February 10, 2016 Table of Contents

February 10, 2016    Table of Contents  Artist & Craftsman Carves Out Unique Niche in Saugus ............................................................
Author: Norah Gregory
0 downloads 1 Views 2MB Size
February 10, 2016    Table of Contents  Artist & Craftsman Carves Out Unique Niche in Saugus ............................................................................................................................ 2  ‘Art From the Holocaust’: The Beauty and Brutality in Forbidden Works ................................................................................................. 3  Young Artists Find Home And Healing At Pittsburgh Art House ................................................................................................................ 5  MITRA Update From Mark Golden ............................................................................................................................................................ 6  Czech Artist Forges New Life in Far North ................................................................................................................................................. 7  Chantilly Company Sells Art Items Related to Bob Ross, Who Taught Painting On TV .............................................................................. 8  Elizabeth St. Hilaire's Torn Paper Painting: A New and Unique Art Form ................................................................................................ 10  Havre de Grace Artist Helps Nursing Home Residents Feel Closer To Home .......................................................................................... 13  Delaware Convicts Escape Through Art ................................................................................................................................................... 15  Lopez Artist Going to Cuba ...................................................................................................................................................................... 16  How Can Art Help Patients With Dementia? ........................................................................................................................................... 17  Disgraced British Art Dealer's Priceless Treasure Trove Discovered Hidden in Geneva .......................................................................... 18  Axed Webberley's Worker To Open New Art Shop ................................................................................................................................. 20  Utah Artist Captures Life in Salt Lake City ................................................................................................................................................ 21  STEM or STEAM: Is There Room For Both In Utah Schools? .................................................................................................................... 22  Michaels Buys Pat Catan's for $150 Million ............................................................................................................................................. 24  PE‐Backed Art Materials Maker Acquired ................................................................................................................................................ 25 

 

 

2  __________________________________________________________________________________________   

Artist & Craftsman Carves Out Unique Niche in Saugus  SAUGUS, MA: The Mecca for artists from New Hampshire to the  North Shore is an unassuming storefront tucked into the corner of  a plaza on Route 1.  There are 25 other locations of Artist & Craftsman, but Regional  Manager Jeff Carignan said the Broadway store at 751 Broadway  has a distinctive reputation in the quirky employee‐owned  company.  “We are kind of the oddball store,” Carignan said. “We’re in the  suburbs. It’s unique. You could say it’s the most unique store on  Route 1.”  The store caters to a wide variety of artists who would otherwise have to travel into Boston or Cambridge for supplies.  Clientele range from oil painters to architects to makeup artists to finger‐painting kids. Art students travel to the store  from Endicott College, Montserrat College of Art and Salem State University. There are watercolorists, photographers,  sculptors and graffiti artists. All come for quality, cutting‐edge art supplies, education and ideas.  Kayla Dill, a junior at Montserrat studying illustration, said that although she could get some art supplies in Beverly, she  makes the trek to Artist & Craftsman on Route 1. The student discount doesn’t hurt, but Dill said it’s the superior  products and knowledgeable staff that make the 25‐minute drive worth it.  “I’m here picking up all my fancy markers and pens and my itty bitty brushes,” Dill said. “It’s been really useful figuring  out what brands work better for different things. The employees are artists, so they are people who work in the field  who buy from here and know what they’re selling.”  The staff of Artist & Craftsman likes to engage with their customers, partly because they are all artists themselves.  Manager Nia Walkowiak is a mixed media artist. Recently, she’s been pressing flowers and leaves, adding paint where  she sees fit.  “It’s terrible to go into a store and you can’t find the person that works there,” Walkowiak said. “I want to give you my  knowledge, I want to help you with your project. I want to fuel your creativity because I always wish that I had that  when I was stuck on something. We’re all visual people so it helps even more if you bring in your work or you have  pictures on your phone.”  Employee Deanna Burke said that helping artists with their work is one of the best parts of the job.   “People come in and they bounce ideas off of us and we’ll throw things back at them and they will leave with something  new,” Burke said. “You can see that dawn of a new idea, something was stirring in them. That’s what we look for.” North  of Boston: http://bit.ly/1XeF58A     

February 10, 2016   

3  __________________________________________________________________________________________   

‘Art From the Holocaust’: The Beauty and Brutality in Forbidden Works  BERLIN, GERMANY: When Nelly Toll was 8 years old, during  World War II, she rewrote the Cinderella fairy tale with a feminist  twist. Instead of Prince Charming, a powerful princess invited  Cinderella to live in her castle and enjoy a pianist performing in a  sun‐drenched room.  Ms. Toll illustrated her story in seven watercolors, basing  Cinderella on feisty women in Russian literature and the pianist  on her mother, Rozia. But she concocted the fairy tale to  transcend reality. She and Rozia, both Jewish, had locked  themselves in a tiny room of a Christian family’s home in Nazi‐ occupied Poland.  “There is no evidence in the pictures of war, even though any minute our door might have opened to let the Nazis in,”  said Ms. Toll, now 80 and living in New Jersey, who recalled hiding in 1943 and 1944.  Two of her watercolors will soon be on view in “Art From the Holocaust,” an exhibition at the German Historical  Museum in Berlin of 100 works that were clandestinely created by 50 Holocaust‐era artists. Of the group, half were  killed by Adolf Hitler’s troops, but their creations survived.  The Holocaust memorial group Yad Vashem organized the exhibition, which opens Monday and runs through April 3. In  choosing from Yad Vashem’s collection of about 6,000 Holocaust‐era art donated by survivors and their families, and  tracking down the stories behind these works, the curator Eliad Moreh‐Rosenberg aimed to draw attention to this  overlooked genre’s diverse themes.  “Once they hear this art exists, people immediately think about stereotypical images from the Holocaust: barbed wire,  yellow stars, chimneys,” Ms. Moreh‐Rosenberg said in an interview.  Such symbols appear in a few works but feature wry twists.  A work by Leo Haas, born in what is now the Czech Republic, shows the 1942 arrival of prisoners to the Theresienstadt  ghetto. Mr. Haas worked in the technical department there, creating Nazi propaganda by day and his secret art by night.  Using purloined ink and paper, he portrayed inmates in a tidy serpentine line, emerging from a mountainous horizon to  wind around symmetrically planted trees. Mr. Haas included a tiny “V” in the corner, the symbol of Theresienstadt’s  underground movement.  Bedrich Fritta, with Mr. Haas, also included the “V” in his works. One Fritta portrait in the Berlin exhibition shows a  pickax‐wielding laborer, whose jacket has a Star of David. But Mr. Fritta’s imprisoned laborer is handsome and muscular,  defying Hitler’s stereotype of Jews as feeble.  For Ms. Moreh‐Rosenberg, it’s not simply the artists’ themes that are rebellious, but also their determination to smuggle  art supplies.  “When you’re fighting for your life and your basic human needs,” she says, creating art “is not just an escape, it’s an  active choice of defiance.” 

