LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX   Las Vanguardias del s. XX a) Contexto histórico b) Térmi...
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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

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Las Vanguardias del s. XX a) Contexto histórico b) Término y significado c) Movimientos de vanguardia -Concepto y características 1-FAUVISMO (Matisse) 2-CUBISMO (Picasso) 3-EXPRESIONISMO. 4-FUTURISMO. 5-DADAISMO. (DADA) 6-SURREALISMO (Dalí) 7-ABSTRACCIÓN (Kandinsky) 



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Las Vanguardias del s. XX a) Contexto histórico: conflictos bélicos, pensamiento y ciencia El siglo XX desde sus inicios viene marcado por un panorama desgarro y crisis profunda en la sociedad europea que desembocará en un conflicto bélico de dimensiones desconocidas hasta entonces, la Primera Guerra Mundial (1914 –1918). ¿Cómo se había llegado a esta situación tan crítica? Múltiples factores la explican: la rivalidad entre las grandes potencias por el reparto de las colonias, los nacionalismos excluyentes (rivalidad franco-alemana,) y la lucha por la hegemonía del mundo (británicos, alemanes....), la formación de un sistema de alianzas internacionales antagónicos (Triple Alianza, Triple Entente), los conflictos desatados en el área de los Balcanes o la carrera de armamento (Paz Armada).

b) Término y significado El arte del s. XX ha aparecido tradicionalmente ligado al término “vanguardia”. Cronológicamente se debe ceñir a las manifestaciones artísticas de la centuria del Novecientos, aunque se fue definiendo a través de los fenómenos que tuvieron lugar en el último cuarto del s. XIX y sobre todo desde principios del s. XX.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX El término vanguardia es una palabra que procede del francés “avantgarde”, que designaba en el contexto militar a un destacamento en posición avanzada para iniciar la acción. En el s. XIX se utilizó en principio para indicar movimientos políticos progresistas y, más tarde, se amplió su sentido a procesos culturales. En el arte se adoptó para designar aquellas tendencias innovadoras en oposición a sistemas establecidos, principalmente el académico. En cuanto a su significado, la vanguardia se caracteriza por ser un movimiento de ruptura y cambio por parte de artistas que buscan un nuevo lenguaje, en el marco de una reivindicación de su libertad creativa, y de un sentido de independencia tanto del artista como del arte en sí. A menudo estos planteamientos van acompañados de manifiestos, proclamas o escritos, en los que se expresa la intencionalidad que los guía. Sin embargo, la vanguardia no es un fenómeno unitario, sino un fenómeno diverso, mejor hay que hablar de vanguardias, que se han ido sucediendo de manera rápida, compleja y sus formas han sido múltiples. Cronología. Las “Primeras Vanguardias” se desarrollaron desde los primeros años del s XX hasta la Segunda Guerra Mundial. Al mismo tiempo se debe tener presente que no todas las manifestaciones artísticas contemporáneas son vanguardias. Existen corrientes más apegadas a la tradición que se desmarcan de los planteamientos vanguardistas. b) Características. El arte producido por los movimientos de vanguardia es difícil de comprender por la complejidad de sus realizaciones. A grandes rasgos las vanguardias se singularizan por: 1-El rechazo a los modelos tradicionales de representación y de los valores que los sustentan. Se trata de transgredir las convenciones legadas desde el Renacimiento (Ej: la perspectiva, el claroscuro...). Se niega asimismo que exista un modelo universal de belleza. El artista ahora ahonda en las bellezas dispersas, cambiantes y subjetivas: lo que cuenta su propia manera de concebir la belleza 2-La ruptura de la dependencia del artista respecto a un mecenas. El artista se independiza y trabaja por cuenta propia 3- Nueva actitud entre arte y la vida del artista. Sus creaciones plásticas responden a su actitud ante la vida: reflejan su compromiso y avatares de la vida.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX 4-Por otro lado vanguardia supone autorreflexión, es decir: la libre indagación en los procesos creativos, y en los medios y lenguajes que le son propios. Este proceso tuvo su reflejo en las siguientes manifestaciones: a) El arte abandona su condición de imitación de la realidad, es decir, se acaba con la dependencia respecto a un objeto externo que hay que representar; incluso se llega a la posición contraria a la “independencia” entre lo representado y la realidad. Los objetos del entorno aparecen voluntariamente deformados hasta ser casi irreconocibles. La figura humana se distorsiona o es directamente negada (ausencia de figuración: arte abstracto). b) Frente a la visión objetiva aportada por el Renacimiento a la tradición occidental, las vanguardias ensayan múltiples posibilidades desde un punto de vista subjetivo. El artista proyecta su experiencia a través de su obra . El cuadro no es una construcción acabada, sino un campo de experimentación sin límites. -Así pues, consciente de la condición bidimensional de la pintura, renuncia a la ilusión de la profundidad bien por la perspectiva lineal o atmosférica heredadas del Renacimiento- siendo ahora sustituida por la bidemensionalidad y se centra en su condición de elemento plano, en la que no predomina ningún punto de vista sobre los demás. (Cubismo). -El claroscuro renacentista , definidor del volumen mediante sutiles gradaciones de luces y sombras, deja paso a transiciones bruscas que niegan el modelado -volumen- (Fauvismo y Expresionismo) -Se asume incluso la variable temporal de imágenes en movimiento (Futurismo). - Incluso la fidelidad a lo real desaparece con la Abstracción, ya que cualquier referencia a un objeto cualquiera desaparece (ausencia de figuración). - Incluso el mundo de la imaginación que está más allá de la lógica tuvo su cabida en el arte (Surrealismo). c) En todos estos procesos las vanguardias rechazan los métodos de aprendizaje académicos, y proponen la experimentación y la libertad de expresión. Experimentar sobre todo un lenguaje, para expresar las inquietudes y contradicciones del hombre moderno. A pesar de que cada vanguardia tuvo un lenguaje plástico diferente, aspectos como el color alcanzaron una relevancia extraordinaria en la articulación de las nuevas formas, convirtiéndose en su vehículo de expresión y liberación. Tanto el color como el dibujo encontraron una nueva dimensión (Fauvismo y Expresionismo, Surrealismo).

