GLOSARIO DE LAS ARTES VISUALES

GLOSARIO DE LAS ARTES VISUALES Prof. María Verónica Godoy [email protected] Mendoza – República Argentina 1 Palabras preliminares: El ...
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GLOSARIO DE LAS ARTES VISUALES

Prof. María Verónica Godoy [email protected] Mendoza – República Argentina

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Palabras preliminares:

El presente trabajo busca ser una herramienta para aquellas personas que necesiten una breve definición de algunos de los términos propios de las Artes Visuales. El léxico utilizado pretende ser accesible a un público general, no especializado y por lo tanto, debe ser tomado sólo como referencia, debiendo acudir a textos específicos para profundizar cada uno de los temas. Con respecto a los artistas destacados a lo largo de la Historia del Arte, se hace mención de ellos dentro de la época en que desarrollaron su labor, y que constituyeron un referente de las características de dicho período, escuela o tendencia, sin especificar sus caracteres propios.

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El primer mérito de un cuadro es ser una fiesta para la vista. Eugene Delacroix. La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas, no el copiar su apariencia. Aristóteles. Los espejos se emplean para verse la cara; el arte, para verse el alma. George Bernard Shaw. La libertad es, en la filosofía, la razón En el arte, la inspiración En la política, el derecho. Víctor Hugo El arte es la forma más intensa de individualismo que el mundo ha conocido. Oscar Wilde. Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista es, en cambio, un hombre que vende lo que pinta. Pablo Picasso. El arte es sobre todo, un estado del alma. Marc Chagall. Sin arte la vida sería un error. Friedrich Nietzche. La belleza es muy superior al genio. No necesita explicación. O Wilde. La pintura es poesía muda; la poesía, pintura ciega. Leonardo da Vinci. Sorprenderse, extrañarse, es comenzar a entender. Ortega y Gasset.

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A Ábaco: parte superior del capitel de una columna. En el orden Dórico, está formado por una pieza prismática. En el jónico se enrolla en espirales. En el Corintio, se simplifica y estiliza. Abalaustrada: se dice de la columna renacentista o barroca muy torneada y con profunda decoración, de forma semejante a los balaustres de una escalera o corredor. Abocinado: En arquitectura se conoce como abocinado de un hueco o un vano en un muro (puertas, ventanas) a la posición de sus paredes laterales, no paralelas, cuando su anchura aumenta o disminuye progresivamente. Es característico en las portadas de las iglesias románicas y góticas, por ejemplo, en las que el grueso del muro disminuye visiblemente desde el exterior hacia el interior del edificio facilitando el acceso al mismo y dando lugar a las habituales arquivoltas cuando va descargando el peso en arcos concéntricos. Ábside: en un templo, es la parte situada en la cabecera o fachada posterior, generalmente de planta semicircular y a veces poligonal, con cubierta de bóveda de horno. Abstracción: la palabra procede del verbo latino abstrahere (abstraer), que en el caso de las Artes Plásticas implica el sentido de prescindir de los datos sensoriales y de las nociones visuales de las formas de la naturaleza y del mundo objetivo. Abstraction-création: Se refiere a un grupo de pintores abstractos, fundado por Vantongerloo y Herbin, en 1.932, en París, que se caracteriza por la comprensión ordenada del mundo expuesta con los elementos plásticos elementales más simples. Buscaba contrarrestar la influencia del poderoso grupo surrealista liderado por André Bretón. Sus figuras más destacadas

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fueron Mondrian y Malévich. Otros artistas contribuyeron: Delaunay, Léger, Picabia, Larionov, Kupka, etc. Abstracción Geométrica: es una forma de arte Abstracto creada en los años 1920, basada en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Busca distanciarse de lo puramente emocional. Se destacaron Delaunay, K Malévich, W Kandinsky, A Rodchenko, F Kupka, T van Doesburg, P Mondrian. Abstracción lírica: en el siglo XX Kandisnky define, en la post guerra europea, dentro del Arte Abstracto, una corriente romántica en la magia de las líneas y los colores, del mundo interior y de la visión imaginaria, denominado Abstracción Lírica. Se destacaron además Paul Klee, R Delaunay, F Kupka, M Larionov, N Goncharova. Abstracción Orgánica: se llama Abstracción Orgánica a la síntesis de las formas que se ven en la Naturaleza o que siguen formas de la Naturaleza. Se destacan las figuras de León Ferrari (Argentina), Mira Schendel (Brasil), Gego (Venezuela), A Mendieta (Cuba), E Neto (Brasil), G Orozco (Méjico). Abstracto (arte): arte que surge en 1.910 y se vale exclusivamente de los elementos puros, formas, líneas, colores, despojados de toda imagen figurativa. No objetivo, no representativo e independiente del mundo externo. La pintura abstracta no quiere representar nada exterior, sino la interioridad en su estado más puro y auténtico, por medio de figuras que nacen del espíritu de artista y se organizan de cierta manera como materializaciones de estados emotivos. Tuvo dos corrientes: la Abstracción Lírica y la Abstracción Geométrica. Abstracción gestual: es cualquier arte abstracto basado en el registro de un “gesto” hecho por un artista cuando pinta. Abstracción post pictórica: nombre de una exposición organizada por el crítico de arte Greenberg en 1.964, cuya propuesta reafirmaba las cualidades de un cuadro: el plano y sus límites. Eran telas de grandes dimensiones y contenían planos de color uniforme y diseños geométricos. Academia: las primeras academias se fundaron a principios del siglo XVIII. Organizaban exhibiciones y dirigían escuelas de pintura donde se enseñaban las

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estrictas reglas de cómo pintar correctamente (dentro de los lineamientos del Neoclasicismo). Academicismo: Concepto pictórico mediante el cual se caracteriza un arte que usa servilmente fórmulas prescritas (por lo general principios clásicos), en lugar de crear un verdadero arte inspirado en la naturaleza o en la libre imaginación. En caso extremo, se designa en especial con este término la obra de arte en que está ausente toda sensibilidad, todo vuelo, toda pasión y emoción y en la cual la actitud de los personajes representados es convencional, en vez de ser humana. Académico: por antonomasia se dice del filósofo que sigue la escuela de Platón. También de las personas que forman parte de las diversas academias y de las que se atienen a la instrucción académica sin aportar en su profesión nada nueva u original. Acromatismo: significa carencia de color. El blanco, el negro y los grises resultantes de sus mezclas son los valores acromáticos. Action Painting (Pintura de Acción): es un término alternativo para describir pinturas abstractas o semiabstractas en las que el color es chorreado o derramado sobre el lienzo (a menudo extendido sobre el suelo), sin ningún boceto previo. La estructura del cuadro surge de un proceso pictórico intuitivo (en la forma y en el color). En Europa también es conocida como “abstracción gestual”. Acuarela: pintura sobre papel o cartón con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes y a veces dejan ver el fondo del papel, que actúa como otro verdadero tono. Los colores son preparados con goma arábiga. Sus inicios se remontan a la Edad Media. Acrílico: Las obras resultantes con este tipo de material pictórico se caracterizan por tener colores limpios y brillantes. El pigmento se aglutina con resinas sintéticas acrílicas. La pintura se diluye en agua antes de su utilización. Adintelada: arquitectura que se apoya o que descarga su peso verticalmente sobre dinteles en huecos y en vanos. También se le puede denominar Arquitrabada.

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Aerosolgrafía: técnica que nació en Cancún (Méjico) en 1976 y que deriva del graffiti. Como su nombre lo indica, se usan aerosoles y se trabaja sobre cartulina forrada. Además se utilizan elementos como diarios, discos de vinilo, CDs y un cuchillo plástico. Hacer un cuadro con esta técnica lleva de 10 a 15 minutos. Aguada: procedimiento utilizado en dibujo y pintura, consistente en una preparación basada en sustancias colorantes desleídas en agua (sinónimo de guache). Se diferencia de la acuarela porque cuando se seca cubre bien la superficie. Mediante la mezcla del blanco de plomo se consigue un efecto pasteloso y una superficie frágil. Aguafuerte: técnica de grabado que consiste en la disolución de ácido nítrico para atacar el cobre u otras planchas de metal. Estampa obtenida con una plancha atacada por este mordiente. Según el tiempo de inmersión, la corrosión del ácido será más o menos profunda, consiguiendo así unos trazos suaves y un aspecto aterciopelado. Aguatinta: método de grabado. El primer paso es el granulado de la plancha de cobre, para lo que en general se usa un polvillo de minúsculos granos de resina que se adhiere a la plancha una vez calentada ésta. Otro método consiste en fijar la resina con alcohol, que al evaporarse hace que los granos se adhieran a la plancha. La granulación permite obtener un fondo poroso en el que el ácido sólo actúa en los intersticios entre granito y granito. Una vez acabado el granulado se procede al grabado de la imagen. La acción mordiente es detenida mediante pinceladas de barniz. Aglutinante: sustancias líquidas empleadas en especial en la pintura al óleo, como vehículo, conjuntamente a la trementina, con el objeto de desleír los colores que se solidifican con el tiempo. A su composición suele agregarse resinas disueltas en aceites esenciales volátiles con el objeto de fijar el color. El aglutinante más común es el aceite de linaza que proporciona a los colores un carácter menos denso y un acabado más liso. Aguja: en arquitectura, cubierta de una torre muy aguda (generalmente en templos) y calada, propia del arte gótico. Ahuecado: técnica mediante la cual se hace resaltar un dibujo rehundiendo el fondo en que ha de destacarse. El grabado en madera se practica ahuecando

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los blancos. El hueco es una técnica negativa; reserva el dibujo propiamente dicho. Ajedrezado: adorno en relieve semejante a un tablero de ajedrez. Alegoría: Es la representación de ideas abstractas (la Justicia, por ejemplo), por medio de figuras o atributos. Se contrapone al símbolo, que representa o evoca un significado más profundo, cuya presencia es potencial en él. Alegorismo: denominación del empleo de alegorías en la obra de arte. Alero: arquitectura, parte del tejado que sobresale del muro. Alfiz: arquitectura, moldura, generalmente rectangular, que enmarca los arcos en su cara exterior, recuadrándolos. Alicatado: arquitectura, ornamentación consistente en un revestimiento con losetas monocromas o decoradas, en forma poligonal o estrellada. Alla prima: del italiano “a la primera”. Técnica pictórica según la cual la pintura se aplica directamente sin una capa previa. Alcanzó un gran auge durante el impresionismo. Alminar: arquitectura, torre de las mezquitas. También se le puede denominar Minarete. Almohadillado: arquitectura, paramento constituido por sillares rehundidos en las juntas o uniones, por lo que cada uno de ellos resulta en relieve. Alto relieve: ordenamiento plástico esculpido o modelado, en que las figuras sobresalen sobre el plano y que a diferencia de la obra escultórica, tiene una sola faz, por lo que carece de las relaciones propias de un esquema tridimensional. Amorcillos: (España) Querubines. Niños alados representados profusamente en el arte renacentista y barroco. Son encarnaciones de Cupido y compañeros constantes de Venus. Anamórfosis: Representación distorsionada de una imagen de forma que para poder reconocerla se debe contemplar desde un determinado punto que nunca

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es la posición frontal. Es una técnica renacentista actualmente utilizada por el pintor inglés Julian Beeber. Angelismo: modalidad temática que se refiere al cultivo de lo angélico como tema artístico. Entre los pintores contemporáneos fue utilizada con frecuencia por Marc Chagall. Animación: técnica cinematográfica que proporciona apariencia de movimiento a dibujos, muñecos, etc. Animalista: se denomina así al pintor o escultor especializado en la representación de animales, así como a aquellas artes que los toman como tema principal. Animismo: creencia que atribuye alma a los fenómenos naturales y que trata de hacerlos favorables por medio de prácticas mágicas. Anunciación: en la religión católica, es el momento en que el arcángel Gabriel anuncia a la Virgen María que concebirá y dará a luz un Hijo. El tema fue habitual en el arte gótico, renacentista y de la Contrarreforma. Anti Arte: término que describe el Arte que se rebela contra la tradición artística. El anti-arte tiene su origen en el Dadaísmo y vuelve a ser adoptado por los Neodadadístas en 1960 con los Happenings. Antigüedad: denominación para la época de la Grecia y la Roma clásicas. Comienza aproximadamente en el segundo milenio antes de Cristo y termina en el siglo V después de Cristo. La Antigüedad fue de gran importancia para los artistas del Renacimiento y del Neoclasicismo. Apadana: arquitectura, sala del trono, con columnas (hipóstila), en los palacios de los reyes persas. Apolo: en la mitología greco romana, es el dios del sol y de la razón, de los arqueros, de la música y de la poesía. Se le retrata como un joven hermoso con una corona de laurel y guiando un carro tirado por cuatro caballos. Apunte: dibujo o pintura hecho rápidamente con pocas líneas o pinceladas.

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Arabesco: se entiende por tal a la composición decorativa, pintada o esculpida basándose en dibujos geométricos entrelazados, que se emplea en zócalos, frisos y cenefas. Arbotantes: sistema de contrapeso utilizado en la arquitectura gótica, separado del muro, para resistir los empujes de una bóveda. Similar a contrafuerte. Arcadia: paisaje griego de la Antigüedad en el que la Naturaleza y el hombre viven en consonancia y armonía. Arcaísmo: en general se denomina así la imitación de la manera y de los procedimientos del Arte Antiguo. En el Arte Moderno se califican con este rótulo obras de creación propia, inspiradas en el Arte Arcaico. La denominación deriva del Estilo Arcaico, vocablo con el que se caracterizan las fases iniciales de las grandes épocas del arte de la antigüedad, que parecen estar dominadas por leyes de creación común e invariable. Sus características son: -escaso despliegue de formas, -severidad, -rigurosa armonía del conjunto, -rigidez de actitudes en las figuras, -“ley de frontalidad” (las figuras están representadas de frente) y -“sonrisa arcaica” (los ángulos de los labios están levantados en aparente sonrisa). Arcángel Gabriel: mensajero de Dios y ángel de la Anunciación a la Virgen. Se le representa llevando una azucena o, en el Renacimiento temprano, un cetro. Arco: elemento curvo de cobertura o soporte, que en la arquitectura abovedada sustituye al dintel o al arquitrabe. Arco de medio punto: arquitectura, elemento curvo de cobertura o soporte, de forma semicircular. Arenoaerografía: es una nueva técnica de Grabado que propone la posibilidad de dibujar con arena, generando grafismos y efectos visuales novedosos, especialmente sobre plásticos, pero también con una comprobada aplicación sobre metales como acero, cobre, aluminio o sobre otros soportes para matrices como maderas duras, MDF y otras placas derivadas de la madera.

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Armonía: unidad de la obra, en especial en lo relativo a sus valores formales (incluye simetría). Se logra cuando los elementos y los recursos visuales se seleccionan y se disponen de tal manera que se produce una sensación de equilibrio. Armonía cromática: es la adecuada combinación de los colores entre sí. Los colores contiguos y próximos en el círculo cromático, son colores armónicos. Armory-Show: exposición internacional de Arte Moderno realizada en Nueva York (1.913), que culminó en un escándalo. No obstante, marca el comienzo de la marcha triunfal del nuevo arte en los E.E.U.U. Arquetipo: modelo original y primario en el arte u otra cosa. Arquitectura orgánica: en los Estados Unidos un grupo formado por arquitectos alemanes, como Mendelsohn, Gropius, Van der Rohe, los finlandeses, como Aalto, los ingleses como Pevsner, italianos como Ponti o brasileños como Niemeyer, preparan el camino para una interpretación viviente de la arquitectura, análoga a lo que Wright denomina “arquitectura orgánica”, la cual se basa en: El instinto creador La libertad La variedad La fusión de la arquitectura con la Naturaleza. Arquitrabe: arquitectura, parte inferior de un entablamento. Arquivolta: arquitectura, es cada uno de los pilares o molduras que forman una serie de arcos concéntricos decorando el arco de las portadas medievales en su paramento exterior, recorriendo su curva en toda su extensión y terminando en la imposta. Es frecuente en el románico y en el gótico. Arquitrabada, arquitectura: sistema estructural en el que un elemento horizontal (dintel o arquitrabe) se apoya en dos pilares o columnas. Art Decó: estilo decorativo promovido a partir de la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París (1925). Se basaba en formas geometrizadas y en un naturalismo estilizado, heredado del Modernismo.

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Arte: Actividad humana específica para la que se recurre a ciertas facultades sensoriales, estéticas e intelectuales; conjunto de obras artísticas de un país o de una época (ejemplo: el arte romano). Para Hegel es “la manifestación sensible de la idea”. Para Van Gogh, el Arte es el hombre sumado a la Naturaleza; la naturaleza, la realidad, la verdad, pero con un significado, una concepción, un carácter que el artista destaca y a los cuales da expresión, “despeja”, desenmaraña, libera, ilumina. Para S. Langer la función primaria del Arte consiste en objetivar el sentimiento de modo que se lo pueda contemplar y comprender. Según Chipo Céspedes “es una manifestación del alma, que surge de momentos anímicos y cuyo lenguaje universal dialoga con el espíritu humano”. Arte Actual: en el comienzo del siglo XXI los límites entre las distintas profesiones empiezan a difuminarse: artistas independientes, directores y técnicos de la imagen se revelan como productores de videos artísticos mientras que la actividad artística se va filtrando en la industria del cine y la televisión. Arte Ambiental: se refiere a un arte que trata temas ecológicos o del medio ambiente natural, mediante distintas estrategias: -suscitando la conciencia de la fragilidad de la naturaleza (fotos, dibujos, libros-obras); -investigando fenómenos naturales (incluye ilustración científica y prácticas artísticas interdisciplinares); -usando materiales naturales reunidos en el exterior (ramas, hojas, plumas, etc.); -no contribuyendo a la degradación medioambiental (obras hechas con materiales biodegradables o reciclados, la “eco-escultura, integrada en un hábitat natural). Arte asiático: comprende el Arte Indio; el Arte Chino y el Arte Japonés. Arte Azteca: (1.325-1.521) Se desarrolló en el centro y sur de Méjico. Arte de estilo severo y feroz. La historia de los aztecas (mexicas) comenzó en el siglo XI dC en Aztlán. En el siglo XIII emigraron al valle de Méjico. Para los aztecas la religión lo dominaba todo, los seres humanos se hallaban unidos a los mundos natural y sobrenatural. La manifestación artística de ese concepto condiciona el alto grado de abstracción de las obras de arte aztecas. La

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religión estaba basada en una concepción cíclica del tiempo y en el principio del dualismo: el día y la noche, el cielo y la tierra, la vida y la muerte. Pintura: códices miniados, plegados como biombo. Mosaicos para decorar esculturas (con turquesa, jade y concha roja). Tejidos con plumas de colores, con motivos abstractos, animalistas o florales. Escultura: serpiente emplumada; máscaras; calaveras. Calendario o piedra del Sol: curso solar, los días y las estaciones. Arquitectura: pirámides. Sus templos eran torres de madera, de dos pisos, elevados sobre los teocallis (pirámides escalonadas), con estatuas portadoras de plumas (por ejemplo Xochicalco). Arte argentino 1980-2004: es un “arte light” (según Jorge López Anaya); hay libertad en las poéticas, desinterés por suscribirse a un movimiento artístico; se da el neo pop, el post conceptualismo, la nueva geometría. Vemos objetos, pinturas, fotografías, video performances, proyecciones, instalaciones, animaciones, construcciones. Arte Biomórfico: en Nueva York se desarrolla entre 1.940 y 1.947. Tiene como protagonistas a Gorky, Rothko, Baziotes, Motherwell y De Kooning. Es un término utilizado por primera vez en 1936 por Alfred Barr. El arte biomorfista se centra en el poder de la vida natural y utiliza formas orgánicas de la biología. El biomorfismo tiene conexiones con el Surrealismo y el Modernismo. Arte Bizantino: De Bizancio. Estrechamente sometido a las estructuras políticas y eclesiásticas del Imperio Romano cuyas provincias orientales se habían convertido al Cristianismo. El arte bizantino se afirmó, más allá de manifestaciones paleocristianas, a través de un período que se extendió desde la fundación de Constantinopla (324) hasta 1.453. Se caracterizó por la sobriedad exterior de los templos y por los interiores ricamente decorados con mosaicos, iconos, miniaturas y orfebrería. La imagen de Cristo pantocrátor (Juez), se ubicaba en la cúpula de las iglesias; las escenas de la vida de Cristo en las naves; las escenas de la vida de la Virgen y de los donantes en el nártex. A la belleza clásica se suma la espiritualización en los rostros. Arte eminentemente religioso, que se desarrolló en Europa oriental y extendió su influencia sobre Italia y Francia. Mostró la supervivencia de la cultura clásica. Se caracterizó por la fusión de la tradición romana y la helenística. Produjo imágenes que transmiten veneración, respeto y santidad.

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Pintura: busca exaltar los valores visuales, desmaterializados, de brillo y color. Predomina el dorado. Se realizaron mosaicos, miniaturas, retratos, orfebrería, tejidos e ilustraciones policromadas de libros. Escultura: decorativa. Evoluciona hacia la abstracción. Arquitectura: las iglesias tienden a ser concebidas como imágenes de la bóveda celeste y son hechas para ser vividas desde el interior. Presentan una planta de cruz griega inscripta en un cuadrado y cúpula en el crucero. Santa Sofía de Constantinopla, en el año 537, San Vital de Ravena, del año 526, San Apolinar in Classe y San Apolinar Nuevo, son las más destacadas y representativas. Art Brut (Arte crudo, basto): es la expresión empleada por Jean Dubuffet para el arte espontáneo de los psicópatas y los niños. Arte Callejero: utiliza como espacio de expresión la calle, el espacio urbano. Incluye Stencil, Graffitis, pinturas murales, etc. Arte Cinético: Forma de arte contemporáneo nacida de la abstracción y fundada en el carácter cambiante de la obra y en su movimiento aparente o real. Entre sus maestros figuran Vasarely, J. R. Soto, Calder, Tinguely, Moholy-Nagy y Agam. El arte cinético nació en los años cincuenta, pero tuvo sus antecedentes en las obras de los años veinte de Gabo, Tatlín, M. Duchamp, Albers, Le Parc. Se caracteriza por la búsqueda del movimiento, real o aparente. El cinetismo virtual, utiliza los fenómenos ópticos, (“Op Art”) para crear un movimiento que no pertenece a la obra sino que nace de la relación objeto-espectador. Se desarrolló en la década de 1.960, en Europa y EE.UU. Sus características principales fueron: El movimiento como un valor estético, como un lenguaje expresivo. La participación del espectador en la concreción del hecho artístico. Las construcciones tridimensionales. El uso de la luz. Introducción del movimiento, el espacio y el tiempo real en la obra. Su carácter lúdico. El uso de agentes naturales para la producción de movimiento (viento, agua, etc.) y mecanismos que debe accionar el espectador. Creación de movimientos virtuales por medio de ilusiones ópticas. Representantes: V. Vasarely, J. Le Parc, A. Calder, J. Tinguely, J. R. Soto.

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Arte clásico: nombre que se da a las producciones intelectuales de la Antigüedad Clásica, es decir, el arte griego y el arte romano, o la cultura grecorromana, que en el Renacimiento eran consideradas clásicas, o sea, dignas de imitación (mímesis). El ideal del arte clásico es la armonía entre el todo y las partes; es un arte de serenidad. Arte Colonial: se denomina Arte Colonial o Arte Americano de la Colonia, a la producción artística desarrollada durante el período de las colonias españolas y portuguesas en América latina, entre los siglos XVI y XIX. El Arte Colonial, desarrollado por artesanos indígenas y maestros europeos, estuvo al servicio de la misión evangelizadora de los conquistadores y por época y función social, correspondió claramente al estilo Barroco. En cada pieza escultórica, catedral y pintura, los motivos religiosos son los gobernantes, así como los parámetros de representación europeos; pero éstos fueron sutil y subterráneamente “digeridos” por los aborígenes americanos, quienes colocaron en cada obra elementos propios de sus culturas (símbolos religiosos y espirituales, figuras antropomórficas, zoomórficas y fitoformas) de modo tal que se entremezclaban con las imágenes católicas importadas, manteniendo de este modo la voluntad de formas de la producción artística indígena, subsistiendo por debajo del arte europeo impreso a la fuerza. Arte Conceptual: surge en 1.966. Se desarrolla en Alemania, EE.UU., Suiza y Argentina. El arte se convierte en idea, en un conocimiento tanto a través del pensamiento como de la imagen. Pretende concientizar sobre la complejidad de la realidad. Tiene como fondo teórico el Estructuralismo, la Semiótica y la filosofía analítica. Muestra un desinterés sistemático por los materiales utilizados, así como una excesiva valoración de la acción como consecuencia de un proceso mental. Representantes: J. Kosuth, R. Long, A. Reinhard. Conviene destacar la importancia que tuvieron los Mass-Media, no tan sólo como elementos que se incorporaban dentro de la acción, como el único medio para memorizar todos estos actos efímeros. Tiene varias vertientes fundadas en la desmaterialización de la obra de arte: -Conceptualismo politizado (Grippo) -Arte Pobre (Italia) -Arte del Cuerpo (Body Art) -Land Art (Arte sobre el paisaje). A partir de 1970 libera el proceso mental de una obra de arte, de su representación plástica. Se supera el medio material, en beneficio de la idea.

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Las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales y en muchos casos la idea es la obra en sí misma. El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas, videos. Se destaca John Cage, Yves Klein, Piero Manzoni, entre otros. Arte Concreto: tendencia geométrica que dominó entreguerras, a menudo unida a estudios arquitectónicos. Estuvo representada por el Constructivismo de los escultores Pevsner y Gabo; por el “Neoplasticismo” de Mondrián y del grupo neerlandés De Stijl; en cierta medida por la Bauhaus alemana (Kandinsky, Moholy Nagy), Se destacaron Max Bill, Torres García, Arp, Calder, etc. Arte Contemporáneo: 1970 es el final de un estilo global. Los artistas criticaron el mundo mediático e ilusorio. 1980 la representación, la ilustración, la ficción, el teatro, las maquetas arquitectónicas, la escultura literaria, se convirtieron en las estrategias clave. También el video clips. 1990 es el reciclaje del ready-made (ya hecho) de objetos encontrados. Arte cortesano: realizado para las cortes reales durante el siglo XVII. Estuvo destinado especialmente a ser expresión del poder y la grandeza de la nueva monarquía absoluta. Fue un arte, en este sentido, “publicitario”. Arte Chino: siglo V En Pintura, estilo ligado a la Caligrafía. Paisaje simbólico, idealizado, también la figura humana. Obedece a una comunión con todas las representaciones biológicas. China tiene a la Naturaleza en la base y en la cumbre de su Arte. 2.200 a. C. se realizaban recipientes cerámicos de tres patas. 1.000 a. C. grabados de cuchillos en marfil, piedra, carey, cuernos y cerámica blanca. Motivos: grecas, espiral, máscaras, cigarras, dragones y picos de aves. Bronces que representan luchas y cacerías, con incrustaciones y pinturas. También formas abstractas Sepulcros monumentales en forma de pirámides, precedidas de avenidas guardadas por leones. Invención de la laca. Pintura de la Naturaleza. Monocromatismo. Delicadeza. 1.644 invención de la porcelana. Escultura: supeditada a fines religiosos. Figuras zoomórficas en granito. Luego se utilizó el bronce, el barro o la madera, en las figuras humanas. Las imágenes de Buda muestran un intenso contenido espiritual. Pintura: busca lo permanente y esencial, y le da un valor máximo a la línea, que define las formas. Temas: retratos, escenas domésticas, animales, plantas, etc. Se destaca especialmente la representación del paisaje,

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de gran lirismo, que sugiere la idea de infinitud y grandeza. Algunos artistas destacados: Wang-Wei, Wu-Tao-Tzu, Ma-Yuan, etc. Cerámica: se destacó por la finura de la pasta, la delicadeza del color y la elegancia de la ornamentación. Arte chipriota: es el de los aqueos establecidos en Chipre en el siglo XII a. C. Cerámica caracterizada por una gran fantasía en las formas, con tendencia al zoomorfismo (vasijas en forma de caballo, de pato, de ciervo). Estatuillas estilizadas representando hombres armados, mujeres, músicos, lavanderas y servidores de difuntos, que depositaban en las tumbas. Art Decó: estilo decorativo promovido a partir de la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París (1.925). Se basaba en formas geometrizadas y en un naturalismo estilizado, heredado del Modernismo. Art Nouveau: a fines del siglo se desarrolló. También llamado Modernismo, Modern Styl. Representa motivos de la naturaleza. Se aplicó en pintura, tapicería, vidrieras, mobiliario, mosaicos. Se destacaron Klimt en pintura, Guimard en el metro de París y Gaudí en el Parque Guel. Arte de las Catacumbas: Las catacumbas eran cementerios subterráneos y lugar de reunión de los primeros cristianos. Por ejemplo, el Cementerio de Domitila. Pintura: decoraba muros y bóvedas de las galerías. Las pinturas son ágiles, impresionistas, trazadas con soltura, en tonos variados pero armoniosos, sobre fondo blanco. En el siglo III se representaron los asuntos bíblicos: la Salvación, la Encarnación y los Sacramentos. También algunos milagros de Cristo y la Virgen. Escultura: se representa la imagen del Buen Pastor llevando el cordero en hombros. En los sarcófagos se realizaron relieves de figuras de pie, que estaban separadas por columnas. Arquitectura constantiniana: en Roma, se destaca la basílica Santa María la Mayor, cuyas naves están separadas por columnas que soportan un arquitrabe. Arquitectura oriental cristiana: construyeron basílicas, (como el Mausoleo de Gala Placidia), templos y santuarios. Arte de la India: siglo II a. C. Se caracteriza por el tema dominante de la Naturaleza. Decoración lujuriante, siluetas onduladas. Arte de la India neobrahamánica: a partir del s. VII se produce el renacimiento del brahamanismo que, tomando elementos budistas se transformó en la religión

