1 AL 6 DE NOVIEMBRE 2016 BUENOS AIRES, ARGENTINA

Desde la Secretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural de la Nación, trabajamos fuertemente para promover la pluralidad, el respeto por la diversidad y las nuevas familias. Desde que asumimos, estamos abocados a una agenda ampliada que incluye temas de gran relevancia para nuestra sociedad, que son reclamos históricos de todos los argentinos. A los postulados de Memoria, Verdad y Justicia hemos incorporado asuntos que necesitamos seguir visibilizando, para trabajar a favor de una Argentina con mayor y mejor democracia, en la que todos los derechos sean respetados. Las políticas de diversidad sexual son un eje de nuestra agenda de trabajo. El cine, como expresión cultural, es una excelente herramienta que permite describir la realidad a través de distintas historias de vida. Es una manifestación artística que nos interpreta, destaca lo que somos, nuestro modo de ver el mundo. En este contexto, el Festival Asterisco se ha consolidado como un espacio de representación cultural de las temáticas de diversidad sexual. Ha logrado un nivel de inserción que interpela a la comunidad, para que todos los actores reflexionen acerca de la libre elección y el respeto por la identidad de género, que merecen fundamentalmente nuestro reconocimiento y un abordaje político que substancie esa dinámica social. Luego de dos años con más de 25.000 participantes, la tercera edición de este festival internacional procura seguir derribando barreras, llegar a todos los rincones y ampliar nuestros límites. Los invitamos a sumarse a una agenda nacional en la que los derechos de todos los ciudadanos estén contemplados, no solo a través de leyes sino a partir de actividades cotidianas que los reflejen, y que permitan acortar la gran brecha que aún hoy existe entre el marco legal y la realidad.

From the office Secretary of Human Rights and Cultural Pluralism, we work strongly in promoting plurality, and respect for diversity and new families. Since we took office, we have been devoted to an expanded agenda that includes issues of great relevance to our society that were historical demands from all Argentines. To the postulates of Memory, Truth and Justice, we have added subjects that need to become visible in order to work for an Argentina with an expanded and improved democracy where every right is respected. Sexual diversity politics are central to our agenda. As cultural expression, cinema is an excellent tool to enable the description of reality through different life stories. It’s an artistic manifestation that addresses us and stresses what we are, our way of looking at the world. In this context, the Asterisco Festival has consolidated itself as a space of cultural representation of sexual diversity themes. It has achieved a level of insertion that speaks to the community, in order for everyone to reflect on free choice and the respect for gender identity, which fundamentally deserves our acknowledgement as well as a political approach that would substantiate this social dynamic. After two years and with more than 25,000 participants, the third edition of this international festival aims to keep bringing down barriers, reaching every corner and expanding our limits. We invite you to join a national agenda in which the rights of every citizen are taken into account, not only through laws, but also through everyday activities that would reflect this and shorten the large gap that still exists between the legal framework and everyday life.

CA Secretary of Human Rights and Pluralism

Claudio Avruj Secretario de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural de la Nación

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El Festival Asterisco es una suma de expresiones artísticas que plantea una exploración de vanguardia para transitar la transformación cultural, con el fin de que todos los argentinos podamos vivir la diversidad en libertad. Asterisco nos muestra la multiplicidad de identidades, nos amplía su perspectiva y nos ayuda a continuar su construcción. Distintas identidades, diversas formas de vivir y de sentir el amor. A través de la organización de este Festival, la Subsecretaría de Promoción de Derechos Humanos muestra su compromiso con la consolidación de una política pública clara, enmarcada en los avances legislativos y vanguardistas a nivel nacional e internacional. La promoción de los derechos humanos de la población lgbtiq es una reafirmación de que estos derechos son irreversibles y progresivos. El arte, manifestado en este caso con el lenguaje del cine, es otro de los recursos que permiten promover el principio de igualdad de derechos. Seguir por este camino, profundizarlo, reafirmarlo y ampliarlo es una política de Estado. Asterisco, con su impronta, ayuda a que eso sea posible.

Marisa Frescó Subsecretaria de Promoción de Derechos Humanos

Asterisco Festival is a sum of artistic expressions that suggests an avant-garde exploration of cultural transformation, and its aim is for all Argentines to be able to experience diversity freely. Asterisco shows us the multiplicity of identities, widens its perspective for us, and helps us continue its construction. Different identities, diverse ways of living and loving. By organizing this festival, the Undersecretary for the Promotion of Human Rights shows its commitment to the consolidation of a new clear public policy framed within the legislative and avant-garde advances on both local and international level. The promotion of the human rights of the lgbitq population is a reaffirmation that these rights are irreversible and progressive. Art, manifested in this case through the language of film, is yet another resource to promote the principle of equal rights. Following that path, furthering it, reaffirming it, and widening it is a State policy. Asterisco, with its mark, contributes to this becoming possible.

MF Undersecretary for the Promotion of Human Rights Secretary of Human Rights and Cultural Pluralism

Secretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural

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El arte expresa aquello que somos, y es a la vez una imagen de lo que deseamos ser. Nos permite manifestar sentimientos, emociones, las acciones propias de una sociedad, de su cultura. El arte transforma y nos transforma. El cine, como una de sus expresiones, fue el canal histórico para representar vidas, visibilizar y difundir experiencias individuales o grupales que no eran ni son fáciles de divulgar abiertamente.

Art expresses what we are and it’s also an image of what we long to be. It allows us to express feelings, emotions, actions within society, and its culture. Art transforms everything, including us. Film is one of its expressions, and it has always been the channel for portraying lives, for spreading and making visible individual or collective experiences that were not easy to openly divulge –and are not still.

El cine abre la puerta para que la diversidad se despliegue, tome vuelo, se vea y se sienta; es un vehículo que sirve para informar, promover y educar en derechos. El cine provoca asombro, alegría, dolor, sorpresa, nos transporta a universos poco conocidos y nos permite reflexionar sobre realidades concretas y cercanas, que muchas veces parecen lejanas.

Through film diversity was able to unfurl, take flight, be seen and felt. It’s a vehicle for information, promotion and education about rights. Film triggers amazement, joy, pain, surprise; it transports us to little-known universes and allows us to reflect on concrete, familiar realities that often seem distant.

La diversidad sexual ha tomado históricamente su lugar en el cine: logró tener voz y representatividad, mostrarse en todas sus formas y colores, con su identidad, su autenticidad y su versatilidad. La pantalla es una herramienta que permite llegar a rincones imaginarios e inimaginables; logra transformar la cultura y abrir los caminos hacia el respeto y la no discriminación, mientras vuelve cotidiano aquello que no lo es. El Festival Internacional de Cine Asterisco es sin dudas una expresión de la diversidad sexual en todos sus sentidos, que contiene a todas las miradas del mundo y nos acerca a lo que fuimos, lo que somos y lo que pretendemos ser. Escenarios como el del Festival colaboran con el cambio cultural necesario para lograr una sociedad más justa e igualitaria.

Diego L. Borisonik Director General de Políticas Integrales de Diversidad Sexual de la Nación Secretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural de la Nación

Sexual diversity has secured its place in film: it managed to come up with a voice and representation, to present itself in all of its forms and colors, its identity, its authenticity and versatility. The film screen is a tool that allows you to reach imaginary and unimaginable corners; it succeeds in transforming culture and opening paths towards respect and non-discrimination, while also naturalizes what hadn’t been perceived as natural. The Asterisco International Film Festival is undoubtedly an expression of sexual diversity in every sense: it contains all the points of view in the world and draws us closer to what we used to be, what we are, and what we hope to be. Manifestations such as this Festival prove helpful in order to fulfill the cultural change necessary to build a more fair and egalitarian society.

DLB General Director of Integral Politics of Sexual Diversity Secretary of Human Rights and Cultural Pluralism of the Nation

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El Instituto de Cine y Artes Audiovisuales participa y apoya la tercera edición del Asterisco Festival Internacional de Cine lgbtiq, una muestra que permite ampliar la difusión de nuevos contenidos y así descubrir lenguajes, estéticas y temáticas no tradicionales.

The Institute for Film and Audiovisual Arts (INCAA) participates and supports the third edition of the Asterisco International lgbtiq Film Festival, an event that expands the promotion of new contents and reveals non-traditional languages, aesthetics, and topics.

A lo largo de esta muestra, se podrán apreciar valiosas producciones cinematográficas que permitirán un acercamiento a la riqueza de la cultura alternativa, cercana y a la vez no muy conocida.

Throughout this exhibition, mainly based in the INCAA Area Gaumont Cinema, you will be able to appreciate valuable film productions that bring you closer to the richness of an alternative culture that is both close and yet not that well known.

En los últimos años, se han producido películas que han trascendido las fronteras de nuestro país y han obtenido reconocimientos internacionales, lo que muestra el éxito del camino recorrido y ayuda a consolidar las producciones de este género.

In recent years, we have witnessed the production of films that have transcended the borders of our country and obtained international recognition, which has proven the success of the road we’ve already covered and contributes to consolidate productions of this genre.