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX Los materiales y las técnicas adquirieron igualmente una nueva dimensión; las calidades de estos van a determinar su elección -caso de períodos en el “collage” cubista. d) Las exposiciones oficiales e instituciones afines son tajantemente rehusadas. Los proyectos vanguardistas encontraron apoyos fuera de las instituciones a través de marchantes y críticos de arte progresistas dispuestos arriesgar prestigio y dinero en su defensa (Ej.: Ambroise Vollard). 5-El arte, en el pensamiento de las vanguardias, es un campo autónomo con su propia lógica interna. No depende -como en otras épocas-de las normas procedentes de otros ámbitos como la religión, la política, la literatura, etc; sino de sus propias demandas. No obstante, el artista no está aislado de los fenómenos sociales que se producen a su alrededor, al contrario en muchas ocasiones se adoptan programas con un determinada posición ideológica respecto a las circunstancias históricas que les ha tocado vivir. Los proyectos vanguardistas plantearon intenciones de cambio y transformación, de actuación sobre la realidad de contenido revolucionario que tenían como fin transformar el presente como el inmediato futuro. 6-Existencia de una tensión entre vanguardia y sociedad. La sociedad no siempre comprende el fenómeno vanguardista, no entiende su lenguaje y relega a los artistas a una marginalidad, que también puede ser autoexclusión. Sin embargo en las vanguardias existe un móvil de carácter social: la idea de progreso y perfectibilidad (heredada de la Ilustración y de la Revolución Industrial) ; bien en un doble sentido de “negación” -como el dadaísmo- o de afirmación revolucionaria -como el “ constructivismo ruso-”. 7-A modo de recapitulación la vanguardia supone contravenir y repudiar la tradición y la cultura oficial, que fueron el principal blanco de sus ataques. 8-Pero se ha discutido si los valores de las vanguardias del s. XX suponen un corte con las formas artísticas del s XIX o si los planteamientos de estas tuvieron ya sus germen en los movimientos del s. XIX, tanto en el Impresionismo como en el Postimpresionismo. En ellos hay que buscar el prólogo de las principales rupturas llevadas a cabo por las vanguardias.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX c) Movimientos de vanguardia 1-FAUVISMO. (Matisse) -Concepto y características. El fauvismo es uno de los primeros movimientos artísticos del s. XX El término fauvismo adquirió forma en 1905, fecha en la que se presentó una nueva exposición en Paris (en el Salón de Otoño). Las obras de un grupo de pintores jóvenes (Matisse, Derain, Vlaminck…) llamaron especialmente la atención de un crítico, Louis de Vauxcelles, quien destacando la audacia del colorido de los cuadros, les dedicó el apelativo un tanto despectivo de “fauves” (fieras). Los pintores “fauves” se agruparon de forma pasajera entre 1905 y 1907 para, luego seguir caminos diferentes. El fauvismo surgió como resultado de un proceso a la vez de asimilación,ya que hizo suyos algunos planteamientos del simbolismo y de los posimpresionistas -y de ruptura con respecto al arte anterior, -postura de rechazo de los convencionalismos existentes-. Se caracterizó este movimiento vanguardista por: 1-Su, principal nota de distinción fue la búsqueda de la liberación de la forma por medio del color, ya que el color se independiza de los objetos influencias de Van Gogh y Gauguin- (Ej. Se puede pintar un caballo verde, una modelo azul, un mar violeta, o árboles con hojas de colores distintos y troncos polícromos). 2-El dibujo se realiza con líneas gruesas coloreadas, que van cambiando, de manera que en la misma figura puede haber unas partes de un color y otras de otro. 4-Inclinación por aplicar los colores directamente, sin alterarlos o mezclarlos (colores puros) por medio de manchas planas y anchas. Además se trataba de colores vivos y muy contrastados. 3-No interesarse por la luz o la perspectiva (pintura plana). 4-En las composiciones se suele utilizar el plano único. 5-Los temas son los mismos que los del Impresionismo: paisajes, naturalezas muertas -con abundancia de frutas-, personajes en habitaciones, etc. *Los principales representantes de esta corriente pictórica fueron: -Henri Matisse (1869-1954). Es el principal representante del fauvismo. Pese a tener una familia dedicada a los negocios (su padre era comerciante de semillas), desde su

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX juventud tras un largo periodo de enfermedad encontrará su verdadera vocación : la pintar. Por eso abandonó sus estudios de Derecho prefiriendo formarse como pintor. En un primer momento estuvo bajo la influencia de Moureau o Signac y más tarde entró en contacto con distintos pintores que influirán en su obra (Pissarro, Cezanne…)