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sincrética de Hinduismo. Espiritualidad y sensualidad son caracteres que se combinan en el arte hindú de todas las épocas. Arquitectura: de inspiración religiosa, se caracteriza por el sentido monumental y la decoración abigarrada. Las construcciones esenciales son el templo y el monasterio. En el templo, la sikara o torre vertical en forma de piña muestra múltiples pináculos, segmentados por molduras horizontales. Pirámide escalonada repleta de esculturas, con puerta monumental (o gopura), pórtico (o mandapa) y santuario (o vimana). Escultura: la escultura exenta representa a Buda (de pie o sedente) y el relieve representa las figuras de animales, figuras humanas, dioses, héroes y la vida de Buda. Arte de la tierra,”Land Art”: Arte de tipo efímero, que se desarrolló en la década de 1970, en Europa, EE.UU., América Latina y Asia. Tiene como soportes la tierra, el agua y/o el cielo. Se desarrolla en amplios espacios geográficos. Las intervenciones sobre la naturaleza se filman, fotografían o dibujan. Representantes: Christo, J. Dibbets, R. Smithson, W. De María, R. Long. A finales de los años 70 muchos artistas, renunciando a los marcos de museos y galerías y al aspecto mercantilista del arte, encuentran en la Naturaleza nuevos espacios. El “Land Art” se sitúa entre el arte conceptual y el objetual. Estos artistas buscan en los glaciares, mares, ríos, desiertos, acantilados, etc., nuevos soportes para la expresión artística, aunando naturaleza y artificio. Con la intervención del artista los espacios naturales adquieren una nueva dimensión comunicativa, significación plástica y conceptual. Se refiere a las obras realizadas en su contexto natural: la montaña, el mar, el desierto. De este modo el paisaje mismo se convierte en un objeto artístico, lo cual requiere un gran apoyo político, una fuerte organización y recursos económicos (excavadoras, camiones oruga). La conmoción del espectador frente a la obra comienza en el momento en que se inicia la construcción y sigue hasta que el ambiente queda por completo modificado. Esta transformación se registra en libros (fotos) y videos con sonidos, mapas y dibujos. Se destacan R Long, Christo Javacheff, Jean-Claude. Algunos ejemplos son: espirales y círculos inscritos en la tierra; paraguas iguales en la playa; telas cubriendo edificios emblemáticos; islas rodeadas de agua coloreada. Arte del Islam: El monumento típico es la mezquita o lugar de oración. Posee un patio, en el cual hay una ventana ciega llamada “mihrab”, en dirección a La Meca. Dicho patio se halla rodeado por pórticos (“liwan”) y posee una fuente

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para las abluciones. Se destacan la mezquita de Ibn Tulum, la de Omar y la de Córdoba. También construyeron torres de planta cuadrada, decoradas con arquitos entrecruzados, como la Giralda de Sevilla. En la India islámica se destaca el palacio sepulcral Taj Mahal. La Ataujía consiste en la incrustación de dibujos en placas de distintos metales sobre un fondo de cobre (en Siria y Arabia islámica). Cuando se emplea el oro, esta técnica se llama “damasquinado”. Arte digital: comprende música electrónica, dibujo y pintura asistido por computadora, gráficos 3D, animaciones en tiempo real (demos), retoque fotográfico digital, programación de video juegos, programación artística, etc. Arte ecológico: surge a partir de la necesidad de llevar las obras fuera de los límites de una galería o de un centro de exposición. Los artistas comenzaron a reelaborar el medio ambiente que los rodeaba y mediante maquinarias de todo tipo trabajaron directamente en el paisaje. Se destacaron R. Smithson, R. Morris, R. Long (ingleses), el argentino N. García Uriburu y el holandés J. Dibbets. Arte Efímero: es una expresión plástica de carácter breve y fugaz. Es una creación que desparece o se consume delante del espectador. Sus representantes se expresan con el concepto de que el Arte es como la vida misma, perecedera (esculturas comestibles de Marta Minujín, por ejemplo). Arte Egeo: la civilización egea se desarrolló en las islas del mar Egeo, la Tróade del Asia menor y la Argólida del Peloponeso, durante los siglos XIII y XIV a. C. Su arte puede dividirse en Minoico y Micénico. El Minoico parece reflejar el gusto por las fiestas y los animales de una sociedad alegre y segura de sí misma. Es un arte refinado y fantasioso. A este período corresponde el Palacio de Knossos. El arte Micénico nos muestra ciudades con fuertes muros en grandes bloques de piedra, como las famosas Puertas de las Leonas y el Tesoro de Atreo. En Pintura, siluetas de guerreros y rostros de príncipes de rasgos severos, en máscaras fúnebres. Arte Egipcio: Arte Egipcio: (3.500 a. C. 30 a. C.) Se desarrolló al Norte del continente africano, a orillas del río Nilo. Estado teocrático: poder absoluto del faraón. La religión domina la cultura. Culto a los muertos.

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Pintura: decorativa y ornamental. Escenas cotidianas y religiosas, realizadas con pintura a la cola sobre el muro. Las cosas se pintan como se sabe que son, no como se ven. Desproporción jerárquica. Escultura: bajorrelieves; escultura exenta; ley de frontalidad; carencia de perspectiva. Escenas históricas y de la vida cotidiana; representación de dioses. Brazos pegados al tronco. Esfinge: cabeza humana y cuerpo de león. Realizadas en basalto, granito, cerámica. Arquitectura: monumental y religiosa; gruesos muros y piedras talladas en forma regular; columnas ornadas en forma de flores, plantas, papiros, palmeras. Templos: avenida de las esfinges; obelisco, sala hipóstila Tumbas: pirámides, mastabas, hipogeos. Arte en el espacio: en los proyectos sobre el establecimiento de estaciones extraterrestres habitadas, los científicos espaciales le dan al Arte un lugar prioritario. La actividad artística será fundamental para mantener la salud mental de la población. Los expertos sospechan que los habitantes experimentarán las posibilidades que brinda el entorno. En Escultura y Danza, la ingravidez modificará todo. El silencio total del vacío espacial, por su parte, será un nuevo elemento en Música, Canto y Teatro. Arte en la Edad de Piedra: comprende los períodos Paleolítico y Neolítico. Paleolítico: se refiere al primer período prehistórico, caracterizado por la invención y el desarrollo de la industria lítica, a lo largo del pleistoceno, entre el 9.000 a 5.000 a. C. Características: función mágico-religiosa; nómades, cazadores y recolectores Escultura: Pequeñas figuras femeninas desnudas, a las que se considera fetiches de fecundidad. Reciben el nombre de Venus adiposas. También se observan algunas representaciones de animales. Pintura: se realizaba en los muros de las cavernas. Animales esquematizados (caballos, bisontes, mamuts) y figuras humanas. Escenas de gran movimiento, que representan la caza, guerras y escenas de la vida cotidiana. Neolítico: Pintura: figuras muy esquematizadas Arquitectura: el hombre se hace sedentario, se dedica a la ganadería y a la agricultura. Edifica su vivienda: chozas ahondadas bajo el nivel del suelo. Construcciones megalíticas, la más común es el Dolmen, cubierto de tierra, formando un túmulo. Los menhires son piedras puntiagudas hincadas en el piso; colocadas en círculo forman Cromlech. Los trilitos son grupos de dos piedras verticales y un dintel. Escultura: se representa especialmente la figura humana, principalmente la femenina, con formas redondeadas, símbolo de fecundidad. Son las llamadas

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Venus prehistóricas del período Auriñacense. En el Solutrense y Magdaleniense dominan los temas animales, especialmente renos, caballos, bisontes, ciervos, toros y cabras. Pintura: practicada en techos y paredes de cuevas. Colores negros, ocres, amarillos, rojos, castaños y blancos. Es un arte de instantáneas que captan ágilmente los más fugaces movimientos de los animales. Se representan escenas de caza y danzas. Arte en la Edad de los Metales: comprende la edad de bronce y de hierro. Edad de Bronce: 2000 al 1000 a. C. El arte es decorativo, aplicado a objetos de uso y armas. El motivo preferido es la espiral. Arquitectura: palafitos (cabañas elevadas de plataformas clavadas con estacas, encima de los lagos) y dólmenes (construcciones sepulcrales formadas por tres grandes bloques de piedra verticales y uno horizontal). Edad de Hierro: desde 1000 al período romano. Decoración de tipo geométrica. El arte celta es ornamental, se esquematizan figuras zoomorfas y fitomorfas. Utilizan oro, plata y coral. Arte en la Red (Internet), llamado Net Art: Internet es una plataforma de creatividad para muchos artistas. El Net Art es un arte asentado en la tecnología, con raíces en la poesía visual, la música experimental y el videoarte. Es un lenguaje plástico cuyo soporte está en la Web, donde las imágenes y otros elementos se combinan con sonido y animación. Se multiplica en galerías virtuales, a través de los monitores. Su rumbo se asienta en la comunicación, aunque luego aparecen spónsores, fundaciones o empresas, asociadas a la tecnología. Luego se exhiben y venden originales o impresiones digitales derivados de estos websites. Además de las imágenes originales, sus herramientas son los software de animación y edición y edición (como Flash, Dreamweaver, Action Script, Java, etc.). Vórtice es un sitio en la Web www.vorticeargentina.com.ar que reúne obras de los cinco continentes, brindando la posibilidad de comprar obras on line. Se destacan: en España Joan Brossa, el coreano Nam Jum Paik, Bill Viola en Bilbao, Peter Greenaway. Arte en el cambio de milenio: la pintura de la década 1990-2000 no mostró ninguna tendencia predominante. La reflexión intelectual, un componente esencial de la actividad artística contemporánea, se abandona frecuentemente a costa de la creatividad. El arte de hoy ya no establece directrices, sino que busca preguntas, preguntas sobre una realidad que se vuelve cada vez más compleja. Y sobre el papel del propio arte en esta realidad. En la pintura actual

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todo vale, desde la pintura rigurosamente conceptual hasta la pintura más elemental. El siglo XX no sólo ha debatido, cuestionado y rechazado el concepto de arte, sino que también lo ha definido y re definido una y otra vez, explorando sus posibilidades. Arte Etrusco: los etruscos llegaron a Italia en el siglo VIII a. C. procedente del Asia Menor. Escultura: aportaron el retrato Arquitectura: se caracteriza por la monumentalidad. Lo nuevo es el empleo del arco y la bóveda de cañón, arista o cúpula semiesférica. Pintura: decora muros de las tumbas. Se representan escenas de funerales y de banquetes. Joyas de oro y plata, objetos suntuarios en bronce y hierro decorados con filigranas, repujados e incrustaciones de ámbar y piedras. Arte Experimental: comprende las llamadas “instalaciones”, ambientaciones, performances, happenings, objetos, etc. El arte experimental responde ampliamente a características de la realidad perceptiva: la percepción humana está acostumbrada al caos de información al que la somete el mundo. En definitiva, cada individuo censura y mira lo que quiere mirar y, si tiene un objetivo, lo que necesita. El público percibe y clasifica la información pensando y repensando. Estas expresiones son situaciones complejas y cada uno las interpreta desde su base ideológica. Los artistas opinan que es importante romper los prejuicios ligados a lo tradicional para poder hacer interpretaciones más libres. Arte Fenicio: los fenicios carecen de arte propio; su labor es la de difundir las culturas del Oriente Medio. Se advierten influencias del arte egipcio y mesopotámico, a las que luego se agrega la influencia egea. Construyen tumbas en forma de torre escalonada, cuadrangular o cilíndrica. Arte figurativo: es sinónimo del arte representativo, en conjunto, que se opone al arte no representativo, no figurativo o arte abstracto. El Arte Figurativo designa todos aquellos estilos y aquellas tendencias que se rigen por el principio de imitación, en oposición al arte no figurativo, que trata de gestar una nueva realidad inventada. Arte fractal: Fractal: se denominan así a las figuras geométricas virtuales, formadas por un número infinito de elementos, infinitamente pequeños,

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contenidos en una superficie finita. Cualquier objeto de forma irregular, ya sea interrumpido o fragmentada, que se repite en cualquier escala en que sea examinada. Los fractales reproducen, de acuerdo con formulaciones matemáticas, las formas naturales, hasta el punto que bien puede decirse de ellas que configuran una geometría de la naturaleza. El Arte Fractal nació en febrero de 1.984, en París, con una exposición titulada “Génesis, paisaje y fractales”. En los Estados Unidos se han llevado a cabo dos grandes muestras, “El espectáculo del caos” (Chicago) y “Los signos del caos” (Nueva York). Es una manera totalmente nueva de abordar el arte y la naturaleza por medio de la ciencia. Arte Gótico: (XII al XV) Se desarrolló en Europa occidental. El arte revela el intento de acercarse a Dios, concebido como fuente de luz y poder. Las ideas de San Francisco y el realismo de la clase burguesa, hicieron que el hombre del gótico expresara en todas partes su amor por las más humildes plantas de los huertos y los jardines. El Arte estaba al servicio de la Iglesia y utilizaba signos para expresarse, por ejemplo, el Árbol de la Vida. Se representan especialmente temas marianos: la Muerte, Asunción y Coronación de la Virgen. Todo es movimiento, el plegado nervioso de los ropajes, el contrabalanceo de las siluetas femeninas, el ascenso de los nervios y los pináculos. El pueblo se libera del feudalismo y la realeza organiza el Estado. La burguesía es dueña del poder y lo demuestra a través de las ciudades, por ejemplo en el esplendor de las catedrales. Pintura: vitrales, ligados a la arquitectura; de colores puros y dibujo estilizado. También murales, miniaturas y tablas. Tapices. Señorial elegancia. Se destacaron Duccio, Cimabúe, Giotto, Simone Martini, A. Lorenzetti. Escultura: mayor movimiento, naturalidad, belleza y gracia. Materiales: piedra y madera. Temas: Virgen Gloriosa, la Virgen y su Hijo. Arquitectura: Aspiración hacia lo alto, expresada por las agujas de los campanarios y los pináculos en grandes catedrales. Bóvedas de crucería. Adopción general de la ojiva en las bóvedas y en las aberturas. Arbotantes. Perforación de muros para vitrales. Iglesias de tres naves. Es una aspiración arquitectónica hacia lo alto, expresada por las agujas de los campanarios y los pináculos, la ciudad se convierte en una obra de arte. Iglesias de tres naves. Aparece la ojiva en bóvedas, arcos y vanos. Por ejemplo, Nuestra Señora de París y Chartres. Ciudades: murallas segmentadas por las torres de refuerzo. Casas en las colinas, la catedral en la cumbre y el castillo vigilante sobre los muros.

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Arte griego: se desarrolla entre los siglos VIII al II a.C. Se caracteriza por Armonía y belleza de las proporciones. Actitudes moderadas. Pensamiento filosófico e ideal de belleza basado en la perfección de las formas Las reglas establecen todas las creaciones, como el módulo o canon, medida que relaciona entre sí todas las partes de una obra. Pintura: cerámica decorada con escenas mitológicas y de la vida cotidiana. Representaban dioses, hombres y animales. Se utilizaba el escorzo. La musculatura y el ropaje están cuidadosamente estudiados. Son figuras rojas sobre fondo negro y viceversa, que representan generalmente batallas o ritos. Arte Griego Clásico: (s. VI a. C.-IV a. C.) Se desarrolló en el sudeste de Europa, en la cuenca del Mediterráneo. El arte griego fue una síntesis de la rígida y viril mentalidad de los dorios y la femenina cadencia jónica. Se caracterizó por la observación de la naturaleza, el ideal de belleza y la proporción. Actitudes moderadas. Pensamiento filosófico e ideal de belleza basado en la perfección de las formas. Determinadas reglas establecen todas las creaciones, como el módulo o canon (medida que relaciona entre sí todas las partes de una obra). Pintura: cerámica pintada, decorativa. Escenas mitológicas y de la vida cotidiana. Representaban dioses, hombres y animales. Utilizaban el escorzo. La musculatura y el ropaje están cuidadosamente estudiados. Aparecen figuras rojas sobre fondo negro y viceversa, en las cerámicas. Pinturas murales, las “Bodas Aldrobandinas”, obra de Apeles, Polignoto y Zeuxis, muestra un rítmico friso de figuras. Escultura: de bulto y bajorrelieves; se caracteriza por la naturalidad, belleza y armonía de las figuras. También por el equilibrio, la medida y la alegría de los rostros. Representan al hombre y a los dioses con realismo y movimiento. Fueron realizadas en piedra, mármol y bronce. Se destacaron Pitágoras, Mirón, (esculturas en bronce. Sentido del movimiento, por ejemplo El Discóbolo) Policleto, (fija las proporciones ideales del cuerpo humano, por ejemplo El Doríforo) Fidias. (Infunde a su obra en la acrópolis ateniense, una vida espiritual idealizada),Scopas, Praxiteles, (fue el escultor de la gracia juvenil, caracterizada por la sonrisa leve) y Lisipo. Arquitectura: se caracteriza por la expresión del equilibrio, la armonía y la belleza en las formas. Las construcciones se centralizan en la vida pública de la democracia griega. Templos: muestran una impecable proporción de sus partes. Erigidos sobre un basamento. En el frente tenían columnas y un entablamento que las unía entre sí. El techo es a dos aguas, limita dos espacios triangulares (frontones).Tiene un vestíbulo (pronaos), el naos o cella (que alberga la imagen del dios y luego el opistodomos (lugar donde se encuentran los tesoros).

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Teatros: comprenden un escenario de forma rectangular, delante del cual está situada la orquesta (espacio circular), rodeado de gradas destinadas a los espectadores. Generalmente eran construidos adosados a una colina para aprovechar la inclinación natural del suelo. Ordenes: dórico, jónico y corintio. Son ejemplos: el Partenón, el Templo de Zeus Olímpico en Atenas; el Altar de Zeus en Pérgamo. Construyeron además estadios, gimnasios y palestras, ágoras, acrópolis y mausoleos. Arte Informal o Informalista: es un término utilizado en el continente europeo para denominar a un arte basado en la “improvisación psíquica”; la implicación es que el producto es el trazo de un gesto en vez de una forma material. Arte inmaterial: la cultura y la sociedad van camino a desmaterializarse, las holografías, los libros en disquetes, o en los circuitos de las máquinas, el dinero que tiende a convertirse en una transacción por computadora, etc. Incluye el Arte Efímero, las Performances, el Infoarte, el Arte Fractal. Arte Inca: (1.440-1.532) Se desarrolló en Perú, extendiéndose luego desde Colombia hasta Chile y sur de Argentina. Arte de estilo sobrio y monumental. Arquitectura: sillares poligonales encajados unos con otros. Decoración de las fachadas con nichos ciegos y vanos trapezoidales. Templos: de forma rectangular, precedido por un patio con santuarios (por ejemplo, el Templo del Sol en Coricancha). Fortalezas: llamadas “Pucarás”, formadas por terrazas concéntricas, por ejemplo Sacsahuamán, en Cuzco. La Ciudad de Macchu Picchu se halla en lo alto del cañón del Urubamba y muestra una superposición de terrazas y canales de riego. Arte japonés: Se caracteriza por su perfección y complejidad; también por un sentimiento de la Naturaleza, basado en la idea de una fraternidad entre todo lo creado. Arte japonés: siglo VI En Pintura, temas con sentido anecdótico y realista. Perspectiva oblicua. Pintorescos dibujos de animales y líricos paisajes. Realismo elegante. Delicadeza en la representación de plantas, animales y figuras humanas. Arte evocativo; gusto por la vaguedad de las neblinas. Detallismo. Delicadeza. Arquitectura: el templo budista japonés es un jardín con construcciones de madera. Torre-relicario y sala de reunión o Salón Dorado. En el fondo el Aula, entre las torres de las campanas y la de los tambores.

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Pintura: de carácter religioso. Sobre seda. Representa la vida cotidiana y episodios históricos. 1.330 pintura aristocrática: representan animales y flores. Paisaje sentimental y vaporoso. Siglo XVIII pintura plebeya, realista y colorista. Se destacaron: Kose Kanaoka, Seshu, Hokusai, Utamano, Hanorobu. Escultura: grandes Budas hechos en fundición. También representaron a dioses menores y genios malignos, en madera estofada. Arte Latinoamericano: Latinoamérica se caracteriza por la diversidad, la riqueza de las tradiciones culturales autóctonas y el proceso de traslado de la influencia europea (o el encuentro entre dos culturas). 1910-1920 entre lo tradicional y “lo nuevo”: Diego Rivera, Rafael Barradas, Alejandro Xul Solar, Tarsila do Amaral. Hacia 1920 aparecen los primeros rasgos de una conciencia latinoamericana y de una sensibilidad artística que surge de la misma tierra en que nace la obra. 1920-1930 Pablo Curatella Manes, Emilio Petorutti, Emiliano Centurión. 1930-1940 Arte y política: Antonio berni, David Alfaro Siqueiros, Cándido Portinari, Héctor Poleo. Surrealismo: Antonio berni, Juan Batlle Planas, María martins, Cicero Días, Roberto Matta, Frida Kahlo, Agustín Lazo, Wilfredo Lam. La Bienal de San Pablo, instituida en 1951 es una exposición internacional de Artes Visuales, comprende Pintura, Dibujo, Grabado, escultura, Tapicería, joyas, Arquitectura, Cine, Fotografía, Teatro y libros. 1940-50-60: arte concreto, neo concreto, arte óptico y cinético. Rhod Roth, Grete Stern, Enio Iommi, Elio Oiticica, Julio le Parc, Lygia Clark. 1960-70 Informalismo, Arte destructivo, otras Figuraciones, Pop, Objetos, Minimalismo, Arte Conceptual; se destacaron Antonio Berni, Fernando Botero, Antonio Días, Jorge de la Vega, Nelson Leirner. 1970-80-90 Conceptualismo, Hiperrealismo, Nueva Imagen. Se destacan Guillermo Kuitca, Víctor Grippo, José Bedia, León Ferrari. -La Vanguardia en Cuba se inspiró especialmente en dos tipos sociales, los negros y los campesinos. Su principal representante fue Wilfredo Lam. -El Modernismo brasileño surge en 1922 cuando comenzaron los artistas a valorar el pasado en tanto arte para meditar y no para reproducir. Su objetivo era pertenecer a su tiempo y ser libres para crear una obra completamente fiel al artista. Se destacó Tarsila Do Amaral. -El Muralismo mejicano comenzó con la Revolución (1910-1920) que fue emprendida contra los privilegios de la clase dominante. Buscaban que sus ideas revolucionarias se cristalizaran en imágenes accesibles a todos, en los murales. Se destacaron: J C Orozco, D Rivera, D A Sequeiros.

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A principios del siglo XXI se destacan Helmut Disch, Nicola Constatino, Milo Locket (Argentina), Ernesto Neto (Brasil). Arte Maya: (320-1.527) Se desarrolló en Guatemala, Península de Yucatán (Méjico) y Honduras en los últimos siglos antes de Cristo y se mantuvo durante toda la Edad Media. Arte naturalista y refinado. En el mundo Maya las estrellas y los planetas simbolizaban a antepasados fallecidos y a seres divinos que regulaban el curso del tiempo. “Way” es la segunda alma de todas las personas o un espíritu protector. El cosmos maya también estaba reflejado en la arquitectura: en las plazas, al centro, un mar (originario) simbólico, Las estelas documentaban los acontecimientos políticos y religiosos. Las montañas estaban representadas a través de las pirámides y sobre ellas estaban los templos. Según cuenta la historia, el dios del maíz (su principal alimento) y la diosa de la Luna, tuvieron tres hijos: el cielo, la tierra y el infierno. Pintura: códices y frescos realistas de gran movimiento. Perspectiva “a vuelo de pájaro”. Escultura: bajorrelieves; líneas despojadas que muestran un flexible modelado. Escultura exenta: Chac-Mool, dios del agua, semiyacente y estilizada. Arquitectura: palacios; templos sobre teocallis (Palenque, por ejemplo), puertas adinteladas, techos de falsa bóveda. Arte Mesopotámico: en torno a los ríos Éufrates y Tigris se desarrolló entre los años 3.000 y 2.000 a. C. Arquitectura: lo más característico es el zigurat (“montaña de Dios”), inmensa torre escalonada, cuyos paramentos fueron decorados con hornacinas y lesenas. Se ascendía por rampas. En la cúspide se realizaban ceremonias de culto astral. Pintura: se destacan las Puertas de Ishtar, en Babilonia. Murallas revestidas de ladrillos esmaltados y vidriados, con representaciones de desfile de leones y de dragones, realizadas en rojo, blanco y amarillo sobre fondo azul. Los Hititas (s. XIII) construyeron fortificaciones de planta circular, construidas en piedra, cuyo ingreso estaba flanqueado por dos torres. En escultura se destacaron los atlantes (de piedra). En los zócalos, frisos representando leones y toros. Los asirios llegaron a la Mesopotamia en el siglo VIII a. C. Lo más característico de su arquitectura fueron los grandes palacios construidos en ladrillo, por ejemplo el de Korsabad.

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En escultura se destacan los relieves de Assurbanipal, que muestran un detallismo preciosista. Los Medos y los Persas, en el siglo VI y V elaboraron un arte sincrético (por ejemplo el palacio de Persépolis). Arte Minimalista: Arte que aspira al ser puro y al valor intrínseco de estructuras primarias liberadas de toda representación, sentido, significación y voluntad de expresión. Busca introducir el arte en la vida y encontrar la salvación en esa sublimación. Surge a mediados de 1960 en Europa y Estados Unidos. Es un arte impersonal y universal. Utiliza para su concreción elementos mínimos, simples y despojados. Combina la pintura (generalmente monocroma) y la escultura. Rechaza lo artesanal y manual y establece un nuevo sistema creativo basado en los materiales industriales ya elaborados, que facilitan la materialización rápida de la obra. Las superficies planas y pulidas, la ausencia de pedestales y marcos, la utilización del espacio vacío y la elección de materiales tales como el acero, el aluminio, maderas, metales de desecho, cobre y planchas, nos dan la idea de que no persigue la expresión sentimental o emocional. Este arte no anuncia ninguna utopía, se limita a la interacción del objeto, el espacio y el espectador. La característica más valiosa de estas obras es la de provocar “interés”, un interés más relacionado con el pensamiento y la reflexión que con la contemplación de la obra. Este arte no anuncia ninguna utopía, se limita a la interacción del objeto, el espacio y el espectador. Según Duchamp la obra de arte la crean tanto el artista como el espectador y en ese sentido, se considera un precursor del arte minimalista. Es un movimiento que reduce el contenido y la forma de la obra de arte a un vocabulario de formas escaso y simple. Un principio importante es la repetición de estructuras geométricas. Elimina cualquier tipo de ilusión o metáfora. Se destacan S Lewitt, R Morris, D Flavin, B Neumann, D Judd Arte Mudéjar: también llamado Morisco, emplea formas y técnicas árabes en tierras cristianas. Mampostería y ladrillos forman efectos decorativos. Cubiertas de madera en las construcciones. Se desarrolló principalmente entre el siglo XII al XVI. Art Nouveau: movimiento artístico de fin del siglo XIX llamado también Modernismo, Modern Style, Jugend Styl. Representa motivos de la naturaleza. Se aplicó en pintura, tapicería, vidrieras, mobiliario, mosaicos. Se destacaron Klimt (en pintura), Guimard (en los ingresos a los subtes de París), y Gaudí, en España (en sus obras arquitectónicas).

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Arte no figurativo: durante el primer cuarto del siglo XX se desarrollaron una serie de concepciones artísticas que intentaron expresar las formas de la naturaleza a través de la geometría, mediante la organización de formas abstractas en el plano. El Cubismo y el Futurismo fueron las primeras escuelas que iniciaron este camino, seguidas por otros movimientos de carácter racional y constructivo: el Neoplasticismo, el Suprematismo, el Constructivismo y el Rayonismo. Arte Óptico: Nueva York, 1965. Corriente artística abstracta, basada en fenómenos ópticos. Ejerció gran influencia sobre la decoración, las artes del libro, del vestido, etc. Provoca sensación de movimiento virtual a través de la interferencia de líneas, círculos concéntricos, formas geométrico-cromáticas, repetición de líneas, cuadrados, puntos. Se caracteriza por presentar trazos definidos, delineados con precisión y por buscar la participación del espectador (quien contempla la obra en movimiento). La composición es multifocal, obligando al ojo a una percepción siempre nueva. Es una pintura como juego mental. Coexistió con el pop y el Neorrealismo que desarrollaron un arte determinado por la vida y el mundo exterior. El Op Art renuncia a todo punto de vista fijado por el espectador. La composición es multifocal, obliga al ojo a una percepción siempre nueva. Este proceso desembocó en el Arte Cinético. Se destacan V Vasarely (Hungría), J Le Parc (Argentina), B Riley (Inglaterra), el Grupo Zero (Alemania), J R Soto (Venezuela), G Kosice (Argentina). Artes Plásticas y Visuales: comprenden el dibujo, la pintura, el grabado, la escultura, el cine, la televisión y la fotografía. Arte Persa: siglo VII a. C. Al Norte de Irán, hasta el Indo, Asia Menor y Egipto. En Arquitectura se destaca el palacio de Persépolis. Arte Povera: en 1.967 el crítico de arte italiano G. Calant dio nombre a uno de los movimientos artísticos que más ricas consecuencias habría de proporcionar al arte del siglo XX. Arte básicamente anticomercial, efímero, trivial, antiformal y cuya máxima preocupación son las cualidades físicas del medio y la mutabilidad de los materiales. El debate naturaleza-cultura ocupó un papel destacado en el nacimiento y desarrollo del arte povera. Es una estética del desperdicio, con una fuerte crítica a la sociedad consumista. Es una mirada hacia los elementos primeros (agua, minerales, plantas, sacos de lona, grasas, cuerdas, tierras) como estimulantes de sensaciones que no podían dejarse

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perder bajo el signo del consumismo. M. Pistoletto fue uno de los más destacados. Utilizó espejos y jugó con la participación del espectador y la constante mutación de la imagen. La utilización permanente de materiales pobres que adquieren valor de signos por ellos mismos (carbón, algodón, madera reciclada, velas encendidas, piedras de ruinas y fragmentos de esculturas antiguas), combinan con materiales de carácter industrial, tales como planchas de acero, petróleo y los minerales. Se habla de dicotomías pendulares entre la calidez y la frialdad, lo blando y lo duro, lo orgánico y lo industrial, el pasado y el presente. Los artistas se interesaron por las fuerzas de la naturaleza (una planta, velas encendidas, plomo derretido). La suya fue una crítica poética a la civilización moderna (ejemplo: un iglú con diferentes materiales, como telgopor). Se destacaron: M Merz (italiano), el griego Jannis Kounellis, Pistoletto, etc. Arte Postal: o Arte Correo, en inglés Mail Art, es un movimiento planetario de intercambio y comunicación a través del medio postal. Su historia viene de antiguo, tanto como el servicio postal, ya que es ese su medio de difusión (ver Fluxus o los Neodadaístas). Arte Precolombino: se denominó así a la producción artística de las culturas en América desde el 2.000 a. C. hasta la llegada de los conquistadores en el 1.500 d. C. Comprende, entre otras, las culturas Olmeca, Maya, Zapoteca y Huaxteca que pertenecen a la Edad de Piedra. A la Edad de los Metales pertenecen la cultura Tolteca y la plenitud Maya (siglo X). En el siglo XIII se desarrolla el arte de los Chichimecas y en el siglo XV se produjo el apogeo Azteca. En el Sur: la cultura de Tiahuanaco y el Imperio Incaico (en Perú, Bolivia, parte de Argentina y Chile). También los Diaguitas y los Huarpes, entre otros. Arte Prerrománico: se desarrolló entre los siglos V y XI en Italia, Francia (por ejemplo Germini des Pres) y España. Arquitectura: Templos con techos de madera, planta en forma de cruz, con cúpula en el crucero. Se utilizan arcos de medio punto, bóvedas de cañón, fachadas con lesenas. Decoración con arcos ciegos, que al superponerse, originan las jambas y arquivoltas escalonadas. Escultura: arte religioso para el cual la primacía está en lo lejano, lo intangible. Predominan los valores visuales, el juego de luces y sombras, la frontalidad, la proporción jerárquica y los símbolos.