El INCAA celebra el trabajo realizado por los organizadores del Asterisco Festival Internacional de Cine lgbtiq, y destaca su aporte hacia la integración social y el intercambio fílmico.

INCAA celebrates the work of the organizers of the Asterisco International lgbtiq Film Festival and highlights its contribution to social

Alejandro Cacetta Presidente del INCAA

integration and film exchange. AC President of INCAA

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La creatividad es diversa por naturaleza

Creativity is Diverse by Nature

Encontrar una denominación clara, concisa y comprensible de lo que somos, lo que hacemos y lo que queremos pareciera ser una exigencia de la época. Lo vemos en los títulos y roles laborales, en las carreras universitarias, en las nuevas habilidades que aparecen a partir del cambio tecnológico, en las metodologías de enseñanza, en la tipología de las familias modernas, en la moda, en los nuevos formatos que modifican géneros literarios, en el mash-up creativo que abre la convergencia, en la ola de emprendedores culturales con propuestas innovadoras, en las nuevas plataformas de comunicación y, por supuesto, en nuestras formas de vivir el amor.

Coming up with a clear, concise and comprehensible denomination of what we are, what we do, and what we want, seems to be a requirement of this age. We see it in work titles and roles, in university majors, in the new abilities that appear through technological change, in the teaching methods, in the typology of modern families, in fashion, in the new formats that modify literary genres, in the creative mashup opened by convergence, in the wave of cultural entrepreneurs with innovative ideas, in the new communication platforms and, of course, in our ways of experiencing love.

Estas variaciones, lejos de responder únicamente a un cambio de paradigma social, económico y cultural, se conectan directamente con la naturaleza del ser humano. En su libro Inteligencias múltiples, el psicólogo, profesor, investigador y referente de creatividad a nivel global Howard Gardner identifica ocho tipos de inteligencia: la lingüística, la lógica matemática, la espacial, la musical, la corporal-cinestésica, la intrapersonal, la interpersonal y la naturalista. Sin embargo, llega a la conclusión de que cada ser humano tiene una combinación única, que no hay dos mentes creativas iguales, porque cada uno de nosotros, de acuerdo con nuestra personalidad, ámbito y campo de acción, construye su propia inteligencia, su propia creatividad. Somos absolutamente únicos y mutantes. El cambio es la única constante.

These variations, far from answering only to a social, economic and cultural paradigm shift, are directly connected to the nature of the human being. In his book Multiple Intelligences, psychologist, professor, researcher and model of creativity on a global level Howard Gardner identifies eight types of intelligence: the linguistic, the logical–mathematical, the spatial, the musical, the bodily– kinesthetic, the intrapersonal, the interpersonal, and the naturalistic. However, he comes to the conclusion that every human being has a unique combinations, that there are no two creative minds alike, because each of us, depending on our personality, area and field of action, builds their own intelligence, their own creativity. We are absolutely unique and mutant. Change is the only constant.

Podemos intentar desesperadamente parecernos a los demás, buscar ser parte de la manada en nuestra vida personal y laboral; pero no va a funcionar. Nuestra singularidad es diversa por definición, y se incomoda con las estandarizaciones. Y esto representa una gran oportunidad para nosotros; porque, si confiamos en aquello que nos hace únicos, tendremos más tiempo para expandir nuestra conciencia y nuestra creatividad, es decir, más tiempo para transformar el mundo a partir de nuestra capacidad creativa. Por eso mismo celebramos con entusiasmo el Festival Asterisco, que por tercer año consecutivo genera un marco de contención y reflexión a nivel nacional e internacional, amplificando a través del cine la discusión acerca de la igualdad de derechos sexuales, constituyendo un punto de encuentro de expresiones y movilizándonos siempre a través de lo que naturalmente nos hace únicos, como nuestra creatividad.

Enrique Avogadro Secretario de Cultura y Creatividad de la Nación @eavogadro

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We could desperately try to look like the rest and be part of the pack in our social and personal life, but it’s not going to work. Our uniqueness is diverse by definition, and gets uncomfortable with standardizations. And this represents a great opportunity for us, because if we trust that which makes us unique, we will have more time to expand our conscience and our creativity, that is, more time to transform the world through our own creative capability. That is why we enthusiastically celebrate Festival Asterisco that, for the third consecutive year, generates a framework of containment and reflection on a national and international level, amplifying through cinema the discussion on equal sexual rights, constituting a meeting point of expressions, and mobilizing us through what makes us naturally unique –our creativity.

EA Secretary of Culture and Creativity of the Nation @eavogadro

Desde el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación venimos compartiendo un camino de inclusión y equidad que constituye un eje fundamental para la promoción de la diversidad y la igualdad de oportunidades. Desde este camino, escuchando a la gente, es que fuimos implementando políticas públicas vinculadas a la temática.

From the Ministry of Social Development, we have been sharing a path of inclusion and equality that constitutes an essential core idea for the promotion of diversity and equal opportunities. Through this path, and listening to people, we have been implementing public policies related to this issue.

En esta enorme tarea, nos resulta primordial acompañar los cambios legales con propuestas sociales y culturales enfocadas en el fortalecimiento de los derechos. El Asterisco Festival Internacional de Cine lgbtiq es una muestra de ello, con distintos puntos de vista desde diferentes latitudes del mundo que acercan y enriquecen la mirada de todos aquellos que trabajamos para mejorar la vida de nuestra ciudadanía.

In this enormous task, we find it vital to accompany legal change with social and cultural proposals that focus on strengthening people’s rights. Asterisco lgbtiq International Film Festival is a proof of that, with different viewpoints from different latitudes that draw us closer and enrich the views of all of us who work to improve the lives of our citizens.

Celebramos y acompañamos esta nueva edición, que suma material valioso para las políticas públicas de diversidad sexual.

Dra. Carolina Stanley Ministra de Desarrollo Social de la Nación

We celebrate and accompany this new edition that adds valuable material to public policies of sexual diversity. Dr. CS Minister of Social Development of the Nation

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Diálogo imaginario —¿Cuál es su película favorita?

—Sí, obvio, toda su obra, sobre todo la más trash (la obra, más trash) Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón y la más clínica (la obra, más clínica) La piel que habito; en el medio, todas, pero no las pongo entre mis favoritas. De los popes vivos prefiero Rabia, de Cronenberg, y de lo franca y radicalmente puto prefiero a Pasolini.

que la historieta cristiana divulgada en grandes murales a lo largo y ancho del mundo pueda ser reescrita por las travestis latinoamericanas mientras toman la bastilla construida en una maqueta por Sergio Avello mientras Copi le hace una fellatio filmada por Pizarnik, a la vez que Lohana bendice el set o plató o más bien el potrero donde hoy se improvisó un decorado lleno de lamparitas de colores y ciento cincuenta variedades de papas, cocinadas por un Lamborghini agobiado por las invocaciones que recibe permanentemente. Pero allí estarán otras y otros y nosotras, todas probándonos ropas que nos quedan gigantes pero nos quitan el peso de tener que desplegar una femineidad depilada e indolora. Ah, sí, ¿usted sabía que sarna con gusto no pica? Pues a mí me pica y no me gusta, así que la cera que se la ponga quien quiera donde quiera e invite a dar una vuelta en calesita, pegoteados y calientes, con pelos o sin ellos, que cada uno haga de su cul…

—Volvamos al primer Jackson, antes de King Kong.

—Bueno, bueno.

—Ah, con esa siempre lloro, en todas sus versiones, pero la de Jackson me vuelve loca. Yo diría que un día perfecto tiene alguna espectacularidad de Peter Jackson cruzada con un documental de Ulrich Seidl, y podríamos cerrar la jornada con la excepcional adaptación de Akerman, La cautiva.

—¿Bueno qué? ¿Bueno para usted es bueno para mí?

—Meet the Feebles, una en que Los Muppets sangran, entre otras muchas cosas que les pasan. Aunque no, no sé, creo que es Muerte en Venecia o El inocente o Al azar, Baltazar, bueno, no sé, el otro día vi El hombre anfibio y rankea también junto con Fin de fiesta de Torre Nilsson, y Hellraiser, claro. —Un panorama diverso; necesitaría un test vocacional ante esos gustos. ¿Almodóvar?