Características: 1-Utiliza el color de forma arbitraria, quiere llegar a la esencia de las cosas. 2-Emplea líneas curvas, arabescos. 3-Hace unas composiciones sencillas. Obras: -“La danza”. Existen varias versiones de esta obra. En este cuadro el artista quiso hacer una armonía de colores como si se tratara de una sinfonía musical. Los colores elegidos con un sentido simbólico son el azul para el cielo, el marrón para las figuras humanas –un grupo de mujeres entrelazadas por las manos formando un círculo- y el verde para la naturaleza. -“Mujer con sombrero.” -naturalezas muertas, mujeres, bañistas, interiores, paisajes, etc. -“Retrato con línea verde”. “La raya verde.”Se trata de una de las obras más conocidas de Matisse. En este cuadro el artista ha querido expresar sus sensaciones o vivencias a través del color. Se trata de un retrato de su mujer, no como sería en realidad sino tal cómo él la percibe. En cuanto a su composición resaltan los contrastes entre los colores empleados. En la figura femenina llama la atención la elección del rojo para el vestido que se opone al verde de la línea vertical que recorre el rostro –el que da el nombre al a esta realización pictórica-que asimismo se complementa con los tonos anaranjados de la cara. Respecto a los colores estos son intensos, dispuestos de forma plana y a través de amplias pinceladas. Por último, este artista ha cambiado la tradicional representación de zonas más y menos iluminadas con una parte con colores cálidos (morado, rojo), a la izquierda, que dan la impresión de acercar, con colores fríos (verde) a la derecha, que da la sensación de alejar, con la que sugiere cierto sentido de profundidad espacial.

-Otros artistas:

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX -André Derain (1880-1954). Obras: “El puente de Charing Cross o de Westminster”. -Maurice Vlaminck (1876-1958). -A. Marquet.

2-CUBISMO (Picasso) El nombre de cubismo surgió cuándo el crítico de arte Luis Vauxcelles refiriéndose a las obras de la exposición que G. Braque presentó en la galería Kahnweiler de París en 1908; decía que estaban compuestas por pequeños cubos, acuñándose entonces el término cubismo. Cubismo fue un movimiento artístico encabezado por Pablo Picasso (18811973) y Georges Braque (1882-1963), que se inspiró en gran medida en la obra de Cezánne. Como notas distintivas el cubismo tuvo: 1-La fragmentación del espacio en planos interrelacionados (continuando la fórmula que anteriormente empleara Cezanne), y la negación de la perspectiva tradicional derivada del Renacimiento -que fingía la tercera dimensión-El cubismo en pintura se basó por tanto en la bidimensionalidad (dos dimensiones, carencia de profundidad.) Además no se adopta un punto de vista único frente a los objetos, sino que estos se contemplan desde múltiples ángulos (Ej. En un rostro aparecen juntas las visiones de perfil y de frente). 2-Reducción de los objetos a figuras geométricas. 3-Aplicación de colores que no guardan relación con la realidad. El cromatismo se somete a un proceso de conceptualización. En palabras de Picasso “el color se convierte (...) en un elemento de medición en un mundo de las formas.” Los pintores cubistas se inclinan por tonos neutros: grises, blancos, etc. 4-La luz natural también desaparece de los cuadros cubistas, sustituyéndose por una iluminación arbitraria y múltiple. 5-La realidad no se representa como es. A los pintores cubistas no les interesa la apariencia de los objetos -“lo que se ve”- sino como están construidos, su estructura interna, su esencia. Dentro del cubismo cabe distinguir varios momentos: a) Cubismo analítico (1907-1910). Rasgos: Se trata de lo que se ha definido anteriormente, a nivel general, como rasgos definidores del cubismo. Es esencia como idea general cabe resaltar:

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX -La descomposición de la figura en múltiples planos, definidos por la aplicación de líneas y el color. -Representantes: Picasso y Braque. c) Cubismo sintético ( 1912-1914) -A partir de la enorme variedad de planos en la que se ha descompuesto una figura se trata de reencontrar las formas. En este proceso de “reconstrucción” tuvo un papel importante el color, el “collage” y la elección de determinados planos de la figura ( “collages”(término que viene del francés -“papiers collés”-.. Supone en encolar o pegar materiales diversos: papeles de periódicos, cartón, papel de pared, madera, rejillas de sillas, etc; sobre un soporte -lienzo o cartón-. Se trataba de un método para concretizar los objetos, para hacerlos reconocibles después de la disgregación del cubismo analítico). -Representante: Picasso, Braque, Juan Gris. *Artistas: Pablo Picasso ( 1881-1973) Es uno de los artistas españoles más conocidos de todos los tiempos. Está considerado como uno de los grandes innovadores del arte en la época de las vanguardias. Fue un artista polifacético, ya que, aparte de la pintura, realizó grabados, esculturas, objetos de cerámica… Destacó por su desbordada creatividad y por su gran vitalidad y fuerza de trabajo que le llevó a realizar miles de obras. Picasso, como todos los grandes artistas creó un estilo muy personal y aunque fue evolucionando a lo largo del tiempo y en su creación artística se distinguen una de las fases, como es el caso de la cubista en la que nos vamos a detener con más profundidad. Etapas y obras: 1) Época azul (1901-1904). En este periodo es el color azul el que impregna su obra. A través de los tonos fríos trata de mostrarnos su sensaciones anímicas (tristeza, desesperación, soledad…) provocadas en gran medida por el suicidio de un amigo. En sus cuadros de esta época resalta mucho el dibujo y la predilección por personajes marginales y pobres (mendigos, alcohólicos, prostitutas…), a los que dispone en una actitud de desánimo o decaimiento físico. Obras: *”El guitarrista ciego”.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX 2) Época rosa (1904-1905). Esta nueva fase de su pintura coincide con algunos importantes cambios vitales del artista: su traslado a París y el conocer a su primer amor. Sus cuadros se van a caracterizar por los tonos rosas y cálidos, a nivel general. Por otro lado, también cambia la temática, y en sus lienzos aparecen con personajes más dinámicos y vitalistas, todos ellos relacionados con el mundo del espectáculo (arlequines, artistas de circo, actores, payasos…) y muy influenciado por el ambiente artístico del barrio de Montmatre. Obras: *”Acróbata sobre la esfera”. 3) La etapa cubista. -El protocubismo. Desde 1906, en esta etapa Picasso muestra interés por el arte de las culturas antiguas (ibérica, griega arcaica, egipcia, africana), en torno al estudio de del volumen y la geometrización de los objetos. Es destacable asimismo el influjo de los valores pictóricos fauvistas. -El cubismo analítico (ya analizado). -El cubismo sintético (ya analizado). Obras: *”Las señoritas de Avignon”. En esta abra se representa a un conjunto de prostituta de barcelonesa calle Avignon. Las protagonistas, cinco mujeres desnudas, aparecen representadas de forma poco convencional en un plano único como si estuvieran directamente ante la vista del espectador y delante de una cortina roja con pliegues angulosos. Además llama la atención de estas figuras femeninas su geometrización (pechos, pubis, brazos, piernas…) y la disposición en ese plano único de parte de frente y de perfil (influencia del antiguo Egipto), tal como se observa en los rostros (ojos de frente y nariz de perfil). Llaman la atención las dos mujeres de la izquierda cuyas caras parecen máscaras africanas y especialmente la que está sentada de espaldas con la cara girada hacia atrás en una postura imposible. Todas ellas parecen interrogar al espectador con sus miradas. -“Retrato de Ambrose Vollard”. Se trata de famoso galerista francés de principio del siglo XX que fue inmortalizado en versión cubista por Picasso. A través de planos con líneas verticales, horizontales y diagonales el artista

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX ha descompuesto la figura del protagonista del retrato y en la que el color queda subordinado a las líneas y a las formas geométricas. *”El Guernica” (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid). El cuadro se inspira en la destrucción de la ciudad vasca de Guernica provocada por la Legión Cóndor alemana durante la Guerra Civil española (abril de 1937) y lo realizó Picasso para el pabellón de la República Española en la exposición Universal de París de 1937. En esta obra, al igual que Goya con sus cuadros o grabados sobre la Guerra de la Independencia, quiso hacer un alegato contra la guerra y, por otro lado, expresar su compromiso político con la República. En el cuadro dominan el blanco, el negro y los tonos grises, y en contraste con esa aparente ausencia de color está muy marcado en esta obra su sentido expresionista, para mostrar el dolor causado por esta tragedia humana. Resalta la mujer de la izquierda, con el cadáver de su hijo en los brazos, que parece arrojar un grito desgarrador de dolor. En la cara sus ojos parecen tener forma de lágrimas y la lengua en forma puntiaguda se eleva como un clamor hacia el cielo. Respecto a la composición, hay que destacar que se organiza en torno a nueve figuras. En el centro aparece un quinqué que porta una mujer que sale de una ventana y cuya luz es la que organiza ese especio de destrucción. Al lado del quinqué aparece un enigmático sol en forma de ojo que contiene dentro una bombilla. Por debajo es éste aparece un caballo atravesado por una lanza, y a los pies de este un soldado descuartizado que porta en una mano una espada rota de la que emerge una flor. En la parte derecha se observa una mujer medio desnuda que parece que avanza con dificultad y por encima de ella otra mujer que aterrorizada por estar atrapada en un incendio. Mientras en el otro extremo el de la derecha se puede distinguir un pájaro herido entre una mesa y el techo, un toro y la figura de la mujer con su hijo muerto. Todas estas figuras aparecen en torno a un espacio reducido que parece acrecentar más aún la angustia y el dolor que transmiten. En el plano estilístico, no el Guernica no se puede adscribir a un único estilo y por la manera de concebirlo Picasso estaría comprendido entre el Cubismo, el Expresionismo y el Surrealismo. 4) La representación de la mujer.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX Una de las constantes de la obra de Picasso fue la de reflejar en los cuadros las relaciones que tuvo con las distintas mujeres con las que convivió, en sus distintos aspectos y matices que se sugerían (amor, ternura, erotismo, rechazo, atracción….) *Desnudo en un jardín. 5) La última etapa. En su última fase como pintor, Picasso se interesó por los grandes artistas de distintas épocas: Velázquez, Goya, Delacroix, Rembramdt, Rafael… y a través de la reinterpretación de sus obras hacia una reflexión de lo que era su propio acto de creación artística y los valores de las vanguardias. *La serie dedicada a las Meninas *Otros artistas: Georges Braque (1882-1963). Obras: -El portugués. -Violín y candelabro. -Naturaleza muerta con naipes. -Paisajes de L’Estaque. Juan Gris (1887-1927). Obras: “La botella de anís”. María Blanchard (1881-1932) Obras: “Mujer con abanico” Robert Dealunay (1885-1941) Comenzó en el cubismo y acabó derivando hacia la abstacción. Obras: “La torre Eiffel”. Fernand Leger (1881-1955) “Tubismo” (predominio de las formas cilíndricas). Obras: “Mujer en rojo y verde.