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Pintura: especialmente utiliza símbolos bíblicos, representa la lucha del hombre con el animal, los seres antitéticos, los monstruos, etc. Uso de colores vivos, planos y desligados de la realidad. Proporción jerárquica. También realizaron obras de fina orfebrería, miniaturas e iluminaciones en códices. Arte Público: son trabajos de arte en cualquier medio, planeados y ejecutados con la intención específica de la localización, o para el dominio público, generalmente exterior y accesible a todos (como ejemplo, el graffiti). Arte Romano: (750 a. C.-476 d. C.) Se desarrolló en Europa occidental, en la cuenca del Mediterráneo. Si bien recibió influencia griega, el arte romano se orienta hacia lo útil. El arte era para los griegos una pasión, para los romanos un instrumento. Fue un arte realista, utilitario y exento. Pintura: ubicada en las casa de Pompeya y Herculano. Murales pintados al fresco, mosaicos. Representaban paisajes, retratos, amorcillos, pájaros, flores, escenas de amor y escenas mitológicas. Fastuosidad. Colores estridentes. Mosaicos con trozos de barro o losas de mármol, con motivos geométricos e imágenes figurativas. Escultura: bajorrelieves (medallones y frisos) y retratos de personajes reales. Estatuas ecuestres. Influencia del arte griego. Temas: dioses, figuras ecuestres y retratos. Estilo narrativo. Relieves en los arcos triunfales con personajes reconocibles. Arquitectura: órdenes griegos, más el compuesto (mezcla de jónico y corintio) o Toscano. Construcciones macizas; construcciones circulares, bóvedas y arcos y cúpulas. Realizadas en piedra, ladrillo y hormigón. Construyeron templos, (panteón), circos (destinados a las carreras, de forma alargada), anfiteatros (para combate de gladiadores y luchas entre hombres y animales), caminos o calzadas y columnas conmemorativas (como la de Trajano). También Termas (para baños, ejercicios y conferencias), arcos triunfales (como los de Tito y Constantino, que conmemoran campañas importantes), basílicas (como la de Magencio) y teatros (como el Coliseo), acueductos (con tuberías para el agua), basílicas (destinadas a reuniones de negocios), templos (de planta circular y pórtico), termas, palacios, caminos y puentes. Arte Románico: (s. XI al XII) Se desarrolló en Europa occidental. Arte de un profundo sentido cristiano; se caracterizó por la monumentalidad y la solidez. Pintura: falta de realismo. Figuras hieráticas. Frescos, murales. Temas: escenas del Antiguo y Nuevo Testamento. Monstruos y figuras alegóricas.

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Escultura: se subordina al marco arquitectónico. Ubicada en capiteles y portales de acceso. Arquitectura: Uso de bóvedas de piedra en reemplazo de las de madera. Envoltura por arcos de medio punto. Son ejemplos: la catedral de Pisa en Italia, la catedral de Maguncia en Alemania y la abadía de Westminster, en Inglaterra. Arte romántico: es un arte expresivo que halla, como modo inmaterial de expresión, el color. Transformado en arte de manchas, la línea será en él la llameante curva de las pinceladas. Es un arte sugestivo, encomienda a la imaginación del contemplador rebasar los límites de las posibilidades de la materia. El arte romántico es un arte de libertad. (Ver Romanticismo). Artesanía: conjunto de las artes realizadas total o parcialmente a mano, que requiere destreza manual y artística para realizar objetos funcionales o decorativos. Arte Simulacionista: surge en 1.989. Trabaja a partir de reproducciones de otras imágenes (fotografías, fotocopias, reproducciones) o con objetos comerciales fabricados en serie. Tendencias: Neo-Geo, Neo-Pop, NeoAbstracción, etc. En los años 90 aparecen tendencias que se enfrentan a la subjetividad del Neoexpresionismo. Éstas se basan en teorías del sociólogo J. Baudrillard, para quien, en la era de las comunicaciones electrónicas el simulacro suplanta la realidad. Arte Tolteca: se desarrolló en el valle de Méjico entre los siglos VI y XII. Pertenece a las culturas precolombinas. Su capital es Tula. Uno de los caudillos toltecas, Topiltzin, emigró al Sur, invadió el Valle de Méjico y se estableció en territorio Maya, en Chichón Itzá, llevando a su divinidad Quetzalcoatl (serpiente emplumada). Arquitectura: monumentos de Teotihuacán (siglo XI). Pirámides escalonadas (o teocallis). Casa del Sol y de la Luna. Templo de Quetzalcoatl. Pinturas murales (en los templos), con un ritmo rígido y figuras de perfil. Cerámicas con fondo teñido, las figuras preservadas en cera o con dibujos ahuecados y rellenados con pasta de color. Escultura maciza, hierática e inexpresiva (atlantes, serpientes emplumadas), por ejemplo la imagen del dios del agua Chac Mool.

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Artes útiles o aplicadas: a diferencia de las artes libres, las artes útiles son las artes aplicadas sobre textiles, cristal, cerámica, esmalte y muebles. Artes Visuales: comprenden las diferentes expresiones del arte cuyos productos son de naturaleza principalmente visual, incluyendo las tradicionales artes plásticas (dibujo, pintura, grabado y escultura) e incorporando las nuevas formas de expresión surgidas del avance tecnológico, los denominados nuevos medios, que dieron lugar también a la aparición de nuevas formas de expresión y entrecruzamiento entre disciplinas artísticas. Las artes visuales incluyen fotografía, videoarte, arte digital, net art, fan art, instalación, intervención, Land Art, arte ambiental, arte postal, arte urbano, arte público, arte cinético. Además las artes escénicas comparten con las artes visuales: performance, arte de acción, happening. Arte yunga: dentro de las culturas precolombinas, se desarrolló en los primeros siglos de nuestra Era, en las costas peruanas del Pacífico. Cerámica: en el Norte se conoce con el nombre de Cerámica Chimú, caracterizada por los vasos decorados con escenas realistas de la vida cotidiana, modelados en forma de fruto, de animal o de rostro humano. En el Sur se conoce con el nombre de cerámica de Nazca, con temas de aves muy estilizadas. También pertenecen a esta zona las llamadas “líneas de Nazca”. En los tejidos de Nazca se repiten los mismos motivos, que se mezclan con rostros esquemáticos y formas escalonadas. Arte Zapoteca: Perteneciente a las culturas americanas precolombinas. Se desarrollaron entre los siglos VI y XII en la región de Oaxaca. Su capital religiosa fue Mitla. Se caracterizó por mostrar un interés plástico dirigido a los interiores y un sentido de intimidad y recogimiento. Relieves geometrizados, rítmicos, abstractos. Artista: según la Estética (Teoría del Arte), existen tres tipos de artistas: -éticos: en este caso el hombre se mueve por motivos morales. Sienten como valor supremo el BIEN. Creen que la armonía perfecta no está en el mundo visible. Lo más importante en la obra de arte es la forma, porque ésta es la huella del pensamiento de Dios sobre las cosas. Las formas son signos de un mundo invisible, por lo que es un arte simbólico. -estéticos: sienten como valor supremo la BELLEZA. Se mueven por la sensibilidad. Descubren la armonía en las cosas de este mundo. Lo más importante en la obra de arte es el gusto, que es la huella del juicio humano. El arte del estético, por ser el más típicamente humano, se llama arte clásico.

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-dialéctico: el hombre se mueve por motivos intelectuales. Sienten como valor supremo la VERDAD. Lo que más les importa en la obra de arte es la energía, pues ésta es la huella del genio. El “ser” dialoga con la razón en el acto íntimo de la creación artística. El arte dialéctico tiene intención emocionante, típica de los romances y las novelas. Se llama arte romántico. Asimetría: en una composición asimétrica las formas se ordenan equilibradamente sobre la superficie, sin tener en cuenta un eje o centro divisor. Son composiciones dinámicas. Assemblage: (voz francesa que significa ensamblaje). Obra de arte realizada reuniendo objetos diversos, característica del Dadaísmo, del Pop Art, etc. El assemblage participa del espíritu del collage, en un sentido amplio, cuando realiza una metáfora visual inhabitual cargada de significados imprevistos (por ejemplo assemblages de materiales en el Constructivismo y en la escultura abstracta). Denominación para un cuadro que tiende al relieve y en cuya composición se incorporan utensilios extraídos de la vida cotidiana, por regla general de forma invariable. Los primeros assemblages surgieron en la segunda década del siglo XX, como los de K Schwiters. Atracción: fuerza psicológica real que se manifiesta en aquellas zonas del campo visual en las cuales los factores de la tensión aparecen configurando centros, unidades o vectores que ejercen para el ojo cierta calidad de atracción. Se relaciona con las cualidades de los objetos o elementos del arte para captar el interés del observador. La atracción que puede presentar una obra de arte está íntimamente relacionada con su organización interna donde tamaño, configuración, contraste, textura, dirección, movimiento, etc., y los valores de asociación y representación en interacción recíproca se equilibran en la atracción, creando fuerzas en tensión dinámica. Atributo: característica (objeto o actuación determinada) de un personaje para identificar su imagen independientemente de los elementos fisionómicos, por ejemplo un tarro de salvia y cabello largo para Santa Magdalena. Atrio: originalmente era el patio de las casas romanas, pero en la arquitectura contemporánea es un espacio vacío de varias plantas de altura, o patio cubierto, situado en el centro del edificio, a través del cual se ilumina y ventila el mismo. Automatismo: técnica pictórica y literaria espontánea, en el proceso de creación, basado en el Psicoanálisis de Freud, que no presenta un control

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racional ni determinadas concepciones morales o estéticas. Fue adoptado por los Surrealistas y los artistas del Expresionismo Abstracto. El Automatismo psíquico se refiere al proceso de creación basado en el psicoanálisis de Freud en el que el pintor se encuentra con la ausencia de control sobre la razón y las preocupaciones de orden estético, como condición ideal para el acto mental. Forma de expresión empleada sobre todo por los surrealistas. Autorretrato: retrato de una persona, hecho por ella misma. Entre los autorretratos más famosos figuran los de Durero y los de Van Gogh. Axonometría: sistema de dibujo en tres dimensiones.

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B Baco: (Dionisio) Originalmente un dios de la fertilidad, Baco se convirtió en el dios del vino, y su culto estaba asociado a frenéticas orgías. Habitualmente toma la apariencia de un joven desnudo, con una corona de pámpanos y hiedra y frecuentemente ebrio. De su carro tiran panteras o cabras. Baco, hermanastro de Apolo, representa el lado oscuro y salvaje de la naturaleza humana. Lleva un nutrido cortejo de ménades y sátiros. Bajo relieve: ordenamiento plástico que, a diferencia del alto relieve, es trabajado modelando o tallando las figuras sin superar el plano de sustentación, es decir que la composición resulta como cavada sobre dicho plano. Bamboccianti: a principios del siglo XVIII, término con el que se designaba a un género de pintura que representa escenas de calles, tabernas y mercados. Barbizón, Escuela de: agrupación de artistas franceses, que a partir de 1840 se dedicaron a la pintura al aire libre. Captan la naturaleza de forma realista; muestran gran cantidad de matices lumínicos; usan el claroscuro atmosférico. Se destacaron J F Millet, C Corot, G Courbet. Barniz: materia transparente que se extiende sobre la obra terminada para protegerla y avivar sus colores. Barroco: palabra de origen portugués que significa “irregular”. Define una época del arte europeo que transcurrió aproximadamente entre 1600 y 1750. Partiendo de Roma se expandió por toda Europa. Se caracteriza por las líneas curvas, los efectos de claroscuro y un marcado ilusionismo. Se expandió especialmente en los países católicos y en Sudamérica. Su origen está ligado a Glosario de las Artes Visuales

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los ideales del Concilio de Trento y la Contrarreforma. En pintura se caracteriza por la plasmación de emociones intensas, lo elaborado de las composiciones, con predominio de la línea curva, y las osadas combinaciones de color, los efectos de claroscuro y un marcado ilusionismo. Fue un arte profuso y recargado, que mostraba un contraste de curvas y rectas. Teatral y dinámico. La composición barroca corresponde a las formas “abiertas”, donde el plano y los límites de la tela son ignorados; el espacio aparece fluido e interpenetrado; las formas trabadas unas con otras en una visión de conjunto. Según Wolfflin lo barroco se identifica con lo pictórico, descartando lo lineal. Pintura: realismo. Iluminación violenta. Contraste cromático. Composiciones grandiosas. Énfasis en la representación del volumen. Se destacaron Rubens, Franz Halls, Rembrandt, Vermeer, Velázquez, Murillo, El Greco, Zurbarán. Escultura: formas expresivas; efectos dramáticos del movimiento; detalles decorativos. Temas religiosos y de la naturaleza. Materiales: bronce, mármol, madera estucada. Arquitectura: Iglesias: importancia de las fachadas; mezcla de lo curvo y lo recto; ventanas ovales; cúpulas; bóvedas de cañón. Jardines y plazas: actúan como marco de palacios; fuentes y estanques. Palacios: disposición horizontal; entrantes y salientes; uso de molduras. Por ej. Versalles. Arquitectos: Vignola, Della Porta, Borromini, Bernini. Basílica: edificio romano en forma de gran sala rectangular, que termina generalmente en un ábside, donde se celebraban las actividades públicas de los ciudadanos. Luego la iglesia cristiana fue construida sobre la misma planta. Batik: procedimiento de decoración de un tejido por tinción, después de haber cubierto ciertas partes con cera; tejido tratado con este procedimiento. Bauhaus: escuela alemana de arte, arquitectura y diseño, fundada en Weimar, Alemania, en 1.906. Dirigida por el arquitecto W. Gropius, la escuela absorbió una serie de tendencias europeas de vanguardia, sobre todo De Stijl y el Constructivismo ruso. Sus cursos consiguieron reunir arquitectos, artistas y diseñadores y ejercieron una influencia decisiva en la evolución de la arquitectura moderna. Se caracterizó por: Buscar la unión entre arte, artesanía e industria. Pretender crear la obra de arte unitaria. Tomar como modelo de trabajo la estructura gremial del Medioevo. Producir obras de diseño funcional, despojado y de gran valor estético.

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Conformar talleres de pintura, fotografía, escultura, alfarería, grabado, metales, tipografía, diseño de muebles, tejidos, publicidad y arquitectura. Arte con una misión social. “La tarea del artista es una versión intensificada de la tarea del artesano”. W. Gropius. Busca restablecer el vínculo con la sociedad del arte, proporcionarle labores sociales por desarrollar y, al final, superar la división entre bellas artes y artes aplicadas. Estos fueron los objetivos de la Bauhaus. La pintura, la escultura, la artesanía y el diseño industrial debían convertirse en elementos integrales de la arquitectura. La visión de un entorno funcional y bello para una sociedad sin clases, era la base de los desarrollos producidos en Weimar. Representantes: W Gropius, H Meyer, M Van der Rohe, P Klee, W Kandinsky, J Albers, L Moholy-Nagy, T Van Doesburg. Belle Epoque: se llama así a los años del siglo XX que precedieron a la primera Guerra Mundial. Francia fue el país más representativo. El impacto socio económico se dio particularmente en París, que era la capital del mundo. La riqueza de la sociedad se reunía en las calles de la Ville Lumiére. Época bella, con un matiz, además de estético, de pujanza económica y satisfacción social. Período comprendido entre la última década del siglo XIX y la primera del siglo XX. Los nuevos valores eran: la expansión del Imperialismo, el fomento del Capitalismo, la enorme fe en la Ciencia y el progreso como benefactores de la humanidad; las transformaciones económicas y culturales que genera la tecnología y una visión nostálgica que tiende a embellecer el pasado europeo anterior a 1914 como un paraíso perdido tras la 1° Guerra Mundial. Bello: que tiene belleza. Bellas Artes: nombre que se da a las tres artes mayores (arquitectura, escultura, pintura) y también por extensión a otras artes, como la música y la danza. Biedemeier: estilo artístico alemán, que se desarrolló entre 1815 y 1848. Los motivos característicos son situaciones idílicas de la burguesía. Su representante más importante fue C. Spitzweg. Bio Arte: es la 1° Vanguardia del siglo XXI. El Movimiento se define como una corriente que usa tejidos vivos de animales y humanos, así como bacterias y demás organismos como materia prima para provocar reflexiones biológicas a través de la creatividad, de la catarsis y la estética. El Bio Arte es el debate ético que provoca, es la burla a las fronteras tradicionales que separan las especies. El artista brasileño Eduardo Kac es el creador del concepto Bio arte para referirse a esta nueva forma de exploración estético-metafísica.

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Blaue Reiter (Der): (El jinete azul) Grupo artístico alemán que se dio a conocer en la exposición de Múnich y que representó, en el arte de vanguardia de entonces, diferentes tendencias, distintas de la corriente patética de Die Brücke. Kandinsky y Marc postulaban la “necesidad interior, el lirismo y la libertad de medios”. Luego se les unieron el Aduanero Rousseau, R. Delaunay, Klee. Se trató del título de un Almanaque (1.912) publicado por V Kandinsky y F Marc, con textos teóricos del arte. Posteriormente se convirtió en el nombre de un grupo de artistas que deseaban expresar de forma abstracta lo “intelectual en el arte”. Se rebelaron contra la pintura académica y el Impresionismo. Se editaron en pie de igualdad las artes arcaicas y extra europeas, la imaginería y las visiones de los alienados. Boceto: esbozo coloreado para conocer el futuro efecto cromático de un cuadro Bodegón: se denomina así a la representación de objetos cuidadosamente colocados, como frutas, flores, jarras y vajillas. Body-art: a fines de 1.960 se desarrolló en Europa y EE.UU. Es una variante individual de los happenings. Consiste en trabajar sobre el cuerpo, pintando lo que éste o la inspiración sugiere al artista. No es un arte duradero y por eso mismo desmitifica aquello de que una obra pictórica debe ser algo para siempre. Es un arte efímero. Las imágenes son creadas con aerógrafos (especie de sopleteadores) y luego son retocadas con pinceles. Utiliza la fotografía y la filmación para documentar las acciones. Representantes: G. Page, U. Luthi, J. Benito. Bosquejo: dibujo preparatorio Brücke, Die: en alemán, significa “El Puente”. Movimiento artístico expresionista, desarrollado entre 1905 y 1913. Se caracteriza por una pintura intensiva, que busca mostrar la realidad subjetiva de las cosas, las percepciones profundas de cada artista. Se destacaron Kirchner, Heckel, Schmidt, Bleyl, O Muller, Pechstein. Buril: instrumento de acero templado para cortar y grabar metales y madera.

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Bustrofedón: antigua manera de escribir alternativamente de derecha a izquierda y de izquierda a derecha, sin que la línea sea discontinua. La disposición de las escenas de ciertos frescos se inspira en esta manera de escribir.

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C Calavera: símbolo de la muerte y atributo de San Francisco de Asís. En las Vanitas holandesas la presencia de la calavera recuerda la fugacidad de la vida. Calcomanía: entretenimiento desarrollado por el surrealista Max Ernst, que consiste en pasar imágenes coloridas preparadas con trementina, de un papel a objetos diversos de madera, porcelana, seda, etc. Calcografía: es el grabado realizado sobre metal, que puede ser una plancha de cobre, de acero o de cinc Se emplea la prensa manual, que consiste en un aparato con dos cilindros de acero que presionan la plancha, asentada sobre una platina de acero; los cilindros se hacen girar por medio de un aspa o manija en forma de tal, imprimiendo el dibujo sobre el papel previamente humedecido. La presión puede ser regulada a voluntad según sea necesario. Su formato se mantiene invariable desde el siglo XVII. Calígrafo: copista, con categoría de maestro en el arte de dibujar las letras. La caligrafía fue el arte por excelencia de los monjes copistas de la Edad Media. Caligrafismo: con este vocablo se designa la influencia del trazado y del virtuosismo caligráfico en el dibujo. En el Arte Moderno, el grafismo y el arabesco de la línea desempeñan un papel decisivo, en primer lugar en los trabajos del fauve Raoul Dufy, pero también algunos dibujos del escritor Jean Cocteau y de Henry Matisse, el líder de los fauves, denotan una calidad lineal expresiva. Cámara oscura: antecedente de la moderna cámara fotográfica que proyectaba imágenes en una pantalla sobre la cual podía dibujarse.

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Campo de color: es el campo a gran escala del Expresionismo Abstracto, cuando aparece sin marcas gestuales ni una configuración total. Canes o canecillos: piezas salientes del alero o cornisa que soportan la carga de la armadura o cubierta. Si se adornan con rollos o cilindros horizontales, se denominan Modillones. Canon: regla de las proporciones humanas, conforme al tipo ideal. Cantería: obra en piedra tallada de forma regular, generalmente prismática. Capitel: parte de la columna, colocada sobre el fuste, que se ensancha para conseguir más superficie de apoyo de los arcos o dinteles. Está formado por el astrágalo, el tambor y el ábaco. Suele recibir decoración, que en algunos casos permite identificar los diversos órdenes arquitectónicos clásicos. Caprichos (Los): serie de 84 aguafuertes de Francisco de Goya realizados entre 1.792 y 1.799 con la intención de censurar los errores y vicios humanos, dándoles valoración universal. Las costumbres, el anticlericalismo y la ignorancia son los temas principales. Caricatura: dibujo o pintura satírica o grotesca de una persona o cosa. Cartel: papel, pieza de tela o cualquier otro material con inscripciones o figuras, colocado en lugar visible y que sirve de anuncio, aviso, propaganda, etc. El cartel ha estado vinculado a la expansión de la producción industrial y a la evolución general del arte. A partir de 1.860 el cartelismo concentró sus efectos gracias al ejemplo de los grabados japoneses y de Gauguin; adoptó el arabesco del Art Nouveau (por ejemplo Toulouse Lautrec). Desde 1.918 el Constructivismo aportó una rigurosidad de las formas en un lenguaje de ideogramas. El fotomontaje, el cine, el comic y la simbología surrealista influyeron en el cartel. Posteriormente el cartel se ha generalizado y se han introducido en él nuevas técnicas (fotomontaje), llegando a importantes niveles de calidad y creatividad. Cartón: esbozo o diseño ejecutado sobre papel grueso o sobre cartón para que sirva de modelo en la realización de un cuadro, de una pintura al fresco, etc. Los dibujos de los cartones suelen tener idénticas dimensiones que las obras a cuya ejecución se destinan.

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Casetón: compartimento hueco, generalmente de forma cuadrada, en que queda dividida una cubierta al cruzarse las vigas que lo forman. Puede ornamentarse con un rosetón al fondo. Cenefa: dibujo de ornamentación en forma de tira o lista, consistente por lo general, en elementos repetidos de un mismo motivo, que se coloca a lo largo de los muros, pavimentos o techos. Centro o foco de atención: son aquellas partes de la obra, de la imagen visual, que consideramos las más importantes. Siempre existe un centro principal y puede haber centros secundarios. Los identificamos porque nos llaman la atención de inmediato. Chapitel: remate apuntado de una torre, generalmente bulboso, cónico o piramidal y terminado en flecha aguda. Ciclópeo: muro cuyo aparejo está formado por piedras de enorme tamaño, colocadas por lo general, sin argamasa alguna. Ciego: elemento arquitectónico que no tiene luz. Cimborrio: construcción elevada sobre el crucero en forma de torre de planta cuadrada y octogonal, con la función de iluminar el interior del edificio. Cincel: instrumento para esculpir piedra. Si se esculpe metal se llama “Buril”. Si es madera se llama “Gubia”. Si se modela barro, cera o cualquier material blando se llama “Espátula”. Cinquecento: denominación italiana para el siglo XVI en el Arte. Claraboya: ventana abierta en el techo, o en la parte más alta de las paredes. Claristorio: cuerpo alto de ventanas. Situado en la nave central de un edificio medieval, por encima de las cubiertas de las naves laterales. Sirve para iluminar el interior. Claroscuro: es la dualidad entre luz y sombra, así como los infinitos matices que entre ellos existen. Toda obra presenta una relación de valores tonales

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claros y oscuros; la organización de los mismos hará que la representación sea bi o tridimensional. Esta técnica que modela las formas a través del contraste de luces y sombras fue creada en el siglo XVI. Asimismo, el colorido pasa a un segundo plano en favor del contraste luminoso. Clásico: relativo a la antigüedad greco latina tal como la comprendieron e imitaron escritores y artistas a partir del Renacimiento. Se identifica con lo estático, el equilibrio simétrico, los valores táctiles, la forma cerrada, determinada por lo lineal. Los claros y oscuros se subordinan a las formas; es un arte en el que predomina el ordenamiento vertical-horizontal, como tributo a la necesidad de claridad y precisión. Clasicismo: surgió en la segunda mitad del siglo XVII en Francia. Fue un movimiento artístico caracterizado por la solidez en las formas y el equilibrio en la composición. Inspirados en la tradición grecorromana, los artistas clasicistas resolvieron sus obras de acuerdo con el espíritu racional y el orden matemático. Dos representantes de esta etapa fueron N. Poussin y C. Lorraine. Clave: dovela central de un arco. Pieza central de una bóveda. Cloisonnisme: técnica que representa las imágenes bidimensionales mediante grandes planos de colores puros separados por trazos oscuros. Fue utilizada a fines del siglo XIX por el francés Paul Gauguin. Códices: recopilaciones de imágenes. Las escenas descritas van acompañadas de símbolos y signos jeroglíficos. Recogen rituales religiosos, acontecimientos astronómicos o genealogías principescas. Casi todos los códices están plegados en forma de acordeón y pintadas por las dos caras. Código: conjunto de reglas o preceptos sobre cualquier materia; cualquier sistema de signos para representar información. Colagraf: técnica de grabado en hueco, con texturas y colores. Se prepara un cartón duro (medio a grueso). Se hacen cortes a 45° con un cuchillo cartonero en todos los bordes del cartón, para que no haya dificultades en la prensa y la pintura de la matriz no explote en la hoja. Se le añaden materiales tales como telas, papel, madera, incluso lentejas, arroz, etc. También papel higiénico con cola de secado rápido, cintas de papel, virutas de madera, etc. Luego se entinta la matriz con pincel y se añaden colores. Con papel de diario se retira el exceso

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de tinta. Con otro color más claro se le da una pasada con el rodillo. Se debe ajustar el tórculo, poner el registro y sacar el papel (que puede ser Super Alpha), que debería haber estado cinco minutos en remojo y secándose. Se coloca entonces todo bajo una almohada de gomaespuma y la mantilla del tórculo y se estampa. Color: el color es una sensación que percibimos gracias a la existencia y naturaleza de la luz y a la disposición de nuestros órganos visuales. Colores armónicos: son aquellos que se encuentran en proximidad inmediata en el círculo cromático (por ejemplo el amarillo y el naranja). Colores complementarios: son aquellos que están opuestos en el círculo cromático (son el verde y el rojo, azul y naranja, amarillo y violeta). El color complementario es aquel que en el círculo cromático se encuentra frente a otro y de cuya combinación derivan los demás; su mezcla aditiva da blanco y la sustractiva negro. Color local: color del objeto no sujeto a influencias de la luz u otros factores. Color pigmento: se llama así a la propiedad que tiene un objeto por la que absorbe todas las radiaciones, excepto la que corresponde a su propio color. Colores primarios: los tres colores (rojo, azul y amarillo) de los que derivan todos los demás; no pueden obtenerse mediante mezcla, pero combinados entre sí crean otros colores. Colour-fieldpainting: en inglés, “pintura de campos cromáticos”. Tendencia del expresionismo abstracto de los años ´60 del siglo XX en la que el color se convierte en el medio de expresión más importante y se pinta superficialmente sobre el lienzo. Sus máximos representantes son B. Newman y M. Rothko. Columna: soporte de sección circular, cuyas partes principales de abajo arriba son: Basa, Fuste y Capitel. Collage: composición realizada a base de incorporar elementos diversos pegándolos sobre una tela, cartulina, etc. y técnica con que se realiza. Representación artística que incorpora materiales como papeles, telas, fragmentos y desechos de cualquier género para crear los cuadros.