—Le gustan las cruzas o los cruces. —Los cruces y las cruzas, lejos de las cruces. Sobre todo me gusta que cambie. Me gustan los cambios, esperados e inesperados, algo de la revuelta, los besos, vestirse y maquillarse para ir a una fiesta y encontrarse luego en un baño y que la acción suceda allí o viceversa; prepararse para el invierno con la bolsa de agua caliente, una música tranquila, varias pieles tibias que me rodean el ánimo y cuando abro la ventana es verano. Algo de lo incómodo, de lo inasible, algo del orden del ridículo sería lo que busco en la pantalla. La vida es demasiado solemne, con sus cuentas a pagar, la escolarización de los niños y niñas, los cambios climáticos, los formularios que hay que llenar para cualquier cosa, las masacres y las comunidades vulneradas, las fiestas siempre en nombre de. —El cine sería entonces su filosofía de vida. —El cine es una herramienta de supervivencia, no es evasiva, es construcción de realidad. Si no mire a Hollywood y su imperio Ave César construido en nombre de la buena conciencia hétero judeocristiana capitalista bien pensante de género binaria tecnócrata burocrática discriminatoria. —El suyo es un discurso protopunk. —No, más bien postpunk; estamos rodeados de cadáveres, montañas de cuerpos olvidados por el sistema pero deseantes al fin, obligados a tributar a los estados que igualmente los olvidan. La pregunta sería: ¿nos olvidan realmente? Nos olvidan, nos obliteran de sus grandes relatos; es otra forma de memoria, más fantasmal. Más bien ponen nuestros deseos fuera de toda norma, y así construyen un mundo que parece olvidarnos, pero la operación es más grave porque en esa omisión nos recuerdan siempre como minoría, siempre como vulnerables, siempre del otro lado. —Claro, ahora entiendo, por eso le gusta Visconti, a pesar de su elegancia burguesa. —Por eso me gusta King Kong, por eso me gustan las mujeres que gustan de las mujeres, por eso veo dos películas por día, como tratamiento terapéutico frente a lo poco erótico que es el patriarcado y sus imágenes. —¿Erótico? ¿Le interesa el cine erótico? —Sí, claro. Suena antiguo porque parece un eufemismo para nombrar a la pornografía; lo fue durante mucho tiempo y, aunque también existe un cine erótico que hace de la histeria todo un arte, me interesa más la pornografía en ese sentido, ir directo a la carne sin intermediaciones, sin cortinas blancas movidas por una leve brisa. De todas formas, con ‘erótico’ me refería al cine del deseo, aunque no se trate siempre de un relato caliente; cine erótico me parece todo aquel que esté bien hecho, que funcione en su relato y que sea cine, claro, y no propaganda de poderes hegemónicos. O sea, esos relatos construidos alrededor de un violento binario, para sostener ese binario desigual y disfuncional; todo eso me parece poco erótico, sea lo que sea que pase en la pantalla. Si lo piensa bien, cine es ese que realmente puede trastocar algo de nuestra subjetividad, y ese movimiento lo encuentro profundamente erótico. —Bien. Volviendo al test vocacional, ¿cuál es, entonces, su película preferida?

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—Insisto, me gusta que cambie, que las cosas no tengan nombre por un rato. Sentir que Perlongher revive en un corte, en una secuencia,

—Bueno, bueno, que usted ni siquiera puede elegir una película como favorita. —Y no, claro que no, no soy monoteísta. No hay una, hay cientos de becerros allá afuera que solo adoraré en una sumatoria de textos audiovisuales que no hacen al canon sino al organon, que es en definitiva lo que hoy nos invoca y evoca. Un organon de principios, un corpus de saber que incluye la tradición oral, escrita, filmada, gritada, eyaculada en habitaciones, baños y cocinas, dicha en susurros entre pastizales que le hicieron de barricada al exilio, dicha en lenguas que no comprendimos hasta que fue tarde para correr ese tren, pero vinieron otros y nos subimos en camisón y en traje de seda, desnudas y abrazadas a nuestras amantes. No adoraré becerros porque el oro no me gusta, pero sí adoraré relatos que chillen algo de todo esto, que derramen lágrimas de placer, y sudor del bueno, y sangre migrante, aquella vulnerada por un concepto tan misógino como homofóbico llamado patria. Este año invoco a Chantal Akerman y a todo su dolor conjurado en el gesto final de una vida que no termina porque en la pantalla sigue el pulso a pesar de los Matten, a pesar del marketing que tiene el odio en su insistencia por la normatividad. Vuelva a su casa y piense en la cantidad de imágenes por día que lentamente le van construyendo un mundo en el que a usted ni le interesa vivir. Ah, y déjese de joder con el test vocacional… que con eso no va a llegar a nada. —Pero ¿quién es usted, entonces? ¿Tiene un color favorito, al menos? —Nadie, no soy nadie, soy una parte de su imaginación, un ubir, una sibila, una sobreviviente de la literatura romántica, una pérfida; soy lo que alguna ciencia no exacta llamaría “la sombra”, la que no se adapta a las reglas y puja por salir de esa oscuridad. Piénselo así: si las reglas fueran otras, mi luz lo encandilaría, como me pasa a mí con las lucecitas de colores en ese potrero lleno de ánimas. Entonces le propongo que dejemos de buscar la película favorita, busquémonos entre pantallas, de una sala a la otra, en un relato coral, donde más y más y más seamos incluidas entre luces y sombras, entre butacas y discusiones, entre la película que deja nuestra piel en este mundo y la que se proyecta en las pantallas de festivales que veneran narraciones épicas. Y con ‘épico’ me refiero a inclusivas: no hay épica, celebración, vida, muerte y resurrección, regeneración, democracia, política sin inclusión total de las diversas sensibilidades que ha sabido expresar la humanidad a lo largo de la larga historia. —Ah, ya sé quién es usted: una médium, una voz que evoca otras voces. —Algo así, tal vez; este año me llaman Tres. ¿Cómo estás, Trecito, esta mañana?, me pregunta Carri antes de sentarse a ver una película. Ella es la más cariñosa conmigo, debo decirle, ¡pero los otros dos, no sabe lo que son! Peña me tiene entre montañas de latas, kilómetros de fílmico y de memoria donde buscamos los detalles más microscópicos sobre los goces. Y el otro, bueno, qué decirle del otro, Trerotola es como Pandora, me hace empezar cada vez, me hace celebrar la gracia en los rincones más inesperados de nuestras costumbres. Ay, sí, podría hablarle horas de ellos tres, que me llaman a mí Tres y se deslizan en este triunvirato de voces que yo hago una que son muchas pero no todas, por eso crecemos, y la primera vez fuimos I y la segunda II y en esta somos tres. Aunque a mí más me gusta, porque soy engolado y un poco creído, Asterisco Tercero, el que inaugura el día de los muertos, del 1 al 6 de noviembre de 2016 en los mejores cines. Supongo que al menos usted no se lo va a perder. —¡Ni loco me lo pierdo! Albertina Carri Directora Artística

Imaginary dialogue —What’s your favorite film? —Meet the Feebles, one where the Muppets bleed, among many other things that happen to them. Although, no, I don’t now, I think it’s Death in Venice, or The Innocent, or Au Hasard Balthazar, okay, I don’t know, the other day I saw Amphibian Man and it’s up there with Torre Nilsson’s The Party Is Over, and Hellraiser, of course. —A diverse panorama; you’d need a vocational orientation test with those tastes. Almodóvar? —Yes, of course, his entire work, especially the trashier ones (the work, more trash) Pepi, Luci, Bom and the more clinical (the work, more clinical) The Skin I Live In. And all of the rest, but they’re not among my favorites. Out of the living great ones, I prefer Cronenberg’s Rabid, and out of the frankly and radically queer, I prefer Pasolini.

blowjob filmed by Pizarnik and Lohana blesses the film set –or studio, or rather the lot where they improvised a scenery today filled with colored lamps and one hundred and fifty variations of potatoes cooked by Lamborghini overwhelmed by the invocations he receives all the time. But there will be others and us, all of us trying on clothes that are too big for us although they save us from having to display a shaven, painless femininity. Oh yeah, did you know that tasty scabies don’t itch? Well, it itches me and I don’t like it, so anyone who wants can use the wax and put it wherever they want, and invite us for a ride on the carrousel, all sticky and hot, with or without hair, everyone should do whatever the f… —Well, well. —What do you mean, well? Are you well or am I well?

—Let’s go back to the first Jackson, before King Kong.

—Well, well, you can’t even choose one film as your favorite.

—Oh, I always cry with that one, in all of its versions, but Jackson’s drives me crazy. I’d say a perfect day would have a Peter Jackson spectacular crossed with a documentary by Ulrich Seidl, and we could end the day with the exceptional adaptation by Akerman, The Captive.

—Oh, no, of course not, I’m not a monotheist. There isn’t just one, there are hun-dreds of bull calves out there that I will only adore in a sum of audiovisual texts that don’t make up a canon but an organon –which is ultimately what invokes us and evokes us today. An organon of principles, a body of knowledge that includes oral tradition as well as written, filmed, yelled, ejaculated in rooms, bathrooms and kitchens, whispered among pastures that served as barricades for exile, spoken in languages we do not understand until it was too late to run after that train, but others came and we got on it wearing nightgowns and silk suits, naked and holding our lovers. I will not worship bull calves because I don’t like gold, but I will worship stories that screech some of this, that shed tears of pleasure and sweat, and migrant blood violated by a concept misogynistic and homophobic called fatherland. This year, I invoke Chantal Akerman and all her sorrow conjured up in the final gesture of a life that doesn’t end because the pulse continues onscreen in spite of the Matten, in spite of the marketing hate enjoys in its insistence on normativity. Go back home, and think about the amount of images that slowly build a world in which you’re not interested in living. Oh, and enough with the job orientation test… you won’t get anywhere with that.

