equipo, así como las actitudes y valores que poseerá el egresado para su desempeño en el o en los campos que abarque el plan de estudios. Asimismo, este perfil plantea los rasgos principales de la o las prácticas profesionales que caracterizan a la licenciatura y que deberá dominar el egresado.Perfil de ingreso: Describe los estudios antecedentes a la licenciatura que debió haber cursado el aspirante para ingresar a la carrera o disciplina y contendrá los conocimientos, habilidades e intereses principales requeridos para cursar el plan de estudios.Perfil intermedio: Establecen los conocimientos, habilidades, actitudes y valores que los alumnos adquirirán al término de alguna de las etapas de formación que comprende la estructura y organización del plan de estudios.Práctica profesional: La práctica profesional es una actividad temporal que proporciona a los alumnos un acercamiento con la realidad del ejercicio profesional de la carrera que decidieron estudiar.Retos: Objetivos o acciones difíciles de llevar a cabo, y que por ello suponen un estímulo y un desafío para quien o quienes se proponen realizarlos. Valores: Son características morales que toda persona posee y lo referente al género humano, a partir del desarrollo de sus estudio, los valores se han relacionado con las diferentes disciplinas y ciencias.

Problemas técnicos y de navegación: Lic. Lina García Dudas para solucionar las actividades y de vocabulario: Mto. Jesús Macías Aportaciones a la Licenciatura en Artes Visuales diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected] Aportaciones a la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual diferentes a las contempladas en las actividades: actualizació[email protected]

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Anexo 3 Mensaje de Apertura Fase 2

FASE 2 Actualizacion de Planes y Programas Estimado Profesor: Estamos iniciando una nueva etapa de Acopio de Informacion, calendarizada del 2 de mayo al 30 de junio del 2011, por lo cual queremos agradecer su participacion y comentarle que para fase 2 se han designado 4 actividades para las Licenciaturas en Artes Visuales y en Diseno y Comunicacion Visual: 2.1 Contextos de la Practica Profesional 2.2 Aspectos y areas de desarrollo de las disciplinas de las artes o el diseño 2.3 Objetivo general y perfiles de la licenciatura 2.4 Convocatoria para el desarrollo de tema Para esta nueva fase todos los conceptos del glosario tienen link desde el enunciado donde son empleados, por lo cual no sera necesario abrir el glosario y buscar el concepto que necesite, basta con dar clic sobre el concepto, ademas al igual que en la fase anterior puede solicitar el listado de actividades en la Secretaria Auxiliar de la Secretaria Academica, para poder desarrollarlas antes de subirlas a la plataforma. De igual manera para esta fase del proceso estaremos al pendiente de las necesidades que nos externen, por lo cual es importante mantener informadas a las areas de administracion, metodologia y coordinación del proyecto, para de este modo obtener resultados satisfactorios. Tambien me permito anunciarles que a partir de este momento los colegios ya cuentan con blogs publicos a la comunidad en general, que facilitaran la comunicacion entre estos y la contraposicion de ideas. Los blogs cuentan hasta el momento con dos usuarios de administracion los cuales pueden modificar la informacion publicada en el blog, uno de estos usuarios pertenece a la administracion de proyecto de Actualizacion de Planes y Programas de Estudio, el cual sera empleado exclusivamente para subir al blog los informes de resultados obtenidos en las actividades realizadas de cada una de las fases, el otro administrador pertenece al colegio y la clave para este ha sido entregada a los jefes de Colegio para poder subir sus minutas y discusiones en torno a un tema en particular. Hasta el momento los blogs cuentan con un archivo de información por parte de la administración de la actualizacion ubicado en la pestaña Fase 1 bajo el nombre de Concentrado de Informacion, en el que encontrara la informacion parcial obtenida de la plataforma y de las actividades paralelas a esta. Por ultimo hago de su conocimiento la lista de blogs de colegios: Educacion Visual y Diseno Basico http://blogs.enap.unam.mx/colegio/Educacion_Visual_y_Diseno_Basico/ Pintura http://blogs.enap.unam.mx/colegio/pintura/