February 10, 2016   

4  __________________________________________________________________________________________    Mr. Fritta paid for that gamble with his life. The Nazis discovered his secret art and deported him in 1944 to Auschwitz,  where they killed him. They also deported Mr. Haas, but he survived to exhume 400 artworks of his and help locate 200  of Mr. Fritta’s buried in Theresienstadt. (Mr. Haas died in Berlin in 1983.)  Ms. Toll said her mother begged the family hiding them to procure watercolors and told her that the captivity was part  of a plan to help stimulate their imaginations. It also distracted Ms. Toll from agonizing over her missing brother and  father. “My mother was my teacher, my girlfriend, my doctor when I got sick,” Ms. Toll said. “She was all these roles.”  Chancellor Angela Merkel of Germany is scheduled to open the exhibition with Ms. Toll to commemorate 50 years of  German‐Israeli relations. The anniversary comes as many global Jewish leaders are still questioning Germany’s ability to  return art looted from Jewish homes or sold under duress during Hitler’s time in power.  Earlier this month Germany’s Culture Ministry issued its report on the collection of Cornelius Gurlitt, the octogenarian  recluse whose father, Hildebrand, was one of Hitler’s art dealers. The younger Mr. Gurlitt hid about 1,200 works of art in  Munich for decades before German officials confiscated the collection as part of a tax inquiry. A German magazine  leaked word of the trove in late 2013.  After nearly two years and $2 million spent on the project, the report identified only five looted works. But the findings  were not endorsed by all members of the committee that researched the collection. The ministry completed the report  just hours before its news conference, leaving little time for members to completely read and approve it, according to  Agnes Peresztegi, a task force member and president of the Commission for Art Recovery, a wing of the World Jewish  Congress. She noted that the task report was in German only. Some of its members, including the Israel Museum’s  representative, Shlomit Steinberg, are not fluent in German.  “Good wishes and getting things done aren’t the same thing,” Ms. Peresztegi said. “Germany still has soul‐searching to  do.” She noted that Germany’s websites for the Lost Art Center and the German Lost Art Foundation lack full English  translations.  A task force spokesman did not respond to requests for comment. A website for the German Lost Art Foundation has  contained a statement since 2015 announcing that the English version is under construction.  Ms. Moreh‐Rosenberg, the curator, said she wished that the chancellor’s participation in the exhibition would “increase  awareness of the Holocaust and increase sensitivity about the justice that still needs to be done.”  Ms. Toll said she hoped that visitors to the exhibition would acknowledge the destructive power of religious intolerance  while appreciating Hitler’s “failure to kill the spirit,” including the creative spark shown in the work of a boy her age, Petr  Ginz from Prague. In one of Petr’s displayed watercolors, he portrays the room he shared with other children in  Theresienstadt in 1943 as a cheery collection of summer camp bunk beds. Petr edited the secret “school” newspaper. In  September 1944, the Nazis transported him to Auschwitz and murdered him.  A few months later, the Russian Army liberated the town of Lviv where Ms. Toll was hiding. She ran into the street  where Russian soldiers gave her candy. News came that Nazis had killed her brother and father. She and her mother  moved to the United States, where she became a citizen, married and earned a Ph.D. in English. She still loves to paint.  “It was a long time ago,” Ms. Toll said of the secret room. “It feels like a different version of me.” The New York Times:  http://nyti.ms/1O0tMtL 

February 10, 2016   

5  __________________________________________________________________________________________   

Young Artists Find Home And Healing At Pittsburgh Art House  PITTSBURGH, PA: Pittsburgh is being lauded for its resurgence and  livability, but not all of the city's neighborhoods are reaping the  benefits of this revival. Homewood has the city's highest murder  rate; it's an impoverished neighborhood, where a third of the  houses are blighted. But there's also hope, in no small part  because of artist Vanessa German.  German recently presided over a housewarming for Homewood's  new Art House — a place where neighborhood kids go to become  artists. German used to make sculptures on her porch. Kids  noticed her covered in plaster and paint, and asked if they could  help. She gave them brushes and told them to make their own art.  "I experience such joy and a sense of deep rightness and completeness when I'm making things," German says. "Like  when I'm deciding how I'm going to engineer some sculpture to stand so it looks like it's defying gravity, and I'm using  my brain, and I'm moving around, and I feel like giving myself a high‐five, and I was like — why wouldn't kids feel that  too!?"  Before long, there were more kids than could fit on the porch, so a neighbor lent German a house where she could host  her young artists. They used that for a couple years until moving into this house.  Shay Clifford, 14, has been making art with German since the beginning. Today, she's pressing pastels to paper.  "It helped me a lot because there's a lot of violence here," she says. "So when you write and you draw and stuff you can  express your feelings — how you feel living here and just put it on paper ... draw and paint about how you feel."  In the years since, German's popularity in the art world has grown. Now 39, she's has solo shows around the country,  has won awards and her sculptures, complex black Madonnas assembled of found objects, sell handily. She was able to  use her art world earnings toward invest in buying this house.  Though the Art House may be a refuge for kids, German says, it doesn't negate what it means to live in a place plagued  by violence.  "It's hard when kids get killed — when anybody gets killed," she says. "It's hard and I don't think that I could survive if  there wasn't more momentum on the side of good and hope."  That hope comes alive at the art house. Stephanie Littlejohn — whose grandchildren are dancing in an impromptu talent  show — says the block still has plenty of crime, prostitution and drug dealing — but German's presence has changed its  tone.  "It's like things have lightened up so much," Littlejohn says.  Towards the end of the housewarming, the crowd spills out into a side lot. Often when she's out there, German is  cleaning up drug paraphernalia — but tonight it's different.  The parents light a paper lantern and the kids spread out underneath. 

February 10, 2016   

6  __________________________________________________________________________________________    "When we let it go, you better make a wish!" German tells the kids.  As the lantern lifts up into the air kids yell out their wishes to the night sky. NPR: http://n.pr/1UZq60Q 

MITRA Update From Mark Golden  Donations Nearing Goal  I wanted to share an update regarding our industry‐wide effort to support the newly proposed website,  Material Information and Technical Resource for Artists (MITRA), to be hosted by the University of Delaware  and their prestigious art conservation program.  We currently have close to $30,000 in donations and pledges for the first year of the program. As the budget  was developed, they projected $37,000 for the first year launch. We are very close to this goal and I am so  proud of our industry for its support of this valuable tool for all visual artists looking for an independent voice  for answers. We have received pledges ranging from $25 to $5,000. No matter the amount, the greatest value  we can offer is our broad support as an industry for this effort.  Twenty‐one art material retailers, distributors and manufacturers have either donated or pledged funds  toward this project. We have many more who are considering support for the program and I am hopeful we  can include you and add several more industry colleagues to the list.  Debra Hess Norris, Director, Winterthur/University of Delaware Program in Art Conservation shared what she  hopes the new website will provide the artist community. “MITRA connects beautifully to our educational  mission and the work of our undergraduate and graduate students, and faculty research and scholarship in the  Department of Art Conservation at the University of Delaware. We look forward to developing an in‐depth  website and discussion forum in collaboration with our NAMTA colleagues, scientists, artists, conservators and  others, rich with practical information and resources for visual artists and educators worldwide.”     I want to thank those who have already pledged on behalf of our entire industry: Ampersand Art Supply,  ARCH Drafting Supply Inc., Artisan Santa Fe, Binders Art Supplies & Frames, Blick Art Materials, Blue Rooster  Art Supplies, C2F, Dakota Pastels, Derivan Pty Ltd, Gamblin Artist Colors, Golden Artist Colors, Hyatt Stores,  Jerry's Artarama, Lenz Arts Inc., MacPherson Art, Natural Pigments, OPUS Art Supplies, Plaza Art Materials &  Picture Framing, R&F Handmade Paints, Royal Talens North America, and Savoir‐Faire.  For those of you who haven’t seen my appeal, I’ve included the link to the letter sent last month by NAMTA:  http://bit.ly/1omsIeX   Please send your donations by March 1st to:  The Department of Art Conservation  c/o Debra Hess Norris, Chairperson  303 Old College   University of Delaware   Newark, DE 19716  February 10, 2016   

7  __________________________________________________________________________________________   

Checks can be made payable to the Department of Art Conservation. Please note in the memo: MITRA. If you  have any questions at all, please don’t hesitate to contact me.   