—You like crossings and crossroads. —Crossings and crossroads, away from crosses. Above all, I like things to change. I like changes, both expected and unexpected, revolts, kisses, dressing up and putting on makeup to go to a party and later finding yourself in the bathroom, for the action to happen there, or vice versa. Getting ready for the winter with the hot water bottle, some quiet music, warm fur that surrounds my mood, and when I open the window, and it’s summer. What I look for on the screen is something awkward, impalpable, ridiculous. Life is too solemn, with bills to pay, the education of boys and girls, climate change, the forms we have to fill in for everything, the massacres and the violated communities, the holidays, which are always in the name of. —So, film would be your philosophy of life. —Film is a survival tool, it’s not evasive, it’s a construction of reality. Just look at Hollywood and its Hail Caesar empire, built in the name of hetero Judeo-Christian capitalist sanctimonious gender-binary technocratic bureaucratic discriminatory good conscience. —Yours is a proto-punk discourse. —No, it’s more post-punk, actually; we’re surrounded by corpses, mountains of bodies forgotten by the system but, in the end, they desire, they are forced to pay tribute to the states that ultimately forget them. The question would be: do they really forget about us? They forget us, they obliterate us from their great stories –it’s another form of memory, a more ghostly one. They rather leave our desires outside of every norm, and build a world that seems to forget us. But the operation here is more serious because, in that omission, they remember us as a minority, always vulnerable, always on the other side. —Sure, now I understand why you like Visconti, in spite of his bourgeois elegance. —That’s why I like King Kong, that’s why I like women who like women, that’s why I watch two films a day, as therapeutic treatment against the non-erotic nature of the patriarchy and its images. —Erotic? Do you like erotic films? —Yes, of course. It sounds old because it seems like a euphemism for pornography. It was for a very long time, and even though there is such thing as an erotic cinema that turns hysteria into art, I’m more interested in pornography in that sense, in going straight to the flesh with no intermediates, no white curtains moved by a soft breeze. In any case, when I said ‘erotic’ I was referring to the cinema of desire, even if it’s not always a hot story. I think erotic films are those that are well done, that works as a narration, and that is cinema, of course, and not propaganda of hegemonic powers. That is, those stories built around a violent binary in order to support that unequal, dysfunctional binary. All of that seems non-erotic to me, whatever it is that’s happening onscreen. If you think about it carefully, cinema is that which can really disrupt something from our subjectivity, and I find that movement deeply erotic. —Okay. Back to the job orientation test, then, what is your favorite film? I insist, I like change, I like it when things have no name for a while. I like feeling that Perlongher lives in a cut, in a sequence, that the Christian comic-book story spread in big murals around the world can be rewritten by Latin American trans-vestites as they storm a scale model of the Bastille made by Sergio Avello while Copi gives him a

—But who are you, then? Do you have a favorite color, at least? —Nobody, I am nobody, I am part of your imagination, an ubir, a sivyl, a survivor of romantic literature, a traitor. I am what some non-exact science would call “the shadow,” I am one who doesn’t adapt to rules and strives to come out of that darkness. Think of it this way: if the rules were different, my light would blind you, as I am blinded myself by the small colored lights in that vacant lot full of souls. So I propose we quit searching for my favorite film, let’s look between screens, from one theater to another in a collective story where more and more and more of us are included among lights and shadows, among seats and discussions, among the film our skin leaves in this world and the one projected on the screens of festivals that worship epic narrations. And with ‘epic’ I mean inclusive: there’s no epic, no celebration, no life, no death and resurrection, no regeneration, no democracy, or no politics without the absolute inclusion of the diverse sensibilities humanity has expressed throughout its long history. —Oh, I know who you are: a medium, a voice evoking other voices. —Something like that, maybe. This year, they call me Three. How are you, Little Three, this morning?, asks Carri before she sits down to watch a film. She’s the most affectionate with me, I must tell you, but the other two, you have no idea! Peña has me between mountains of cans, kilometers of film stock and memory, where we search for the most microscopic details about pleasure. And the other one, well, what can I tell you about the other one? Trerotola is like Pandore, he makes me start over every time, he makes me celebrate humor in the most unexpected corners of our customs. Oh, yes, I could go on for hours about those three, who call me Three and slide in this triumvirate of voices that I turn into one that is actually many but not all of them. That’s why we grow up, and the first time we were I, and the second time we were II, and now we’re Three. Although my favorite, because I’m petulant and a bit vain, is Asterisco The Third, which starts on the Day of the Dead, from November 1 to 6, 2016 in top theaters. I guess you, at least, are not going to miss it. —I wouldn’t miss it for the world! AC Artistic Director

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AUTORIDADES Presidente de la Nación Ing. Mauricio Macri

Subsecretaria de Promoción de Derechos Humanos Lic. Marisa Nasimoff Frescó

Ministro de Justicia y Derechos Humanos Dr. Germán Carlos Garavano

Director General de Políticas Integrales de Diversidad Sexual Dr. Diego Borisonik

Secretario de Derechos Humanos Lic. Claudio Bernardo Avruj

AUTORIDADES incaa Presidente Dr. Alejandro Alberto Cacetta

Jefe de Gabinete Sr. Sergio Bartolucci

Gerente de Relaciones Institucionales Rómulo Pullol

Vicepresidente Lic. Ralph Haiek

Gerente General Lic. Pablo G. Galli

Coordinador de Festivales Nacionales Hernán De Zan

STAFF Dirección Artística Albertina Carri Programación Albertina Carri Fernando Martín Peña Diego Trerotola Producción General Violeta Uman Producción Administrativa Fernanda Giménez Coordinación de Producción Eugenia Campos Guevara Coordinación de Programación Leandro Listorti

Coordinación de Salas y Actividades Especiales Cecilia Pisano

Coordinación Técnica General Carolina Rolandi

Coordinación de voluntarios Juan Facundo Ayerbe

Jefe Técnico Lucas Iaccarino

Acreditaciones y asistencia de producción Victoria Posse Invitados Tasio Rossi Christian Jankowski Curaduría Muestra Bram Belloni Sebastián Freire Programadora Invitada Marina Yuszczuk Diseño Gráfico Alejandro Ros

Catálogo y Guía de Programación Editores Agustín Mango Sol Santoro D’Stefano

Asistencia Técnica Elisa Bosch

Diseño Editorial Alejandro Ros Cecilia Loidi

Asistencia de Sonido Arián Frank

Corrección Micaela Berguer

Asistencia de Producción Julián Tagle

Traducción Juan Pablo Martínez

Tránsito de Copias Luciana Schnir

Prensa Luciana Zylberberg

Subtitulado Copia Cero

Comunicación Digital Manuela Anastasia Corto de Apertura Martín Rejtman María Alché Ezequiel Yanco

Asistencia Silvia Canosa

15

agradecimientos Adolfo Agopian

Gabriel Guralnik

Mariana Enríquez

Alan Otto Prieto

Gerardo Naumann

Marta Nieto Postigo

Alejandro Ricagno

Gerjo Pérez Meliá

Martín Alomar

Alejandro Ros

Goyo Anchou

Martín Kaufmann

Andrew Murphy

Guillermo Badino

Martín Rejtman

Biblioteca ENERC

Héctor Barreiro

Mateo Bendesky

Black Pearls

Jorgelina De Simone

Matías Mateo

Camilo Juárez

Juan Ignacio Marasco

Mel Rico

Cecilia Fanti

Juan Tauil

Nahuel Pérez Biscayart

Celsa Mel Gowland

Julia Huberman

Nicolás Cuello

Colectivo Antroposex

Julieta Koop

Omara Barra

Dani Umpi

Karen Bennet

Pablo Medina

Daniel Gigena

Lara Manguel

Paula Felix-Didier

Daniel Link

Laura Ramos

Roger Koza

Emiliano Cifarelli

Liliana Viola

Romina Paula

Enrique Avogadro

Lisa Kerner

Rosario Castelli

Ernesto Meccia

Magdalena Ayerra

Santiago Hilara

Esteban Paulon

Magdalena De Santo

Silvina Messina

Estudio Mango

Marco Berger

Víctor Bracuto

Ezequiel Yanco

María Alché

Victoria Posse

Spot Asterisco III

Attention! Black Pearls: Federico Fernández / Rodrigo Solabarrieta / Eduardo Ortiz / Alex Bilanetti D: Martín Rejtman, María Alché, Ezequiel Yanco E: Eugenia Campos Guevara