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Comic: secuencia de imágenes acompañadas por un texto, que relatan una acción cuyo desarrollo temporal se produce a través de saltos sucesivos de una imagen a otra, sin que queden interrumpidas la continuidad de la narración ni la presencia de los personajes. El comic en un principio era sólo la simple ilustración de un relato. Pronto conquistó un espacio específico: el dibujo incluye “bocadillos” (o globos) destinados a recibir el texto. Inicialmente humorísticos, los cómics pasaron a tratar gran variedad de temas, desde la rebeldía infantil hasta el mundo del sueño, o problemas de la familia y la inserción social. Comunicación: conjunto de técnicas que permiten la difusión de mensajes escritos o audiovisuales a una audiencia vasta y heterogénea. Composición: la composición de un cuadro consiste en su arreglo, que debe ser ordenado de modo que las partes, rasgos y factores formen un conjunto equilibrado y armonioso. Esta armonía puede ser simétrica o asimétrica. La simetría no es esencial, pero el equilibrio sí lo es, por cuanto se compone de colores y líneas, tanto como de masas y espacios. Los principios de composición pueden ser: Relación entre color y forma. Simetría/ Asimetría Movimiento, Ritmo, etc. No es más que la manera que el artista ha elegido para distribuir los elementos de su representación en el plano (el soporte de la obra). La Composición Dinámica: uno de los recursos utilizados para dar sensación de movimiento es la oblicuidad de las líneas o formas; la deformación de las figuras; la interacción de colores que contrastan. La dinámica de la composición se logra cuando el movimiento de cada uno de los detalles se adecua al movimiento de conjunto. La obra de arte se organiza en torno a un tema dinámico dominante, desde el cual el movimiento se propaga por toda el área de la composición. La composición estática es aquella que no produce movimiento visual. Llamada también clásica, está basada en motivos que provocan equilibrio sin tensión. Conceptos fundamentales: H. Wolfflin ensaya con estos famosos conceptos fundamentales una lúcida interpretación de los puntos esenciales que definen la transición de lo clásico a lo barroco, generalizando en las dos grandes corrientes básicas toda la historia del arte occidental. Se encuentran

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divididos en partes que marcan las características principales de ambos estilos y consisten en: 1. “La evolución de lo lineal a lo pictórico”, es decir de la aprehensión de los cuerpos según el carácter táctil a una interpretación de la mera apariencia óptica. 2. “La evolución de lo superficial a lo profundo”. El arte clásico ordena su espacio en planos o capas yuxtapuestas. El barroco acentúa la relación entre figuras y fondos. La superposición y el escorzo, además de otros efectos espaciales, son sus características principales. 3. “El paso de la forma cerrada a la abierta”. Forma abierta, como consecuencia del abandono de lo lineal en beneficio de lo pictórico. 4. “La evolución de lo múltiple a lo unitario”, de las formas tectónicas del conjunto clásico que siguen siendo autónomas no obstante participar del total, a las partes concentradas en un motivo, a la subordinación de los elementos bajo la hegemonía de uno. 5. Como consecuencia, “el pasaje de la claridad absoluta de las formas clásicas a la claridad relativa de lo barroco”. En el primero, las cosas pueden ser tomadas separadamente y son asequibles al tacto; en el segundo, las cosas se representan según aparecen a los sentidos, “vistas en globo”, según sus cualidades pictóricas. Configuración: se denomina así a todo conjunto organizado que no puede ser alterado en sus elementos sin perder significación, siendo por ello “algo más que la suma de sus partes”. Connotación: se dice de las cualidades caracteres o atributos que son designados por un término dado, es decir que constituyen un aspecto de su significado. Por oposición a denotación que se refiere a los objetos o clase de fenómenos designados por el término que indica o denuncia. Que alude a un significado u objeto por medio de un detalle o componente del mismo. Connotar: sugerir una palabra o imagen otra significación, además de la primera (por ejemplo, león denota el animal de este nombre y connota “valentía”). Consonancia: por analogía con la música, relación de afinidad o semejanza formal o tonal que entra en juego simultáneo en una composición. Constructivismo: corriente de las artes plásticas del siglo XX que privilegia una construcción geométrica de las formas. De origen ruso, el movimiento fue de

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naturaleza espiritual y estética en los hermanos Gabo y Pevsner, autores del “Manifiesto Realista” de 1.920, así como Malevitch, en la misma época. Todos ellos buscaban en las construcciones escultóricas o pictóricas de líneas y planos la expresión de una esencia del universo. Otros movimientos como De Stijl se incluyen en el Constructivismo en sentido amplio, así como la escultura abstracta de tendencia geométrica; el arte cinético nació también del Constructivismo. El Constructivismo, junto al Suprematismo, refleja el pensamiento político revolucionario (el anarquismo), en Rusia. Fundado por Tatlín, fue un movimiento orientado hacia la tecnología y sus aplicaciones. Malevitch y Lissitzky coincidieron en un mismo deseo de aplicarlo a la arquitectura, al diseño y a las artes gráficas. Contenido: tema o asunto de una obra de arte. Hasta la revolución del abstraccionismo era algo dado por la realidad, (un paisaje, un hombre, un animal, un objeto). Pero el impresionismo, el fovismo, el cubismo y luego el futurismo, mostraron la posibilidad de que el artista prescindiera de la imagen de cosas exteriores y lo que él quería transmitir podía lograrlo a través de elementos formales solos: el color, la línea, la composición, la luz, etc. R Arnheim, filósofo alemán que se especializó en el análisis de la obra de arte y en las claves de su producción, escribió que “Toda obra de arte debe expresar algo”. Esto significa, en primer lugar, que el contenido de la obra debe ir más allá de la presentación de los objetos individuales que la constituyen”. Estos objetos individuales son los representativos o denotados, es decir, aquellos que se identifican sin esfuerzo (rostros, por ejemplo). Pero cuando frente a una obra de arte nos atenemos al significado explícito (lo denotado) estamos renunciando al desafío implícito. Este desafío consiste en descubrir qué connota la obra, qué nos quiere decir más allá de lo que muestra. Contexto: es el conjunto de circunstancias en el que se produce un hecho histórico (lugar, tiempo, hechos relevantes, etc.) Contorno: línea o contraste que rodea y delimita un objeto o figura. Contrafuerte: refuerzo vertical de un muro, generalmente al exterior, que contiene y contrarresta las presiones laterales. Contraposición: (contraposto) representación de personajes enteros que apoyan todo el peso del cuerpo sobre la pierna de apoyo y descansan la pierna

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libre. Esta posición se desarrolló en la escultura de la Grecia clásica y se redescubrió durante el Renacimiento. Contraste: gran oposición o contraposición que existe entre las cosas. En la pintura se diferencia entre contrastes “claroscuros”, “cromáticos”, “cálidos y fríos”, “complementarios” o “simultáneos”. Contraste complementario: contraste cromático en el que los colores complementarios se han colocado juntos. Mediante esta técnica los colores refuerzan entre sí su luminosidad. Cornisa: parte sobresaliente superior de un entablamento. También se utiliza para señalar los pisos o plantas sobre el paramento exterior de los muros en algunas construcciones. Costumbrismo: en las obras literarias y pictóricas, atención especial que se presta a la descripción de las costumbres típicas de un país o región. Los cuadros de costumbres pintan usos, hábitos, tipos característicos o representativos de la realidad, paisajes, diversiones. A veces con el ánimo de divertir y otras con marcada intención de crítica social. Crestería: serie de ornamentos, generalmente calados, que corona un edificio o el borde de una techumbre, etc. Cromo de devoción: son estampas que sirven a la religiosidad y devoción personal. Los motivos más preciados a partir del siglo XIV son Pasión de Cristo y María, La última Cena y Piedad. Croquis: es un dibujo sencillo que ubica las principales líneas de la composición. Crucero: espacio de un templo en el que se cruzan dos naves perpendiculares, siendo una de ellas la nave principal. Cruz latina: forma de planta de iglesia en la arquitectura cristiana, con dos brazos, uno más corto que otro. Cruz griega: forma de cruz en la que los cuatro brazos poseen la misma longitud. Se aplica a la planta de la iglesia cristiana.

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Cuadro: cada uno de los dibujos o fotografías que componen una secuencia animada. Cubismo: escuela artística que hacia los años 1.908-1.920 sustituyó los tipos de representación procedentes del Renacimiento por métodos nuevos y más autónomos de construcción plástica. Este movimiento, al abandonar la concepción clásica del espacio y la figuración, revolucionó la pintura. La influencia de Cézanne, el descubrimiento del arte negro y de las artes primitivas, abrieron camino a los trabajos de Picasso (“Las señoritas de Avignon” 1.908). Con el período “analítico”, a partir de 1.910, el Cubismo llevó su exploración más allá: adoptó una multiplicidad de ángulos visuales para alcanzar una visión total y crear un “objeto estético extremadamente estructurado”. Esta nueva concepción del espacio pictórico y de la forma favoreció el monocromatismo y el estudio de la luz. Al acentuar la ambigüedad entre la apariencia y la esencia de lo real, así como entre la imagen concreta y el concepto abstracto, los cubistas introdujeron cifras, letras, objetos pintados con efectos, dando lugar a los collages y papeles pegados, verdaderos fragmentos de realidad integrados en el cuadro. De un modo progresivo la síntesis de la imagen a partir de elementos escogidos fue sustituyendo al procedimiento analítico: la fase “sintética” del cubismo (a partir de 1.912-13) es la organización del cuadro de un todo coherente con algunos signos esenciales, geométricos y con elementos extraídos de la realidad: arena, trozos de periódicos, papeles pintados, etc. El color volvió a tomar importancia, en especial con el “Cubismo Órfico” de Delaunay. Pero el desarrollo de las múltiples investigaciones cubistas se interrumpió a causa de la guerra: los grandes maestros siguieron un estilo personal. También la escultura supo interpretar en tres dimensiones los principios cubistas con Picasso, Archipenko, Csáky, Duchamp-Villon, Laurens, Lipchitz, Zadkine, G. Braque, Juan Gris, F. Léger, R. Delaunay. Cultura: se denomina así al conjunto de valores, costumbres, creencias y prácticas, que constituyen la forma de vida de un grupo humano específico. Cupido: en la antigua Grecia Cupido era conocido como Eros, el hijo joven de Afrodita, la diosa del amor, la belleza y la fertilidad. Para los romanos Cupido es el dios del amor, hijo de Venus y de Marte. Se le representa como un bello joven alado. A la espalda lleva dos clases de flechas, unas doradas, con plumas de paloma, que provocan un amor instantáneo y otras plateadas con plumas de búho, que provocan la indiferencia.

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Cúpula: bóveda semiesférica. Normalmente cubre un espacio cuadrado, cuyo paso a planta circular u octogonal se da por medio de “trompas” o “pechinas”. Cuando se desea conseguir una mayor elevación de la cúpula, no se hace a ésta reposar sobre las trompas o pechinas, sino sobre un anillo o tambor, a menudo de tipo cilíndrico u octogonal. Curador: es quien dentro del museo organiza las exposiciones. En forma independiente, el curador busca una institución que acepte su idea y le dé el espacio para realizarla. Cuando trabaja con un solo artista, se dedica a analizar el concepto de la obra. Puede organizarla cronológicamente, según los temas, según los países, según los colores, etc.

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CH Chippendale: (Thomas), ebanista británico. En 1.749 abrió un taller en Londres. Su fama se debe sobre todo a un libro de modelos de muebles, publicado en 1.754 (“Directorio del ebanista y del caballero”), que se convirtió en la gramática del estilo Chippendale. Éste combina, con una fantasía en ocasiones caprichosa, las fuentes británicas (gótico), francesas (rococó), neerlandesas y chinas. Churriguerismo: modalidad del barroco tardío español, que toma nombre del arquitecto J. B. Churriguera. Se caracterizó por una ornamentación exhaustiva y fantasiosa, con inclusión de elementos de influencia árabe.

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D Dadá: denominación adoptada en 1.916 por un grupo de artistas y escritores de Suiza y Alemania, enfrentados a lo absurdo de su época y resueltos a poner en tela de juicio todos los modos de expresión tradicionales. Voltaire, Ball, Tzara, Janco, Arp, Ritcher, dieron vida a manifestaciones provocativas donde se mezclaban diversos modos de expresión. Simultáneamente se desarrolló otro epicentro en Nueva York, con Duchamp, Picabia, Man Ray. En Colonia se destacaron Max Ernst (que practicó el collage) y Arp. El Dadá, a causa de su virulencia antiarte, abrió el camino a los vanguardistas posteriores (Surrealismo, Happening, Pop Art, Neorrealismo, Arte Conceptual, etc.). Juzga los valores culturales de manera agresiva e irreverente. Considera necesaria la destrucción para construir un nuevo orden. Utiliza el azar y el absurdo para la elaboración de sus obras. Amalgama el teatro, la música, la pintura, la escenografía, etc. en collages, fotomontajes y ensamblajes. En el manifiesto Dadaísta de 1918 se lee que “el arte dadaísta desintegra todos los lugares comunes como ética, cultura y vida interior, que no son sino la envoltura de músculos débiles”. Fue una corriente global: Suiza, Italia, los Países Bajos, Alemania, Austria, Hungría, Serbia, Rumania, Polonia y Estados Unidos. La revuelta dadaísta fue una expresión de aversión, inquietud y desesperación ante un mundo en guerra. El Dadaísmo sacó sus conclusiones respecto a la locura de una fe incuestionable en el progreso y procedió a celebrar el triunfo de lo absurdo. El Dadaísmo fue un ataque contra la “civilización que produjo la guerra” y sus valores eternos. Se destacaron Hugo Ball en Zurich, K Schwitters en Hannover, Man Ray en New York, en Colonia, Max Ernst. En 1916 se inauguró en Zurich el cabaret Voltaire, una asociación de jóvenes artistas y hombres literarios: Ball, Tzara, Arp, hicieron poesía de lo absurdo y grotesco, fueron irónicos, ilógicos, provocativos. Utilizaron en sus pinturas el fotomontaje. Duchamp fue el creador del ready-made: objetos banales

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colocados en un museo y declarados obras de arte. El Dadá es una rebelión contra los valores artísticos tradicionales. Decollage: procedimiento que consiste en superponer sobre toda la superficie del papel diferentes elementos gráficos. Después, de forma intencionada o de forma arbitraria, se van arrancando fragmentos de las diferentes capas de papeles pegados. Decorativo (artes decorativas): disciplinas dedicadas a la producción de elementos decorativos y de objetos más o menos funcionales provistos de valor estético (tapicería, vidriera, pintura y escultura ornamental, ebanistería, cerámica, orfebrería, etc.) Decorativismo: Decorar es sinónimo de adornar. La esencia de lo decorativo reside en la disposición armoniosa de los aspectos exteriores (de lo aparencial), ordenados en planos coloreados y ritmos lineales, que se repiten frecuentemente en toda la superficie de la obra. Estos factores se oponen, en consecuencia, al encaramiento puramente plástico de la obra, el cual requiere que la expresión se concentre en torno de un centro de gravedad espiritual y material para infundirle vida propia mediante la animación de la forma y el color. El vocablo Decorativismo se refiere a las características decorativas de una obra. Cuando se lo usa en sentido peyorativo se quiere indicar superficialidad y ausencia de una expresión más profunda, en cuyo caso queda como único mérito la impresión agradable a la vista. Deconstructivismo: en el Arte busca desmontar y re contextualizar materiales de los medios convencionales, para poner al descubierto mensajes potenciales nocivos. Denotación: Es la descripción detallada de las formas, los colores, elementos y estructura de la imagen plástica. Dentículo: pequeña pieza de forma aproximadamente cúbica, que se coloca en líneas en las cornisas del entablamento clásico. De Stijl: (o Neoplasticismo) Fundado en 1917 por Mondrian y Van Doesburg, fue un movimiento holandés, de espíritu burgués. La paz, la armonía, la disciplina, eran los factores que lo caracterizaron y un mundo armonioso fue su objetivo utópico. Hablaban de un arte “concreto” y explicaban que el color, la

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forma y el plano, eran valores concretos que representaban una realidad por sí mismos. El color y la forma se liberaron, tuvieron por fin plena autonomía como valores por sí mismos. Se lograban superficies pintadas con colores puros (rojo, azul, amarillo, más blanco y negro). Detallismo: modalidad representativa de extrema prolijidad, que muchas veces excede los límites impuestos por la relación entre las dimensiones del conjunto. En el Arte Contemporáneo fue cultivado especialmente por algunos pintores surrealistas. Diagrama: esqueleto estructural de apoyo para ordenar una obra; puede ser sobre redes o tramas, diagonales, ejes estructurales, mediatrices, que sirven para tal fin. También es figura o construcción simbólica de tres dimensiones que se emplea para representar las relaciones de todos los colores posibles de visualizar, con respecto a sus atributos fundamentales de brillo, valor, color y saturación. Dibujo: representación gráfica en la que la imagen se traza, de modo más o menos complejo, sobre una superficie que constituye el fondo. En una pintura, delineación de las figuras y su ordenación general, consideradas independientemente del colorido. Capaz desde las épocas primitivas de expresar tanto valores como contornos, el dibujo no está separado de la pintura por ninguna solución de continuidad precisa. Su especificidad se encuentra en el carácter de “gestualidad” inmediata que con frecuencia se presenta debido a la relativa sencillez de sus instrumentos que, desde siempre, han sido como la prolongación natural de la mano humana: puntas de metal, madera carbonizada, fragmentos de rocas colorantes, pluma y pincel. Dibujo satírico y de humor: ya presente en algunas figuras esculpidas de las catedrales de la Edad Media, el arte de exagerar un personaje o una situación para denunciarlo o burlarse de él, inspiró a Leonardo da Vinci (caras gesticulares), Arcimboldi (retratos compuestos de legumbres y frutas), etc. En el siglo XVII la litografía, técnica directa y rápida aplicó la sátira gráfica. Se abordaron las cuestiones políticas y sociales. Luego de la 2° guerra mundial el dibujo humorístico tomó un carácter más amable, de información y de ilustración y su blanco fue el mundo moderno y lo absurdo, aunque también fue contestatario. Dibujar significa crear, utilizando un solo color, una adecuada representación gráfica de los dos aspectos que toda imagen presenta: forma y volumen. Para captar la forma de una imagen hay que saber situar todos sus

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elementos, captar sus proporciones, expresar el movimiento, etc. Y para captar el volumen, hay que copiar sus tonos claros y oscuros con fidelidad. Esto es para objetos reales captados por el trazo. También se pueden dibujar imágenes que no son representativas, sino imaginativas, como en el arte abstracto. Difuminado: del italiano, sfumato. Técnica pictórica desarrollada por Leonardo da Vinci. Define la gradual e imperceptible transición entre áreas de diferentes colores sin utilizar contornos duros. Dintel: viga horizontal entre dos columnas o sobre el hueco de un muro. Elemento horizontal que soporta una carga, apoyando sus extremos en las jambas o soportes de un vano. Dirección: factor formal. Posición dada por la tensión hacia un destino. Extremo de contraste u oposición. Se vincula intrínsecamente con el movimiento ya que la dirección es dirección del movimiento. Las figuras y formas manifiestan movimiento o tensión en la dirección de sus ejes, vértices o contornos. Direcciones de la pintura: (o de una imagen visual) Son ejes, líneas imaginarias (horizontales, verticales u oblicuas) alrededor de las cuales se han distribuido los elementos de la pintura. Se trazan en relación a la posición que ocupan los elementos dentro de la obra. Así, el eje más evidente de “la Gioconda” es el vertical que atraviesa a la mujer y que la divide en dos mitades perfectas. También encontramos un eje horizontal a la altura de los hombros. La línea vertical provoca espiritualidad y cierto dinamismo ascendente; la línea horizontal provoca serenidad y quietud; las líneas oblicuas provocan sensación de movimiento y energía. Diseño: disciplina que tiene por objeto una armonización del entorno humano, desde la concepción de los objetos de uso hasta el urbanismo. Busca dar una respuesta útil a una necesidad concreta, busca la forma más bella y agradable. Provee los materiales más idóneos para su construcción y da la garantía de la utilidad del objeto. Es una actividad eminentemente creativa que se basa en la ciencia y en la técnica y se expresa por medio del dibujo. Discordancia: falta de relación entre colores y formas. Disconformidad. Contrariedad. Diversidad.

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Divisionismo: técnica de los pintores neo impresionistas, llamado también “puntillismo”. G. Seurat creó una técnica que consistía en la aplicación de puntos de color primario para formar el color secundario en la retina del espectador, ya que la mirada es el lugar donde se funden esas pequeñas manchas. Dominante: preponderante, principal, enfático. Estructura que emerge como figura contra un fondo o campo dado. Implica la presencia de subordinación del resto del campo o elementos componentes. En toda composición existen partes predominantes y subordinadas en cuya relación orgánica, mediante el ritmo, la proporción y el equilibrio, se infiere la unidad de la obra. Dovelas: cada una de las piezas que forman un arco, con sus bordes generalmente radiales. Dripping: En inglés, “chorreo”.Pollok, artista norteamericano, experimenta esta técnica a partir de 1.946. Consiste en una lluvia casual de color sobre la tela colocada en el suelo. Se impone como iniciación del Action Painting o Expresionismo Abstracto.

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E Ecléctico: que intenta conciliar elementos de tendencias diversas. Eclecticismo: noción que se refiere al estilo individual de un artista que conscientemente elige elementos formales de estilos anteriores o de estilos individuales de artistas famosos, para formar con ellos un estilo nuevo y propio al que, por consiguiente, no puede atribuirse auténtica originalidad. Sin embargo, puede tratarse asimismo de un artista que pese a ser original exprese sólo en forma muy limitada una modalidad personal, por estar influido en exceso por la obra de otros artistas o de una escuela. Edículo: marco de una hornacina formada por dos columnas y un frontón. Muy usado en la arquitectura clásica para enmarcar las ventanas y las puertas. También llamado tabernáculo. Efectismo: refiriéndose a una obra pictórica, se habla de Efectismo si el efecto dado o el propósito de impresionar no obedecen a motivos intrínsecos, naturales, verdaderos y lógicos, o si se trata de una exageración ostentosa de un efecto. Formalmente, los recursos más comunes para producir efecto en la obra pictórica son: Oposición de luz y sombra. Acentuación del modelado de figuras y objetos. Elaboración de la figura para destacarla del fondo, confiriéndole relieve. Acentuación mediante colorido vivaz. Ejes: líneas imaginarias (horizontales, verticales u oblicuas), que se tienden en el sentido de las direcciones y/o posiciones dominantes de un cuerpo, forma y figura u objeto cualquiera, con el fin de determinar su orientación. Alrededor de ellas se distribuyen los elementos de la pintura.

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El Nuevo Muralismo: esta corriente, que reintegra a la pintura a una función colectiva, se inició en Méjico. J. Clemente Orozco busca un arte vivo en el alma nacional mejicana. Hizo de su obra un anatema contra los opresores y una apología de los deprimidos. También se destacaron las obras de Diego Rivera, David A. Siqueiros y R. Tamayo. En Brasil, Cándido Portinari y en Argentina, Lino E. Spilimbergo. Emblema: unión de varios símbolos simples (por ejemplo la bandera). Realización simbólica de una representación mediante elementos figurativos que se convierten en una alegoría vastamente aceptada. En el Barroco existieron una gran cantidad de libros que ayudaban a descifrar esta forma de representación de enseñanzas morales y religiosas, muy expandida por aquel entonces. Empaste: pintura al óleo aplicada abundantemente sobre el lienzo para crear sensación de relieve. Mezcla de colores para obtener, especialmente en la pintura al óleo, una tonalidad o efecto cromático particular; se hace sobre la paleta o directamente sobre la tela. Encáustica: procedimiento pictórico que usaron los antiguos griegos. Consistía en mezclar los colores con cera. Calentada luego sobre las brasas de un hornillo, las ceras coloreadas, al volverse líquidas, eran aplicadas con el pincel. Después había que licuarlas de nuevo si en el transcurso de su aplicación al cuadro se iban inutilizando al enfriarse. Con “cauterios” o hierros calientes se derretían las barras de cera y se mezclaban sus colores: servían para prolongar la acción demasiado corta del pincel; quebraban las tonalidades haciéndolas pasar de unas a otras gradualmente, según conviniera y completaban el modelado. Se hacía sobre madera, marfil, piedra o yeso. Endopatía: participación en una situación o hecho objetivo mediante la comprensión afectiva del mismo. Proyección sentimental del sujeto observador ante un objeto estético. Engobe: el engobe o revestimiento es una capa terrosa, blanca o coloreada, con la cual los alfareros recubren la pasta cerámica para disimular su color natural. Los griegos sabían rascar el engobe en algunos puntos para formar dibujos esgrafiados al descubrir la pasta de abajo.

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Enjuta: cada uno de los espacios o superficies triangulares resultantes de inscribir un arco en un cuadrado. Entablamento: Conjunto de piezas que gravitan inmediatamente sobre las columnas en la arquitectura clásica. Se dividen en tres secciones: arquitrabe, friso, cornisa. Entonación: se denomina así a la ordenación de los colores, de manera que lleguen a expresar aquello que desea el artista. Se trata de llevar los colores a una tonalidad ajustada, a una relación de temperatura, color, valor, saturación, en la cual aquéllos se subordinan a algunos de estos factores. Entrelazado: ornamentación cuyos dibujos se cruzan y entrecruzan, con sentido geométrico. Enviromental art: movimiento surgido a principios de 1960 que tendía a unificar la pintura, la escultura y las artes visuales en general y en el que el espectador puede entrar o intervenir en la creación de ambientes (environments), hallándose así implicado en la obra de arte. Epígono: se les denomina así a todos los que siguen servilmente corrientes personalistas. Equilibrio: estado de reposo resultante de la actuación de fuerzas que se contrarrestan. Contrapeso, armonía entre cosas diversas. Se refiere a la sensación de estabilidad que transmite una pintura, por más que su contenido sea caótico. Toda buena obra de arte está perfectamente equilibrada. Se trata de la posibilidad de distribuir los cuerpos dentro del espacio, de manera que conformen la armonía de conjunto. Percibir el equilibrio dentro de una pintura es un acto puramente intuitivo y sólo se comprende conscientemente al analizarla. Se debe observar en qué lugar han sido colocados los pesos visuales y los motivos por los cuales ha sido tolerado el peso. Si el mayor peso se halla en los sectores más livianos del plano básico, es seguro que habrán pesos menores en las zonas inferiores que compensen al primero, logrando así que la obra no se desequilibre. Escalas: son diagramas graduados de valores, colores, intensidades o texturas en orden creciente o decreciente, numérico y geométrico, con el objeto de organizar los intervalos y ejercitar su control.

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Esencialismo: movimiento fundado por Heriberto Zorrilla, en el que participa también Helena Distéfano. El arte se define por la trascendencia, por esa tentativa del hombre de buscar en el misterio de su propia existencia, independientemente de la técnica que utilice para lograrlo. Escorzo: posición o representación de una figura, especialmente humana, cuando una parte de ella está vuelta con un giro con respecto al resto. Escribano o iluminador: artista que ilumina, es decir, que adorna con miniaturas los manuscritos medievales. El “scriptor” era el monje que escribía el texto. Escuela: conjunto de personas que en filosofía, ciencia o arte siguen una misma doctrina o tienen un estilo que da unidad al grupo. Escuela de Fontainebleau: la expresión se emplea para designar las pinturas decorativas del Palacio de Fontainebleau y en general, a toda pintura con estas características (pinturas a veces anónimas, sensuales, de temas mitológicos, manieristas), realizadas en Francia. Es un ejemplo la obra Retrato de Gabrielle y Julienne d´Estrées. Escuela de París: Originariamente se llamaba así a un grupo de pintores judíos nacidos entre 1.884 y 1.900, de origen extranjero pero residentes en París. Eran ellos Modigliani, Pascin, Chagall, Kisling y Soutine. Su arte, de tendencia expresionista, se caracteriza por la tristeza melancólica y el pesimismo patético. Después se ha generalizado esta denominación para incluir en ella la actividad renovadora de los notables artistas parisienses de tendencia vanguardista. Escultura: la escultura apareció en tiempos prehistóricos, con un contenido simbólico y sagrado, que no abandonará (por lo menos parcialmente) hasta la época moderna. Puede desarrollarse de forma autónoma en las tres dimensiones (exenta) o estar conectada con el fondo (bajo o alto relieve). Los materiales utilizados desde las épocas más remotas fueron: piedra, mármol, hueso o marfil para ciertas piezas pequeñas y madera con instrumentos adaptados a la talla. El modelado (tierra, yeso, cera) se emplea en los trabajos preparatorios o en obras destinadas a ser fundidas en bronce u otro metal. A

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dichos materiales deben sumarse otras formas de expresión, tales como las ensambladuras, las obras cinéticas, minimalistas, conceptuales, etc. Esgrafiado: técnica consistente en la superposición de capas de revoque de distinto color, alguna de las cuales se quita en determinadas zonas, según un dibujo previo, con lo que se obtiene una decoración policroma. Esmalte: colorante transparente y fino, a base de resinas, con el que se cubren los soportes pictóricos o los cuadros pintados, produciéndose mezclas cromáticas muy sutiles y matizadas. Esmalte alveolado: es una de las técnicas más delicadas que existen y pertenece al arte bizantino. Sobre una tenue placa de oro o de electro, se sueldan láminas de oro que diseñan los trazos, los contornos y los pliegues de las vestiduras de los personajes representados. A continuación se depositan en estos compartimentos aislados entre sí las pastas vítreas hechas de plomo y de bórax mezclados con óxidos metálicos que proporcionan los distintos colores. Por último se pule la superficie con una piel de cabra para resaltar el dibujo alveolado y dar al esmalte su fulgor indestructible. Espacialismo: movimiento artístico que trata de cambiar la relación entre el hombre y el espacio físico (1.948). Tanto Rothko como Fontana restituyen a la pintura la cualidad de crear atmósferas inmateriales, sublimadas por la luz y el color. Es una forma de arte que emplea medios nuevos puestos a disposición de los artistas por la técnica, como: radio, televisión, luz negra, radar y todos los medios que aún puede descubrir la inteligencia humana. El espectador ha de crear las sensaciones espaciales por sí mismo, con su propia fantasía y con las emociones que recibe. Espacio: en el arte pictórico, según la interpretación común, espacio es la superficie del cuadro sobre la cual se disponen los planos, o, en el caso de que el cuadro sugiera profundidad, el ámbito en el que se encuentran ubicados los volúmenes o masas. El espacio es masa negativa y en la composición de un cuadro puede serle atribuida una función similar a la que cumplen los silencios en la música. Espacio ambiguo: fenómeno de la percepción visual por el cual un mismo signo o esquema da dos o más posibilidades de interpretación espacial, sin que predomine netamente una de ellas.