Czech Artist Forges New Life in Far North  A CZECH ARTIST has given up fame and a steady stream of  commissions in his homeland for a new life in the Far North bush.  Ludek Adamek, a prolific artist who works mainly in stained glass  and steel, is starting again in a strange land where no one knows  his work and where he doesn't know the language.  Mr Adamek and his wife Magda, a nurse, moved to a 50ha bush  property on Back River Rd, near Mangonui, last year. They are  living off the grid in a shed which will become his studio once they build their house.  The couple moved to New Zealand to be close to their only child, Tomas, and his partner. Their son works as a  programmer in Auckland.  Mr Adamek says the move was motivated partly by curiosity and a desire to see if anyone in New Zealand would be  interested in his art.  "It is difficult but I like it. I could create anywhere," he says in Czech.  He has found new sources of inspiration, especially in Maori tattoos, and new materials, such as nikau palm fronds. The  bush outside his shed provides his art supplies warehouse, he says.  Mrs Adamek says they enjoy the quieter, simpler life New Zealand offers.  Living standards in the Czech Republic, the western half of what used to be communist Czechoslovakia, have improved  enormously since the revolution of 1989 but people have also become much busier, more materialistic and often less  satisfied.  Their friends could not understand why at their age ‐ both are in their late 50s ‐ they would go to a new country and  start again from scratch.  In the Czech Republic, Mr Adamek often worked on commission, creating custom‐made windows, lamps and tables. He  worked for new home owners, architects, fancy hotels in Prague, churches and even a brewery.  Half his life's work came with him to New Zealand. He wanted to bring it all but it didn't fit in the container; as it was,  they had to leave their furniture behind.  When Mr Adamek was growing up in Moravia, the eastern half of the Czech lands, pursuing a career in art was  impossible. He trained as a foundryman instead, making things like steel plates for bulldozer tracks. He made art in his  free time, using whatever materials he could lay his hands on.  Everything was in short supply then ‐ Czechs had to queue even for basics such as toilet paper and sanitary pads ‐ and,  because he was not a member of the government‐approved Union of Artists, he couldn't buy art supplies. 

February 10, 2016   

8  __________________________________________________________________________________________    He improvised by painting on roofing paper, drawing on the back of propaganda posters and making his own paper from  old newspapers.  After the revolution, he was finally able to work for himself, first as a welder and from 1996 as a full‐time artist.  The couple have no regrets about moving to the other end of the Earth but miss things like food and family, while Mrs  Adamek ‐ who used to own an aged healthcare facility ‐ misses working.  Their main struggle so far is the language. They've had lessons in Kerikeri once a week but need to be immersed in  English to have any hope of mastering it.  Such frustrations are offset, however, by the many things they enjoy, such as the lack of formality and officious,  unhelpful bureaucrats.  Mrs Adamek says in Northland she can go to the supermarket in bare feet. If she tried that in the Czech Republic, she  wouldn't even be served.  Mr Adamek says he is amazed by Northlanders' willingness to stop and chat. Every time he goes to the supermarket in  Kaitaia, the checkout operator insists on asking where he's from or chats at length about the beauty of Prague, even if  there's a queue of 20 people behind him.  In the Czech Republic that would lead to angry shouts to get a move on. In New Zealand no one seems to mind. The  Northern Advocate: http://bit.ly/1Py2YDg 

Chantilly Company Sells Art Items Related to Bob Ross, Who Taught Painting On TV  CHANTILLY, VA: The headquarters of a TV icon, a man still  relevant two decades after his death, isn’t in New York or Los  Angeles. It’s in Chantilly.  Tucked into an office park off Route 50 is the home base of Bob  Ross Inc., the company behind the public television painter  known for his curly hair, gentle demeanor and soothing voice.  Ross died of cancer in 1995 at age 52, but the outfit that bears his  name continues to operate. The foundation sells merchandise  and art supplies, including paints in tubes that bear his familiar  image. And Bob Ross Inc. got another boost last fall when a  marathon of his “The Joy of Painting” programs drew more than 5 million viewers on the online streaming service  Twitch.  Ross’s connection to Chantilly came through the Kowalski family, which continues to run Bob Ross Inc.  In 1982, John Kowalski, the oldest of Walter and Annette Kowalski’s five children, was killed in a car accident days before  he was to be married. The death devastated his mother, who lay on the couch, barely able to move. She eventually  decided that it might cheer her up to take a class with Bill Alexander, a painter she had seen on public television. 

February 10, 2016   

9  __________________________________________________________________________________________    Alexander wasn’t offering classes, but the Kowalskis learned that Annette could study painting with an Alexander  protégé named Bob Ross. The problem was, that meant driving from the Washington area to Ross’s base in Clearwater,  Fla.  The couple decided to give it a go, and they were so impressed with Ross that they asked him and his wife to go into  business with them, Walter Kowalski recalled recently, describing the enterprise as “sheer seat‐of‐the‐pants.”  The initial idea was to have Ross travel from town to town, teaching art classes. To try to attract students, he made  appearances at shopping malls and in TV commercials for the courses.  At one point, Kowalski said, the company needed to make additional copies of the commercial. Kowalski took the video  to the public television operation in Falls Church that is now known as MHz Networks, to have it duplicated. The station  manager was intrigued by the footage, and Ross went on to become a small‐screen star. He made 403 episodes of “The  Joy of Painting.”  Along the way, he created intimate connections with viewers, many of whom didn’t even paint along with the  instructional program; they watched just for his calming demeanor. Ross is remembered for referring to mistakes as  “happy accidents,” and he spoke of the “happy little trees” and “happy little clouds” that populated his landscapes.  “Everything he said on air was calculated,” Walter Kowalski said.  Marisa Nicely, general manager of Bob Ross Inc., put it another way: “People listen when Bob talks to them on  television.”  Now, he’s talking to them online, as well.  “The Joy of Painting” is on Hulu and on Amazon.com’s streaming service, but its biggest Internet success came in late  October and early November on Twitch, a video platform most popular with gamers. (Amazon founder Jeff Bezos also  owns The Washington Post.)  Twitch, which is owned by Amazon, officially launched a more artistic part of its site called “Twitch Creative” with a  marathon of every “Joy of Painting” episode from Oct. 29 to Nov. 6.  The broadcast was timed to coincide with Ross’s birthday Oct. 29, and it attracted an audience of 5.6 million unique  viewers. It was such a hit, according to the website, that Twitch started streaming a season of “The Joy of Painting” each  Monday, with part of the proceeds from the channel going to charity.  Ross’s show fits in well with Twitch Creative, which is about the process of creating something in real time, said Bill  Moorier, who leads that section of the website.  “Bob always wore his passion on his sleeve as he talked viewers through the process and treated them as if they were in  the studio with him,” Moorier said in an email. “Since our community thrives on this type of living room experience, it’s  cool to see he is able to connect with a live audience after being out of the spotlight for so long.” The Washington Post:  http://wapo.st/1QRIwj0       

February 10, 2016   

10  __________________________________________________________________________________________   