17

índice / index

23

COMPETENCIAS / Competitions

24

Jurados / Juries

27

Competencia de largometrajes argentinos / Argentine Feature Films Competition

37

Competencia de cortometrajes / Short Films Competition

45

LA PIEL QUE HABITO / The Skin I Live In

46

Largometrajes / Feature Films

65

Cortometrajes / Short Films

75

Foco Andrea Weiss + Greta Schiller / Focus Andrea Weiss + Greta Schiller

83

Foco Canadá / Focus Canada

89

Foco Chris Belloni / Focus Chris Belloni

93

Foco Dew Kim & Luciano Zubillaga / Focus Dew Kim & Luciano Zubillaga

97

Monstruos homoeróticos / Homoerotic Monsters

105

CUENTA CONMIGO / Stand by Me

115

CROSS

123

GLAM SOVIÉTICO / SOVIET GLAM

129

PIONEROS QUEER / QUEER PIONEeRS

137

SUBURBANIA

143

TRASHNOCHES MUSICALES / Musical Trash Nights

149

FUNCIONES ESPECIALES / special screenings

153

ACTIVIDADES ESPECIALES / special ACTIVITIES

157

Índice por película / Index by Film

158

Índice por país / Index by Country

159

Índice por director / Index by Director

Abreviaturas / Abbreviations D: Dirección / Director

S: Sonido / Sound

I: Intérpretes / Cast

G: Guion / Scriptwriter

M: Música / Music

CD: Codirección / Co-Director

F: Fotografía

P: Producción / Producer

HD: Alta Definición / High Definition

Cinematography

PE: Producción ejecutiva

DCP: Paquete de Cine Digital

E: Edición / Editing

Executive Production

Digital Cinema Package

DA: Dirección de arte

CP: Compañía productora

DM: Archivo Digital

Production Design

Production Company

Digital Media 19

salas / cinemas Centro Cultural Recoleta - Microcine

Junín 1930 Centro Cultural Rector Ricardo Rojas - Sala 13

Av. Corrientes 2038 Cine Cosmos

Av. Corrientes 2046 Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica

Moreno 1199 Espacio INCAA Km 0 Gaumont - Sala 2

Av. Rivadavia 1635 Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

Av. Presidente Figueroa Alcorta 3415

sedes / venues Alianza Francesa de Buenos Aires

Av. Córdoba 946 Casa Brandon

Luis María Drago 236 Casa Central de la Cultura Popular

Av. Iriarte 3500 Galería HACHE

Loyola 32 Universidad del Cine

Pasaje J. M. Giuffra 330

21

competencias Competitions

competitionS

jurados - competencia de largometrajes juries - feature films competition

A l a n Pa uls

Andre a W e i s s

Chris Belloni

Nació en Buenos Aires en 1959. Se licenció en Letras y fue docente de Teoría Literaria en la Universidad de Buenos Aires. A fines de los 80 trabajó como columnista de cine y literatura en programas como Cable a tierra y Badía & Cía. Su primera novela, El pudor del pornógrafo, fue publicada en 1984, y la siguieron títulos como Wasabi e Historia del llanto. Su novela El pasado, ganadora del Premio Herralde en 2003, fue adaptada al cine por Héctor Babenco. También fue guionista de películas como Los enemigos (1983), Sinfín (1986) y Vidas privadas (2001), y trabajó como periodista en el suplemento cultural de Página/12 y como subeditor del suplemento Radar. Fundó la revista Lecturas críticas, una publicación de investigación y teoría literaria.

Es directora de documentales y autora de libros de no ficción. Muchas de sus películas fueron estrenadas con una gran repercusión en los festivales de cine de Rotterdam y Berlín. Algunos de los títulos en los que ha trabajado son Recall Florida, I Live at Ground Zero, Seed of Sarah, Paris Was a Woman, A Bit of Scarlet, Before Stonewall, Tiny & Ruby: Hell Divin’ Women e International Sweethearts of Rhythm, esta última estrenada en el Festival de Cine de Nueva York. Es profesora de Cine y Video en el City College de Nueva York, tiene un doctorado en Historia de la Universidad de Rutgers y recientemente ha recibido el premio académico Fulbright. Esta edición del Festival Asterisco, donde presentará un adelanto exclusivo de su trabajo sobre memoria histórica en España, le dedica una retrospectiva de sus trabajos como directora y productora.

Nacido en 1980, es un cineasta documental, productor y director del Festival Internacional de Cine Queer y Migrante de Ámsterdam, que él mismo inició en el año 2015. Su primera película, I Am Gay and Muslim, se proyectó en más de 65 festivales en todo el mundo. También produjo Unknown Unloved (2015), The Decision (2014) y The Turkish Boat (2013), que también dirigió. En 2015 fue miembro del jurado de la sección documental del TLV Fest y el International LGBT Film Festival Roze Filmdagen en Ámsterdam. También ha sido curador de programas relacionados con lo queer y los inmigrantes en distintos festivales en Pakistán, Grecia y Dinamarca. Este año organizará una edición de IQFM en Surinam, y su próximo proyecto como director será Interviews with Pink Police (2017). Este año, Asterisco programa un foco con una selección de sus trabajos como director y productor.

She is a documentary director and author of nonfiction books. Many of her films premiered to great reception at the Rotterdam and Berlin Film Festivals. Some of the titles she has worked in are Recall Florida, I Live at Ground Zero, Seed of Sarah, Paris Was a Woman, A Bit of Scarlet, Before Stonewall, Tiny & Ruby: Hell Divin’ Women and International Sweethearts of Rhythm, the latter of which premiered at the New York Film Festival. She teaches Film and Video at New York’s City College, has a doctorate in History form the Rutgers University and has recently received the Fulbright academic award. This edition of Asterisco Festival, where she will premiere an exclusive preview of her work on Spain’s historical memory, dedicates a retrospective to her work as a director and producer.

Born in 1980, he is a documentary filmmaker, producer and director of the International Queer & Migrant Film Festival Amsterdam, which he initiated in 2015. His debut film I Am Gay and Muslim screened at more than 65 film festivals worldwide. He also produced Unknown Unloved (2015), The Decision (2014), and The Turkish Boat (2013), which he also directed. In 2015 he was a jury member of the documentary section at TLV Fest and the International LGBT Film Festival Roze Filmdagen Amsterdam. He has curated queer and migrant related programs at several film festivals, in Pakistan, Greece and Denmark. In 2016, he will organize an edition of IQFM in Surinam, and his next directorial project is Interviews with Pink Police (2017). This year, Asterisco is programming a focus with a selection of his work as a producer and director.

Born in Buenos Aires in 1959. He majored in Literature and taught Literary Theory at the University of Buenos Aires. In the late ‘80s, he worked as a film and literature columnist in TV shows like Cable a tierra and Badía & Cía. His first novel, The Shame of the Pornographer, was published in 1984, and was followed by titles like Wasabi and Historia del llanto. His novel The Past, winner of the Herralde Award in 2003, was adapted to film by Héctor Babenco. He also wrote films like Los enemigos (1983), Sinfín (1986) and Private Lives (2001), and did journalism work in the cultural supplement of the Página/12 newspaper and as subeditor of the Radar supplement. He founded the magazine Lecturas críticas, a publication of literary research and theory.

PREMIO COMPETENCIA DE CORTOMETRAJES Premio al Mejor Cortometraje: Premio I-Sat de AR$ 5000 a cambio de los derechos de exhibición.

PREMIO COMPETENCIA DE LARGOMETRAJES ARGENTINOS Premio al Mejor Largometraje: La película ganadora obtendrá una proyección en el marco de la próxima edición de Ventana Sur

(las 8 películas en competencia estarán incluidas en la videolibrería de VS). La película del director que resulte ganador tendrá un premio de posproducción otorgado por: Copia Cero: 1 (un) servicio de traducción y subtitulado que incluye traducción del texto y diálogos completos del proyecto al inglés, sincronización de subtítulos y entrega final en formato .srt. Lahaye: Transfer de material, conformado online 4K, sala de corrección de color 4K Scratch / DAVINCI, generación de títulos de inicio, generación de rodante final, exportado final ProRes XQ 4444 a 4K + DPX 2K + ProRes 422 HD. Ñandú: 1 (una) semana de mezcla para DCP 5.1.

Ariel Borens tein ( Lës t er) Es un compositor de solo 22 años. Totalmente autodidacta, comenzó a hacer música electrónica hace diez años, e inició el proyecto Lëster en 2009. Luego de haber pasado dos años en la escuela de arte, donde trabajó mayormente con imagen digital y video, inventó un universo compuesto por música e imágenes. Actualmente trabaja con el VJ Pabloïd. Desde hace tres años ofrece conciertos en vivo en distintos clubes de París y Bruselas. Hoy en día es considerado parte de la escena “Internet Wave” en Francia. He is a young 22-year-old composer. Totally self-taught, he began to make electronic music 10 years ago, and started the Lëster project en 2009. After two years at an art school, where he mainly worked on digital image and video, he created a complete universe that includes music and images. He is currently working with VJ Pabloïd. For the past three years, he’s been performing live concerts at different clubs in Paris and Brussels. He is regarded as a member of the French “Internet Wave” scene.

Ma nu e la Ma rt e l l i

Q u e r e l l e D e lage

Debutó como actriz a los 18 años en la película B-Happy, de Gonzalo Justiniano. Desde entonces ha participado en catorce largometrajes producidos en Chile, Argentina, Bolivia, Italia, Alemania y España. En 2013 fue reconocida por el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva con el Colón del Oro a la Mejor Actriz por su trabajo en Il futuro, de Alicia Scherson. Además participó en las películas argentinas Como un avión estrellado, de Ezequiel Acuña, y Dos disparos, de Martín Rejtman. Realizó un Máster en Realización Cinematográfica en la Universidad Temple de Filadelfia, Estados Unidos, y actualmente prepara su primer largometraje, Mil novecientos setenta y seis, producido por Dominga Sotomayor.