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Espacio bidimensional: espacio de representación sobre el plano de la imagen. Superficie limitada de dos dimensiones. Diseño sobre una superficie plana sin sugerencias de profundidad. En general se relaciona con todo espacio de representación que elude la ilusión de profundidad como recurso de énfasis plástico, y en particular con la pintura contemporánea que parte del respeto al plano de soporte y evita la ilusión fácil de la perspectiva del cuadro-ventana. También fue propio de las pinturas primitivas. Espacio tridimensional: Espacio propio de la experiencia cotidiana, en el cual ancho, alto y profundidad son las dimensiones determinantes. Espadaña: pared elevada sobre la fachada, que sirve de campanario. Suele poseer uno o más vanos, en los cuales se ubican las campanas. Esquema: representación de algo atendiendo sólo a sus líneas o caracteres más salientes. Esquematismo: el esquematismo en las Artes Plásticas es la representación expedita de lo natural transformado por las emociones anímicas y por la elaboración espiritual, atendiendo sólo a sus líneas y rasgos más significativos. Muchos de los artistas contemporáneos se han servido resueltamente del esquematismo para hacer más perceptibles sus ideas. Tal es el caso de Paul Klee y Miró. Estampar: imprimir, sacar en estampas las figuras, dibujos o letras contenidos en un molde, ejerciendo presión sobre un papel, tela, etc. o sobre un objeto de metal, cuero, etc. Estarcir: estampar dibujos pasando una brocha por una capa en que están previamente recortados. El estarcido consiste también en el salpicado de tintas sobre el soporte de una composición plana. Estela: monumento monolítico de carácter conmemorativo, que se dispone en posición vertical sobre el suelo. Estética: teoría de la belleza en general y del sentimiento que despierta en el hombre. Belleza en sentido amplio. El arte es, en cierto modo, un discurso mudo que se expresa a través de la estética. Se fundamenta en: la psicología (bello es lo que me gusta), la sociología (el gusto está determinado por pautas culturales), la antropología (bello es lo placentero que no satisface ningún fin),

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la metafísica (Dios es la fuente de toda belleza), la semiología (cada arte tiene su lenguaje). En el Arte Contemporáneo ha sido denominado con el mismo nombre de Estética el culto de lo bello artístico en sí mismo, no la belleza que es reflejo de la verdad y de lo bueno, sino la belleza sin vínculo alguno, la belleza absoluta, emancipada e independizada: el arte, considerado como lo estético puro, ascendido a un valor autónomo y soberano. Estilizar: reducir los rasgos de un objeto o modelo a un denominador común, por lo general adaptándolo a formas geometrizadas. Apartarse de lo individual yendo a las características fundamentales de la forma de un objeto o tema. Estilo: manera peculiar de ejecutar una obra, propia de un artista, un género, una época o un país. Principio organizador. Forma, expresión, cualidad, relaciones o elementos que se mantienen constantes a través de las manifestaciones del arte de un individuo, grupo, sociedad o cultura. Cualidad inherente a la obra de arte que permite su ubicación histórica en el espacio y en el tiempo. Rasgos comunes entre culturas o individuos de las mismas o distintas épocas. Sistema de formas significativas que lo son de la personalidad de un artista, grupo, cultura o civilización por cuyo intermedio se manifiesta la interioridad del pensamiento y el sentir colectivos. Estípite: elemento en forma de tronco invertido de pirámide, que puede tener funciones de soporte o como decoración. Estofar: raspar el color aplicado sobre la superficie dorada, haciendo dibujos, de modo que aparezca el oro. Es una especie de “esgrafiado” sobre el oro. Estrías: surcos cóncavos, o cóncavo-convexos, tallados en el fuste de una columna clásica. Acentúa la verticalidad de la columna al crear líneas de sombra verticales. Estructura: la correspondencia intrínseca entre las partes componentes, formas, colores, espacios, etc., “estructuran” la totalidad de la obra, brindándole el carácter de unificada. Distribución, organización, correspondencia, orden en que está compuesta una obra. La estructura percibida está regida por la simplicidad máxima en la organización de sus partes, entendiéndose por simple la más regular, simétrica, armónica, equilibrada, es decir la “mejor” posible según las condiciones dadas. La

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estructura de un cuadro o de una escultura se asienta en los ejes o líneas principales de la composición, según la orientación, dirección y sus relaciones. Estuco: mezcla de cal, yeso cocido, arcilla y mármol pulverizado. Estudio: dibujo o pintura que se hace como preparación o tanteo para otra principal. Pintura de estudio: al contrario de la pintura al aire libre, los cuadros no se pintan en la naturaleza, sino siguiendo bocetos de la misma en un estudio. Este concepto surgió en el siglo XX a raíz de la pintura a “plen air”. Antes de ello no se requería una especificación porque los cuadros se pintaban exclusivamente en los estudios (talleres de los artistas). Etnia: comunidad humana definida por afinidades raciales, lingüísticas, culturales, etc. Exento: aislado, solo. Sin contacto con nada. Ex libris: es una marca de propiedad que normalmente consiste en una estampa, etiqueta o sello que suele colocarse en el reverso de la cubierta o tapa de un libro y que contiene el nombre del dueño del ejemplar o de la biblioteca propietaria. Por lo general exhibe también alguna imagen. Expresión: manifestación del pensamiento o de los sentimientos, por medio de la palabra, de signos exteriores, de gestos, de imágenes, etc. Cualidad que trasciende la presencia formal de una obra de arte. La expresión hace referencia a un hecho sentido, vivido, a una experiencia activa. La estructura de una obra de arte es factor desencadenante de fuerzas capaces de producir un hecho significativo. Expresionismo: tendencia artística y literaria del siglo XX que se manifiesta por la intensidad de la expresión. El expresionismo en arte es inseparable de una concepción angustiada y rebelde del mundo y del hombre. Se caracterizó por un lenguaje emocional, vehemente y espontáneo. Utilizó formas distorsionadas y violentos contrastes cromáticos. Tanto la vida como la obra de los artistas expresionistas eran atormentadas o trágicas. Se desarrolló en Alemania (1.905-15) y países del norte de Europa. Se formaron dos grupos: Die Brucke, (El Puente) con imágenes figurativas. Se destacaron Kirchner, Munch, Max Pechstein, Schmidt-Rottluf, Nolde. Y el grupo de El Jinete azul, con imágenes abstractas, en obras de Marc, Kandinsky, Klee. El Expresionismo

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alemán fue una pintura patética, servida por líneas nerviosas o manchas violentas, en la que la humanidad fue tratada de un modo sarcástico, poniendo en relieve sus estigmas. En forma independiente se destacaron Kokoschka y Rouault. En los países eslavos, el lírico Marc Chagall y en Bélgica J. Ensor. En América se desarrolló a través del Muralismo de Rivera, Orozco, Siqueiros, Portinari, Guayasamín. En Francia Rouault, Chagall, Soutine, el Grupo Cobra. En Estados Unidos Pollock y de Kooning. A fines de la segunda guerra mundial, el arte abstracto conoció una corriente que mezclaba la violencia expresionista con la espontaneidad del gesto, aprendida de los surrealistas. Los expresionistas buscan expresarse mediante deformaciones formales, exageradas exuberancias del color y una pintura que abandona conscientemente la tridimensionalidad perspectiva. Acentúan las experiencias subjetivas del ser humano. Hay una preocupación deliberada por las texturas, contornos drásticos, marcada fascinación por la fealdad, visión crítica sobre la sociedad. Expresionismo abstracto: ver Informalismo Expresionista: se refiere al artista que intensifica la expresión más allá de lo natural, deformándola, con el fin de comunicar, con mayor vehemencia estados de ánimo, sentimientos, etc. Exvoto: cualquier tipo de testimonio, generalmente trabajado de forma artística, que se lleva como ofrenda a un ser sobrenatural en cumplimiento de una promesa.

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F Factura: modo o disposición de la pincelada o del toque del cincel, distintivo de su autor. Aspecto de superficie que resulta de ello. Tratamiento particular de la materia por el cual el artista registra en la obra su impronta personal. Fanart: un fanart o fan art, es un concepto proveniente del inglés, comúnmente usado para denominar aquellas obras de arte, principalmente visuales, que están basadas en personajes, épocas, vestuarios u otros, que el artista toma de universos previamente creados por un tercero. Fanart significa “arte hecho por fans”, lo cual denota que es un derivado visual de otros medios (como comics, libros o películas). El fanático adopta un universo previo que le sirve como punto de partida para proponer una nueva creación. Fovismo: “fauves” significa fieras. Nombre que se aplicó a un grupo de pintores franceses en 1.905, para dar a entender que, en ellos, los colores extendidos enteros y con toda intensidad a sus lienzos, venían a ser como feroces aullidos cromáticos. Corriente encabezada por H. Matisse, quien impuso los tonos puros aplicados en grandes manchas lisas, sostenidas por un arabesco en el que se deja mover libremente el pincel. Sus principios fueron: Equivalencia de la luz y construcción del espacio por el color Tratamiento de la superficie plana sin modelado ni claroscuro ilusionistas Pureza y simplificación de medios. No busca la copia ni la imitación de la realidad. Exaltación del uso del color. Dibujo sintético. Utilización del arabesco lineal. Representantes: Henri Mattisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul, Derain, Dufy y Kees van Dongen.Los fauves contraponían el color puro y

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homogéneo a la descomposición de los colores del Impresionismo y abandonaron la exactitud de representación de los objetos o personas retratados. Fetichismo: se denomina así el culto de los fetiches o imágenes divinas de los pueblos primitivos. Cierto número de obras de la Plástica Contemporánea (pre cubista, expresionista y esquematizado) tiene su raíz formal en los fetiches, por lo que su tendencia ha sido definida con este vocablo. Figura: Área, límite, espacio limitado por líneas o planos. Entidad diferente del fondo. En un sentido general, también forma; que representa o significa. Figuración: la Nueva Figuración en el arte contemporáneo es el conjunto de corrientes figurativas que, frecuentemente con espíritu socio político, se han desarrollado a partir de 1.960. Figura-fondo: ley de la sicología de la forma, formulada por Rubin, que establece la tendencia a subdividir la totalidad de un campo de percepción en zonas más articuladas (figuras) y otras fluidas y desorganizadas que constituyen el fondo. Rubin fijó además otras cualidades principales que determinan el fenómeno: todo objeto sensible existe contra un fondo; la figura tiene calidad de cosa, el fondo calidad de sustancia; nunca los límites son comunes a ambos campos, siempre pertenecen a la figura. Se tiene la impresión que el fondo “pasa” por detrás de la figura. La figura es por lo general el campo de menor tamaño; el color es más denso y compacto en la figura que en el fondo; también aquélla presenta mayor estabilidad, claridad y precisión, apareciendo siempre más cerca del espectador. Todo lo relativo a la figura se recuerda mejor. Filigrana: labor delicada y fina. Técnica de joyería antiquísima, que consiste en trabajar soldando a la base metálica, hilos o gránulos de oro o de plata. Flamígero: se denomina así al último período del gótico, en el siglo XV, que se caracterizó por la decoración con curvas y contra curvas, parecidas a lenguas de fuego. Focos de atención: planos (o figuras) que constituyen el centro de atención de la obra y en función de él/ellos se disponen convenientemente el resto de los planos (o figuras) para que cumplan su función en relación con el plano principal.

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Forma: elemento plástico creación del artista, invención suya. La armonía de los colores, la organización de las formas, la distribución del espacio, la calidad de la línea y la naturaleza de los ritmos por ella creados, lleva implícita una emoción que nace de la sensibilidad y el arte del pintor. Forma abierta: Forma abierta: se designa así a aquellas formas artísticas cuyas características principales son: integración al fondo o medio, evolución alrededor de un núcleo central explícito o implícito a partir del cual se desarrolla en movimientos centrífugos o centrípetos; semejanza con las formas orgánicas naturales, interrelación de las partes entre sí y con el todo. Forma cerrada: reciben esta denominación las formas que muestran continuidad de contornos en todo su perímetro, lo que las contrasta del fondo o medio con referencia al cual manifiestan independencia, muestran densidad, cerramiento, solidez y carácter envolvente. Forma háptica: la correspondiente al sentido táctil. Aquella percepción resultado de la aprehensión de un objeto con la mano o los dedos o cuando simplemente se toca su superficie o se desliza la mano por sobre ésta. Formalismo: con respecto a una obra pictórica, háblase de Formalismo si el autor trata de solucionar el problema artístico sometiendo el proceso creador a las exigencias del lenguaje pictórico y de los aspectos formales, es decir, si atiende a la presentación del tema más bien que al tema mismo. Forma tridimensional: es aquella que a las magnitudes de longitud y anchura, que definen la forma plana, añade la magnitud de profundidad. Fotomontaje: unión de fotografía o productos impresos en un collage, introducido por los dadaístas como medio artístico en los años de 1920. Fresco: la pintura al fresco se ejecuta aplicándole al soporte una capa de estuco, compuesta de cal apagada, polvo de mármol y yeso. Sobre esta capa todavía húmeda, se aplican los pigmentos que penetran así en el espesor de dicha capa, lo que no se produce del mismo modo si el estuco se pinta en seco. Friso: nombre que se da a una superficie llana, continua y horizontal, mucho más larga que ancha y adornada de pinturas o esculturas.

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Frontalidad: suerte de ley tácita de la representación en la antigüedad por la cual se adaptaba la representación espacial o tercera dimensión a un sistema bidimensional. Esta representación “mental” del objeto, que encontraba en el plano su medio ideal, no desconocía la dimensión de profundidad, sino que la traducía en relaciones de superficie hasta su máxima posibilidad. Frontispicio: fachada delantera de un edificio. Frontón: elemento triangular sobre un pórtico en la arquitectura clásica. Suele llevar decoración esculpida. Frottage: procedimiento que consiste en frotar una barra de carbón, crayón o grafito en un papel apoyado sobre una superficie con relieve. A partir de lo que sugieren las imágenes que quedan registradas, el artista continúa dibujando o pintando. Funcionalismo: en 1.911, el uso de un nuevo material, el hormigón armado, introdujo en la arquitectura no solamente nuevas posibilidades (grandes luces, apoyos mínimos, voladizos), sino asimismo un verdadero estilo plástico, hijo de las necesidades del encofrado. Se destacaron A. Perret, en París; van Doesburg en Holanda; W. Gropius en Alemania; Sant´Elía en Italia y Le Corbusier en Suiza. Fundente: el vidriado o barniz de las cerámicas se obtiene por aplicación de una sustancia que permite la vitrificación superficial del barro cocido. Esta sustancia o fundente suele ser la sal marina, pero también se emplea la sosa, la potasa, un carbonato, un silicato o una sal de plomo o estaño. Fuste: parte vertical de una columna, entre la basa y el capitel. Futurismo: movimiento literario y artístico de principios del siglo XX que condena la tradición estética e intenta integrar el mundo moderno en sus manifestaciones tecnológicas y sociales, tanto en la expresión poética como en la pintura. Nacido en 1.909 con el primer “Manifiesto del Futurismo” del poeta Marinetti, este movimiento dio, a partir de Italia, un impulso decisivo al arte del siglo XX. Exalta la velocidad, la máquina y el dinamismo de la vida moderna, con el “amor al peligro”, la “agresividad” y la violencia que le son propias. Los futuristas buscan lograr un dinamismo plástico, un intento de expresar la cuarta dimensión o sea, el tiempo.

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En pintura se adopta la técnica divisionista y la geometrización. Interpreta el movimiento como secuencias fotográficas. En escultura utiliza la superposición para denotar movimiento y velocidad. Representantes: G. Balla, U. Boccioni, C. Carrá, G. Severini. El Futurismo tuvo un paralelo en la U.R.S.S. donde se dio el “Radismo” de Larionov, el “Suprematismo” de Malevitch y el Manifiesto Realista de 1.920.

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G Gablete: coronamiento apuntado del muro, entre las torres, de la fachada gótica. También puede aparecer coronando vanos, pilares o estribos. Gama: matización colorista según el predominio de los tonos cálidos o los fríos. Su graduación da la escala de colores. Gama cromática: es la gradación de colores que mantienen entre sí una relación de proximidad en el círculo cromático. Gárgola: desagüe saliente del tejado, normalmente esculpido de forma fantástica, propio del arte medieval. Género (pintura de género): es aquella que utiliza escenas sacadas de la vida familiar o popular, o de temas anecdóticos. Se caracteriza por su gran realismo. Comenzó en el siglo XVII en los cuadros de costumbres holandesas. Género costumbrista: pertenecen a él las pinturas que representan escenas de la vida diaria. Género plástico: se denomina así a una determinada disciplina plástica que cada cultura desarrolló prioritariamente (dibujo, arquitectura, escultura, cerámica, etc.). Incluye el retrato, la naturaleza muerta, el paisaje. Geometría sagrada: es un sistema matemático (aritmético y geométrico) de medidas y numerales sagrados, extraídos de cálculos sobre mensuras reales o ideales, terrestres o siderales. Tal sistema matemático está relacionado con el cosmos y su interpretación, es tanto científica como mágica.

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Gestual: (pintura gestual) es la que da una importancia fundamental a la velocidad de ejecución y a la espontaneidad del gesto, lo que se dio especialmente en el Expresionismo Abstracto y en la Abstracción Lírica. Gofrado: acción de gofrar. Gofrar significa estampar, marcar, dibujos o motivos sobre tela, cuero, papel, etc., mediante hierros calientes o cilindros grabados. Gótico: el arte gótico se desarrolló en Europa desde el siglo XII, hasta el Renacimiento, sucediendo al románico. (Ver Arte Gótico). Gouache: Técnica pictórica sobre papel o cartón, consistente en aplicar el color diluido en goma y mezclado con un medio de tipo resinoso. Su uso resulta de más fácil manejo que la acuarela. En la actualidad los colores a la gouache han sido reemplazados por los colores al temple. Comenzó a ser utilizado por miniaturistas medievales. El pigmento se aglutina con una solución de goma arábiga y se mezcla con determinada cantidad de pigmento blanco, que le da su cualidad opaca. Las pinturas se deben diluir en un poco de agua. Grabado: imagen impresa después de haber sido grabada sobre metal (aguafuerte), madera (xilografía), o dibujada sobre un soporte litográfico. Es una técnica expresiva que, junto a sus cualidades específicas, tiene la ventaja de reproducir muchas veces un mismo dibujo. Grabado en cobre: antigua técnica pictórica mediante la cual se graba un dibujo sobre una lámina de metal, se introduce pintura en la hendidura y se traspasa al papel mediante un procedimiento mecánico. Grabado en madera: técnica pictórica que graba lo que va a ser imprimido sobre una lámina de madera. Fue utilizada sobre todo por los expresionistas a principios del siglo XX. Grabado rupestre: es el realizado sobre la superficie de una roca, por medio de un instrumento cortante de piedra o metal. Grabador: artífice que dibuja en planchas de madera o cobre, mediante vaciados o incisiones, obteniendo tras entintarlas, reproducciones sucesivas en papel. Grafismo: manera de hacer un trazo, de dibujar.

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Graffiti: inscripciones o dibujos realizados sobre una pared. A mediados de la década de 1970 surge una corriente plástica importada de las calles: el graffiti. Es una manifestación de la pintura en aerosol que se expresa especialmente en los subterráneos y los muros de las calles, que se convierten en el escenario privilegiado de dichas manifestaciones. Grattage: técnica desarrollada a partir del frottage. Se corta o araña una superficie preparada generosamente con pintura. De esta forma surgen efectos cromáticos y luminosos. Greca: banda ornamental compuesta por líneas quebradas formando una sucesión de ángulos rectos que se repiten periódicamente. Grisalla: pintura monocroma de tonos grises, que produce una sensación de relieve. Los matices de la pintura de grisalla pueden ser muy variados. Grupo de Barbizón: Surge en 1.830. Siguiendo el camino iniciado por Corot, un grupo de pintores franceses comenzó a reunirse en Barbizón, una aldea en las afueras de París. Pintaban tomando apuntes al aire libre con el objetivo de plasmar en sus telas una visión objetiva de la naturaleza. Se sumergen en el encanto de la vida bucólica y los colores suaves, que intensifican con la claridad de la luz. Se destacaron T. Rousseau, J. Dupre, Millet, Daubigny, Barye, Décamps. Grupo de los Nazarenos: manifestación del romanticismo alemán. Se reúnen en Roma, un grupo de pintores en el Convento de San Isidro y se interesan por una temática marcadamente espiritual, haciendo especial hincapié en los temas de carácter contemplativo. Entre 1.810 y 1.820 estudian los maestros del Renacimiento (Perugino y Rafael), cuyas enseñanzas se relacionaban con las del gótico alemán y las de Durero. Su arte se caracterizó por la sensibilidad mística y la imitación de la técnica de los primitivos. Los nazarenos más conocidos fueron von Schadow, J. Overbeck y von Cornelius. Grupo Zero: movimiento fundado en Dusseldorf, en 1957, por los artistas H Mack, O Piene, G Uecker, con el propósito de crear una nueva visión estética que procurara hacer tábula rasa con lo creado hasta el momento, para crear “un arte nuevo para una nueva era”. Con Lucio Fontana, Y Klein, P Manzoni y J Tinguely, Zero se apropió de materiales y tecnologías de la ciencia y la industria, lo que les permitió explorar el espacio, la luz y el movimiento.

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Grutescos: pinturas de la antigüedad clásica descubiertas en grutas o galerías. Se componen de filigranas que, en sus caprichosas revueltas van formando cuerpos, humanos o de animales reales o quiméricos, u otras figuras de elementos heterogéneos, bien sean racimos, pámpanos, guirnaldas de flores y frutas o bien combinaciones de los más diversos objetos de formas fantásticas y arbitrarias. Guirnalda: motivo decorativo formado por hojas, flores y frutas unidas por cintas suspendidas por sus extremos.

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H Happenings: surgieron en la década del 60, en América Latina y EE.UU. Happening significa suceso que se está desarrollando. Es una manifestación colectiva que requiere la participación activa del público. Crea el espacioespectáculo. Se sirve de sucesos casuales. Tiene carácter efímero. Se opone a la sociedad de consumo. Critica a la política a través de intervenciones simbólicas. Alan Kaproww fue su inventor. Convirtió el concepto de la experiencia vivida y de la percepción propugnado por su maestro John Cage, en parámetros que permitían la irrupción de la realidad en el arte. Sus happenings incluían la proyección de películas y diapositivas, danza, música y texto, una escultura sobre ruedas, música concreta y constelaciones sonoras, la producción in situ de un cuadro, etc. Forma artística que convierte la acción en la obra de arte esencial. Está improvisada, es provocativa, impredecible y no reproducible. En Argentina, es su referente la artista Marta Minujín. Hard Edge: en inglés, “borde rígido”. Corriente pictórica abstracta de los años 1960 y 1970, que se caracterizó por las superficies cromáticas geométricas yuxtapuestas. Pertenece a la pintura de campos cromáticos. Hexástilo: templo griego que tiene seis columnas en su pórtico. Hierática: carácter de una obra, que es majestuosa, rígida y contenida, aunque no inexpresiva. Hilada: cada una de las filas horizontales de ladrillo, sillares, etc., en el aparejo de un muro. Hiperrealismo: se desarrolló en la década del 60, en Europa y EE.UU. Distintos términos se adoptan para definir esta tendencia: realismo fotográfico, Glosario de las Artes Visuales

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superrealismo, subrealismo. Surge íntimamente relacionado con el Pop Art, al recoger el gusto por los temas referentes a una sociedad de consumo y cierto tono de ironía. Representa imágenes con precisión fotográfica. Utiliza medios pictóricos tradicionales (pintura de caballete) y grandes formatos; en primeros planos. Muestra una técnica pulida. Es un arte descriptivo y anecdótico. Temas: paisaje urbano (escaparates, automóviles, gasolineras), también animales y retratos. En escultura se realizaron moldes de cuerpo humano en fibras y poliéster, que serían vestidos con ropas verdaderas. Representantes: J. De Andrea, R. Estes, A. López. D. Hanson, D. Parrish. Hipogeo: templo subterráneo, especialmente destinado a tumbas, de las civilizaciones prehistóricas de la antigüedad. Historia del Arte: el Arte nace, como lo entendemos hoy, en el siglo XVIII europeo, que es el de la Ilustración. Hasta ese momento el Arte estaba unificado con las instituciones sociales, laicas y eclesiásticas, simbolizadas por la trilogía del Trono, el Altar y la Nobleza. Se anunciaba el nacimiento del artista independiente, responsable sólo ante sí mismo, su público y sus colegas, no ante patronos. El siglo XVIII ilustrado vio nacer las principales instituciones del arte, como la Estética, la Historia del Arte, los Salones Oficiales, la crítica y el museo. A Baumgarten utilizó por primera vez el término Estética. En 1764 Winckelmann publicó su “Historia del Arte entre los antiguos”. Intentó revelar el origen y crecimiento de las artes según los estilos de los pueblos, las épocas y los artistas. El Salón de París fue creado por la Academia Real de Pintura y Escultura de Francia. Desde 1748 un jurado de selección aceptaba o rechazaba las obras. La crítica de Arte fue una consecuencia de esas presentaciones públicas y de la invención de la prensa moderna. El crítico más célebre fue Diderot, un filósofo ilustrado. El Museo surge a fines del siglo XVIII, el Louvre inaugura en 1793. Con la crisis del clasicismo y la expansión del espíritu romántico, los artistas comenzaron a reunirse en torno a objetivos comunes: querían ser originales, romper con todas las tradiciones. Comienza la idea de la modernidad artística. Los artistas buscan un compromiso estético con el presente, con lo nuevo y la utopía, con la ocurrencia como expresión de libertad individual. De estas ideas se nutrieron los movimientos modernos. Historicismo: vuelta a los estilos artísticos anteriores para crear a partir de allí un estilo nuevo, por ejemplo el Neoclasicismo.

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Holografía: método de fotografía en relieve, que utiliza las interferencias producidas por dos rayos láser, uno procedente directamente del aparato productor y el otro reflejado por el objeto a fotografiar. Hornacina: cavidad de un muro destinada a cobijar una estatua. En algunos casos puede cobijar toda una portada. Con frecuencia es coronada por una bóveda de cuarto de esfera. Humanismo: en el arte pictórico se designa con este vocablo aquel arte que considera al hombre como tema más notable, convencido de su valor y de su importancia; en el sentido más amplio, se aplica a todo arte que trata temas que están relacionados en forma inmediata con el hombre.

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I Ícono: el culto de los íconos (imágenes) parece haber sido más ferviente que el de las reliquias, a partir del siglo VII (en el arte bizantino). Los íconos se derivan de los retratos funerarios greco-egipcios que se colocaban en los sarcófagos que contenían momias. Tales retratos buscan la expresión de la existencia de un alma. Ícono es un término empleado por la iglesia ortodoxa, para designar la pintura sobre tablas. Caracterizó este tipo de pintura el empleo de tradiciones y modelos estrictos. Iconoclastas: en el imperio bizantino, durante el siglo VIII (Edad Media) una secta opuesta a dar culto a los íconos llegó al poder. Destruyeron todos los íconos que pudieron encontrar, en ellos se representaba y veneraba las imágenes de Cristo y de los Santos; de allí el nombre de iconoclastas (destructores de imágenes). El iconoclasta es enemigo de los signos y emblemas, ya sean religiosos, políticos o de cualquier valor establecido. Iconografía: disciplina de la Historia del Arte que se ocupa del asunto o significación de la obra artística. Del significado formal y conceptual de las imágenes. Iconología: interpretación morfológica vinculada al aspecto simbólico y expresivo; a lo filosófico, metafísico, estético y semiológico. Estudio de la formación, transmisión y significación profunda de las representaciones figuradas en el arte. Idealismo: tendencia de los artistas que buscan acercarse todo lo posible a la representación perfecta de los temas de sus obras, buscando siempre el arquetipo y la superación de los defectos que todo modelo individual presenta.