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3-EXPRESIONISMO El término Expresionismo fue fijado y difundido por Wilhelm Worringer en su libro “Abstracción y Empatía”.(1908), desarrollando los principios de la estética expresionista basándose en el concepto de empatía, es decir, en la preferencia subjetiva por ciertas formas y no otras, atendiendo al sentimiento vital. Pasando al significado Expresionismo se considera no sólo una tendencia surgida en Alemania en los primeros años del siglo XX, sino una actitud recurrente en ciertas etapas de la historia del arte, que tiene como hilo conductor la subjetividad, no sometida a reglas y que busca su manifestación y proyección a la obra de arte.. Así, por ejemplo, con este sentido serían expresionistas Goya, Van Gogh. El expresionismo fue una tendencia que se dio no solo en las artes plásticas sino en el cine, la música y las demás artes. Características del Expresionismo: 1-Como ya se ha expresado la principal es la primacía de la expresión subjetiva, frente al impresionismo que sólo captaba la realidad aparente del objeto. 2-Carece de un centro geográfico único; aunque la principal tendencia se da en Alemania, hay manifestaciones expresionistas en los paises nórdicos (Munch), flamencas (Ensor) francesas (Rouault) y españolas (Solana). 3-Cada grupo o cada artista trabaja con independencia de los demás, lo cual explica su diversidad de tendencias, que van desde el exagerado colorido de la primera generación, hasta las tendencias abstractas. 4-No se dio un compromiso político claro de los expresionistas: Hay socialdemócratas, comunistas, anarquistas y nazis. Sin embargo todos ellos coinciden en exaltar la libertad individual, el irracionalismo y el pesimismo. 5-Rasgos técnicos: -Aplicación violenta de la masa pictórica. Utilización de colores puros, planos e incluso chillones, Tonos oscuros. Finalidad: deformación de objetos (antinaturalismo). -Temas lo morboso, lo prohibido, lo demoniaco, lo sexual, lo fantástico. -Antecedentes: *Remotos. -Goya. -Van Gogh. -Toulouse Lautrec.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX *Cercanos: -E. Much. -Ensor. -Nolde-

*El Expresionismo alemán anterior a la Primera Guerra Mundial se presentó en dos tendencias: * “Die Brücke" (El Puente), entre 1905 y 1913, con centro en Dresde. Características: -Artistas autodidactas. - Base teórica: contacto con la naturaleza y vuelta a la sencillez -Creación en armonía con la naturaleza. -Primitivismo intencionado. -Cierta unidad de estilo. Representantes: a) E. Nolde. a) E. Kirchner. b) Otros: E. Heckel, H. Schmidt-Rottluff y F. Bleyl. * “Der Blaue Reiter” (El Jinete Azul) de 1910 a 1914, con sede en Munich. Características: -Artistas especulativos. -Base teórica. captar la esencia espiritual de la realidad y los fundamentos de la pintura. -Creación en busca de la belleza interior. -Intento de liberar al arte de su aspecto material. -Individualismo. Representantes: -Vassily Kandinsky (1866-1944). -Paul Klee (1878-1940). Otros: -Oscar Kokoschka (1886-1980). *Artistas: Edward Munch (1863-1944) Rasgos: -Se le considera el padre del Expresionismo, aunque no se vincula a ninguna de sus corrientes, pero ejerció influencias en tendencias como el Puente.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX -Su obra está marcada por sentimientos de angustia ante la vida (relación con el pensamiento existencialista). -Sus realizaciones expresan curvas sinuosas, tienen un colorido arbitrario y en cuanto a temática muestra su obsesión por asuntos como la enfermedad y la muerte: Obras: -“El grito”. 4-FUTURISMO El futurismo tuvo su acta de nacimiento el 20 de febrero de 1909 cuando el poeta italiano Filippo Tomaso Marinetti (1876-1944) lanzó el “Manifiesto de la poesía futurista”, transgresor y muy polémico. Marinetti propugnaba la construcción de un nuevo mundo, un mundo del “futuro” a partir de los restos del viejo; alababa la belleza de las máquinas, la velocidad, el ruido de la ciudad y hacía un llamamiento a los jóvenes para que inundaran los museos y quemaran las bibliotecas. Decía textualmente: “Queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso veloz, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo. Afirmamos que la magnificencia del mundo enriquecido por una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras con su capó adornado de gruesos tubos semejantes a serpientes de aliento explosivo...un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia...”. El futurismo fue, en consecuencia, un movimiento artístico que surgió en torno a un programa ideológico (Era la primera vez que se daba en el s. XX). Las ideas de Marinetti fueron recogidas por un grupo de artistas italianos que se sumaron al proyecto futurista: -Boccioni (1882-1916). Obras: “La calle entra (ante) la casa”, “Formas únicas de continuidad en el espacio -escultura-. -Carrá (1881-1966). -Russolo (1885-1947). -Balla (1871-1958) Obras: “Niña corriendo en el balcón”. -Severini (1883-1966). Todos ellos publicaron en 1910 (En Italia) el “Manifiesto de pintores futuristas”. En años posteriores se sucedieron escritos futuristas que ampliaron el movimiento a la literatura , la política, la música, la escultura, el cine, etc. Políticamente los futurista derivaron bien hacia postulados cercanos al fascismo, con ideas como la glorificación de la guerra, el desprecio a la mujer, el antisemitismo ,o un patriotismo exaltado, como fue el caso de