Nació en la ciudad de Santa Fe, Argentina, bajo el signo de Virgo. Es actriz, cantante, conductora radial, crítica de cine, activista transensual y ex tenista. Cursó estudios sobre cine, teatro y periodismo, y colaboró en distintos medios de comunicación. En cine y televisión fue dirigida por Fernando Birri, Luis Ortega, Mad Crampi y Fernando Díaz, entre otrxs.

She made her acting debut at 18 with Gonzalo Justiniano’s film B-Happy. Since then, she has worked in fourteen features produced in Chile, Argentina, Bolivia, Italy, Germany and Spain. In 2013, she won the Golden Colón for Best Actress at the Huelva Film Festival for her work in Alicia Scherson’s Il futuro. She also appeared in the Argentine films Like a Crashed Plane, directed by Ezequiel Acuña, and Two Shots Fired, directed by Martín Rejtman. She got a Master’s degree in Filmmaking at Philadelphia’s Temple University, and is currently developing her first feature, Mil novecientos setenta y seis, produced by Dominga Sotomayor.

She was born in the city of Santa Fe, Argentine, under Virgo. She is an actress, singer, radio hostess, film critic, transensual artist, and former tennis player. She studied film, theater and journalism, and contributed as a writer for several media outlets. In film and television, she was directed by Fernando Birri, Luis Ortega, Mad Crampi, and Fernando Díaz, among others.

SHORT FILM COMPETITION AWARDS Best Short Film Award: An AR$ 5000 award from I-Sat in exchange for exhibition rights.

ARGENTINE FEATURE-FILM COMPETITION Best Feature Award: The winning film will be screened at the next edition of Ventana Sur

(the 8 films in competition are included in the VS video library). The film from the winning director will also have a post-production award provided by: Copia Cero: 1 (one) translation and subtitle service that includes translation of the complete text and dialogue of the process to English, subtitle synchronization and final delivery in .srt format. Lahaye: Transfer of material, 4K online conform, 4K color correction room, Scratch / DAVINCI, generation of opening titles, generation of rolling credits, final export in ProRes XQ 4444 a 4K + DPX 2K + ProRes 422 HD. Ñandú: 1 (one) week of 5.1 DCP mix.

competenciaS

jurados - competencia de cortometrajes juries - short films competition

competencias Competitions

Competencia de largometrajes argentinos Argentine Feature Films Competition

competitions Argentine Feature Films Competition

Colmena Hive Argentina / Colombia / Venezuela / Ecuador / Paraguay, 2015 63’ / Color Español - Spanish

“Qué son/ estas cosas que siento./ Soy yo, alguien que llevo dentro/ me está pidiendo/ que no me quede quieto mientras crezco”. Así dice la canción de Jaime Sin Tierra que suena mientras Nachi fuma un cigarrillo con las luces de la ciudad al fondo, y ese quizás sea el único momento en que Colmena, que la tiene como protagonista, se detiene. Son solo un par de minutos en una película que no para de moverse entre conversaciones, las de Nachi con Nina, la chica que la deslumbró una noche, y las de cada una de ellas con novios, amigos, padres, que le sirven a Majo Staffolani para ir desplegando el mundo de cada una de las dos (una aspirante a actriz con mamá que toma felicidad en pastillas y papá que aprieta a la sirvienta, una laburante de Misiones que conversa en la cocina de una pizzería sobre lo sucios que están los repasadores). En coproducción con José Celestino Campusano, Colmena se toma sesenta minutos para contar una historia de amor con barreras –las de la clase, las de las normativas de género– que se van abriendo con gracia, impulsadas por la fuerza de dos actrices (Flor Bobadilla Oliva y Lara Crespo) que por separado son poderosas, magnéticas, y juntas lo son más todavía. Marina Yuszczuk “What are/ these things that I’m feeling./ It’s me, someone I carry inside/ is asking me/ not to remain still while I grow up.” These are some of the words to the song by Jaime Sin Tierra we can hear while main character Nachi is smoking a cigarette with the city lights in the background –that may be the only moment in which Colmena stops. It’s only a couple of minutes in a film that won’t stop moving through conversations, between Nachi and Nina –the girl who dazzled her one night– and between each of them and their boyfriends, friends, and parents, which Majo Staffolani uses to show us each of their worlds (one of them is an aspiring actress whose mom who takes joy in the form of pills, and a dad who makes out with the maid, a working woman from the province of Misiones who chats about dirty dishcloths in the kitchen of a pizzeria). Co-produced with José Celestino Campusano, Colmena takes sixty minutes to tell a love story with barriers –those of class, those of gender rules– that start opening gracefully, propelled by the strength of two actresses (Flor Bobadilla Olive and Lara Crespo) who are powerful and magnetic on their own, but a lot more so when they’re together.

D, G: Majo Staffolani F: Sebastián Sorín E: Majo Staffolani, Federico Jacobi DA: Antonela Schmid, Micol Metzner S: Alud (Arte Sonoro) M: Jaime Sin Tierra, La Negrah Liyah, Majo Staffolani, Blasto Fluss P: Majo Staffolani, Joaquín Villafane, Alan Hernán Ramírez, Cristina Guzmán, Tomás Pérez Hoffer PE: José Celestino Campusano, Vivo Siendo Cine, Majo Staffolani CP: Vivo Siendo Cine I: Lara Crespo, Florencia Bobadilla Oliva, Adrián Santander, Mathias Percat, Carlo Argento, Daniel Quaranta, Fernanda Bodelon, Josefina Pitelli Contacto / Contact Vivo Siendo Cine / Cluster Audiovisual de la Provincia de Buenos Aires / Estudio Chroma Ruta 2 / Alud (Arte Sonoro) Majo Staffolani / José Celestino Campusano +54 9 11 6057 2109 +54 9 11 6527 5208 [email protected] [email protected] facebook.com/cabuenosaires

Majo Staffolani Nació en Eldorado, Misiones, en 1990. Es guionista, productora y directora de cine independiente y comunitario, y trabajó en los largos Ahí viene (Federico Jacobi, 2015) y El sacrificio de Nehuén Puyelli (José Celestino Campusano, 2015), entre otros. Colmena es su ópera prima.

MY She was born in Eldorado, Misiones, in 1990. She is an independent and communal film producer and director, who worked in the features Ahí viene (Federico Jacobi, 2015) and El sacrificio de Nehuén Puyelli (José Celestino Campusano, 2015), among others. Hive is her first feature. 28

Argentina, 2016 70’ / Color Español / Italiano - Spanish / Italian D, E: Fredo Landaveri, Mariano Toledo G, PE: Fredo Landaveri, Mariano Toledo, Ivana Brozzi F: Mariano Toledo S: Ivana Brozzi, Andrés Marks, Jerónimo Kohn, Juan Caille, Begoña Cortazar P: Fredo Landaveri, Mariano Toledo, Ivana Brozzi, Agustina Santiago CP: Vaca Ninja I: Guido Botto Fiora, Lucas Escariz, Jonatan Ciarrocca, Juan Chapur, Boris Rivas

Un chico. Un lugar. Una disco. Otro chico. Música. Un disco. Dos discos. Muchas canciones. La persecución del amor en los tiempos que corren, veloces a nuestro alrededor. David descubre el rostro de Lucio en una multitud y se embarca en su búsqueda. Pero Lucio cambia, como todos, y es difícil seguirle el rastro. Un día tiene la cara de un chico, y a la noche la de otro. Un monólogo interior plagado de referencias musicales sirve como guía a través de escenarios que podrían pertenecer a una película de ciencia ficción (como un paisaje desértico), a una de terror o a un videoclip. Porque el montaje vertiginoso de imágenes y sonidos atraviesa toda esta narración en la que las distancias son aniquiladas: como la que separa al protagonista de su evasivo objeto de deseo, o esa que aleja a David de su mejor amiga, que vive en Italia. Pero todos están unidos de alguna manera, en esta historia de amor moderno y brillante que resplandece por la purpurina, por las luces de neón de las fiestas y por el sol del desierto que encandila pero no enceguece. Leandro Listorti A boy. A place. A disco. Another boy. Music. A record. Two records. Lots of songs. Pursuing love in this day and age. David discovers Lucio’s face in a crowd and embarks on a quest. But Lucio changes, as we all do, and it’s hard to keep track of him. One day he has the face of a boy, and at night, that of another. An internal monologue plagued with musical references serves as a guide through sceneries that could belong in a science fiction film (like a desert landscape), a horror movie, or a music video. Because the vertiginous editing of images and sounds is constantly there in this narration where distances are eliminated, including the one that separates the protagonist from his elusive object of desire, or the one that draws David away from his best friend living in Italy. But they are all united in some way in this modern love story that glows in the glitter, in the neon lights of parties, and in the desert sun, which dazzles without blinding you. LL