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Ideograma: signo gráfico que representa el sentido de una palabra y no sus sonidos. En tanto que el ideograma es figurativo, puede considerársele un jeroglífico. Iluminación: decoración e ilustración, generalmente en colores, de un manuscrito de la Edad Media. Ilusionismo: la preocupación por introducir el efecto de tercera dimensión en el plano pictórico, en que la imagen de la realidad visible sólo puede ser plasmada en dos dimensiones, llevó en el Renacimiento a descubrir la perspectiva lineal y sus leyes, cuyos recursos, enriquecidos con el aporte de las perspectivas aérea y cromática, pusieron al artista en condiciones de crear ilusión de distancia, o sea profundidad. Por otra parte, el empleo de los conceptos de luz y sombra proporcionó medios para suscitar ilusión corpórea (del volumen) de los objetos representados. Los conceptos de profundidad, volumen y espacio, cuya representación no fue factible hasta que se llevaron a cabo los descubrimientos aludidos, se incluyen como principios básicos en el ámbito del Ilusionismo. Con el término Ilusionismo, en sentido más concreto, se designa la representación ilusionista de la realidad llevada al extremo, de manera que la reproducción provoque una sensación similar a la producida por la realidad misma. Ilustración: estampa, grabado o dibujo que acompaña al texto de un libro, periódico, etc. Imagen: se llama usualmente imagen a la representación que tenemos de las cosas. En alguna medida imagen y representación son sinónimos y se refieren a diversos tipos de aprehensión de un objeto, que puede ser un objeto presente, la representación de percepciones pasadas, estar ligado a la imaginación en la libre combinación de percepciones pasadas o a la alucinación. Las imágenes o representaciones pueden ser acústicas, ópticas, eidéticas, afectivas, etc. Imagen figurativa: en el Arte, representa figuras o formas de realidades concretas (un paisaje, un retrato, una fruta, etc.), en oposición al arte abstracto. Es descriptiva, representativa. Imagen abstracta: es aquella creada por la mente del artista y que no tiene relación con la realidad (manchas, puntos, líneas). No es descriptiva.

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Imposta: faja o moldura horizontal de la que arrancan los arcos y bóvedas. A veces señala los distintos pisos de una fachada. Impresionismo: movimiento pictórico iniciado y desarrollado primeramente en Francia durante el último tercio del siglo XIX y cuya influencia se extendió por buena parte de Europa y América, hasta bien entrado el siglo XX. Tendencia general en arte a percibir las impresiones fugitivas, la movilidad de los fenómenos, antes que el aspecto estable y conceptual de las cosas. Pissarro, Monet, Sisley, Manet, Degas, Renoir, Cézanne, Guillaumin, B. Morisot, F. Fader, proponen un arte realista, en que el motivo del cuadro no es más que un pretexto para la captación directa de una naturaleza fragmentada en infinidad de instantes, fijando en la propia subjetividad del pintor los límites de la interpretación. Los postulados básicos de la plástica impresionista fueron: La primacía de la observación directa de los fenómenos lumínicos en la Naturaleza. La fragmentación de la pincelada La utilización de los colores puros y los complementarios (evitando utilizar el negro para oscurecer los colores en la sombra), cuya combinación no se produce en el cuadro, sino en la propia retina del espectador. Las variaciones de la luz. La representación de paisajes, naturalezas muertas, el retrato individual y grupal, escenas de la vida en las ciudades. Imprimación: preparación monocroma que recubre el lienzo previamente, para la ejecución de un cuadro. Índigo: también llamado añil. Color que es una transición entre el azul y la violeta. Infoarte: surgió poco después de los primeros ordenadores (computadoras). Las indicaciones de los plásticos eran traducidas por los científicos a programas; finalmente las computadoras imprimían los diseños. En 1.969 la Argentina se sumó a la vanguardia mundial con la exposición “Arte y Cibernética”, donde se presentaron obras de Luis Benedit, Antonio Berni y Rogelio Polesello, entre otros. Infografía: arte elaborado a través de ordenadores (computadoras).

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Informalismo: tendencia artística (especialmente de la pintura) también llamada Expresionismo Abstracto, que se desarrolló sobre todo entre 1.950 y 1.960, que tiende a representar lo real fuera de todo orden lógico de espacio y composición. Se caracteriza por la repulsa de la razón preeminente, así como de la avalancha de arte concreto, lo que provocó una reivindicación de la vitalidad, de la espontaneidad; se retomó elementos provenientes del expresionismo abstracto de Paul Klee, del Dadaísmo y del Surrealismo, todo ello para confluir en un arte que prescinde de la forma (figurativa o no) como elemento central de la pintura, oponiéndose igualmente a todo tipo de composición precisa, que concibe la obra como inconclusa, carente de toda significación y cuyo valor capital radica en su propia existencia, en su “ser en sí misma”. Utilizó el dripping (chorreado) y grandes signos de tipo caligráfico. Representantes: R. Motherwell, J. Pollock, M. Tobey, W. De Kooning, A. Gorky, J. Dubuffet, J. Fautrier, Wols, H. Hartung, el Grupo Cobra, Lucio Fontana. Instalaciones: en ellas los artistas hacen de arquitectos e “inventan” un espacio, usando todo lo que les brinda la tecnología: videos, holografías, esculturas o pinturas tradicionales, etc. La mayoría de los autores considera que su obra recién se completa cuando el público la recorre (es la participación activa del espectador). Su auge internacional se reflejó por la apertura, en 1991, de un Museo de la Instalación en Londres y por las exposiciones internacionales más importantes, como las bienales de Venecia, San Pablo y la Documenta de Kassel. El fenómeno se remonta a las muestras internacionales del surrealismo de París (1938) y Nueva York (1942) de Marcel Duchamp. Su fugacidad y complejidad son típicas de nuestros días. Sirven para tomar conciencia, para romper vínculos opresivos, para alertar sobre las condiciones de vida infrahumanas de muchos congéneres, para contar pequeñas preocupaciones individuales con las que todos podemos identificarnos, para dejarle una inquietud o una alegría al espectador. La instalación aparece como una superación de los límites que fijan la escultura y la pintura, de las que suelen valerse y a menudo incorporarlas y tomando principios también del teatro y de la arquitectura, ya que pretende ser multisensorial. La legitimidad artística está dada por partir de un artista y por el valor del mensaje que transmite. Intensidad: en las artes visuales, se refiere al grado de saturación (pureza) de un color.

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Intervenciones urbanas: son algo que realiza un artista, en algún lugar de la ciudad. Genera así una presencia que abre variaciones, con imágenes que discuten su contexto y producen un impacto que rompe la organización perceptiva que el ciudadano anónimo tiene de él. Se materializa así un cambio en el lugar elegido como resultado de la huella, el golpe, el choque, el extrañamiento, o lo que sea, que provoca el hecho artístico. Intradós: superficie inferior de un arco, bóveda o dovela. Isaías: uno de los cuatro profetas mayores, vinculado en el arte cristiano al tema de la Anunciación. Se le representa con un libro o un pergamino. Isologotipos: son una suma de un logotipo y un isotipo, distribuidos de modo tal que se facilite su asociación con alguna institución, empresa o producto, destacando al mismo tiempo, alguna característica de la misma (por ejemplo el de la UNESCO). Isotipo: un isotipo es una imagen recordable fácilmente que permite identificar una marca, producto, empresa, lugar o situación. Instant image: en inglés, instantánea. Denominación que reciben los cuadros de F Stella que, al igual que las señales, deben ser reconocidos espontáneamente y sin tener que realizar una labor intelectual. Interiores, pintura de: representación de interiores o escenas que transcurren en un ambiente cerrado. Llegó a su auge durante el Barroco en Holanda.

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J Jamba: soporte vertical a ambos lados de un vano, sobre los que descansa el dintel o el arco. Jugendstil: denominación que recibe el movimiento modernista en Alemania.

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K Kitsch: arte de notorio mal gusto, cursi y lleno de efectos fáciles. La denominación provendría de la segunda mitad del siglo XIX, cuando los dibujantes italianos ofrecían sus bocetos (sketches en inglés) a los turistas anglosajones, anunciándolos como skitches. Es posible también que kitsch provenga del alemán dialectal verkitshen, vender barato.

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L Laca: Barniz duro y brillante hecho con la sustancia resinosa producto de la exudación de árboles de la India, muy usada por chinos y japoneses. L´art pour l´art: en francés, “el arte por el arte”. Arte libre de cualquier tipo de exigencias morales, políticas, filosóficas o sociales y que se crea por sí mismo. Laúd: instrumento de cuerda medieval. En la pintura renacentista es un atributo de la personificación de la Música, y también puede representar el amor femenino y el cuerpo de la mujer. Lacería: ornamentación geométrica que consiste en una serie de líneas entrecruzadas alternativamente unas sobre otras, formando diversas figuras estrelladas y poligonales. Laurel: atributo de Apolo. Una corona de laurel en un retrato señala el mérito artístico o literario de una persona. Lenguaje Visual: es el lenguaje que desarrollamos en el cerebro, relacionado con la manera como interpretamos lo que percibimos a través de los ojos (visualmente). Es el que utiliza imágenes y signos gráficos. Tiene por objeto la transmisión de mensajes a través de la imagen. Lesenas: bandas verticales salientes en un muro (arquitectura). Línea: según Kandinsky es el producto de un punto en movimiento; surge con la destrucción del reposo máximo, el punto. El estatismo del punto se transforma en la dinámica de la línea. Las líneas son las que contornean las figuras o que las delimitan y también son aquellas que marcan direcciones. Pueden ser quebradizas o redondeadas, gruesas o finas. Por sí solas pueden ser muy elocuentes: una sutil línea horizontal puede marcar un horizonte y provoca Glosario de las Artes Visuales

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sensación de serenidad; o una sencilla línea oblicua que se dispara al fondo y puede otorgarle a la obra una gran sensación de profundidad (perspectiva) y provoca sensación de movimiento. Las líneas verticales provocan espiritualidad. Líneas de Nazca: son geoglifos que se encuentran en las Pampas de Jumana. Fueron trazadas por la Cultura Nazca y están compuestas por varios cientos de figuras que abarcan diseños tan simples como líneas, hasta complejas figuras antropomorfas, zoomorfas, fitomorfas y geométricas, que son de grandes dimensiones y aparecen trazadas en la superficie de este desierto. Se trazaron retirando la capa de piedras oscuras y dejando a la vista la capa inmediatamente inferior de arena más clara. Son dibujos trazados en un área de 3900 Km cuadrados. Allí se realizaban sacrificios rituales, que tenían que ver con hacer ofrendas a los dioses para traer agua y fertilidad. Algunas líneas fueron creadas hace 2400 años, eran trazadas a modo de caminos que eran recorridos durante las ceremonias rituales. Eran como grandes templos al aire libre. Líneas de tensión: son aquellas el fondo como por la posición formas la tensión dominante, formas, de tal manera que desequilibrada.

que se originan en toda composición, tanto por de las figuras. Puede elaborarse de muchas mediante la ordenación intencionada de las resulte estática, dinámica, equilibrada o

Linterna: remate que sirve para dar luz, usualmente sobre las cúpulas. Lirismo: se denomina así al empleo del elemento propio de la poesía lírica (que es un modo directo de expresar un estado emotivo) –o del estilo lírico- en composiciones que pertenecen a otras ramas del arte. En las Artes Visuales, consiste en el entusiasmo natural que se desprende de una composición pictórica, en la cual el artista canta sus propios afectos, emociones e ideas. En el Arte Moderno, por ejemplo, puede hablarse de lirismo en obras de Bonnard, Kandinsky, Klee y Miró, y de un “lirismo del color puro” en las obras de Delaunay. Litografía: arte de dibujar o grabar en piedra, preparada al efecto, para reproducir y multiplicar los ejemplares de un dibujo o escrito. Data de fines del siglo XVIII. El arte de litografiar consiste en reproducir un dibujo por medio de una piedra calcárea en la cual se ha trazado un dibujo con un cuerpo graso. Se hace un dibujo invertido en la piedra, utilizando un lápiz o una tinta

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especiales. La piedra debe poseer un grano muy fino. Hecho el dibujo, se extiende goma arábiga sobre la piedra. Se deja secar y después se lava. A continuación se entinta toda la piedra con el rodillo y ya queda dispuesta para que reciba el papel o el tejido en el cual, gracias a una prensa, quedará reproducido el dibujo. Los procedimientos modernos permitieron sustituir la piedra, muy pesada y de difícil manejo, por planchas metálicas de acero, cobre, cinc y aluminio, más livianas y maleables. Logotipo: está conformado por un grupo de letras que poseen un determinado diseño y tipografía, lo que conforma un grupo visual que se utiliza para identificar cierto producto, marca, empresa o institución. Luneto: pequeña bóveda en forma de media luna, que se abre en la bóveda principal, para dar luz a ésta.

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M Macchiaioli: movimiento artístico que surge en 1.859 en Florencia, Italia. Se proponía renovar la pintura, oponiéndose al Romanticismo y al Academicismo. Afirmaba que la imagen de la realidad es un contraste de manchas de colores y de claroscuro. Formaron parte del grupo S Lega, G Segantini, G Balla, entre otros. Manierismo: corriente pictórica internacional, situada entre el clasicismo y el arte barroco. “El hombre intenta de nuevo definir su papel en un universo destrozado por el cisma religioso de la Reforma y por las luchas políticas, a la par que ensanchado súbitamente por la exploración marítima y los conocimientos científicos. Se rompen la unidad espontánea del estilo y de la vida, la confianza entre el artista y la sociedad. Separadas de su contenido, las formas clásicas de los grandes maestros se vuelven de algún modo contra ellas mismas, con refinado frenesí, mediante la exasperación y la dislocación de sus elementos constitutivos. De ello resulta un arte compuesto y sabio, de extraña seducción, tan realista en los detalles como irrealista en el conjunto, que revela a la vez la inquietud de la época y su desligamiento escéptico, su nerviosismo frenético y su pasión intelectualista”. Los manieristas buscaron sorprender utilizando figuras de proporciones alargadas, luz irreal y composiciones complicadas. Algunos nombres importantes de esta etapa son: G. Reni, Ghirlandaio, el Greco. Marchante: del francés “marchand”, significa mercader, especialmente referido al que comercia en obras de arte.

tratante,

María Magdalena: se refiere a la mujer que lavó y ungió los pies de Cristo. Representa a la pecadora arrepentida. Desde la Edad Media, el arte cristiano la suele pintar con un tarro de ungüentos. En su condición de penitente, lleva un crucifijo.

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Marinas: representación pictórica de parajes costeros. Máscara: las máscaras pueden ser de tela, cartón, plástico, etc. Son objetos con los que se cubre el rostro, para disfrazarse, ocultarse, protegerse o expresar una creencia, un deseo, un temor. Las máscaras de ciertos pueblos pueden representar un ser humano, una fuerza sobrenatural, un animal sagrado o una divinidad, y ejercen simbólicamente una función natural o ritual precisa. Matiz: Variante de claridad u oscuridad producida por el agregado de acromáticos o grises al color, lo que provoca diferencias de valor y saturación en un mismo color, sin que pierda su origen de color, salvo en la mezcla de amarillo con negro o gris, pues éste se torna verdoso, ya que negro o grises actúan como azul en la mezcla. Media distancia: es el espacio entre el primer plano y el fondo de una pintura. Mediatinta: a diferencia de los demás métodos de grabado, este sistema trabaja a la inversa, en claros sobre fondo oscuro. Se trata la plancha de modo que retenga la tinta por medio de la punta seca, rayándola convenientemente o utilizando el instrumento llamado berceau con el mismo fin. El trazado como es lógico consiste en destacar las zonas claras sobre el fondo oscuro, de acuerdo al dibujo original, hasta alcanzar el efecto deseado, para ello se emplean rascadores o bruñidores. La impresión es la común en los demás sistemas de grabado para metales. Mediale: se desarrolla en Hamburgo. Es un espectáculo de 8 semanas de duración, con exposiciones, feria de medios, teatro, ópera, acciones, simposios y discusiones sobre la relación entre el arte y los medios electrónicos. Medieval: relativo a la Edad Media, período transcurrido entre los siglos v y XV. Metáfora/metafórico: figura literaria que, en el caso de la pintura, por extensión, se puede considerar metáfora un elemento pictórico que actúe como símbolo, es decir, que al ser observado se asocie con otro elemento no explícito.

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Memento mori: es una frase latina que significa “recuerda que morirás”. Suele usarse en el arte a través de cualquier objeto, como una calavera, con el que se pretende que el hombre no olvide la fugacidad de la vida. Ménades: espíritus femeninos que integraban el cortejo de Baco entregados a una danza febril y tocando instrumentos musicales. Se las suele pintar casi desnudas, con coronas de hiedra y un tirso en la mano. Ménsula: saledizo en un muro que soporta una carga del techo, a través de un nervio, arco, pilastra, o una estatua. Metopa: espacio del friso clásico que media entre triglifos. Puede ser lisa o decorarse con relieves. Mihrab: voz árabe con que se designa el nicho u hornacina que marca en las mezquitas el sitio adonde han de mirar los que oran. El “mihrab” está en el muro de la mezquita, que forma ángulo recto con una línea imaginaria trazada desde la ciudad llamada La Meca, situada en Arabia Saudita, primera ciudad santa islámica por excelencia. Minerva: hija de Zeus y diosa virgen de la sabiduría. Se la representa siempre armada, ya que es la diosa de la guerra defensiva o por causa justa. La suele acompañar un búho. Miniatura: arte de ejecutar pinturas a la aguada, al temple o al óleo, de pequeñas dimensiones, sobre papel, pergamino, marfil, etc. Misticismo: el vocablo señala la existencia de características místicas en una obra de arte; es decir, la expresión de una actitud psicológica determinada, de un estado anímico: el querer conocer por medio del sentimiento y no de la inteligencia, incursionando en lo ignoto de un mundo inexplicable, incomprensible, enigmático y misterioso. Mitología: conjunto de mitos y leyendas propias de un pueblo, una civilización, una religión. El mito es para cada pueblo una forma de “contar” su manera de ser (parentesco, filiación, producción), en su especificidad y en su relación con el medio natural en que vive. Las sagas de dioses y héroes son, desde la antigüedad un tema de representación artística muy preciado, redescubierto durante el Renacimiento.

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Modelado: en pintura, es la forma de crear volumen y sensación de relieve en una figura u objeto mediante el contraste de luces y sombras en un soporte plano. Modernismo: estilo decorativo del final del siglo XIX que buscó embellecer el ámbito de la vida cotidiana, rodear de belleza la existencia de todos los días y conferirle un acento original. Llamado también Art Nouveau y Modern Styl y Jugend Styl. Representa motivos de la Naturaleza. Se aplicó en pinturas decorativas, tapicería, vidrieras, mobiliario, mosaicos. Se destacaron especialmente: H. Guimard, en París, V. Horta en Bruselas; A. Gaudí en España. Modillón: ménsula pequeña que sobresale de un muro, para apoyar una cornisa o cualquier otro elemento volado. Suele llevar decoración. Modulación: técnica que permite sugerir la profundidad escalonando los volúmenes al presentarlos unos junto a otros por medio de una serie de pinceladas de valor parecido, aunque de color diferente. Módulo o canon: medida que relaciona entre sí todas las partes de una obra. Moldura: es un elemento decorativo utilizado en diversas obras artísticas, entre ellas la arquitectura. Consta de un relieve o saliente de acusado componente longitudinal que conserva idéntico perfil en todo su trazado. Es este perfil transversal el que define y diferencia los múltiples tipos de moldura. Monocopia: es una pintura realizada con cualquier material que no seque muy rápidamente (óleo, tintas de imprenta, pintura muy acuosa) sobre una plancha metálica, de vidrio, de plástico, de telgopor. Sobre la pintura se coloca una hoja de papel, se sujeta firmemente y se frota con un instrumento de madera o hueso o metal, de forma de transferir la pintura al papel. Monocromía: arte de pintar empleando exclusivamente un solo color. También con diferentes matices del mismo color. Monumentalismo: se indica con este vocablo la representación de figuras, cuando se plasma en ellas sólo lo perenne, los aspectos imperecederos, generalmente con cierta inmovilidad y desatendiendo lo fugaz y transitorio, de

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modo que las figuras adquieren efecto de monumentalidad estática. Ciertas obras de Gauguin causan este efecto y también las de Rivera... El término se usa, asimismo, para designar la representación de formas descomunalmente agigantadas, como lo evidencian algunas figuras de Siqueiros. Monumentos megalíticos: son los construidos con grandes piedras. Pueden ser: •menhires: piedras largas hincadas verticalmente. •dólmenes: una o más piedras horizontales sobre dos o más lajas verticales. •crómlech: menhires dispuestos en círculo. Morfología: es el estudio de las formas de los seres orgánicos y las transformaciones que éstos experimentan en el sentido de orden, canon, ritmo, etc. teniendo en cuenta las diferentes manifestaciones formales que se dan en la Naturaleza. La Morfología investiga también las formas inventadas por el hombre, cuyas creaciones obedecen a idénticas leyes morfológicas. Mediante el estudio morfológico estético, basado en el análisis y la observación, pueden interpretarse las formas de muy variadas maneras. Morisco: dícese del dibujo o motivo ornamental formado por follajes caprichosos y que suele usarse principalmente en damasquinería. Mosaico: obra compuesta de trocitos de piedra, mármol, alfarería, esmalte, vidrio, etc., llamadas teselas, de diversos colores y cuya reunión forma una composición o dibujo decorativo. Móvil: tipo de composiciones abstractas espaciales, las que tienen en cuenta los distintos factores de integración y que por su organización presentan formas y direcciones lineales, acorde a un mecanismo que le permite movimiento al menor impulso. Estando en acción las partes componentes de un móvil provocan la creación de volúmenes virtuales generados por la dirección del movimiento y provoca nuevas formas con aquellas primitivamente colocadas, lo que da como resultado una nueva estructura. La resultante de estos movimientos es siempre limitada. A. Calder es uno de los artistas que ha experimentado con este tipo de composición móvil. Mozárabe: nombre dado a la producción artística de las comunidades cristianas sometidas a la dominación musulmana tras la conquista de la Península Ibérica, y que se extendió también por los territorios liberados del norte.

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Muralismo: tendencia artística consistente en la utilización de grandes superficies murales como soporte de la pintura, del mosaico, etc. Se han empleado en pintura mural diversas técnicas como el fresco, el temple, la encáustica, etc. Muralismo americano: Nace como género en Méjico, junto con la revolución que se estaba gestando a principios del siglo XX. Como tal, fue parte de un proyecto de renovación artística y política. Muchos grandes pintores tuvieron que ver con este cambio, entre los que se destacaron José Clemente Orozco, diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y el doctor Atl. Éste último, en 1910, encaminó a los jóvenes rebeldes de la Academia de Bellas Artes hacia una estrecha unión entre un nuevo arte y el entusiasmo político por un nuevo país. Pocos meses después de la inauguración de la muestra organizada por el doctor Atl, comenzó la Revolución Mejicana. Al año siguiente, F Madero entraba en la ciudad de Méjico, suceso que significó el fin de la dictadura de P. Díaz. Entonces los artistas pusieron los pinceles en acción y reescribieron la historia de ese Méjico reprimido. Plantearon sus ideas en las paredes de escuelas, empresas, instituciones y del mismo gobierno. En la Argentina la historia del muralismo no es muy diferente. Surgió como una manera de expresar todo lo que quedó callado durante el proceso Militar. Los graffiti son derivados de este arte.

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N Nabis (Los): nabis significa profetas en hebreo. Fue adoptado como nombre en 1.888 en París por un grupo de pintores (Serusier, Denis, Bonnard, Vuillard, etc.) quienes, entusiasmados por el ejemplo de Gauguin, se constituyeron en defensores de una estética nueva. Se proponían plasmar una visión sintética y simbolista del mundo. La lección de Gauguin: sencillez del dibujo, práctica del contorneamiento de las formas, empleo de colores puros extendidos ampliamente por superficies planas, abandono, en consecuencia, del modelado, la profundidad y la perspectiva lineal. Esto condujo a la estilización de las formas que se aplicaron también a las técnicas decorativas. Naïf: denominación dada a una escuela artística surgida del post expresionismo que se caracteriza por un ingenuo anti naturalismo y por la sencillez y espontaneidad de sus representaciones. Los pintores naïf, también llamados primitivistas, tienen en común el desconocimiento de los principios de la cultura artística “oficial” o académica y una necesidad de creación y expresión, en la que la simplicidad y la sensibilidad no les impiden la búsqueda de la perspectiva y de los efectos cromáticos sutiles. Frecuentemente riguroso y lógico, el arte naïf manifiesta sin artificio lo que el artista sabe del mundo y de la realidad o lo que cree saber de ellos a través de su sensibilidad. Se destacaron C. Bombois, el Aduanero Rousseau, Bauchant, (en Francia). Por otra parte, se suele designar también como arte naïf las creaciones del arte popular o las realizaciones plásticas de un estudiado primitivismo. Por ejemplo, J. G. Posada, en México, entre otros. Naos: Cámara central donde se emplazaba la estatua de algún Dios en el templo clásico griego. También se le conoce por Cella. Naturaleza muerta: género pictórico que consiste en la representación de objetos, como frutas, animales, flores u objetos cotidianos y que a menudo tiene un carácter simbólico. En la jerarquía pictórica se la consideró un género menor. Alcanzó su auge en la pintura holandesa del siglo XVII.

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Naturalismo: escuela literaria y artística que, por medio de la aplicación al arte de los métodos de la ciencia positivista, trata de reproducir la realidad con absoluta objetividad, incluso en los aspectos más ínfimos. Surge durante el siglo XIX en Europa y fundamentalmente en Francia, junto con el Realismo. Estas corrientes significaron una ruptura con el idealismo que habían impulsado los neoclásicos y los románticos. El Naturalismo coloca el acento en el equilibrio de la composición, los paisajes y la reproducción de escenas campestres. Se destacaron J. B. Camille Corot, Courbet y Millet. Nave: cada uno de los espacios que, delimitados por muros, o columnas en fila, se extienden a lo largo de un edificio. Nazarenos: denominación de un grupo de artistas alemanes pertenecientes al Romanticismo, que se unieron en una corporación artística siguiendo el ejemplo de la Edad Media, primero en la Viena de 1809-10 y posteriormente en Roma. Neoclasicismo: tendencia artística y literaria inspirada en la antigüedad clásica. Se desarrolló en Europa entre 1.760 y 1.830. Tuvo su origen en la transformación de las ideas políticas y morales, estimulada por la corriente filosófica de la Ilustración, en el redescubrimiento de la antigüedad mediante la arqueología y en una reflexión más profunda sobre el arte. La reacción contra las últimas formas del barroco y el rococó fue asimismo una reacción moral e intelectual contra la sociedad aristocrática de la que dependían. Se caracterizó por: En Pintura: búsqueda de la belleza ideal. Temas históricos o mitológicos. Dibujo analítico. Técnica pulida de realización. Se destacaron J. L. David y J. A. D. Ingres. En Escultura: intento de recuperar el orden y la medida. Inspiración en el arte grecolatino. Búsqueda del orden y el reposo. Se destacaron A. Cánova y Thorvaldsen. En Arquitectura: gusto por la gloria y la inmortalidad. Monumentos grandiosos y sobrios. Uso de materiales simbólicamente sólidos como el granito y el hierro. Neodadaísmo: aparece en Nueva York. Johns expone los Combine Paintings, en los que amalgama objetos cualquiera y pintura. Rauschemberg intenta suprimir la distancia existente entre arte y realidad. Neoexpresionismo: a principios de la década de 1.980 se desató una reacción contra la impersonalidad del minimalismo y otros estilos abstractos, que

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provocó un renacimiento de la pintura figurativa denominada neoexpresionismo. Evocador y provocativo, el neoexpresionismo empleaba con frecuencia formas distorsionadas y coloridos intensos, también la pintura gestual, inspirados en los expresionistas alemanes de 70 años antes. Entre los pintores asociados a este movimiento destacan los alemanes A. Kiefer, G. Baselitz y A. Penck. Los italianos S. Chia, E. Cucchi y los estadounidenses J. Schnabel, D. Salle. Son antecedentes de esta corriente, las obras de D. Hockney y de F. Bacon. Neogótico: fue un movimiento artístico que se manifestó especialmente en la arquitectura y que alcanzó su apogeo entre 1.830 y 1.875. Las directrices partieron de la recuperación e imitación de las formas del estilo gótico. Neoplasticismo: creado por Mondrián, en Holanda, en 1.920.Es un Arte no figurativo que niega la subjetividad del artista. Es Racionalista. Utiliza colores primarios y grises. Produce series de pinturas: son variaciones sobre un mismo tema. Estructura las obras a través de líneas rectas, horizontales y verticales. Fueron sus representantes: P. Mondrián y T. Van Doesburg. Neorrománico: se denomina así a la corriente arquitectónica surgida en Europa desde mediados del siglo XIX, paralela a los revivals neogóticos, neobizantino, neorrenacimiento, neomudéjar, etc. Nervio: elemento estructural que se destaca de una bóveda o cúpula y que concentra las cargas estructurales. Net Art: es el Arte en la Red. Internet es hoy una plataforma de creatividad para muchos artistas. Está asentado en la tecnología (Internet) y tiene raíces en la poesía visual, la música experimental y el video arte. Sus herramientas son los softwares de animación y edición (como Flash, Dreamweaver, Action Script, Java) y programas de video y sonido. El Net Art se desarrolla en Europa, América, Australia y Japón. Vórtice es un sitio Web que reúne obras de todo el mundo, brindando la posibilidad de comprar on line (libros, postales, poesía sonora, posters, etc.). Para los artistas Net el modo de posesión de su obra es el de la propiedad intelectual. Se destacan Brossa (España), Nam J Paik (Corea). Nicho: cualquier cavidad practicada en el muro. También se le puede denominar “Hornacina”. Su finalidad puede ser constructiva a fin de aligerar el espesor del muro o simbólica o decorativa.

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Nueva Figuración: surge en los años de la posguerra. La Nueva Figuración propone la comprensión del hombre desde dentro, para captarlo en su problemática existencial. Es, pues, el hombre presentado en su insalvable soledad y también en su carácter de cosa a merced de fuerzas que lo sobrepasan y asedian sin piedad. Cada pintor crea su propio idioma que, en algunos casos lleva a la figura al borde de su extinción y, en otros, a la deformación monstruosa. La misma diversidad domina en los recursos materiales y en las técnicas. Los principales representantes son: J. Dubuffet, A. Giacometti, F. Bacon, N. De Stael, W. De Kooning, etc. Nueva objetividad: movimiento pictórico realista de principios de 1920 en Alemania. La Nueva Objetividad opone al mundo de los sentimientos del Expresionismo, lo visual y objetivo. La forma de representación es clara y acentuadamente material. Nuevo Realismo: surge en 1.960 en París. De inspiración duchampiana, es la contracara europea del Pop. Integran el grupo Yves Klein (quien utiliza mujeres impregnadas en pintura, como pinceles vivientes sobre grandes lienzos) y Tinguely (quien realiza esculturas animadas que se autodestruyen).