Elizabeth St. Hilaire's Torn Paper Painting: A New and Unique Art Form   Once in a great while, an artist comes along whose work is so  distinctive, so unusual, so imaginative, and so colorful that it stands  out from the crowd, much like a peacock stands out in a colony of  penguins. Elizabeth St. Hilaire is such an artist.  I have seen thousands of works of art over the years ‐ in galleries,  museums, art shows, hotels, and in private collectors' homes ‐ but  I've never seen art like Elizabeth's. Who creates fabulous flamingos,  pretty pigs, darling donkeys, colorful Koi, delightful Dalmatians, and  charming chickens ‐ all out of bits of torn painted paper? No one.  Elizabeth is one‐of‐a‐kind. Her work, both in style and method, is uniquely hers.  It was her signature bird ‐ the peacock ‐ that first caught my eye. A friend had emailed an image of Peter Peacock, a large  collage painting on display in a gallery in Sedona. I've seen many peacocks over the years, but never seen a one quite like  the one that Beth created with paint and collage.  I had to learn more about the fabulous artist who could create such a powerful peacock image, so I tracked down her  web site, made contact and asked to interview her.  BJG: I've enjoyed looking at, and often buying, art over the years but I'd never seen torn paper paintings until I  discovered your wonderful work. Is this an artistic medium that you invented? Are there others who do what you do?  Tell me how you came to "paint" with torn paper.  Elizabeth St. Hilaire: I have a Bachelor's in Fine Art from Syracuse University; I graduated with honors in 1990. When I  was a student, realism was considered the mark of a good artist. So I spent hours and hours drawing what I saw ‐ looking  closely, rendering accurately. My professors demanded traditional media, recognizable subject matter, and tried‐and‐ true techniques. Drawing is the foundation of art as ballet is the foundation of dance, so a classically trained artist must  start with lots of drawing. This I understood.  But over time I began to realize that I was creating work that I personally did not love ‐ or even like. I wanted to be  loose; I wanted to paint like the impressionists; I wanted my work to have energy, spontaneity, and excitement. I wasn't  achieving what I wanted.  So I began searching for solutions, for pathways to creating better work. I started incorporating papers into my acrylic  paintings, painting over paper, painting under paper, painting with paper. A combination of paper and paint began to  loosen things up. Painting over crumpled, glued down tissue paper could not be too detailed or labored.  Around the time I was experimenting with my process, my father paid a visit ‐‐ bringing with him a box of things from my  childhood, things I had left in the attic the day I left my childhood home. "It's time" he said "for me to give this box of  things to you. I didn't have the heart to look through it or throw anything out. That's up to you."  I briefly dug through the box: report cards, old math tests, ticket stubs, first hair cut snippet, cards from my parents'  wedding and their first baby (me). It occurred to me that incorporating these papers into a piece of art would allow  them to live on in a new life, preserved and made into something I could appreciate every day on the wall. So I decided  to create a portrait of my mother, since so many of the papers had to do with her, my father, and me. That piece, 

February 10, 2016   

11  __________________________________________________________________________________________    "Looking in on Jane," won Best of Show at the Orlando Visual Artists League that year. I had never even placed in the top  three before, let alone won Best of Show. It was this collaged portrait of my mother that drove me deeper into the  possibilities of mixed media in an impressionistic, painterly style.  In the last ten years, my style has evolved and changed as I've experimented and grown. I didn't learn the technique  from anyone else's instruction ‐ just my own successes and failures. My style was certainly built upon the foundation I  acquired while studying fine art in college ‐ those hours of accurately studying form, light, and shadow were by no  means wasted.  I have taught my technique to many others, and I have my work on‐line, so yes, there are other people whose work does  look much like mine. Many of them are former students, or people who have purchased my instructional DVD. Some are  just artists who have looked closely and dissected my style. Either way, it's nice to see mixed media collage taking such a  foothold and being recognized as a reputable medium in galleries and juried shows.  Who do you most love about being an artist? Is there anything you don't love about being an artist?  Elizabeth: What I love most about being an artist is creating a legacy. I love knowing that I will teach and inspire others  to be artists and that they will someday win "Best of Show" or decide to declare art as their college major. I also love  knowing that the artwork that I create will hang on people's walls and be part of what makes their house a home. These  things I love; these things are important to me; these things make me feel like my job is makes a difference in the world.  If I think about things I don't love about being an artist, it would be administrative stuff: keeping track of books,  invoicing, taxes, billing, insurance, inventory, profit and loss, ..... yuck. But until I can afford an assistant, I do it all myself.  It's part of being a successful artist.  You're very prolific ‐ producing wonderful works of art in seemingly no time at all. You're also very versatile ‐ you teach  workshops around the world; you offer on‐line workshops; you sell original works of art; and you license your art for  merchandising to Pier One and other stores. Where do you get your boundless energy? How do you manage your  priorities and your time?  Elizabeth: I tell people that I work quickly because I need to maintain the looseness and spontaneity of my art. If I labor  over my work, overwork it, you can tell. I never want to lose the painterly, impressionistic look I have achieved, so I work  quickly, move fast, stay loose. Also, I love what I do. I enjoy painting and the finished product. I paint as many hours as I  can each day.  Versatility is a necessity. I am a full‐time working artist. What does this mean exactly? This means that my income is  100% from fine art. I do not have a husband supporting me; I do not have a part time job as a barista at Starbucks.  Teaching on‐line and around the world, licensing my art to be reproduced as prints and on household items, publishing  books, and selling originals all add up to a decent living.  Not having all your eggs in one basket is timeless advice. When I have a slow teaching month, I produce more paintings  in my studio. When I need to pay my quarterly taxes, I am happy for my quarterly licensing check. My self‐published  books and digital downloads make money for me long after the hours and weeks and months that I spent writing,  photographing, and publishing them. 

February 10, 2016   

12  __________________________________________________________________________________________    So many artists seem to be terrible business people. They love to create their art but they hate marketing and selling. As  a result, many artists can't make a living making art. But you do. What advice would you give to other artists? What can  they learn from your experience as a successful artist who makes a very nice living making art?  Elizabeth: When I first started out, I read the most amazing book called "I'd Rather Be in the Studio: The Artist's No  Excuse Guide to Self Promotion" by Alyson B. Stanfield. Alyson summed it up beautifully when she basically noted that  artists just want to create the work, to stay in the studio, and hope that it sells itself. We don't want to have to put in the  hours and hours of time it takes to market and sell our work (minimum 60% of my time). BUT.... if you don't do it, you  end up as your own biggest collector.  Before I became a full‐time fine artist, I was a self‐employed graphic artist for twenty years. I marketed and sold a  variety of products for a diverse group of clients. Nothing prepared me better for selling myself than the time I spent  selling for others. I have created my own logo, website, business cards, brochures, post cards, banners workshop flyers,  e‐mail blasts, newsletters, Facebook banners, window signage, etc. AND I have a thick skin ‐ I know how not to take  rejection of my art personally.  My advice to other artists? Learn how to make the most of social media ‐ that is the direction things are going and it  reaches the largest audience for the smallest investment. Facebook is my weapon of choice, closely followed by  Pinterest. Both of these platforms can be updated and edited from your phone (the ultimate in immediacy). We can  engage people and hold their attention with constant, steady updates and insights into the art making process ‐ like,  what's on my easel right now.  What is your overall vision for your life as an artist? What is the future you see for yourself?  Elizabeth: My vision for my life and myself as an artist? Well, I am pretty much already there. All I ever wanted was to be  able to support myself as a fine artist, to be able to travel, visit new places and meet new people. I also wanted to  inspire others, which teaching adults and volunteering with children has allowed me to achieve as well.  As for the future? I'd like to slow down (just a little) on the travel, to paint large scale works (once in a while) that are  totally from my own imagination, regardless of whether or not I think they will sell.  And sometimes, when I get a really good night's sleep, I dream about building a small scale bed and breakfast that would  offer a diversity of art workshops in an amazingly creative environment. I envision myself teaching, hosting other  teachers, and of course, baking homemade pies and citrus breakfast cake.  Any questions I should have asked you, but didn't?  Elizabeth: My favorite artist is Gustav Klimt. I love his combination of flat decorative patterning and realistic rendering. I  was able to make my pilgrimage to Vienna, Austria to see his work in person, at the Austrian Gallery in 1990. My visit  was before the Austrian government had to return five of the eleven paintings in their collection to Maria Altman ‐‐ the  case that is the subject of the movie "Woman in Gold." I was lucky enough to sit in front of both portraits of Adele Bloch‐ Bauer for hours on end, making sketches and notes through the shift change of the museum guards. I will never forget it  ‐ traveling alone, staying in a youth hostel, eating only a loaf of bread and a wheel of cheese I carried around with me.  Making the trip solely for the purpose of experiencing his work, breathing it in, soaking it up, being enveloped by it,  overwhelmed with it. I am, and always will be, an artist, en toto. The Huffington Post: http://huff.to/1RjYpAY   