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX Marinettti, o bien hacia principios como el anticlericalismo, y el antinacionalismo, más próximo al anarquismo. En la parcela artística el futurismo estuvo marcado por: a) Las influencias del cubismo. Algunos lo ha denominado al futurismo como “cubismo dinámico”. b) La pasión por el movimiento. El dinamismo se convierte en un medio de expresión artístico. Los objetos se reflejan- no estáticamente- sino en un proceso en una serie de fases de un devenir. La fascinación por el movimiento llevó a los futuristas a observar las figuras humanas o animales como engranajes y formas en desplazamiento (Ej. pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas, el sonido como una sucesión de ondas o el color como una vibración de forma prismática...). c) Los pintores futuristas aplicaron los colores sirviéndose de la técnica divisionista, pinceladas fragmentadas que se acoplaban bien al sentido dinámico de sus cuadros. Utilizaron colores brillantes, lo cual les unía a los postimpresionistas y les diferenciaba de sus contemporáneos cubistas inclinados hacia colores apagados.

5-DADAISMO. (DADA) Dadaísmo viene de “Dada”, palabra elegida al azar en un diccionario por T. Tzara y un grupo de artistas, (1916)-que huyendo de la 1ª Guerra Mundial se habían refugiado en la ciudad suiza de Zurich- desprovista de todo significado. Se trataba de un vocablo que recogía ciertos sonidos infantiles y que designó a partir de entonces a una nueva tendencia vanguardista. Para comprender el surgimiento del dadaísmo hay que tener en cuenta las referencias históricas del momento: el desencadenamiento de la Primera Guerra Mundial supuso una convulsión para toda Europa y este conflicto fue visto por intelectuales y artistas como el derrumbe de un sistema de civilización, ante el cual adoptaron posturas diversas, unos se enrolaron en los ejércitos, otros permanecieron en sus países en lucha adoptando una posición neutral y otros huyeron de la guerra estableciéndose en lugares alejados de la contienda. Este fue el caso de los fundadores del dadaísmo. El movimiento dada se caracterizó por: -Ser una tendencia vinculada al clima bélico y al ambiente urbano. -La dispersión geográfica. No hay un centro unitario. Los primeros fueron Zurich y Nueva York, a los que luego se sumaron otros como Berlín, París... -Una actitud nihilista, de negación de los valores establecidos hasta entonces. Decían los dadaístas; “El Dada es sólo la materialización del asco”. Los dadaístas estaban desencantados con la situación de su época.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX -Ruptura del concepto de “Arte”. Se niega todo método o reflexión racional en la elaboración de la obra de arte, desinteresándose por el objeto de la representación y su análisis. Dada en el fondo es una postura anti-Arte. Se trata de la negación misma del hecho artístico, de “desacralizarlo”; así, por ejemplo, utilizan materiales procedentes de las basuras, exaltan un orinal a la categoría de arte... En general se rechaza todo el sistema moral, de valores, cultural y artístico de la burguesía. -Crítica y compromiso político (algunos). -En la realización de sus obras reclaman conceptos como la libertad, el juego, el absurdo, el sin sentidio y el azar. -Los dadaístas exploraron nuevos medios expresivos: * Los “collages”, ya empleados por los cubistas. * Los “ready-made” -invención de Duchamp-. Se trata de objetos cotidianos o comunes (botellero metálico, un urinario, una ventana, etc) que descontextualizados de su función habitual son seleccionados por el artistas que los convierte en objetos artísticos. * Los fotomontaje. consistían en colocar imágenes múltiples y superpuestas, tomadas de periódicos y anuncios. * Pintoescultura matérica. - Grupos y representantes más destacados. a) Zurich (Cabaret Voltaire): -J. Arp (1887-1966). -Picabia (1879-1953). Obras: “Parada amorosa”. b) Nueva York. - M. Duchamp (1887-1868). Obras: “Rueda de bicicleta” (ready-made); “El gran vidrio”; “ La Gioconda con bigote”. c) Berlín y otras ciudades alemanas. (compromiso político). -R. Haussman. Obras: “Cabeza mecánica”. d) París (fin movimiento) Tristan Tzara y Bretón -origenes surrealismo.