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O Objetivismo: en lo tocante a la creación artística, este término designa el hecho de reproducir objetos reales físicos del mundo exterior (cosas) y su visión, desligadas de las reacciones sentimentales del artista. Se prescinde, por consiguiente, de los motivos evocados en la conciencia (que como tales son relativos, personales y variables) para colocarse conceptualmente fuera de ella, vale decir, en el polo opuesto representado por lo inmutable, impersonal e invariable. Objet trouvé: objetos liberados de su función original y que son empleados en collages y assemblages. Método artístico de los dadaístas, surrealistas y neodadaístas. Óculo: ventana redonda. También se le conoce como “Ojo de Buey”. Ojiva (Arco de): es un arco tendido diagonalmente bajo una bóveda para reforzarla. La armadura formada por dos arcos de ojiva que se cruzan se llama bóveda de crucería. Óleo: técnica empleada en Europa desde el siglo XV en la que la materia pictórica se obtiene mezclando los pigmentos triturados con un aceite secante (suele ser de lino), que sirve de aglutinante. Op-Art: modalidad artística de la segunda mitad del siglo XX que ejerció una gran influencia sobre la decoración, las artes del libro, del vestido, etc. en el mundo occidental. El Op-Art se caracteriza por la creación de una gama de ilusiones y efectos ópticos que sugieren la sensación de movimiento a partir de elementos tales como la superposición de planos, la repetición de elementos geométricos simples (líneas, puntos, etc.) o la interacción cromática. Algunos de sus representantes son J. Albers, V. Vasarely, el Grupo Zero (en Alemania), J. R. Soto (Venezuela), Julio Le Parc, Giula Kosice (Argentina), etc. Glosario de las Artes Visuales

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Orden arquitectónico: conjunto de elementos articulados para formar una unidad orgánica. Tiene una parte sustentante (columnas) y otra sustentada horizontal (entablamento). Su diferente disposición y decoración crea los distintos órdenes de la arquitectura clásica: dórico, toscano, jónico, corintio y compuesto. Orfismo: palabra utilizada por Guillaume Apollinaire en 1.912 para designar el movimiento que, dentro de la pintura de vanguardia de la época, proclamaba la primacía del color en la construcción pictórica, como reacción a las armonías grises del cubismo de Picasso y de Braque. Apollinaire colocaba así, bajo la evocación de Orfeo, las experiencias de Delaunay, Kupka, Picabia, Bruce, Morgan Russel y Mac Donald Wright. Delaunay, su portavoz, proclamaba su adhesión a los colores puros y sobre todo al contraste simultáneo imaginado por Seurat, único medio según él, de asegurar el dinamismo de los colores. Orgánico: se denomina así al conjunto que forma un todo: estructura orgánica. Son formas orgánicas las que tienen relación con las formas de la Naturaleza. Formas que resultan de una “voluntad de arte” que tiende marcadamente a lo viviente. Estructura plástica que sugiere el desarrollo, crecimiento y relatividad del mundo orgánico. Ornamento: es una estructura plástica que difiere de una obra de arte propiamente dicha, en cuanto que, a pesar de que sus componentes, formas, colores, valores, etc., tienen una carga expresiva, ésta se halla siempre afectada por su función. Casi siempre el ornamento es parte de otra cosa. Su forma y color dependen del lugar, utensilio, mueble, etc., para el que se realice; en consecuencia, su contenido expresivo debe limitarse particularmente a aquello que debe ornamentar. Ortogonales: diagonales trazadas desde la base del plano del cuadro hasta el punto de fuga. Representan líneas paralelas en retroceso perpendicular al plano del cuadro y conducen la mirada hacia el fondo de la tela.

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P Pabellón: edificio normalmente ornamental que se solía colocar en un jardín. Puede ser también una parte de un edificio que se destaca del resto. Paisajes, pintura de: representación pictórica de un paisaje. Si al principio el paisaje sólo era secundario para dar forma a un segundo plano, a finales del siglo XVI se convirtió en un género pictórico propio. En el siglo XVII se desarrollaron “paisajes idílicos” (como los paisajes glorificados de C de Lorena) y “paisajes heroicos” (como las vistas alegóricas de N Poussin). Sin embargo experimentó su auge durante el barroco holandés. La pintura de paisajes se revolucionó por completo gracias a la pintura al aire libre del siglo XX. Paisajismo: actividad del paisajista. El paisajismo abstracto es una tendencia de la pintura abstracta cuyas obras, a pesar de contener una morfología no figurativa, evocan el espectáculo de la naturaleza. Se desarrolló principalmente en Francia y Estados Unidos de América, después de la 2° Guerra Mundial. Paleocristiano: se denomina así al arte de los primeros cristianos, esencialmente de fines del siglo II hasta fines del siglo IV. Paleta: es el soporte, generalmente de madera, que utilizan los pintores para colocar y mezclar simultáneamente los colores al óleo o acrílicos, hasta lograr el tono deseado. Por extensión también se llama así al ordenamiento armónico de tonos escogidos por el pintor, tomando como base sus relaciones dentro del círculo cromático. Palladianismo: estilo arquitectónico inglés, surgido en el siglo XVIII, basado en la arquitectura y en el tratado de Andrea Palladio. A mediados del siglo XVIII se difundió también en Norteamérica, siendo el estilo más empleado para grandes residencias y edificios públicos. Glosario de las Artes Visuales

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Pantocrátor: epíteto atribuido al Cristo triunfante. En el arte bizantino se aplica de forma especial a las representaciones de Cristo en busto, en que aparece con todo su poder, en las cúpulas o ábsides de las iglesias. Paramento: aspecto o disposición de los elementos de un muro. Parteluz: elemento vertical que divide la luz o anchura de una ventana. Pastel: pintura en que los colores se aplican con lápices blandos. De origen francés, se desarrolló a partir del siglo XVIII. Son pinturas en polvo, comprimidas en barritas. Las obras resultan vaporosas y muestran la textura del papel utilizado. Pátina: es la posibilidad de cambiar el tono de la superficie de una escultura a través de medios químicos. La pátina o coloreado de la obra se lleva a cabo comúnmente con sulfato de cobre, el que otorga una tonalidad verde azulada o bien usando nitrato (sulfato) de hierro, el que da un tono tierra amarillento. Estos elementos químicos actúan bien sobre esculturas en cemento. Pechina: Cada uno de los cuatro triángulos curvilíneos sobre los que se sustenta una cúpula. Sirven para pasar de la planta cuadrada a la circular. Pedestal: basamento o pie de una columna o elemento arquitectónico. Percepto: es el objeto de la percepción. En el caso de la plástica consistiría en la aprehensión del estímulo, la imagen. Se diferencia de concepto, pues pertenece al mundo de la inteligencia y el otro al de la percepción. Performances: (voz inglesa que significa “representación”) en el arte contemporáneo es sinónimo de acción; se hallan a mitad de camino entre el Teatro y la Plástica. Forma artística contemporánea unida al arte de acción, de mediados de 1970. El performance está sometido a una coreografía, al contrario del happening que está improvisado y que depende de la participación del público. Peristilo: serie de columnas que rodean un edificio (generalmente un templo clásico) o un patio.

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Perspectiva: método de crear la ilusión de alejamiento espacial sobre una superficie plana. Representación pictórica de un objeto, una persona o un espacio, de forma que se origine la impresión de profundidad y espacialidad. La perspectiva fue investigada científicamente y traspasada a la pintura durante el Renacimiento. La perspectiva cromática, es aquella en la que los objetos representados pierden intensidad cromática según se van alejando y adquieren una tonalidad azul. Utiliza los colores cálidos o fríos. Así el color azul en un segundo plano crea profundidad y el rojo o el amarillo refuerzan el primer plano. Perspectiva atmosférica: La perspectiva atmosférica aspira a representar la atmósfera que envuelve a los objetos y para ello se pinta a los más lejanos de forma desvaída; es el resultado de la transmisión directa de la experiencia óptica y naturalista a la pintura. Las figuras y los objetos situados en primer plano (en el lienzo) se pintan con mayor precisión, y se va suavizando y matizando el trazo a medida que los objetos se alejan, de modo que quedan difuminados por la masa de aire interpuesta, dando la sensación de auténtica lejanía. Perspectiva caballera: perspectiva establecida desde un punto de vista alejado del infinito. Este sistema de perspectiva conserva el paralelismo de las líneas. Perspectiva frontal: es aquella que muestra un solo punto de fuga sobre el dibujo. Cuando se utilizan dos puntos de fuga, la vista, la perspectiva, es oblicua. Perspectiva jerárquica: en esta perspectiva el tamaño de las figuras en el cuadro no depende de su posición en el espacio, sino de su significado conceptual. Así se representa a los Santos de mayor tamaño que a los devotos, en las imágenes religiosas. Esta perspectiva es desplazada durante el Renacimiento por la perspectiva central, que se corresponde con la visión tridimensional. Perspectiva lineal: sistema de percepción espacial que utiliza un punto de fuga central desde el que divergen todos los planos. Sistema matemático muy utilizado en el Renacimiento.

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Perspectiva simultánea: perspectiva aplicada por los cubistas para retratar objetos al mismo tiempo desde varios puntos de vista. Peso compositivo: dos factores determinan el equilibrio, peso y dirección. El peso depende de la ubicación. Cualquier elemento colocado en el centro del campo, cerca de él o en el eje vertical central pesa menos que uno que se encuentre alejado de estas zonas y que en consecuencia sufra tensiones de atracción o repulsión, de ángulos, bordes, diagonales o eje horizontal del cuadro de encierro, ya que el peso pictórico aumenta gradualmente a medida que éste se aleja del centro, es decir el principio físico de palanca rige también dentro de una composición plástica, esto sin olvidar que otros factores de ubicación pueden obstaculizar el efecto de palanca. Parece ser que los objetos ubicados en la distancia, alejados del espectador, aunque sean menores en su tamaño poseen poder de contrapeso, el factor espacial puede influir al saberse que el objeto distante es mayor de lo que se ve, ya que se encuentra influido, precisamente, por diversos factores provocadores de espacio. El peso también depende del tamaño y el color, cuanto más grande es una forma, pesa más generalmente (siempre dependiendo de su ubicación); el rojo es más pesado que el azul, tanto como lo son los colores de alta luminosidad. El aislamiento contribuye al peso, pues hace resaltar una forma. Tanto como influyen la forma y la dirección, las formas regulares pesan más que las irregulares. Pesos visuales: según Kandinsky el plano visual se divide en arriba-abajo, izquierda-derecha. La parte superior es la de menor peso visual y por tanto, la inferior es la de mayor peso visual. El peso visual es el efecto óptico que produce una figura grande: a la izquierda es menos densa y a la derecha es más densa. Si una figura de gran peso visual no se encuentra en el centro o incluso en el sector superior (ocupando un sector “liviano”), llama la atención y obliga a la vista a fijarse una y otra vez en ella. Petroglifos: son a la vez manifestaciones gráficas de los habitantes prehistóricos realizadas por medio de la técnica del grabado sobre roca fija y voces de antiguos testimonios, representaciones llenas de majestuosidad y misterio. Los petroglifos, que se vinculan con lo sobrenatural y forman un lazo de comunicación con los dioses, eran tallados durante la realización de ritos y ceremonias mágicas y religiosas. Las ideas representadas pueden o no guardar un sistema de relación directa entre el símbolo y su significado, por lo que

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debe considerarse también la posibilidad de que las representaciones hayan sido trabajadas a partir de un sistema de metáforas. Pictografía: de la raíz latina “pintar” y de la raíz griega “trazar”, “escribir”. La pictografía se encuentra en las manifestaciones diversas de la protoescritura, transmitiendo, al que contempla, un fragmento de un discurso figurado, sin que este discurso esté descompuesto en palabras y por consiguiente, sin que haya ligazón efectiva con una lengua determinada. La pictografía visualiza lo que puede ser expresado por la palabra. Posteriormente la pictografía se desarrolló con los ideogramas. Pictórico: carácter de la obra artística que exalta los valores cromáticos y luminosos. Pigmento: color en polvo (puede ser de rocas pulverizadas, plantas, tierras, sangre de insectos u otras materias primas) que se emplea para realizar las pinturas. En el siglo XV fue probablemente el pintor Van Eyck el que mezcló los pigmentos con aceites, constituyendo los colores al óleo. Antes los pigmentos se mezclaban con huevo o cera. Pilar: soporte cuya sección no tiene forma circular, que hace la misma función arquitectónica que la columna. Pilastra: pilar adosado a un muro, con basa y capitel. Pilono: entrada a un templo egipcio formada por torres de gran tamaño con muros inclinados. Pináculo: remate piramidal, muy puntiagudo, con ganchos y otros detalles de embellecimiento de los contrafuertes góticos. Pintoescultura matérica: se destaca K. Schwitters (1.887-1.948), inventor de un tipo de obras elaboradas con desperdicios callejeros y todo tipo de utensilios. Pintoresco: estilo pictórico de finales del siglo XVIII, que gustaba de disponer ruinas o edificios clásicos en los parques o jardines. Pintor de cámara: artista que se dedica a retratar a la familia real y a otras personalidades destacadas de la corte.

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Pintura: representación artística en una superficie por medio del dibujo, la luz y el color. La pintura está formada por dos elementos: el pigmento o sustancia, responsable del color y la sustancia aglutinante. Los pigmentos suelen ser los mismos para todos los procedimientos. En cambio las sustancias aglutinantes son las que dan nombre y características distintivas a las distintas técnicas. Puede ser: acuarela, aguada, encáustica, fresco, óleo, temple, acrílico. Pintura al aire libre: al contrario de la pintura de estudio, con esta técnica el cuadro se pinta por completo al aire libre. La escuela de Barbizón fue pionera en el ámbito de la pintura al aire libre, que posteriormente fue adoptada por los impresionistas. Pintura al final del siglo XX: en los años de 1980 comenzaron a utilizarse los nuevos medios, el cine, el video y la performance han sido aceptados como un enriquecimiento de los métodos del artista. Se produjo un retorno a la pintura porque se notaba un cierto cansancio del austero purismo del Minimal Art y con la intangibilidad del Arte Conceptual. Luego de las Vanguardias se ha llegado a un eclecticismo estético en el posmodernismo. Pintura corporal: se debió en sus orígenes tanto al uso ritual como habitual, constituyéndose en un verdadero tipo de arte. Pocos pueblos han consagrado tanto arte a la pintura de sí mismos como los indígenas. Pintura de género: es la que utiliza escenas sacadas de la vida familiar o popular, o de temas anecdóticos. Pintura en negativo: consiste en extender sobre la arcilla seca una capa de cera de abeja para, a continuación, incidir en ella la decoración y sumergir el objeto en un baño colorante. La cocción fijará los pigmentos y hará desaparecer la cera. Esta técnica conduce a resultados opuestos, según que la cera que se quite sea del fondo o pertenezca a la decoración. En el primer caso, esta última, al quedar protegida por la cera, se destacará en reserva o en negativo sobre un fondo pigmentado. Pintura flamenca: estilo dentro del Renacimiento, que aparece en los territorios agrupados bajo el nombre de Flandes, constituidos por los actuales países de Holanda y Bélgica. Las características de esta escuela son: Realismo de las imágenes

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Riqueza del color Preciosismo de los detalles Los pintores flamencos representaron tanto escenas religiosas como de la vida cotidiana. Ejemplos característicos de este estilo son las obras El Matrimonio Arnolfini, de Jan Van Eyck y El Martirio de San Sebastián, de Hans Memling, en las cuales predomina una descripción detallada del ambiente que rodea a los personajes. R. Van der Wayden, P. Christus y H. Van der Goes también integran la nómina de los grandes artistas flamencos. Pintura matérica: es cualquier forma de abstracción gestual que parece violentar de algún modo los materiales utilizados por el artista. Se destacaron Fontana, Tapies, Burri. Pintura Metafísica: en 1.915 G. De Chirico y C. Carrá pintan cuadros oníricos que describen un mundo muerto poblado por maniquíes siniestros e insólitas naturalezas muertas. Es lo que se denomina pintura metafísica. Corriente italiana que pretende mirar detrás de las cosas en cuadros de lugares vacíos, figuras sin rostro y un ambiente parecido al estado de trance y sueño. Pintura simbolista: se desarrolló a mediados del siglo XIX, en Francia e Inglaterra. Con respecto al color, a veces los aplicaban en tonos fuertes, para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Del mismo modo, el uso de colores pasteles, junto con la difuminación del color, perseguía el mismo objetivo. En la temática utilizada, se observa un interés por lo subjetivo, lo irracional y lo sobrenatural. Se buscaba plasmar los sueños y fantasía, por medio de la alusión del símbolo. Se destacan las figuras de G Moreau, O Redon, E Vuillard. Plano: puede ser definido como una superficie delimitada, que al igual que otros elementos (el punto, la línea) constituyen un recurso expresivo del lenguaje plástico. Tiene dos dimensiones. Plano de la pintura: la superficie plana sobre la que se pinta un cuadro. El plano vertical se concibe como una ventana entre el espectador (o el artista) y lo pintado. Planta: dibujo arquitectónico de una obra representada en sección horizontal.

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Plateresco: orientación en la pintura de la primera mitad del siglo XVI. Combina las formas góticas con las renacentistas. Se denomina así porque parece inspirarse en las formas utilizadas por los orfebres y plateros. Plástico: carácter de la obra artística que destaca los volúmenes. Podio: plataforma. Pedestal en el que descansan varias columnas. Policromar: revestir con colores diversos, diferentes materiales, en especial madera. Políptico: conjunto de paneles pintados o esculpidos unidos entre sí, que comprenden generalmente unas hojas que pueden cerrarse sobre el panel central. Pont-Aven, Escuela de: unión de artistas liderada por Gauguin, que en la década de 1880 realzó la expresión mediante el color y la simplificación de las formas. Pop-Art: tendencia artística surgida, hacia 1.953-55 de origen británico y norteamericano. El Pop-Art constituía un conjunto de manifestaciones con contenido parcialmente estético de la sociedad técnica, urbana y de consumo: máquinas, imágenes publicitarias, fotografías de revistas ilustradas, cine y música destinada a las masas, ciencia-ficción, etc. Proponía unir el arte y la vida cotidiana. Utilizaba símbolos de la cultura de consumo americana. Tomaba los temas y motivos de los medios masivos de comunicación. Por reacción contra las costumbres elitistas, representaba un arte popular, más cercano al público. Las pinturas eran de grandes dimensiones. Se creó el Happening (suceso), es una escenificación de objetos de desecho, procedentes del entorno urbano. Utilizaba materiales inesperados (objetos blandos). Las pinturas a veces eran cortadas en bandas transversales, que podían ser atravesadas por el espectador. Como recursos visuales se valieron de imágenes de comics, dibujos animados, de la publicidad; también de formas de la cultura clásica (templos griegos); multiplicaciones de una imagen fotográfica (ej.: latas de sopa); utilizaron el collage, técnica típica del Pop. Las obras eran una mezcla de fascinación e ironía con respecto a los símbolos de opulencia americanos. En Inglaterra abrieron la puerta entre el arte y el kitsch. Representantes: A. Warhol, R. Lichtenstein, C. Oldenburg, T Wesselmann, J. John, R. Rauchemberg.

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Pórtico: lugar cubierto y columnado, situado ante un edificio y generalmente adosado a él. Postimpresionismo: (1.880-1.905) Arte que intentó superar el naturalismo. Puso mayor énfasis en el color, en las emociones y en la imaginación. Pintura: como estado de ánimo, V. Van Gogh. Esencia racional de las formas y la composición, P. Cézanne. Simbolismo, el color liberado en una realidad imaginada, P. Gauguin. Con el Posimpresionismo se enriqueció la paleta, ya que adquirió un cromatismo vivo, efervescente. Pintaron la sensación, eliminaron los contrastes y las sombras fueron azules. Crearon obras de un idealismo en el cual la idea (intelectualizada en Cézanne y Seurat, sensualizada en Renoir, ToulouseLautrec y Van Gogh, endurecida en el símbolo como en Gauguin), sigue siendo dominada por la forma material que la expresa. Pero ya con ellos comienza la disociación entre la forma representativa y la que se logra con los elementos plásticos. Posmodernidad: término adoptado de la arquitectura, que define artísticamente la posición desde principios de los años de 1980. Es el desarrollo posterior de la modernidad. Rechaza todas las ataduras ideológicas y tradicionales. Preciosismo: La expresión suele ser empleada en sentido general para designar la modalidad técnica precisa y exacta de un artista. Predela: hilera de pequeños cuadros bajo el panel principal de un retablo, con escenas de la vida de Cristo, la Virgen o los santos representados arriba. Preparación: trabajos preliminares sobre el lienzo para establecer los tonos dominantes antes de aplicar el color. Prerrafaelismo: doctrina de un grupo de pintores británicos de la época victoriana que, bajo la influencia de Ruskin adoptaron como modelos ideales las obras de los predecesores de Rafael. Los prerrafaelistas mostraron un idealismo mezclado de naturalismo y simbolismo, unidos a un oficio escrupuloso. Una inspiración literaria y simbólica, bíblica o histórica, caracteriza a los principales miembros: Rossetti, Hunt, Millais, Burne Jones, etc.

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Presbiterio: zona oriental de una iglesia, ligeramente elevada; prolongación de la nave central, reservada para el clero y el coro, a veces separada de la nave mediante un cancel. También recibe el nombre de coro. Primer plano: (primer término) la parte de una pintura más próxima al espectador. Primitivismo: tendencia artística del siglo XX según la que los pintores se inspiran en el arte popular, el arte africano u oceánico, así como en dibujos infantiles, puesto que éstos son espontáneos y no resultan de ninguna academia, por lo que parecen más puros. Procedimiento: método, operación o serie de operaciones con que se pretende obtener un resultado. Propaganda: publicidad desarrollada para propagar o difundir un producto, una materia, un espectáculo, etc. La propaganda busca la difusión de ideas para el bien común. Proporción: es la relación constante que debe existir entre las dimensiones de cada una de las partes de un objeto o de una composición y las dimensiones de su totalidad. Publicidad: conjunto de medios y técnicas que permiten la divulgación de las ideas o de los objetos y que tienden a provocar comportamientos o actitudes en los individuos que reciben sus mensajes. La publicidad tiene un fin material: busca vender. Puntillismo: también llamado Neoimpresionismo. Fue un movimiento artístico formado en 1881 cuyo jefe y teorizador fue Seurat y Signac su historiógrafo, quienes estudian científicamente el color y la división del tono. Aseguraban que “dividir es asegurar todos los beneficios de la luminosidad, de la coloración, de la armonía”, 1° por la mezcla óptica de pigmentos exclusivamente puros (todos los colores del prisma en todos sus tono), 2° por la separación de los diversos elementos (color local, color de iluminación, sus reacciones) 3° por el equilibrio de estos elementos, sus proporciones (según las leyes del contraste, de la degradación, de la irradiación). También se destacó la figura de C Pissarro.

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Punto: según Kandinsky es el elemento plástico básico. No es un ente inmaterial, sino que al reclamar una cierta superficie sobre el plano se materializa, posee sus límites, sus tensiones y comienza a vivir como ente autónomo; puede ser de diferentes formas, tamaños y colores. En él se encuentran en embrión la línea y el plano. Punto de fuga: punto imaginario del horizonte al que parecen converger todas las líneas horizontales paralelas de un plano. Purismo: en 1.924 Villon, Duchamp y Picabia, crearon esta tendencia. Toma del Cubismo el lenguaje y la lúcida racionalidad, pero se singulariza por la elección de los temas y el contenido y sobre todo por el juego de proporciones de la “sección áurea”. Las obras muestran ritmo y equilibrada armonía. En arquitectura, se halla ligado a las obras de Le Corbusier.

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R Racionalismo: movimiento arquitectónico que surgió en el siglo XVIII, de la Ilustración en Francia. Frente al historicismo y a la tradición pretendía dar soluciones racionales a los problemas arquitectónicos. Uno de sus principales representantes fue el arquitecto francés Viollet-le-Duc, partiendo de los principios de la arquitectura gótica. En la arquitectura moderna, movimiento que parte de las enseñanzas de la Bauhaus. Propugna una gran limpieza formal y la casi total ausencia de decoración. Uno de sus principales representantes fue Mies van der Rohe (1.886-1.969). Rayonismo: también llamado cubismo abstracto, fue un movimiento artístico iniciado en Moscú en 1909.Sus exponentes fueron Larionov y Gontcharova. Los “rayos de colores” que denominan el estilo, ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias (paralelos, perpendiculares o convergentes y divergentes), construyen el espacio pictórico. Ready made: (significa “ya hecho”) es un objeto de uso común al que una mínima intervención del artista (firma, fecha) lo convierten en obra de arte. Fueron creados por los Dadaístas. Realismo: tendencia literaria y artística que pretende representar la naturaleza tal como es, sin tratar de idealizarla. Surgió en Francia en 1.850. Puede definirse por una voluntad de objetividad y una elección de temas capaces de explicar la vida y los acontecimientos contemporáneos con una preocupación social clara. También se explica por una doble reacción contra los ideales clásicos y las aspiraciones románticas. Pintura: descriptiva. Representa escenas de trabajo, con una mirada crítica sobre las tensiones sociales. Búsqueda de una función moralizante del arte.

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Modelados del color. Claroscuros. Se destacaron Courbet, Millet, Daumier, Corot, T. Rousseau, (en Francia) y P. Pueyrredón (en Argentina). Realismo mágico: es una pintura que refleja una realidad modificada. Muestra elementos fantásticos o mágicos, que son percibidos como normales por los personajes. Además se destaca lo sensorial como parte de la percepción de la realidad. Se destacan R Gonsalves, V Luckie, E de Pobes, etc. Realismo Social: se conoce como Realismo Social al movimiento pictórico que aparece hacia 1.920 y que tiene, su más importante manifestación en la pintura muralista mejicana. Se caracteriza por ser un arte narrativo. Cuenta algo o ilustra un suceso del que se desprende alguna lección que interese a la ideología que lo inspira. Revaloriza la figura, y aunque puede alcanzar ciertos grados de deformación expresionista (Siqueiros, por ejemplo), nunca sale de los moldes reconocibles de la representación humana. Existe en función de un pensamiento político. Sus temas están siempre inspirados en las ideas revolucionarias que tienen por meta el establecimiento de un orden más humano, en el que no haya esclavos ni privilegiados. El grupo de artistas está integrado principalmente por D: Rivera, J. C. Orozco y D. A. Siqueiros. Relieve: labor escultórica en que se hacen resaltar las figuras y objetos sobre el plano. Puede ser alto relieve, aquel en que las figuras sobresalen del plano más de la mitad de su bulto; medio relieve, en el que sobresalen la mitad de su grosor; bajo relieve, en el que las figuras resaltan poco del plano. Renacimiento: movimiento literario, artístico y científico que tuvo lugar en Europa en los siglos XV y XVI basado en gran parte en la imitación de la antigüedad griega y romana. El retorno a las fuentes antiguas se traduce en un sistema coherente de arquitectura y decoración, un repertorio nuevo de temas mitológicos y alegóricos donde el desnudo adquiere un lugar relevante. Además tuvo aspiraciones estéticas (en pintura, búsqueda del espacio y del relieve respecto a los cánones greco romanos), científicas (intento de poner fin a la separación entre las artes, la técnica y el pensamiento) e incluso éticas (exaltación de la inteligencia, de la individualidad, del héroe, que se superponen a los valores cristianos). Fue un arte antropocéntrico, racional, equilibrado y armonioso. Pintura: realista. Uso de la perspectiva. Estudio de la figura humana. Temas: escenas mítico-religiosas, retratos, paisajes. Se destacaron: los hermanos Van Eyck, Memling, Fra Angélico, Ucello, Masaccio, F. Lippi, Botticelli, Piero della

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Francesca, Mantegna, Carpaccio. En el siglo XVI Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Veronés, Tintoretto. Durero, Holbein, Bosch, Brueguel, etc. Escultura: temas mítico-religiosos. Materiales: mármol, bronce, terracota. Se destacaron, entre otros, Ghiberti, Donatello, della Robbia, Verrochio, Miguel Ángel, Leonardo. Arquitectura: proporciones equilibradas y armoniosas. Cúpulas. Arcos de medio punto. Iluminación natural. Se destacaron, Brunelleschi, Alberti, Bramante. En el siglo XVI Rafael, Miguel Ángel, Vasari, Palladio. Réplica: repetición de una obra, idéntica o con ligeras variantes, realizada por el propio autor o su taller. Reproducción en escorzo: es la representación perspectiva de un objeto desde un ángulo tal de visión que sus sucesivos planos, por medio de los cuales percibiríamos cabalmente sus medidas, se desarrollan ante nosotros, ya porque se opongan entre sí, ya porque los haces lumínicos a los que sirven de base nos envíen la imagen del conjunto convergiendo ellos más cada vez a medida que vayan siendo más cortos. Repujado: trabajo efectuado sobre metal, martilleando su parte trasera, para conseguir un relieve en el anverso o parte delantera. Se retoca posteriormente con un buril o cincel. Reserva (decoración en): si el pintor sólo dispone de un color, además del propio del soporte (en cerámica), puede aplicar dicho color sobre el motivo que desea destacar o sobre los fondos que quiere hacer resaltar. En este último caso el pincel deja intactos los contornos del tema, para el cual reserva la tonalidad natural del soporte. La pintura en reserva se practica corrientemente sobre fondos claros o sobre terracotas de color beige. Retablo: en las iglesias, construcción vertical pintada o esculpida, situada detrás del altar. Retrato: figuración que refleja los rasgos de un ser humano. Pueden ser autorretratos, retratos de otra persona, dobles o incluso de todo un grupo. Ritmo (visual): es la repetición ordenada de elementos que produce una sensación de movimiento. Es una armonía a lo largo de una dimensión, que puede ser el espacio o el tiempo. Por ritmo, en Artes Visuales, se entiende la

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repetición (con variaciones) de elementos similares, ya sean lineales, formales o colorísticos, aislados o en grupos, repeticiones que a veces suelen ser factor primordial, para la unificación de una obra. Se habla por ejemplo de ritmo en las obras de Van Gogh, cuadros ejecutados con pinceladas en forma de bastoncitos, dispuestos de modo rítmico en cuanto a la forma y al color. Rocalla: adorno que, representando falsas rocas, estalactitas y conchas, se adhieren a la arquitectura. Rococó: estilo artístico desarrollado en Europa durante buena parte del siglo XVIII, que coexistió con el neoclasicismo. Se origina en el ambiente aristocrático y refinado de la Francia del Duque de Orleáns y luego de Luis XV. Se caracterizó por la ornamentación de carácter naturalista (temas vegetales, escenas rústicas, dragones), basada en la rocalla; por las formas irregulares, por un estilo decorativo, recargado, asimétrico, superficial y suntuoso. Su campo de aplicación fundamental fue el de las artes decorativas (orfebrería, decoraciones en madera, mobiliario, vestidos, estucos). Pintura: sutil; vibrante; de rico colorido. Se representaban fiestas galantes. Se destacaron Watteau, Boucher, Fragonard, Chardin, Q. La Tour, etc. Escultura: aplicada a la arquitectura y a pequeñas piezas de porcelana. Arquitectura: de interiores; decorativa y recargada. Escaleras, salones de baile, pabellones en jardines. Uso de materiales preciosos. Románico: se denomina así al arte que se desarrolló en Europa desde fines del siglo X hasta principios del siglo XIII y se aplicó especialmente a la arquitectura. (Ver arte románico). Romanticismo: conjunto de movimientos intelectuales y artísticos que desde fines del siglo XVIII, en Alemania y Francia, hicieron prevalecer los principios de libertad y de subjetividad contra las reglas clásicas y el racionalismo filosófico. Esta corriente hizo triunfar la espontaneidad y la rebelión; las inquietudes del hombre, la realidad, sus mitos, sus pesadillas, sus sueños, la soledad, la noche, la muerte, la fantasía. Son característicos los paisajes que recogen el mundo medieval de las leyendas y las sagas. Pintura: colorido vivaz. Carácter dinámico. Dibujo nervioso. Temas: escenas de guerras y revoluciones. Representan lo trágico y lo exótico. Se destacaron Gericault, Delacroix, Turner, Goya, Constable, W. Blake, Gros, Corot, etc. Escultura: retorno a lo monumental. Es dinámica, enérgica. Representa animales como centro de la obra. Se destacaron Rude y Carpeaux.