Contacto / Contact Kino Bureau Juan Facchini / Rita Falcón +54 11 4788 5006 [email protected] kinobureau.com

Fredo Landaveri & Mariano Toledo

competencias Competencia de largometrajes argentinos

Disco Limbo

Mariano Toledo trabaja como director de fotografía y colorista en televisión y cine, y Fredo Landaveri es director de videos musicales y montajista. Ambos nacieron en 1987 y se conocieron mientras estudiaban Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires. Desde entonces, han trabajado juntos realizando videoclips para artistas como Dani Umpi, Los Sultanes y Wendy Sulca. Disco Limbo es su primer largometraje. Mariano Toledo works as cinematographer and colorist for film and TV, and Fredo Landaveri is a music video director and editor. Both of them were born in 1987 and met each other while studying Image and Sound Design at the University of Buenos Aires. Since then, they have worked together making music videos for artists like Dani Umpi, Los Sultanes and Wendy Sulca. Disco Limbo is their first feature. 29

competitions Argentine Feature Films Competition

El color de un invierno A Winter’s Color Argentina, 2015 64’ / Color Español - Spanish D, G: Cecilia Valenzuela Gioia F: Nicolás Acuña Samson E: Ignacio Gasparini DA: Carolina Benegas S: Julián Grosso M: SUPERLUZ, Félix San Martín P: Leonardo Pérez PE: Candelaria Antar García CP: Makua Cinema I: Cecilia Valenzuela Gioia, Mercedes Burgos, Gonzalo Romero

Lucía tiene 21 años y parece estar en un estado de fragilidad constante. Rodeada de amigos y familia que hacen lo que pueden para contenerla, se está recuperando de una serie de ataques de pánico y ansiedad que sufrió recientemente. Una noche de invierno, en un boliche de su Salta natal, lo que parece ser un encuentro fugaz e irrelevante se convertirá con el tiempo en mucho más. Olivia la ayudará no solo a liberarse de los traumas y obstáculos que arrastra del pasado, sino básicamente a ver las cosas desde una nueva perspectiva. Con una inteligente utilización de recursos mínimos para su producción, El color de un invierno corre riesgos al hacer hablar y actuar a sus protagonistas en situaciones cotidianas y escenarios diferentes, más allá de los formatos o las clasificaciones de cine barrial, independiente o del interior. El film fue declarado de Interés Cultural en Salta por tratarse de la primera película de género lgbtiq realizada íntegramente en esa provincia. Leandro Listorti Lucía is 21 and seems to be in a constant state of fragility. Surrounded by her friends and family –who do all they can in order to show support– she is recovering from a series of panic and anxiety attacks she has suffered recently. One winter night, at a nightclub in her native Salta, what seems like a fleeting, irrelevant encounter will end up being a lot more. Olivia will not only help her free herself from traumas and obstacles from the past, but basically teach her how to see things from an entirely new perspective. With an intelligent use of its minimum production resources, A Winter’s Color assumes challenges when making its characters talk and act in everyday situations and different sceneries beyond formats and classifications of local, independent or provincial cinema. The film was declared of Cultural Interest in Salta for being the first lgbtiq film made entirely in that province. LL

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Contacto / Contact Makua Cinema Leonardo Pérez +54 0351 152609759 +54 0351 4698391 [email protected] [email protected] facebook.com/elcolordeuninvierno facebook.com/makuacinema

Cecilia Valenzuela Gioia Nació en Tartagal, Salta, en 1992. Estudió Cine y Televisión en la Universidad Nacional de Córdoba, donde obtuvo el título de técnica productora en medios audiovisuales. Además de varios cortometrajes, escribió, dirigió y protagonizó El color de un invierno, su primer largometraje. She was born in Tartagal, Salta, in 1992. She studied Film and TV at the University of Cordoba, where she majored in Audiovisual Production. She directed several short films, and wrote, directed, and starred in A Winter’s Colour, her first feature-length film.

The Unforgettable Fag: The Life of Carlos Jáuregui Argentina, 2016 84’ / Color Español - Spanish D: Lucas Santa Ana G: Gustavo Pecoraro, Lucas Santa Ana F: Pablo Galarza E: Martín Senderowicz, Lucas Santa Ana S: Mariano Fernández M: Karen Bennett P, CP: Alberto Masliah, Lucas Santa Ana, Sombracine PE: Alberto Masliah I: Gustavo Pecoraro, llse Fuskova, César Cigliutti, Marcelo Ferreyra, Alejandro Modarelli

Documental biográfico sobre el más reconocido de los activistas por los derechos lgbt. Amigo, amante, luchador, ícono, un inspirador de masas, héroe. Su vida y su valor cambiaron la historia de muchos, de un país y su legislación. Carlos Jáuregui fue el primer activista gay argentino en salir en la portada de una revista dispuesto a luchar por sus derechos y por los de los demás. Como presidente de la Comunidad Homosexual Argentina, luchó por la visibilidad de los gays y lesbianas en materia de derechos humanos. A través de su organización Gays por los Derechos Civiles, sentó las bases del diálogo y abrió el camino a la antidiscriminación hacia la comunidad homosexual. Fue uno de los impulsores de la primera Marcha del Orgullo lgbtiq en Argentina; sacó a los gays discriminados a la calle y los hizo más visibles que nunca. Su lucha personal contra el VIH la perdió días antes de que se reformara la Constitución de la Ciudad de Buenos Aires y se incorporara la orientación sexual como factor antidiscriminatorio. A biographical documentary about the most famous activist for lgbt rights. A friend, a lover, a fighter, an icon, an inspiration to masses, and a hero. His life and courage changed history of so many people, as well as the one of the country and its legislation. Carlos Jáuregui was the first Argentine gay activist who appeared on the cover of a magazine willing to fight for his rights and the rights of others. As president of the Argentine Homosexual Community, he fought for the visibility of gays and lesbians and their human rights. Through his organization Gays for Civil Rights, he laid the foundations of dialogue and opened the path to antidiscrimination of the homosexual community. He was one of the promoters of the first lgbtiq Pride Parade in Argentina: he took discriminated gays out to the streets and made them more visible than ever. He lost his personal struggle against HIV just days before the Constitution of the City of Buenos Aires was reformed to include sexual orientation as an anti-discriminatory factor.

Contacto / Contact Sombracine Alberto Masliah +54 11 4430 1481 [email protected] sombracine.com

Lucas Santa Ana

competencias Competencia de largometrajes argentinos

El puto inolvidable. Vida de Carlos Jáuregui

Egresado de la ENERC, estudió Dramaturgia y Actuación, y participó del Talent Campus BA en 2005. Escribió y dirigió varios cortos, incluido Vida nueva (2013, Premio del Público en Libercine 2009), y obras de teatro. Su primera ficción, Como una novia sin sexo, se exhibe en la sección Cuenta Conmigo de Asterisco 2016. An ENERC graduate, he has studied playwriting and acting, and participated in the the BA Talent Campus in 2005. He wrote and directed various shorts, including Vida nueva (2013, Audience Award at Libercine 2009), as well as theater plays. His first fiction, Bromance, is screening in the Stand By Me section of Asterisco 2016.

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competitions Argentine Feature Films Competition

Esteros Marshes Argentina / Brasil Argentina / Brazil, 2016 87’ / Color Español / Portugués Spanish / Portuguese

“¿Dogville o los esteros del Iberá?”, parece susurrar el film de Papu Curotto, que comienza en los noventa neoliberales, plena época de privatizaciones. Jerónimo y Matías son amigos, van al carnaval, se echan espuma en el cuerpo, bailan, se tiran al barro, se desnudan en la laguna, hasta se provocan angustia cuando uno se hace el muerto y el otro sufre. El que sufre es el que se quedará en los esteros, y devendrá abiertamente homosexual, seguirá su sueño y estudiará algo inútil en la ciudad donde vive. El que se hizo el muerto se irá de los esteros, cambiará de país y de lengua, y seguirá los mandatos de normalidad que su padre impone inclinando su cabeza. En ese gesto del padre, en la sutil sonrisa torcida de ese patriarca, radica todo el miedo a la vida de su hijo. En esa inclinación está la muerte. El hijo se va de los esteros a los once y vuelve muerto, con una vida ideal, empleado y casado pero sin una pizca de brillo en la mirada. Curotto susurra con una cámara precisa, una puesta en escena levemente ensoñada y unos pocos, sobrios pero no solemnes diálogos. Un romanticismo posible y golpeado por los cínicos mandatos de una heterosexualidad obligatoria, por el capitalismo exitista y competitivo pero resistente en su amorosa forma de ver el mundo, de habitar esos esteros como refugio a lo Tom Sawyer y Huck Finn, pero también como comienzo de un mundo más alegre, más gozoso y más humano. Personalmente, elijo los esteros del Iberá. Albertina Carri “Dogville or the Ibera swamps?” That is what Papu Curotto’s film seems to whisper to us as it starts off in the neoliberal Nineties, the peak of privatizations. Jerónimo and Matías are friends, they go to the carnival, spray foam on their bodies, dance, throw themselves in the mud, get naked in the lagoon, and even cause each other pain when one plays dead and the other suffers. The one who suffers will stay in the swamps and become openly gay; he will follow his dream and study something useless in the city where he lives. The one who played dead will leave the swamps, change his country and language, and follow the normality mandate his father imposes with a nod of his head. That gesture of the father, his subtle crooked smile, holds his son’s entire fear to live. That nod is death. The son leaves the swamps at the age of eleven and returns as a living dead with an ideal life, married and employed –but without the least bit of light in his eyes. Curotto whispers with a precise camera, a slightly dreamy setting, and a few sober and natural dialogues. It’s romanticism, possible and bashed by the cynical mandate of mandatory heterosexuality and the success-driven, competitive capitalism. Yet it’s also resistant in its loving view of the world and the way it lives in those swamps as a Tom Sawyer and Huck Finn-like refuge, and as the beginning of happier, more joyful, and more human world. Personally, I choose the Iberá swamps. AC