February 10, 2016   

13  __________________________________________________________________________________________   

Havre de Grace Artist Helps Nursing Home Residents Feel Closer To Home  HARVE de GRACE, MD: In the nearly six months that 18‐year‐old  Liz Lawson has been working at Lorien Bulle Rock, she has gotten  to know and become friends with the residents.  So when they heard she had just graduated with a fine arts degree  from Harford Community College, they wanted to see some of her  work.  But rather than bring in just one or two of her pieces, Lawson  collected a few dozen. They came from friends, professors, local  artists and others, including her grandmother, who lives at Lorien, and Lawson arranged a display of about 40 pieces of  all mediums – drawings, paintings, mixed media, ceramics, sculpture – where all the residents could see it.  "They were pretty surprised, interested in what was happening," Lawson said of the residents. "A lot of them wanted to  buy pieces and talk about pieces. It was kind of like taking a kid to a candy shop for some of them."  While the display was only up for a couple weeks, it did what she wanted it to do – make the residents feel a closer to  home.  "A lot of them say they miss home. They want that personal interaction with people, and by bringing in art, you're  bringing in the closest thing to home," Lawson said.  Among the pieces in her display was "The Sacred Heart of Jesus," painted many years ago by Lawson's grandmother,  Theresa Schriefer, who's in her 70s and lives at Lorien at Bulle Rock.  She has dementia, and can't really move or talk much, Lawson said.  Schriefer used to paint a lot when she was younger, and did the "Sacred Heart of Jesus" piece in 1975.  "I thought it would be nice to bring that in, it would be nice to include her since she's a resident," Lawson said.  Another piece came from Indonesia. Her friend, Rendra Elcorette, saw her Facebook post soliciting pieces for the  display, and he offered to send her a piece of digital art.  It's going to be raffled off at Lorien.  Lawson and her art  With her fine arts degree in hand, Lawson said she plans to go to school for art education, probably at Towson, and  hopes to teach children.  The Havre de Grace resident, who lives with her parents, brother and "awesome, crazy dog," was home‐schooled. She  skipped eighth grade and after the ninth grade went straight to Harford Community College.  She had liked art since she was little, but got away from it for a while, Lawson said. 

February 10, 2016   

14  __________________________________________________________________________________________    "I thought I was going to be a starving artist. But I'm not getting into it for money, I'm getting into it because I love it,"  she said.  Liz Howshall, at the Art Rooms Professional Art Supplies in Havre de Grace, helped Lawson get back into art.  "And ever since I jumped back in, I've been really happy with how I live and everything," Lawson said.  She does her art for herself, she said, and is taking time to develop her skills.  Lawson loves to paint.  "I paint my dreams. I love painting personal things I've felt or gone through many people don't like showing," she said.  "People feel more connected and not so isolated. It's one of the points of being alive and people could use a little more  of that."  Many of the Lawson's themes are subjects people know about, but sometimes don't like to talk about: taboo topics that  are sexual, social or political.  "They know about them, but don't necessarily talk about them," Lawson said. "I don't think people should be  uncomfortable with things, if it's really things people understand, they should not shy away from them."  Working with the elderly  Lawson, who graduated Dec. 15 from HCC, has been working as an activities assistant at Lorien since August.  "I do crafts and drawing, things with residents, some simple jewelry‐making," she said. "They get a good bit of arts and  crafts, and some residents really love it."  Lawson loves doing the art projects, and every Monday hosts Arts and Crafts with Liz.  "I think of things they can do. Some with dementia or Alzheimer's, so we do a lot of coloring," she said. "Sometimes we  do a group drawing, where we build on each other's by it in a circle."  The residents like to watch Liz work, too, and sometimes she'll draw something and have the residents color it in.  "The residents get to be like family, they get to know you, get to be part of your life," Lawson said.  While the gallery was only up for a couple weeks, she said it prompted other projects in the next few months. One will  be a collection of works done by staff at Lorien, the other will be a collection done by residents.  Through her job at Lorien, Lawson has learned she "definitely really enjoys working with our elders."  When she works, she says, she's working for good reasons.  "I get to be their friend. I get to really care and get to know these people. They become like family," Lawson said. "When  you're here, you have people who want to relate to you, talk to you. Not everyone has time to sit down and talk with  them and have fun. And they're pretty funny, a lot of them can be really funny."  And the residents really seem to enjoy it. 

February 10, 2016   

15  __________________________________________________________________________________________    "Art is definitely a good thing to bring into a nursing home, or rehab center for the elderly," Lawson said. "They really  enjoy having the community there with them through their art. They see something different than they see every day."  The Baltimore Sun: http://bsun.md/1Qo1n2t 

Delaware Convicts Escape Through Art  The arts are a big deal at Sussex Correctional Institution. The Georgetown prison's therapeutic art program has a two‐ year waiting list for inmates. The arts are a big deal at Sussex Correctional Institution.  GEORGETOWN, DE: The arts are a big deal at Sussex Correctional Institution. The Georgetown prison’s therapeutic art  program has a two‐year waiting list for inmates.  One of its benefits is allowing artists to showcase and sell their work  to the public since 2012. The Greater Millsboro Art League sponsors  the Sussex Correctional Institution Art Show and Contest every year.  “It’s a program that a lot of guys want to get into,” said Nancy  Thomas, SCI master correctional officer and the therapeutic art  program organizer. “The benefits are, with it being a therapeutic  program, the guys realize they have talent that’s valuable to other people.”  Thomas said the program has been around for nearly two decades and she’s been running it for seven years.  The fourth annual SCI Art Show opened in Millsboro Jan. 14 and the works are on display through March 6. The exhibit  features 100‐plus works in various mediums across multiple themes, including landscapes, wildlife, superheroes and still  life. Skill levels range from novice to advanced.  “Some of the stuff is just amazing, it really is,” said Keith Steck, art league publicity chairman. “There are still lifes that  look very lifelike. [For example], there’s an illustration of peppers. While it doesn’t sound that interesting, they’re so  realistic you just want to reach into the bowl and take them out.”  Gary Kayser, a new resident of Millsboro, checked out the gallery Friday and was impressed, particularity with “Justice  League” by Russell Sullivan, a piece depicting DC Comics superheroes.  “I find their work is excellent, as far as color and composition,” Kayser said. “The ‘Justice League’ piece grabs me because  it has all of the elements of the comic‐book members.”  Since the inmates can’t attend the exhibit, they rely on Thomas to describe what the mood was like during opening  night.  “The overall perception I got is people are pretty impressed when they see what these guys can do,” Thomas said about  this year’s art show. “The feedback is very important to them. Being incarcerated, they don’t get many outlets to show  their work. So, the guys are very anxious to get feedback from the show.”  United by art  Each year, the show has been one of the league’s most popular, mainly because it attracts prisoners’ family members to  see their artwork, said Debra Doucette, president of the art league. 