Escultura http://blogs.enap.unam.mx/colegio/escultura/ Fotografia AV http://blogs.enap.unam.mx/colegio/Fotografia_AV/ Geometria AV http://blogs.enap.unam.mx/colegio/Geometria_AV/ Teoria e Historia del Arte AV http://blogs.enap.unam.mx/colegio/Teoria_e_Historia_del_Arte_AV/ Cibernetica http://blogs.enap.unam.mx/colegio/Cibernetica/ Dibujo AV http://blogs.enap.unam.mx/colegio/dibujo_av/ Estampa http://blogs.enap.unam.mx/colegio/estampa/ Arte en Soportes Alternativos y Nuevas Tecnologias http://blogs.enap.unam.mx/colegio/soporte_alternativos/ Tesis http://blogs.enap.unam.mx/colegio/tesis/ Audiovisual y Multimedia http://blogs.enap.unam.mx/colegio/audiovisual_multimedia/ Tecnicas de Representacion Grafica http://blogs.enap.unam.mx/colegio/tecnicas/ Administracion de la Actividad Profesional http://blogs.enap.unam.mx/colegio/administracion/ Teoria http://blogs.enap.unam.mx/colegio/teoria/ Metodologia http://blogs.enap.unam.mx/colegio/metodologia/ Diseno http://blogs.enap.unam.mx/colegio/diseno/ Teoria e Historia del Arte DCV http://blogs.enap.unam.mx/colegio/teoria_historia_dcv/ Geometria DCV http://blogs.enap.unam.mx/colegio/geometria_dcv/ Serigrafia http://blogs.enap.unam.mx/colegio/serigrafia/ Tecnicas y Sistemas de Impresion http://blogs.enap.unam.mx/colegio/tecnicas_sistemas/ Dibujo DCV http://blogs.enap.unam.mx/colegio/dibujo_dcv/ Fotografia DCV http://blogs.enap.unam.mx/colegio/fotografia_dcv/ Ilustracion http://blogs.enap.unam.mx/colegio/ilustracion/ Medios Digitales http://blogs.enap.unam.mx/colegio/medios_digitales/ Diseno Editorial http://blogs.enap.unam.mx/colegio/diseno_editorial/

Atentamente Lic. Lina García Ramírez Sria. Aux. de la Secrtaria Academica Escuela Nacional de Artes Plásticas 5489-4921 o 22 ext. 165 Visita mi blog: http://blogs.enap.unam.mx/secretaria_auxiliar_academica/

NOTA: ESTE TEXTO HA SIDO REDACTADO SIN ACENTOS O TILDES PARA EVITAR QUE SE DESCONFIGURE AL DESCARGARLO.

Anexo 4 Circular ENAP/SG/16/2011

ESCUELA NACIONAL DE ARTES PLASTICAS SECRETARIA GENERAL

C I R C U L A R: ENAP/SG/16/2011 A LOS ACADÉ MICOS DE LA ESCUELA NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS P RESENTE Por instrucciones del Dr. José Daniel Manzano Aguila, Director de esta Escuela, y con base en lo establecido por la Legislación Universitaria, me permito comunicarles que los periodos intersemestrales y los interanuales deben enfocarse a lo previsto en los artículos 56 y 60 del Estatuto del Personal Académico de la UNAM, con relación a lo dispuesto por el Art. 6, fracción X del Estatuto del Personal Académico (EPA) y en la Cláusula 61 del Contrato Colectivo de Trabajo del Personal Académico. Por lo tanto, las actualizaciones de cursos, bibliografías y materiales didácticos en los casos de los profesores de asignatura, son actividades oportunas para realzarse en dichos periodos. Con la intención de continuar con la Segunda Fase de acopio del proceso de actualización de los Planes y Programas de Estudio de las Licenciaturas en Artes Visuales y Diseño y Comunicación Visual, se les invita tanto a profesores de asignatura como de carrera, a elaborar un documento reflexivo (ensayo, artículo u opinión académica) en torno a las siguientes temáticas: “Las artes visuales en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI” “El diseño y la comunicación visual en los contextos: social, económico y cultural del siglo XXI” Dicho documento deberá tener una extensión mínima de tres cuartillas y máximo de diez, con espacio y medio de interlineado y tipografía arial de doce puntos. Debiéndose entregar en la Secretaría Académica de esta Escuela como fecha límite el 5 de agosto del presente, el ejemplar impreso, para acuse de recibo y el formato digital en los correos: [email protected] [email protected] Asimismo me permito hacer de su conocimiento que con la entrega del documento antes citado, se eximirá del registro de firmas a los profesores de Carrera y de Asignatura, durante este periodo interanual, que comprende del día 13 de junio al 2 de julio y del 25 de julio al 6 de agosto de 2011. Finalmente, se les agradece su participación durante la Primera Fase de acopio de Información, en la que el 70% de los profesores aportaron su opinión; se integró un documento general de más de 200 cuartillas que consta en cada uno de los Blogs de los Colegios y se han realizado hasta la fecha más de 50 reuniones, incluyendo las sesiones informativas, las de colegios, con alumnos, ex alumnos, con representantes del medio profesional y Jefes de colegios. Sin otro particular, les envío un cordial saludo ATENTAMENTE “POR MI RAZA HABLARÁ EL ESPIRÍTU” Xochimilco, D.F., a 10 de junio de 2011 EL SECRETARIO GENERAL