6-SURREALISMO (Dalí) La palabra “surrealista” fue empleada por primera vez por Apollinaire en 1917. A partir de entonces se convirtió en un término usado con frecuencia por el escritor André Bretón y los colaboradores de la revista “Littérature” (fundada en 1919), núcleo originario del movimiento surrealista.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX Pero fue a raíz el “Primer Manifiesto del Surrealismo” (1924), elaborado por André Bretón junto a un grupo de escritores y pintores, en el que se definían las bases de lo que sería el Surrealismo. La corriente artística surrealista recogía influencias de Dada y de la Pintura metafísica de De Chirico y Carrà; sin embargo el surrealismo fue mucho más que un movimiento de las artes plásticas, ya que prácticamente abarcó todas las manifestaciones culturales: literatura, cine (Buñuel), pensamiento, teatro, fotografía, etc. El surrealismo nació en París y desde allí se extendió al resto de Europa, saltando a América del Norte y del Sur. El surrealismo se define por: 1-En palabras de Bretón (1924): “Un puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar, verbalmente o por escrito, o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento en ausencia de cualquier control ejercido por la razón al margen de toda preocupación estética o moral.” Los surrealistas querían luchar contra el imperio de la lógica y de la razón, que constreñía al ser humano cercenándole aspectos como la intuición y la fantasía. Frente a ello el proyecto surrealista se entendía como un experimento sobre los profundo del ser humano, para indagar en el subconsciente, el sueño, la alucinación, la locura incluso. En definitiva querían romper el entramado lógico que envuelve a las personas y liberar el yo interior mediante procedimientos automáticos. Por otro lado tuvieron gran importancia de las teorías sobre la interpretación de los sueños y de los métodos psicoanalíticos de Freud (que influenciaron a muchos surrealistas, entre ellos a Bretón). Los surrealistas experimentaron los métodos psicoanalíticos, en literatura y pintura, en concreto el automatismo. Por automatismo los surrealistas entendían el proceso de expresión libre, rápida y fluida de toda clase de palabras, ideas y asociaciones por incongruentes y faltas de sentido que sean. En pintura se materializó por el trazo automático de los dibujos y por las formas causales producidas al azar. De ahí que las manifestaciones espontáneas de los niños, locos o pueblos primitivos adquieran un especial atractivo para los surrealistas. 2-No se trata de un movimiento con una unidad de estilo, sino una serie de investigaciones de artistas individuales, cada uno con sus propias peculiaridades. 3-El rechazo del sistema vigente en su época. Los surrealistas rompen con los convencionalismos sociales de su momento, no obstante, a diferencia de los dadaístas no se limitan a tener solamente una actitud negativa o de rechazo sino que muchos de ellos optaron por el compromiso político, que se materializó por la asunción del marxismo y por una relación compleja e

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX irregular con el Partido Comunista (A. Bretón), del cual acabarían siendo expulsados. -Precursores del surrealismo: *Lejanos. -El Bosco. -Goya. -Visionarios: Blake, Füssli. *Cercanos. -H. Rousseau (1844-1910). -M.Chagall (1889-1986). -G. De Chirico (1888-1973). -Tendencias y representantes: *Surrealistas figurativos. -Salvador Dalí (1904-1989). Fue uno de los pintores más célebres de España, no solo por su obra artística sino por su carácter extravagante, provocador y excesivo. Hay que destacar su paso por la Residencia de Estudiantes de Madrid donde conoció y trabó amistad con García Lorca y Buñuel. Más tarde, hacia 1927 en Paris entró en contacto con los pintores surrealistas, aunque al final terminó distanciándose de ellos. En 1929 conoció a Gala, -que era la esposa del poeta Paul Eluard- la cual a partir de entonces se convertiría en su inseparable compañera y musa. Tras una larga estancia en el extranjero en 1948 volvió a España, recibiendo los parabienes del régimen de Franco. Por último, en los años finales de su vida hay que resaltar la creación del Museo de Port-Lligart y la donación de una parte importante de su legado artístico al Estado español, tras su muerte. Rasgos: a- Influencia de Freud, a través de su obra “teoría sobre la interpretación de los sueños”, tanto sobre Dalí como sobre el grupo de pintores surrealistas. De hecho, Dalí decía que sus cuadros eran una especie de sueños pintados. b- Realización de un análisis surrealista de la realidad. La pintura le sirve para canalizar sus temores, tensiones, frustraciones.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX c- Temas: las obsesiones sexuales (sus frustraciones, prácticas, miedos), el temor a la muerte, la putrefacción, su obsesión por Gala, la relación conflictiva con el padre… d- Método. Dalí lo denomina “paranoico-crítico”. Se trataría de un método espontáneo de conocimiento irracional, basado en la asociación interpretativa-crítica de fenómenos delirantes. Muchas veces emplea imágenes dobles. e- Técnica. Minuciosa, en la línea de Velázquez, Veermer de Delf. Dibujo minucioso. Luz transparente y limpia. f- Fama y comercialización. La pasión obsesiva por el dinero de Dalí le originó un cúmulo de críticas entre determinados ambientes artísticos, por ello, fue denominado de forma ingeniosa por A. Bretón “Avida dollars”, utilizando las propias palabras que forman Salvador Dalí. Obras: 1-“El gran masturbador” (Centro Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid). Esta obra hay que contextualizarla dentro de la profunda huella emocional que le produce en Dalí el conocer a Gala. En este cuadro el artista da rienda suelta a su subconsciente y en él aparecen reflejadas sus preocupaciones y obsesiones: el sexo, la muerte, la relación con su padre…En el aspecto formal destaca el empleo de una pincelada precisa y minuciosa. Resaltan el color amarillo de la figura central y el azul del cielo del fondo de la composición. La extraña figura central, máxima protagonista de este óleo –que se relaciona con el propio Dalí-, parece una cara boca abajo, apoyada con la nariz en el suelo, con el ojo cerrado, con enigmáticos símbolos como: unas plumas en formas de pestañas –reminiscencias de su infancia-, un anzuelo clavado –la ausencia de Gala-, unas piedras en un inestable equilibrio –la relación entre el padre y el hijo-, una langosta agarrada a la zona donde debía estar la boca y en cuyo abdomen se acumulan hormigas –signo de decadencia y putrefacción y su relación con el rito sexual de la mantis religiosa-, una boca de un león con una lengua en forma de pene y una mujer que posa su cara sobre los genitales de un hombre, junto a una flor que simbolizaría a la masturbación como forma más pura de sexualidad. El hombre que abraza a una mujer petrificada, es la forma que tiene Dalí de señalar su relación con Gala y la figura que proyecta una larga sobra sobre un diminutos padre e hijo es otra referencia a su infancia. 2-“La persistencia de la memoria”. En esta obra, a través de relojes, alude a la fugacidad y sentido relativo del tiempo, a través de esos relojes blandos colgados y uno rígido boca abajo al que nos se le ve la hora.