February 10, 2016   

16  __________________________________________________________________________________________    Thomas approached the league to host the show in 2012. The art league obliged, because they saw it as an opportunity  for community service. Though the artists are imprisoned, they’re part of the community.  “For four years we’ve held this exhibit and people who have had family members who are victims of crimes get upset  that we do this,” Doucette said. “I completely understand that. But it’s a therapeutic program, it’s a way of working  things out for [the artists]. It’s very helpful.”  Art therapy  SCI’s therapeutic art program is held every Friday for three hours and 21 artists are enrolled. The program isn't state  funded and inmates pay $2 per month for dues. Artists make money for materials through two annual fundraisers.  “All of our supplies, everything we use in the program is paid by the artists,” Thomas said. “We get support from the  Department of Corrections. They allow us to have it, but they don’t finance it.”  To join, inmates must write a letter to Thomas expressing interest. They go on a waiting list and when there’s an  opening, it’s first‐come first‐served. Anyone who gets a disciplinary writeup might risk getting kicked out. The incentive  to maintain good behavior is a key factor in helping inmates reform.  “It’s therapeutic because it’s a program where they have to meet certain requirements to get into it,” Thomas said. “My  goal is to help people feel better about themselves and to discover any talent they have and to be better people upon  release.”  Many of the artists intend to find employment in the arts upon their release from prison. Since Thomas doesn’t follow  up with every inmate after they’re released, she doesn’t know exactly how many might have found employment, she  said.  Recently, however, she did run into a former artist who told her he found work.  “He said he had got a job at a printing company. That’s somewhat related [to the arts],” Thomas said. “He’s being  successful and that’s the important thing.” Dover Post: http://bit.ly/1nU2MGY 

Lopez Artist Going to Cuba  LOPEZ ISLAND, WA: Lopez Island artist Steve Hill will be among 100  American artists going to Havana, Cuba, to participate in an historic  on‐site art event: Plein Air Magazine’s “Paint Cuba 2016 Publisher’s  Invitational.”  This is the largest group of artists in history to get special permission  to paint on the “forbidden island,” for an entire week, from February  6‐13. The whole group will be staying in a large Havana hotel and  making daily painting excursions all over the country.  Mainly through recent diplomatic efforts of Presidents Obama and  Raoul Castro, as well as Pope Francis, both countries finally opened  embassies again, on July 20, 2015. 

February 10, 2016   

17  __________________________________________________________________________________________    Hill said, “When this opportunity came up in mid‐December, it took my wife Judy and I less than five minutes to decide  to go (spouses, patrons and collectors were also invited). I never thought I would see something like this in my lifetime,  and feel extraordinarily lucky to be involved.  Cuba has been frozen in time for the past 50 years and we will all be recording and expressing that through our paintings  done there, before everything changes as embargoes continue to lift and relations between the U.S. and Cuba thaw.”  As a group, they are taking gifts for Cuban artists to upgrade their art supplies in the form of odorless mineral spirits for  oil painters, who have been forced to use gasoline for thinners the past 50 years – not at all good for anything on the  canvas, or their health. Hill will be taking a few gift sets of pastel sticks, as that’s my preferred plein air medium.  Hill will be posting a lot of his work done in Cuba, but probably not until he returns to Lopez in mid‐February.  Go to www.windsweptstudios.com for more information.  Hill’s work is on display at Crow Valley Gallery on Orcas and Windswept Fine Art Gallery on Lopez. The Islands’ Sounder:  http://bit.ly/20kU9le 

How Can Art Help Patients With Dementia?  LEXINGTON, KY: Dementia is a "family disease." The patient, their  loved ones, and their caregivers are all affected.  Dementia refers to a decline of cognitive health that interferes  with everyday life. Alzheimer's disease is the most recognizable  form of dementia, but many other conditions can also affect  cognitive health. There is no cure for Alzheimer’s, and almost all  patients with dementia will eventually require constant care from  a caregiver or loved one.  In 2015, there were 5.3 million Americans suffering from this  devastating disease.  In the creation of art, multiple aspects of learning take place and multiple domains related to learning are engaged,  including focus and concentration, problem‐solving skills, tolerance to ambiguity, image and concept formation,  imagination, and visual‐spatial thinking, just to name a few. On top of that, feelings and emotional sensitivities are  involved in producing a work of art, as well as important motor skills like hand‐eye coordination.  Researchers at the University of Kentucky are looking further into the notion that visual arts can have a positive effect  on patients with mild to moderate dementia. This study will also explore the potential effects on the patient's caregiver.  By having participants create art — such as drawing, sculpture, and/or paper mache —we hope to enhance problem  solving skills, focus/concentration, and hand‐eye coordination. We also hope to see an improvement in mood and in  overall thinking, all of which contribute significantly to quality of life.  This study will be eight‐weeks long and will meet once a week at the School of Arts and Visual Studies. Each session will  last about an hour and a half. Participation in the study, including all art materials, is free of charge. 

February 10, 2016   

18  __________________________________________________________________________________________    To be involved in this study the patient must live at home, have intact hearing/vision, and have mild to moderate  dementia. The caregiver needs to have at least ten contact hours a week with the patient and be able to accompany and  assist the patient during the study. Lexington Herald Leader: http://bit.ly/20kUiFn 

Disgraced British Art Dealer's Priceless Treasure Trove Discovered Hidden in Geneva  Roman and Etruscan antiquities were found in 45 crates belonging to Robin Symes, a high‐profile art dealer who was  sent to prison  A priceless treasure trove of Roman and Etruscan antiquities that  was acquired by a disgraced British art dealer has been discovered  hidden in a repository in Geneva.  The antiquities were found hidden inside 45 crates and are  believed to have been left in the Swiss lock‐up by Robin Symes, a  high‐profile art dealer who fell from grace and was sent to prison.  They had languished there for 15 years, in boxes marked with the  name of an offshore company.  The haul includes two life‐size Etruscan sarcophaguses, one depicting an elderly man and the other a young woman,  both reclining on their sides.  They are among the very few examples of their kind and date from the second century before Christ.  There are also fragments of fresco from Pompeii as well as terracotta pots, decorated vases, busts and bas‐reliefs.  Many of the items are believed to have been looted from archaeological sites by tomb raiders.  The crates were discovered by a specialist unit of Italy’s Carabinieri police that deals with art crime, with the  collaboration of the Swiss authorities.  The objects were “exceptional pieces (which were taken from) clandestine excavations,” prosecutors in Geneva said in a  statement.  They are believed to have been looted from tombs in what remains of the ancient Etruscan city of Tarquinia, in the hills  north of Rome.  The antiquities have been returned to Rome and are to be unveiled at a press conference later this week.  The investigation dates back to March 2014, when the Italians first began to suspect that looted antiquities might be  kept in storage in Geneva.  The search was taken up by the public prosecutor’s office of Geneva, which found “an unexpected treasure – two rare  sarcophaguses of Etruscan origin – as well as many other invaluable archaeological remains".  Once they were located, an Italian expert was brought in, concluding that “the objects came from illicit excavations  mostly perpetrated in necropolises in former Etruscan territory, now the regions of Lazio and Umbria,” the prosecutors  said. 

February 10, 2016   

19  __________________________________________________________________________________________    “The Italian Carabinieri have established direct links between some of the objects and the activity of tomb raiders.”  The Swiss authorities described 75‐year‐old Symes as “a former high‐profile British art dealer whose name has been  linked in the past to the trading of looted antiquities throughout the world.”  The J Paul Getty Museum in Los Angeles, the Minneapolis Insitute of Arts and the Metropolitan Museum of Art in New  York City have had to return antiquities that they acquired through Symes because of fears that they were obtained  illicitly.  Once described as “London’s best known and most successful dealer in antiquities,” Symes built up a profitable business  with his long‐term lover, Christo Michaelides, the heir to a Greek shipping fortune.  From the 1970s they established themselves as the glamour couple of the international market, dividing their time  between an apartment in New York, a house in London, a flat in Athens and a villa on the remote Greek island of  Schinoussa, in the Cyclades archipelago.  Chauffeured around in Bentleys, they sold antiquities to rich private collectors as well as museums, with their company  at one point estimated to be worth £125 million.  But in 1999, during a holiday in Umbria, 56‐year‐old Mr Michaelides fell down some steps, hit his head and died.  Symes then became involved in a protracted battle at the High Court in London with the family of his former partner.  Mr Michaelides’ family insisted they were entitled to half of the business that the couple had built up, called Robin  Symes Ltd.  Symes argued that his former lover had only been an employee of the firm, not a partner.  During the case, he was living in Geneva, which is when it seems he hid the cases full of antiquities in a repository  outside the city, in an apparent attempt to keep them out of any final settlement.  He eventually lost the bitter legal fight. Unable to pay legal fees of around £5 million, he declared bankruptcy.  During the court battle, he was found to have lied about two of the deals he had done, misleading the court about how  much he had earned in a bid to conceal several million pounds’ worth of assets.  He also told the court that he had stored his antiquities in five warehouses but it later transpired that he had spread  them around 29 warehouses, in London, New York and Switzerland.  The judge found that he had committed “a serious and cynical contempt of court” and had “told numerous lies on oath".  He was sentenced in 2005 to two years in jail for contempt of court but released after serving seven months. On  Monday he could not be contacted for comment.  In 2006 he was accused of being part of an illicit antiquities network in a book by Peter Watson, an investigative  journalist, entitled “The Medici Conspiracy: The Illicit Journey of Looted Antiquities from Italy's Tomb Raiders to the  World's Greatest Museums.” The Telegraph: http://bit.ly/1W8Jb14   