MTRO.MAURICO DE JESÙS JUAREZ SERVIN

Anexo 5 Mensaje: Extensión de Fase 2

Estimado Profesor: A nombre de la Escuela Nacional de Artes Plasticas se agradece su valiosa participacion durante la fase 2 de acopio de informacion para la actualizacion, modificacion o adecuacion de los planes y programas de estudio de las licenciaturas en Artes Visuales y en Diseno y Comunicacion Visual. Ademas me permito anunciarle que a peticion de los profesores de la ENAP y como parte de actividades planteadas en la CIRCULAR: ENAP/SG/16/2011, se extiende el plazo para la participacion en la fase 2 de la Plataforma hasta el dia 15 de agosto de 2011. Y la fase 3 dara inicio el dia 22 de agosto. Atentamente Mtro. Jesus Macias Hernandez Responsable de la Secretaria Academica Escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM 5489-4921 o 22 ext. 137 y 136

Anexo 6 Mensaje: Constancia de Participación en Proyectos Institucionales

Estimado Profr.(a) Por este medio me permito hacer de su conocimiento que con la entrega a esta Secretaria Academica del documento reflexivo (ensayo, articulo u opinion academica) al que se hace referencia en la Circular: ENAP/SG/16/2011, se extendera: la “Constancia de Participacion en Proyectos institucionales” respectiva, como un justo reconocimiento a su valiosa aportacion en las actividades relativas a la actualización, modificacion o ajuste de los planes de estudio de nuestra escuela. Sin otro particular aprovecho la oportunidad para enviarle un cordial saludo y mis mejores deseos para un merecido descanso en este periodo vacacional, me reitero a sus ordenes. Atentamente Mtro. Jesus Macias Hernandez Responsable de la Secretaria Academica de la ENAP 5489-49-21 o 22 ext. 137 [email protected] Nota: Este es un mensaje sin acentos, tildes o caracteres especiales para optimizar la visualizacion en los diferentes servicios de correo

Directorio UNAM Dr. José Narro Robles Rector

Dr. Eduardo Bárzana García Secretario General

Lic. Enrique del Val Blanco Secretario Administrativo

Mtro. Javier de la Fuente Hernández Secretario de Desarrollo Institucional

MC. Ramiro de Jesús Sandoval

Secretario de Servicios a la Comunidad

Lic. Luis Raúl González Pérez Abogado General

Enrique Balp Díaz

Director General de Comunicación Social

Directorio ENAP Dr. José Daniel Manzano Águila Director

Mtro. Mauricio de Jesús Juárez Servín Secretario General

Lic. Claudia Leticia Europa Domínguez Secretaria Administrativa

Mtra. Fabiola Fuentes Nieves

Secretaria de la Dirección y Planeación

Mtra. Sandra Soltero Leal

Jefa de la División de Estudios Profesionales

Mtra. Jesús Macías Hernández Secretario Académico

Mtro. Eduardo Aureliano Ortiz Vera

Coordinador de la Licenciatura en Artes Visuales

Lic. Alfonso Escalona López

Coordinador de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual

Coordinación del Proyecto Mtra. Sandra Soltero Leal

Jefa de la División de Estudios Profesionales

Mtro. Jesús Macías Hernández Secretario Académico

Lic. Lina Ana Belén García Ramírez

Secretaría Auxiliar de la Secretaria Académica