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX 3-“Premonición de la Guerra Civil”. En ella muestra el contrate entre los cuerpos blandos y esa cara y esas extremidades putrefactas con un fondo de cielo que amenaza tormenta. 4-“Sueño causado por el vuelos de una abeja”. El vuelo de la abeja y su sentido perturbador sobre Gala que aparece desnuda en apacible sueño se sugiere como una gradada que estalla, de la que sale un pez, de cuya boca a su vez emerge dos agresivos tigre que se convierte en una. 5-« La Virgen de Port Lligat ». -Paul Delvaux. -René Magritte. Obras: “la voz de los vientos”. -Oscar Dominguez. *Surrealistas abstractos. -Joan Miró. Obras: “El carnaval del arlequín”. -Entre los que están a caballo entre las dos tendencias se encuentran: -Max Ernst. 7-ABSTRACCIÓN (Kandinsky)

-Pintura abstracta.

Tras los múltiples experimentos a los que el objeto fue sometido por los anteriores movimientos de vanguardia a lo largo del s. XX: reducido a color en el Fauvismo, geometrizado en el Cubismo, distorsionado en el Expresionismo, dinamizado en el Futurismo, soñado en el Surrealismo...en estos momentos con la abstracción se procede a su eliminación por parte de los pintores. La abstracción supone prescindir de todos los elementos figurativos, en la obra de arte para concentrar la fuerza expresiva en las formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual. La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y, por tanto, ya no representa objetos reales (hombres, mujeres, muebles, edificios, árboles, etc) sino simplemente combinaciones de de colores que intentan expresar una necesidad interior. Artistas y obras: Wassily Kandinnsky (1866-1944) Artista de origen ruso. Está considerado como el introductor del arte abstracto. Su primera obra abstracta que se trató de una acuarela, la hizo en 1910, aunque los elementos figurativos no desaparecerán completamente de su obra hasta los años 20 de este siglo. En 1911 Fundó, junto a Franz

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LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX Marc, el movimiento expresionista denominado “El Jinete Azul” ( Der Blaue Reiter), en el que aparecen muchos de los postulados de básicos de su pintura como la separación de la realidad y la creación de un lenguaje artístico que mostrara emociones y sentimientos mediantes colores y formas. Por último, hay que resaltar el proceso de geometrización de su pintura en la etapa de su integración de la escuela alemana de la Bauhaus, en la que se aprecia un gran influjo del constructivismo ruso. Características: 1) La pintura sin tema, que abrió el camino hacia la pintura abstracta. 2) Lo más importante para este artista eran las armonías construidas a base de colores. 3) En su artículo titulado “Lo espiritual en el arte” en la que relacionaba los tonos musicales con los colores: “La pintura es el teclado, los ojos son los armónicos, y el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que toca y pulsa una u otra tecla para hacer vibrar el alma” 4) La inspiración en Postimpresionistas como Van Gogh, Gaugin, los fauvistas… 5) En sus composiciones abstractas todo se reducía a trazos dibujísticos y colores dispuestos y armonía de colores. Obras: “Composición IV”. A pesar de que en esta pintura se pueden reconocer determinados elementos figurativos, estos quedan como difuminados dentro de un auténtico flujo de colores. Los elementos formales del cuadro, trazos y colores, se distribuyen de forma armónica y dinámica como si se tratara de una sinfonía musical. Respecto a la composición, llaman la atención las grandes líneas negras verticales en el centro del cuadro que serían lanzas sostenidas por dos cosacos con gorro rojo, y junto a estos, se aprecia otro cosaco con una larga barba blanca y que porta una espada violeta. Todos ellos aparecen delante de una montaña azul sobre la que se eleva un castillo, y al lado izquierdo aparecen varias líneas curvas que serían otros cosacos montados a caballos y luchando entre sí. Por debajo de estos se adivina un arcoíris. Mientras, en el otro extremo del cuadro, a la derecha, se apreciaría a una pareja recostada ensimismada en su amor mientras son observados por dos figuras envueltas en capas. Sobre las interpretaciones de estos elementos se puede decir que representaría un conflicto entre tonos (amarillo y azul) y entre líneas (rectas y curvardadas, entre ángulos y curvas…), que tras una batalla

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desembocarían en una armoniosa paz. Otros significados relacionan estos colores y trazos con una batalla entre caballeros en un mundo fantástico. -Tendencias: 1) Neoplasticismo (“De Stijl”). Características: -Geometrización. -Colores puros. -Líneas rectas. -Planos perpendiculares. Representantes: a) P. Mondrian (1872-1961). Obras: “Composición en rojo, amarillo y azul”.

TEMA ELABORADO POR:  José Jerónimo Rodríguez Carrasco.  Profesor de Geografía e Historia.  I.E.S. Maestro Domingo Cáceres. Badajoz

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