February 10, 2016   

20  __________________________________________________________________________________________   

Axed Webberley's Worker To Open New Art Shop  STOKE‐ON‐TRENT, UNITED KINGDOM: One of the workers made  redundant following the closure of the iconic Webberley's store is  bouncing back – by opening a new shop.  The Art Department Stoke will open in Brunswick Street, Hanley, later  this month.  It will be run by 33‐year‐old Jody Nicklin, who worked in the art  department at Webberley's.  She is also employing former colleagues Lydia Greaves and Karen  Robertson.  Jody, of Biddulph, said: "I'm really excited about what we're doing – and we've had a lot of love from the community.  "There are quite a lot of students and artists around here and our shop will sell a range which you can't just get  anywhere.  Hopefully we can make something good come out of the closure of Webberley's.  "I came up with the idea of the shop about a day after we were told we were being made redundant and the shop was  closing.  "More and more people contacted us offering their condolences and I thought I could make something from this.  "I started thinking this was something we could do.  "Stoke‐on‐Trent is such a creative city and there are a lot of people who need these kinds of materials."  The Webberley's store closed in Percy Street earlier this month after 102 years in the city centre due to retirement. It  was popular for selling an extensive range of books and arts supplies.  The opening of the Art Department Stoke has been welcomed by artists. Its opening date has yet to be revealed.  Twin sisters Jade and Jasmine Simpson are part of Tame Studios at Middleport Pottery.  Jasmine, aged 22, of Fegg Hayes, said: "I was sad to hear about Webberley's shutting down. There were not many other  places I could get my art supplies from so I am glad to know there will still be a place I can get them.  "And it is good some of the staff will keep their jobs."  Sister Jade, who also lives in Fegg Hayes, said: "Webberley's was used by so many artists and it is great there will still be  a shop in Hanley to supply us."  Michael Pritchard, of Forsbrook, who runs Michael's Art Gallery and used to display his work in the art department at  Webberley's, said: "This is an ideal store for the Potteries. 

February 10, 2016   

21  __________________________________________________________________________________________    "There are not many places in the Potteries where you can get high‐quality art supplies so it is brilliant and there is a real  market for it.  "I was very disappointed when Webberley's had to close down but at least people will be able to still get high‐quality art  supplies." The Sentinel: http://bit.ly/1XeHuAf 

Utah Artist Captures Life in Salt Lake City  SALT LAKE CITY, UT: When you first see Karen Horne's paintings,  her use of color and shadows seem to make the figures dance with  life.  Born into a family heritage deeply tied to the arts in Utah, Horne  began sculpting and painting at an early age, before attending Yale  University to study art and later earning an MFA in painting at  Indiana University, in addition to her studies in Florence and  Rome. After college, Horne worked at the prestigious Frick  Collection, where she painted and exhibited.  "It was wonderful to grow up surrounded by original paintings in our family's home, some of which were from my great‐ grandmother Alice Merrill Horne's collection," she said. "My mother, Phyllis Horne, was actively painting and had her  studio right in the house. My father, a physician, also loved art, and had books on Leonardo, Michelangelo, Rembrandt,  etc. It just made me feel that it was very natural — and necessary — to look at, live with and make art. It was integrated  into our lives and experience."  Her great‐grandmother and Utah legislator, Alice Merrill Horne, authored legislation to create the Utah Art Institute in  1899, establishing the first state‐sponsored arts agency in the nation. The institute later became part of the Utah  Division of Arts and Museums, which now contains more than 1,200 pieces and is valued in the millions, according to the  division. Her reach extended into getting art into the public schools and even rescuing the now‐iconic Eagle Gate from  demolition.  Karen Horne, a Skyline High School graduate, is inseparable from this history of her home state and family. Her colorful  paintings largely focus on Salt Lake City and its culture. In 1996, she and her husband, professional artist Michael  Rowley, returned to Utah.  "I love responding to the parade of life all around us. After living for 11 years in Manhattan, I found what interested me  most as an artist was street life, even after moving back to Utah," she said. "Salt Lake is a surprisingly happening city,  and I love capturing the liveliness of its gathering places, such as the Capitol Theatre, Tower Theatre, Library Square,  (especially during the Utah Arts Festival), and in restaurants around town."  Her zoomed‐in paintings capture moments that feel quintessentially Salt Lake City. Using mostly oils and pastels, she  captures the movement of this city often overlooked by travelers and written off by newcomers, turning the assumption  that Salt Lake is a quiet town on its head. Her vibrant color choices and play with reflection and light presents familiar  landmarks in a way that feels at once new and nostalgic.  Now, Horne is making her mark on the city with both her lively paintings and HORNE Fine Art — the gallery she and her  husband opened in 2003. In addition to this contribution to the Utah art community, she received a Mayor's Artist 

February 10, 2016   

22  __________________________________________________________________________________________    Award in 2013; has had reproductions of her art on various program covers; and her work is included in the permanent  collections of the State of Utah, Salt Lake County, the Springville Museum of Art, the Fairview Museum, and numerous  corporate private collections. She also received the Visual Artists Fellowship that is awarded by the Utah Arts Council  and one of her cafe scenes received a top prize at the National Academy of Design's annual exhibition in NYC.  But Horne loves connecting with people who view her art most. "I love seeing people respond to the artwork when they  visit my studio. It completes the circle," she said. KSL.com: http://bit.ly/1O0v1ZU 

STEM or STEAM: Is There Room For Both In Utah Schools?  SALT LAKE CITY, UT: In the Coleman family, STEM is a household  word.  Science, technology, engineering and math are frequent sources of  homework for Laurie Coleman's children in first, third and fifth  grades. And since their father is a research scientist, the Coleman  children have no shortage of opportunities or parental support in  pursuing STEM interests.  "We just try to give them opportunities to learn and be challenged,"  Laurie Coleman said.  She was one of dozens of parents walking with their kids Tuesday at the second annual STEM Fest, where companies  and educators are gathering this week to showcase career opportunities in various STEM fields.  But there's a key component of her kids' education that Coleman doesn't want them to miss. It's a puzzle piece that ties  it all together, helping them build a foundation of creativity and draw connections in their work, she said.  That piece is the arts, which makes Coleman and others see STEAM as a more complete academic puzzle.  "They're all connected," she said. "We try to do more art at home because we think it's important. I wish they had more  art opportunities for art in school."  As some 4,000 students, their parents and teachers attended the STEM Fest on Tuesday — with another 14,000  expected to come this week — lawmakers on Capitol Hill debated two bills: one for science, and one for the arts.  One passed, the other didn't.  But lawmakers and educators still envision an education system where STEM and STEAM support each other and enable  students in the process. And that requires finding a balance that provides students with a well‐rounded education while  meeting the needs of Utah's rapidly growing STEM industry.  "There's room for both, and in fact, there's a lot of overlap," said Tamara Goetz, executive director of the Utah STEM  Action Center. "I think that both STEM as well as non‐STEM areas can truly lift each other up and be more rich and  diverse in opportunity."  The Senate Education Committee unanimously favored a bill Tuesday that would earmark more than $2 million to  expand computer science instruction in Utah schools. The money would be used to develop curriculum and hire 