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Rosa: flor asociada a la Virgen María. La rosa roja simboliza el martirio, y la blanca, la pureza. Las rosas eran también atributo de Venus. Rosetón: vano circular calado, especialmente en el arte medieval, cuyas divisiones se disponen de forma radial.

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S Salomónica: se llama así a la columna retorcida o que sube en espiral. San Agustín: santo y teólogo cristiano del siglo IV. Normalmente se le representa vestido de obispo mitrado, pero a veces lleva hábito de monje. San Esteban: protomártir cristiano, que murió lapidado. Toma la apariencia de un joven de rasgos delicados con piedras en la mano o sobre la cabeza. San Juan Bautista: el mensajero de Cristo. Por lo común se le retrata cubierto con una piel de cordero y portando una tosca cruz. San Pedro: el primero de los doce apóstoles, aparece en los cuadros como un hombre viejo con el pelo y la barba grises y rizados. Su atributo principal es una llave. San Sebastián: santo cristiano del siglo III. En el arte renacentista suele aparecer desnudo, atado a un árbol y con flechas clavadas en el cuerpo. Sátiro: en la mitología griega, espíritu de los bosques. Integrante del cortejo de Baco, presenta rasgos caprinos (patas peludas, pezuñas, cuernos y rabo). En el arte del Renacimiento es la personificación de la lujuria. Saturación: es el grado de pureza que tiene un color. Los colores más saturados son los que más se aproximan a los colores básicos. Sección Áurea: relación de proporción según la cual las superficies están en una relación 1:1,14. Esta relación proporcional se considera especialmente armónica. Fue conocida en la Antigüedad y recuperada durante el Renacimiento.

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Secesionismo vienés: a fines del siglo XIX se produjo una reacción contra la superficialidad del Modernismo, del cual surge, y toma el nombre en Austria, de Sezession Styl. Sus jefes, A. Loos y O. Wagner, recogieron la herencia del racionalismo arquitectónico y crearon un tipo de estructuras geométricamente muy simples (decoradas con parquedad). Gustav Klimt, pintor simbolista austríaco, fue un representante del movimiento modernista de la Secesión vienesa. Semiología: es la ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social. Semiótica: es la estética que se apoya en el estudio de los signos para llegar a una explicación del arte. A partir de Peirce se integran los sistemas de expresión no lingüística y los aborda sin mediación de un “intérprete”: así, la semiótica pictórica no se reduce al análisis de los enunciados de la pintura, sino que se esfuerza en captar las estructuras formales y semánticas del espacio del cuadro. Serigrafía: procedimiento de impresión empleado sobre todo por los artistas del pop art y del Op art de los años 60 del siglo XX. Consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco. El paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta. “Sfumato”: vocablo italiano que se emplea para describir una manera de pintar extremadamente suave y que no determina con precisión los contornos y las formas, sino que reproduce los objetos tales como en la naturaleza los vemos cuando están situados a cierta distancia y envueltos en los vapores de la atmósfera. Signo: señal o indicio de algo. Convención e institucionalización de determinadas señales; significa algo conocido (por ejemplo, la Cruz es un signo del cristianismo). Silueta: es la superficie encerrada dentro de la línea de contorno. Sillar: piedra labrada que se usa en construcción, normalmente de sección rectangular y paralelepípeda.

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Simbolismo: movimiento literario y artístico cuyo fin fue convertir el mundo de los pensamientos, la fantasía, las visiones y los sueños en el verdadero contenido del cuadro. (Ver pintura simbolista). Símbolo: palabra que es definida antes que nada como una imagen. Mediante un medio material (la imagen) se alude a lo inmaterial. La imagen es, en realidad, imagen de. Se refiere a una cosa de la cual es portadora o visualizador. Es algo inmaterial, corresponde al ámbito de los valores, las creencias, los afectos, los conceptos, las elecciones. Vale decir todo aquello que por su carácter ambiguo, inasible, misterioso, polivalente y amplio, carece de representación propia. Símbolos cosmogónicos: entre la diversidad de concepciones cosmogónicas que estuvieron vigentes en América indígena, las más frecuentes sitúan nuestro universo en el centro de otro universo mayor, representado por un disco cuyo centro ocupa el sol o por el contrario, lo describen como una superposición de ciclos, en cada uno de cuales reside un dios. Símbolos frutales: la manzana representa la caída del hombre y su redención por la muerte de Cristo, y la cereza, el cielo. En el arte cristiano, la uva simboliza la sangre de Cristo, y la granada, la castidad, la autoridad de la Iglesia o el monarca y la resurrección. Simetría: en una composición simétrica, las formas se repiten a igual distancia a ambos lados de uno o varios ejes. Sintetismo: movimiento pictórico que consumó la ruptura con el Impresionismo. Es la simplificación deliberada de las formas, las líneas y los colores, que tiene como meta dar a la expresión su intensidad máxima mediante la supresión de cuanto pudiera aminorar su efecto. El sintetismo invirtió la relación del pintor con la realidad: este ya no se somete a la naturaleza, sino que la utiliza. La obra de arte ha de ser: 1° idealista, puesto que su único ideal es la expresión de la idea 2° simbolista, puesto que expresa esta idea por medio de formas 3° sintética, puesto que traza esas formas y esos signos según un modo de comprensión general 4° subjetiva, puesto que el objeto no está nunca considerado como objeto, sino como signo de una idea percibida por el sujeto 5° decorativa, pues la pintura decorativa es una manifestación de arte a la vez subjetiva, sintética, simbolista e ideísta.

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Se destacaron Paul Gauguin, E Bernard, M Denis. Sombreado: consiste en la adecuada e intencionada distribución de luces y sombras en las figuras representadas. Stencil: arte callejero heredero del graffiti. Es una forma más extendida de intervención artística urbana. Sus herramientas son un molde calado, aerosol e imaginación y su escenario, toda la ciudad. Esta nueva iconografía está relacionada con el arte pop que unió la expresión artística y el consumismo. Su naturaleza radica en el juego y la ironía. Las paredes hablan, se transforman en el portavoz de los habitantes de una ciudad. El stencil busca provocar, conmocionar, hacer reír, enojar, reflexionar, meditar, sorprender, sacudir la modorra de los transeúntes. Invita al espectador curioso, al detallista interesado, al observador atento, a entrenar el ojo para su deleite visual. Un ejemplo es la obra de Arofish (británico) que eligió como motivo los barriletes como una imagen contra la violencia en Beirut. Stoa: columnata exenta utilizada en la arquitectura griega, fundamentalmente en los santuarios y en el ágora. Stonehenge: es un monumento megalítico, tipo crómlech, de finales del Neolítico, situado cerca de Amesbury, en el condado de Wiltshire, Inglaterra, a unos 13 km al sur de Salisbury. Se supone que se utilizaba como templo religioso, monumento funerario u observatorio astronómico, que servía para predecir las estaciones. Está formado por grandes bloques de piedra metamórfica, distribuidos en 4 circunferencias concéntricas. Encierra una estructura con forma de herradura, construida con piedras de arenisca. Stijl (De): revista y grupo de artistas neerlandeses formado en 1.917, sobre las bases teóricas del Neoplasticismo. Muestra la firme voluntad de purificar el arte, de excluir de él todo matiz subjetivo y toda referencia al mundo de los objetos, de crear un nuevo lenguaje plástico, así como la ambición de replantear, en un espíritu de rigor y de síntesis, las relaciones entre las artes visuales y el medio ambiente. Se destacaron Vantongerloo, Van Doesburg, etc. Subjetivismo: este concepto determina en la obra de arte la prioridad del factor personal sobre los factores objetivos, o sea sobre los factores inmutables, impersonales e invariables de las cosas del mundo exterior, de la realidad visible. Subjetivo en sumo grado es, por ejemplo, el arte de los

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expresionistas en cuyas obras se reflejan las emociones e inspiraciones instintivas, plasmadas de acuerdo con puntos de vista absolutamente personales. Sturm und Drang: (tormenta e ímpetu) fue un movimiento literario, que también se manifestó en la música y en las artes visuales. Se desarrolló en Alemania durante la segunda mitad del siglo XVIII. En él se les concedió a los artistas la libertad de expresión a la subjetividad individual y, en particular, a los extremos de la emoción en contraposición a las limitaciones impuestas por el racionalismo de la Ilustración. Se constituyó en precursor del Romanticismo. Se destaca la figura de C D Friedrich. Sublime: movimiento que surge en Inglaterra al final del siglo XVIII. Consiste en la belleza extrema, capaz de llevar al espectador a un éxtasis más allá de la racionalidad. Tuvo gran relevancia en el Romanticismo. William Blake, dibujante, es el claro exponente. Suprematismo: alrededor de 1.911 Malevitch partió de las concepciones cubistas y futuristas para llegar a la incorporación de formas supremas o geométricas, de allí el nombre de Suprematismo. Concibió un espacio libre atravesado por planos dispuestos en forma diagonal de tal modo que el vacío, logrado a partir de la inclusión de algunas formas geométricas simples, como triángulos, círculos y rectángulos, fuese el tema del cuadro. Se destacaron también los rusos Rodchenko y El Lissitzky. Estilo de arte antiindividualista que reclamaba el establecimiento de un nuevo orden universal. Influyó en la arquitectura del siglo XX. El suprematismo ruso, su sucesor el Constructivismo y el movimiento holandés De Stijl querían crear un arte funcional y normativo, impersonal. Surrealismo: movimiento literario y artístico, surgido después de la 1° Guerra Mundial, en Francia, que se alzó contra toda forma de orden y de convención lógica, moral y social, frente a las que, con la expresión de “funcionamiento real del pensamiento”, opuso los valores del sueño, del instinto, del deseo y de la rebelión. El automatismo, que permite liberar la expresión creadora del control de la razón, fue el medio predilecto de los surrealistas para escapar de cualquier descripción del mundo tal cual es y, más exactamente, para intentar su subversión generalizada en sus aspectos no sólo artísticos y culturales, sino también políticos y morales. Las características principales son: Asociaciones libres, sorprendentes y enigmáticas.

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Voluntad de transponer en términos plásticos la actividad del inconsciente. Valorización de la imaginación, el erotismo, el humor, la ironía y las contradicciones del hombre. Uso de nuevas técnicas en la pintura: la novela-collage y el frottage. Representantes: J. Miró, S. Dalí, A. Masson, M. Ernst, R. Magritte, P. Delvaux, R. Matta, Giacometti, De Chirico, Arp, W Lam.

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T Tabla, pintura sobre: el soporte de madera se ha empleado desde la Antigüedad para pintar al óleo o al temple. Por regla general se emplean tablas de castaño, chopo o roble cuidadosamente limpias de nudos y de sustancias tánicas y resinosas. Luego se prepara con una capa de yeso y cola. Tachismo: (de “tache”, manchón o mancha) es un término que ha sido utilizado en forma peyorativa. En la década de 1.940 llegó a ser sinónimo de pintura de acción. Pone en un mismo plano la marca del pintor y el acto ritual y se ha aplicado a franceses como Michaux y a norteamericanos como Pollock. También llamado Arte informal o Art Autre (arte diferente). La pintura o escultura gestual muestra una liberación (en Europa y América) de las reglas, de las trampas del formalismo, del peso de la tradición. Se busca una pintura vital y fluida, en una línea impulsiva, en un gesto espontáneo y con materiales toscos y antiestéticos. El color se pinta sobre el lienzo sin una concepción previa determinada y de forma intuitiva. Se destacan J Fautrier, J Dubuffet, A Tapies. Talla: escultura realizada en madera. Tambor: en arquitectura, cuerpo cilíndrico de ventanas sobre el que se eleva la cúpula. Tatuaje: es una pintura corporal obtenida mediante tintes permanentes. Fue una práctica muy difundida entre los indígenas americanos. Merced a su carácter de indeleble el tatuaje se presta más que la pintura a la ilustración de la vida individual y a la representación de las relaciones que mantiene el

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individuo con el mundo. Es posible que los tatuajes pudieran convertirse en signos de dignidad o en atributos de rango social. Tapiz: tejido grueso ornamental, con características técnicas y figurativas particulares. Las figuras y adornos de los tapices se forman con los hilos teñidos de la trama, tejidos de manera que escondan los hilos de la urdimbre. Se fabrica a mano, en un telar. Técnica (plástica): conjunto de procedimientos y métodos de una ciencia, arte, oficio, industria: tallado, mampostería, mosaico, modelado, pintado, esgrafiado, cestería, tejido, bordado, etc.; en metalurgia: martillado, repujado, filigranado, engarzado y fundición. Tectiforme: signos “abstractos” que acompañan a las pinturas o grabados rupestres paleolíticos compuestos por trazos paralelos, entrecruzados. Tectonismo: término usado en crítica de arte para designar cualidades formales o estructurales de una obra pictórica, cuyos elementos (dispuestos de modo rítmico) evidencian perfecta integración de líneas, formas y colores dentro de un orden de carácter arquitectónico que en especial toma en cuenta un sistema ortogonal, es decir, un sistema en el que predomina el ángulo recto. Tejido: arte muy difundido en la América precolombina. Utilizaban telares y materiales diversos (fibras de cedro, lana de cabra, pelo de perros, fibras de ágave y palma, pelos de conejo y liebre, algodón, lana de llama, alpaca o vicuña). Lograron gran variedad de matices y una gran riqueza ornamental. Tema: la estructura visual cuando se trata de una obra de arte no alude sólo a sí misma, representa algo que está más allá de su existencia individual, lo que equivale a decir que el primer gran contenido del arte es la estructura, que ésta es forma y la forma es significado. Contenido no es sinónimo de tema, pues en el terreno del arte el tema sólo sirve como forma significativa de algún contenido. El tema propiamente dicho, que en casos no es coincidente con el título de la obra y a veces constituye una verdadera antinomia, es el apoyo, la excusa, a través de los cuales el artista imaginativo crea una obra. Temple: manera de emplear agua y cola para ligar los colores. El mejor es el temple al huevo. Como sustancia aglutinante utiliza una emulsión de agua, aceites y yema de huevo. Fue una técnica pictórica usual durante la Edad Media

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(siglo IX) y el Renacimiento, hasta la aparición de las pinturas al óleo. Este procedimiento emplea colores diluidos en agua; sin embargo tras su uso ya no es disoluble. Resultan obras luminosas, con empleo de tintas planas y ausencia de empastes. Para poder pintar es necesario diluir un poco la pintura con agua. Tendencia a la simplicidad: el hombre percibe estructuras, no elementos aislados. Esto quiere decir que cuando observamos una pintura no la percibimos como una suma de partes sino como un todo. Nuestro ojo se comporta como la Naturaleza, que tiende a la simplicidad y a la relación. Sino fuéramos capaces de organizar nuestro entorno, éste se nos presentaría caótico. Así, los filósofos de la Gestalt (estructura) han sistematizado una serie de nociones que sirven para hacer un análisis de la imagen plástica: Una de ellas es la relación figura-fondo. En las obras pictóricas algunos objetos se perciben “delante” y otros “detrás”, permitiéndonos dilucidar qué cantidad de planos de profundidad contiene y qué relaciones establecen con respecto a la ubicación, tamaño, etc. Otra de las leyes habla de las formas pregnantes, se trata de formas geométricas fácilmente reconocibles y esquematizables (por ejemplo La Gioconda puede ser esquematizada mediante un sencillo triángulo). Ley de cierre es cuando percibimos que una forma está completa, aunque no se presente así en el cuadro. Ley de la continuidad del fondo, esto es, percibimos que el paisaje detrás de la figura de La Gioconda se continúa, a pesar que la mujer tape parte de él. Tenebrismo: tendencia pictórica que acentúa el contraste entre las zonas iluminadas y las oscuras. Son obras de carácter sombrío y tétrico. Tensiones dinámicas: con este nombre se designa a las fuerzas que crean movimiento en la obra. La Gioconda representa a una mujer quieta, pero no inerte, es decir, que la percibimos viva. Las tensiones se expresan mediante numerosos medios visuales, por ejemplo, en el círculo las fuerzas dinámicas se disparan desde el centro en todas direcciones. En el óvalo y el rectángulo existe tensión dirigida a lo largo del eje mayor. Tesela: fragmento de mármol cuadrado que entra en la composición de un pavimento de mosaico. Tetramorfos: en el arte cristiano, símbolo de los cuatro evangelistas, San Mateo representado por un hombre (simboliza la encarnación), San Marcos por

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un león (simboliza la fuerza y la realeza), San Lucas por un buey (simboliza el sacerdocio y el sacrificio) y San Juan por un águila (simboliza la inspiración). Textura: calidades expresivas de las materias con que se representan los planos. La aplicación de diferentes técnicas puede aplicarse tanto al soporte como a los materiales de dibujo. La textura, como los otros medios plásticos, es expresiva, significativa y transmite de por sí reacciones variables en el espectador, las que son utilizadas por los artistas, que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene, para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra. Textura, forma, color: estos tres elementos son imprescindibles para terminar de comprender la fuerza expresiva de una obra visual. Ninguno de ellos significa por sí solo, pero al utilizarlos dentro del contexto de una obra, la cargan de sentido. Así la obra llena de colores vivos y luminosos nos connota alegría y vivacidad, por ejemplo. La textura de que se ha valido el artista puede producirnos distintas emociones. Ésta puede ser creada por el efecto de colores, o por el trazo del pincel. Un trazo grueso y furioso puede transmitirnos inquietud. Un trazo suave y fino nos transmitirá calma. La forma no se refiere a la figura en sí, sino al modo en que ésta ha sido organizada y la manera en que interactúa con las demás (es un ejemplo la obra “El grito”, de E Munch). Tiento: varilla de madera con un extremo forrado de la que se sirven los pintores para apoyar la mano que sostiene el pincel. Tiahuanaco (Cultura de): cultura precolombina que se desarrolló al SE del lago Titicaca, en el altiplano boliviano, entre los años 500 y 1000 aC. Se trataría de un centro ceremonial al que asistían los pobladores de la región en peregrinación. En el período clásico la escultura monolítica monumental se caracteriza por sus formas macizas, geometrizadas, en las que los rasgos están apenas delineados. En cerámica realizaron vasos sencillos con decoración multicolor en figuras de animales delineados con un trazo negro. Comprende una pirámide escalonada (Acapana) con un templete en la parte superior; el Calasaya es un recinto con muros de grandes bloques de piedras labradas. Allí se encuentra la Piedra del sol; una construcción semisubterránea, un pequeño templo, en cuyas paredes se encuentran empotradas cabezas esculpidas de piedra. Además utilizaron sistemas de desagües por canales. Tímpano: en arquitectura, superficie entre el dintel y el arco de una puerta o ventana.

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Tinte: variaciones de matiz dentro de un mismo color. Tipografía: distintas maneras en que cada una de las letras o números pueden ser diseñados. Existen distintos estilos formales para el diseño de letras y números. Tondo: pintura de forma redonda, muy utilizada durante el Renacimiento. Tono: es el nombre específico que se da a cada color. Tonos neutros: también llamados acromáticos, son el blanco, el negro y todos los grises intermedios. Toréutica: arte de cincelar. Totémicos (postes): narran relatos genealógicos. Son monumentos sagrados, erigidos sobre las tumbas de los jefes o cerca de ellas con ocasión de las fiestas que señalan la transmisión a su heredero de los poderes de todo orden que ostentaba. En ellos se invocó lo ancestral, en su esencia, bajo la forma de relaciones analógicas con la fauna legendaria y con el misterio de los orígenes en que se confunden la aparición de la raza y el nacimiento individual. Tracería: dibujos geométricos calados en las ventanas o rosetones góticos. Trama: la trama es la resultante de la partición del plano, en la cual, al repetirse constantemente el motivo, provoca un ritmo de áreas ilimitado. La partición es una operación, por medio de la cual queda dividida la superficie en porciones menores de diferente índole formal. Las tramas pueden ser regulares o semirregulares. Trampatojo: pintura (o parte de ella) que pretende engañar al espectador para que la tome por un objeto real. Transepto o crucero: espacio (generalmente cuadrado) donde se cruzan dos naves perpendiculares en una iglesia con planta de cruz. También la nave perpendicular a la nave central. Transvanguardia italiana: el concepto fue acuñado a fines de 1.970 por el crítico A. Oliva, quien definió las principales características de esta tendencia:

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Trata de provocar la sonrisa del espectador Utiliza formatos de gran tamaño La pintura muestra un carácter decorativo (empleo de signos abstractos o figurativos repetidos en distintas zonas del cuadro). Con la Transvanguardia comenzó la Posmodernidad. Entre sus representantes: F Leal Audirac, S Chia, E Cucchi, J Kounellis. Trazo: es la variabilidad espontánea que damos a la línea. El trazo es un elemento de gran importancia expresiva en el dibujo artístico. Tridimensión: la representación de profundidad o tridimensionalidad en el plano está dada por el manejo del espacio, a partir de los indicadores utilizados por el artista. Triglifo: miembro arquitectónico en forma de rectángulo saliente y surcado por tres canales, que sirve de decoración. Especialmente utilizado en el orden dórico. Tríptico: pintura sobre tres tablas en que las laterales se cierran sobre la central. “Trompe-l´oeil”: voz francesa que significa ilusión óptica, usada para denominar pinturas figurativas en las cuales el artista se propone obtener el mayor grado posible de verosimilitud. Se representan los objetos de forma tan natural que verdaderamente parecen reales a la vista del espectador.

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V Valor: los valores se obtienen por comparación o relación entre los tonos de una pintura. Tiene el valor más alto el que destaca sobre los demás. Es independiente del propio color, pues puede ser el dominante uno más apagado sobre otro más brillante (como el verde sobre el amarillo). Mientras que en el Renacimiento se buscaba el equilibrio de los valores, en el Manierismo y en el Barroco se prefiere contrastarlos. Valor compositivo: en la composición de formas podemos apreciar determinadas tensiones que hacen que la obra presente un equilibrio estático o dinámico. Valor constructivo: al contemplar un volumen percibimos su corporeidad física y tenemos sensaciones de estabilidad, fuerza y consistencia de la figura. Valor estético: en una composición podemos analizar las diferentes relaciones que hay entre sus elementos constituyentes, de tal forma que la proporción, el ritmo o el movimiento, comuniquen la sensación de belleza. Valor formal: las formas tienen por sí mismas determinada expresividad: las formas cúbicas transmiten sensación de estabilidad, orden y exactitud. Las formas esféricas sugieren las ideas de cambio constante y de movimiento contenido o en acción. Vanguardias: a fines del siglo XIX y comienzos del XX el Arte se vuelve vanguardia: expresionistas, dadaístas, futuristas, surrealistas se oponen implacablemente a la realidad occidental. Reaccionan contra el militarismo, contra el delirio exterminador de la Primera Guerra mundial, el racismo, el colonialismo y las prácticas de la explotación capitalista. Los vanguardistas quieren intervenir, transformar al hombre. La acción estética tiene que Glosario de las Artes Visuales

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escandalizar y provocar públicamente, conmover, a quienes la contemplan. Su aspecto más característico es quizá el concepto en que se basa, que puede definirse con las palabras de B. Berenson: “el arte no es una representación, sino una presentación”. Vanguardia es también todo aquello que se anticipa a su propio tiempo, por sus audacias. Vanitas: naturalezas muertas holandesas cargadas de elementos simbólicos (calaveras, velas, ampollas, cronómetros) que expresan la brevedad de la vida. Vano: hueco que interrumpe una pared. Veladura: se denomina así a la aplicación de ciertos tintes transparentes a través de los cuales se suaviza el tono de lo pintado primeramente. Actúa como velando lo que está debajo sin por ello hacer perder consistencia material a la superficie pintada sobre la cual se aplica. Venus:(Afrodita) diosa del amor y la fertilidad. Entre sus numerosos atributos figuran palomas o cisnes, una concha y una antorcha. A menudo aparece en compañía de Cupido y las tres Gracias. Ver: es mucho más que mirar. La visión es algo más que un simple registro mecánico, no es pasiva. El ver implica observar captando las diferencias visibles, salir al encuentro de los objetos, explorarlos activamente y saber apropiarse de las características fundamentales que hacen al objeto. Video: técnica que permite registrar magnéticamente o mecánicamente la imagen y el sonido en un soporte, y reproducirlos en una pantalla. Videoarte: el lanzamiento de la cámara de video representó una revolución artística. Los realizadores se independizan del argumento, de la necesidad de contar una historia. La pantalla del televisor es para los videoartistas lo que la tela para los pintores. Los videoclips explotan comercialmente la propuesta estética y los recursos de los videoartistas. El primero en usar una cámara de video fue el coreano Nam June Park, en 1.965. La tecnología introdujo en las Artes Visuales una nueva dimensión: el tiempo. El videoarte lo explota al máximo. Video clip: vídeo de corta duración, generalmente creado para promocionar un producto, basado en un tema musical.

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Video performances: combinación de diferentes recursos artísticos que incluyen la proyección de un video, el cual es acompañado, por ejemplo, del recitado de un poema y de bailarines en escena. Vidriera: (vitral) decoración transparente de las ventanas, formada por un conjunto de vidrios de color o con dibujos coloreados, sujetos generalmente con tiras de plomo. En el arte gótico, tuvieron un significado simbólico: la entrada de luz a través de los cristales representaba el contacto divino con Dios. Son ejemplos: las catedrales de Amiens, París, Chartres y la SainteChapelle. En el siglo XV los vitrales europeos se orientaron hacia un mayor realismo visual (modelado, perspectiva), y a un colorido pleno. Luego fue impulsado por el Modernismo, desde Tiffany and Co, de New York, pasando por Guimard y Gaudí, hasta participar del genio de pintores como M. Denis, G. Braque, H. Matisse, F. Léger, M. Chagall. Volumen: espacio que ocupa un cuerpo. El volumen de los cuerpos es el resultado de sus tres dimensiones: ancho, alto y profundidad. Se le llama volumen a una estructura formal tridimensional, escultórica, así como también se denomina volumen a las partes componentes del todo escultórico. En la pintura, el volumen es la sugerencia de peso y masa. Voluta: espiral.

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X Xilografía; uno de los métodos de grabado de más antigua data y consiste en grabar en relieve sobre madera, previamente entintada en negro y cubierta con una capa de goma laca. Se desbastan en principio todas las zonas que quedarán blancas en la impresión, siendo obviamente las áreas en relieve las que reciben la tinta y reproducirán el dibujo. En las impresiones a color se utilizan distintos tacos para cada color, restando en forma sucesiva cada vez las partes correspondientes a cada uno de ellos, según el orden de impresión.

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Y Yunga: pueblo originario de América que habitó en la costa peruana, donde se desarrollaron las culturas precolombinas Chimú y Mochica. Yuxtaposición: hace referencia a la máxima tensión de proximidad en formas, valores, colores, etc. Tal inmediatez de contorno hace que, dada la relatividad de los elementos plásticos, éstos sufran, por interacción, las mayores variables en sus diversos factores. Así se acentúan o producen diferencias de color, tamaño, saturación, etc. La vibración de los tonos es resultado de la yuxtaposición entre ellos.

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Z Zigurat: edificio en forma de torre, con pisos que se van haciendo más pequeños según se eleva la altura, a los que se accede por escaleras o rampas, y que sostenía un templo. Típico de la arquitectura mesopotámica. Surgió con los Sumerios.

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Wikipedia

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