February 10, 2016   

23  __________________________________________________________________________________________    qualified teachers to introduce computer coding and similar subjects to students, according to bill sponsor Sen. Howard  Stephenson, R‐Draper.  "It is something we have found the industry is sorely in need of," Stephenson said. "We have heard that we have several  thousand jobs on silicon slopes which are going unfilled because we simply are not providing in America, or in Utah for  that matter, sufficient trained people in the computer science and coding world."  The goal of the bill, in many ways, parallels that of this week's STEM Fest: Introduce students to promising career  opportunities while ensuring a qualified workforce over the long term.  "That bill directly addresses the critical needs that many of the companies at STEM Fest need in terms of talent," Goetz  said. "We're looking at that bill as a comprehensive approach where it's a pathway that allows students to begin early  exploring computer science, programming and software engineering opportunities with early internships in high school."  About two hours before Stephenson's bill passed the committee, Sen. Jim Dabakis, D‐Salt Lake City, was presenting a bill  that would require school districts and charter schools to spend a minimum of 3 percent of their budget on the arts.  Broadly defined, that could include anything from theater to archeology to video game arts, according to the bill. And  while most, if not all, schools already spend more than 3 percent of their budget on such subjects, the bill would ensure  at least some funding for the arts in perpetuity, according to Dabakis.  "We have, to a large extent, risen to the task of creating an education system that is employer‐based and job‐based, and  I admire that," Dabakis said. "But my fear is that we may have left something behind, and that is our arts — a lot of the  non‐job specific issues that have kept the soul in our education system."  Some members of the Senate Economic Development and Workforce Services Committee worried that the bill would set  a precedent that would entitle other subjects to their own minimum appropriations. Others said the bill was  unnecessary since most schools already spend well over 3 percent on the arts.  The bill failed in a 4‐2 vote.  Legislative support for arts education has been apparent in other areas, such as the Beverley Taylor Sorenson Arts  Learning Program. Last year, lawmakers provided $4 million in ongoing money and $2.5 million in one‐time funds for the  program, the largest appropriation since the interactive arts program took shape in 1995.  But some worry it's not enough.  "Thank goodness we've got jobs," Dabakis said. "But it takes more than just a singular job focus in order to create the  kind of citizens and human beings that are going to make our state competitive."  This year's STEM Fest is expected to bring in roughly 5,500 more students than last year, and about 70 companies from  across the state are now participating in the three‐day event. Dozens of hands‐on demonstrations, such as smoke ring  cannons, Star Wars‐themed 3‐D simulators and student‐built robotics, are aimed at helping students test their interests  in possible careers.  Promising as those careers may be, STEM educators say STEAM still plays a central role in growing a labor pool equal to  the demands of industry, where critical thinking and literacy skills are just as important as technical know‐how, Goetz  said. 

February 10, 2016   

24  __________________________________________________________________________________________    She said students should strive to develop a "bilingual" set of skills that allows them recognize science and the arts as  part of the same language of learning.  "Much of what our computer science and programming companies are doing falls within that creative space of arts and  digital media. Those skills can really synergize and open up new doors for students," she said. "I do believe that STEM is  not the only direction students can take. But it really does provide academic and career pathways that can bring quality  of life and opportunities for life‐long learning." Deseret News: http://bit.ly/1TP7IcE 

Michaels Buys Pat Catan's for $150 Million  It may indeed be the end of an era as Michaels Companies Inc.  announced Tuesday (Feb. 2) that it had bought Pat Catan’s parent  company, Lamrite West Inc. for $150 million. In their press  release, Michaels promised that Lamrite West Chief Executive  Officer Michael Catanzarite, whose father founded the company,  will continue to lead his team as a unique brand under the  Michaels corporate umbrella. Additionally, Catanzarite will serve  on Michaels executive committee. He has served as CEO of  Lamrite West for two decades.   "I have long admired the Michaels team, and with the full weight of Michaels resources, I know that our employees and  customers will realize tangible benefits from this combination," Catanzarite said in the official press release.  Pat Catan’s is a local favorite among artists and crafters, not just because of their lower prices, but because of strong ties  to Northeast Ohio. The company was founded in Cleveland in 1954 and its headquarters are located in Strongsville.  Some locals view this as a corporate takeover of an independent local business. However, both Catanzarite and Michaels  Companies Inc. Chairman and CEO Chuck Rubin see this as a benefit to all customers.  "The acquisition of Lamrite West represents a unique opportunity to add a business to the Michaels portfolio that will  strategically enhance our private brand development capabilities, accelerate our direct sourcing initiatives, and  strengthen our business‐to‐business capabilities," Rubin explained in the company’s press release. "As CEO of Lamrite  West, Mike Catanzarite has built a strong leadership team and cultivated a pervasive culture of customer service.  Together, we will serve our combined customer base better to help us achieve our long‐term growth goals."  Michaels is North America's largest specialty retailer of arts and crafts. The Company owns and operates nearly 1,200  Michaels stores in 49 states and Canada and 118 Aaron Brothers stores and produces 12 exclusive private brands. The  first Michaels store was opened by Mike Dupey in Dallas, TX in 1976 – 22 years after Pat Catanzarite opened his first  retail store.  The business now known as Pat Catan’s was founded in 1954 by Pat Catanzarite (AKA Pat Catan) as Lamrite, a humble  600 sq. ft. retail store located at E. 131st St. and Miles Ave. in Cleveland, with just $200. Over the past 60+ years, the  retail name has changed from Lamrite to Pat Catan’s Lamrite to just Pat Catan’s.  Pat Catanzarite was a flight instructor during WWII. Upon returning home, he began a window display and props service  that designed window displays for downtown Cleveland department stores like Halle’s, Higbees, Linders and 

February 10, 2016   

25  __________________________________________________________________________________________    Rosenbloom. The success of this first business allowed him to open his first retail store. Soon, he would open a second  location in Old Brooklyn.   By the 70s, Catanzarite had opened another half dozen stores in Northeast Ohio. Additionally, he founded a craft supply  wholesale business. He named this wholesale business Darice, a combination of the names of two of his four children  (David and Patrice). Family was very important to Catanzarite, and many of his children and grandchildren continue to  work in the Darice wholesale business, corporate headquarters or one of Pat Catan’s retail stores. In total, more than 20  family members spanning three generations currently work full time for the family business.  Today, there are more than 30 Pat Catan’s locations in Ohio, Pennsylvania, Michigan, West Virginia and Indiana.   This news comes less than three years after another major shake‐up in the world of art supplies. In 2013, Blick Art  Materials purchased one of its largest competitors, Utrecht Art Supplies and its 45 retail stores; including its Coventry  location in Cleveland Hts. Cleveland Scene: http://bit.ly/1Q4mEOj 

PE‐Backed Art Materials Maker Acquired  Electra Private Equity has sold its interest in a Berkshire‐ headquartered producer and supplier of fine art materials which  was founded in 1783.  The firm's stake in Daler‐Rowney has been sold to the FILA Group,  a Milan‐based producer of writing instruments and art supplies.  Electra has received proceeds of approximately £32m, equating to  an uplift of £20m on the valuation of Daler‐Rowney at 30  September 2015.  The company’s product range includes artists' colours, brushes,  papers and canvases which meet the needs of artists of all kinds, from beginners to professionals.  Daler‐Rowney, based in Bracknell, manufactures its products in the UK and the Dominican Republic and sells them in  more than 90 countries worldwide.  Rhian Davies, Alex Cooper‐Evans and Zoe Clements were responsible for the investment in Daler‐Rowney. The sellers  were advised by Ashurst. Insider Media Limited: http://bit.ly/1T1GoqV   

February 10, 2016