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D: Papu Curotto G: Andi Nachón F: Eric Elizondo E: Luz López Mañé DA: Augusto Latorraca S: Marcos Zoppi, Emiliano Biaiñ M: Leo García, Rudi y Nini Flores P, PE: Santiago Podestá CP: Hain Cine, Mulata Films, Latina Estudio I: Ignacio Rogers, Esteban Masturini, Joaquín Parada, Blas Finardi Niz, Renata Calmon, María Merlino, Marcelo Subiotto, Mariana Martínez, Pablo Cura, Felipe Tito Contacto / Contact Hain Cine Santiago Podestá +54 9 11 5470 7765 [email protected] [email protected] haincine.com

Gerardo ‘Papu’ Curotto Egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA, dirigió el corto Matías y Jerónimo (2014), que participó en Asterisco 2015 y en los festivales La Mujer y el Cine, Bafici, Shorts México y Budapest Pride. Esteros, proyecto ganador del Premio Raymundo Gleyzer en 2012, ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio del Público en el Festival de Cinema de Gramado. An Image and Sound Design major from UBA, he directed the short Matías y Jerónimo (2014), which was screened at Asterisco 2015 as well as La Mujer y el Cine, Bafici, Shorts México and Budapest Pride festivals. Esteros, a project that won the Raymundo Gleyzer Award in 2012, won the Special Jury Prize and the Audience Award at the Gramado Film Festival.

The Night Argentina, 2016 135’ / Color Español - Spanish D, G: Edgardo Castro F: Soledad Rodríguez E: Miguel de Zuviría S: Gabriel Barredo, Guillermo Lombardi, Juan Martín Jimena P: Florencia de Mugica, Edgardo Castro, Agustín Torre PE: Florencia de Mugica, Edgardo Castro CP: Bomba Cine, El Pampero Cine I: Dolores Guadalupe Olivares, Edgardo Castro, Federico Figari, Paula Ituriza, Willy Prociuk

Castro nos somete a un recorrido por tugurios lúgubres con personajes que arrastran al protagonista del film, y a l*s espectador*s, hacia un ánimo desbastado. La promesa de sexo, drogas y más cumbia que rock ‘n’ roll se cumple con todo el peso de los amaneceres desvelados y solitarios, de los cuerpos vulnerables a la espera de una compañía. Con el peso de las uñas largas y el pelo teñido y unos pedazos de pizza fría que parece hecha con los desechos anímicos de l*s protagonistas de esta larga noche sin pausa. Lo que empieza siendo una película con imágenes muy explícitas se convierte en un viaje de drogas que nos hunde en la butaca y nos hace reclamar un poco de amor para est*s personajes desamparados. Y tal vez lo más radical no sea lo que muestra sino todo lo que no se dice, porque la pregunta que dispara esa noche reventada es: ¿por qué tanta soledad?, ¿qué es lo que les duele tanto? Castro responde distraídamente y nos devuelve la pregunta cuando, en medio de tantas noches de cocaína, pijas, alcohol, meadas y un instinto de muerte más común de lo que creemos, se pasa un buen rato comprando una camisa y pidiéndole a su compañera travesti que lo ayude a sentirse cómodo y bello aunque viva en un mundo que poco o nada sabe de sus goces. Porque esa ciudad solidificada en costumbres bien pensantes sobre el sexo y el placer deja a est*s protagonistas llenos de toda soledad, y en ese encuentro silencioso que algun*s califican de tierno se guarda toda la tragedia que las palabras “desviado”, “promiscua”, “exhibicionista” traen en la caja de pizza fría y en el tomate abandonado que la acompaña agónico. Albertina Carri Castro subjects us to a tour through somber slums with characters who drag the both film’s protagonist and spectators into a roughed mood. The promise of sex, drugs, and more cumbia than rock ‘n’ roll delivers with the entire force of wakeful and lonely mornings and vulnerable bodies looking for company. With the weight of long fingernails and dyed hair and cold slices of a pizza seemingly made of mood wastes of the protagonists of this long restless night. What begins as a film with very graphic images turns into a journey of drugs that sinks us in our seats and makes us demand some love for these hopeless characters. And maybe what is most radical is not what it shows, but the things it doesn’t say, because the question triggered by these decadent night is: “why all that loneliness?”, why do they have so much pain? Castro gives a distracted response and throws the question back to us when, amidst all those nights of coke, cock, booze, piss, and a death instinct more common than we know, he spends quite a while trying to buy a shirt and asking his transvestite partner to help him feel comfortable and beautiful even if he lives in world that knows nothing about the way he enjoys things.

Contacto / Contact Bomba Cine Florencia de Mugica +54 9 11 5053 5821 [email protected] [email protected] bombacine.flavors.me

Egdardo Castro

competencias Competencia de largometrajes argentinos

La noche

Nació en Buenos Aires en 1970. Es director, actor y artista visual. Trabajó en cine junto a Martín Rejtman, Mariano Llinás, Diego Lerman, Albertina Carri y Alejo Moguillansky, entre otros. Es integrante fundador del Grupo KRAPP (danza y teatro), surgido en el año 2000. La noche es su ópera prima como director. He was born in Buenos Aires in 1970. He is a director, actor and visual artist. He worked in film with Martín Rejtman, Mariano Llinás, Diego Lerman, Albertina Carri and Alejo Moguillansky, among others. He is founder of the KRAPP Group (dancetheater), which started in the year 2000. The Night is his first film as a director.

That city that solidified itself in well-meaning habits around sex and pleasure leaves these protagonists filled with loneliness, and that silent meeting some people have described as tender saves all the tragedy the words “deviate”, “promiscuous”, and “exhibitionist” carry in the cardboard box of cold pizza and the abandoned, dying tomato that comes with it. AC

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competitions Argentine Feature Films Competition

Las decisiones formales Formal Decisions Argentina, 2015 65’ / B&N Español - Spanish D, G, F, E, DA, P: Melisa Aller S: Lisandro Civit M: Alma Catira Sánchez PE: Eleonora Paoletti I: Alma Catira Sánchez, Eleonora Paoletti Contacto / Contact Melisa Aller +54 9 11 6857 8942 [email protected] melisaaller.com

Vendedora ambulante, buscavidas, cantante, peluquera de su amiga, Kimby sueña con participar en un concurso de belleza provincial para ser Reina de la Sierra, mientras sobrevive vendiendo sánguches caseros entre trenes suburbanos y las estaciones de Retiro y Once. Ese mundo exterior e interior, el trabajo y el ensueño, se suceden casi sin fronteras, como el tránsito entre provincia y Capital en el que se ubica estéticamente esta película. La directora Melisa Aller y la compositora e intérprete Alma Catira Sánchez, en un trabajo de íntima colaboración, proponen que la realidad y la teatralidad sean porosas, tanto como la ficción y el documental, lo camp y el drama, lo narrativo realista y la poética punk; todo entreverado en el tránsito de esta paseante por los márgenes del arte y la ciudad. Aunque la singularidad de esta película dentro de los relatos de la identidad trans alcanza para reconocer su valor, su sensibilidad barrial sin tópicos y conflictos anquilosados –y con el foco puesto en una supervivencia sin crispación y un imaginario folk sin glamour– es una apuesta política importante. Filmada en un Super 8 fluctuante, Las decisiones formales susurra, con su lateralidad estratégica, que la certeza de una Identidad de Género no es irreconciliable con una visión crítica del propio género, con la posibilidad de una circulación que no reconoce privilegios genéricos. Diego Trerotola Street vendor, go-getter, singer, and a hairdresser to her friend, Kimby makes a living out of selling homemade sandwiches in suburban trains and the Retiro and Once stations, while also dreaming of competing in a provincial beauty contest to become Queen of the Sierra. The interior and exterior universes; work and illusion; are all passing before our eyes almost without boundaries, like the transit between the nation’s Capital and the province where this film is aesthetically set. Director Melisa Aller and singer-songwriter Alma Catira Sánchez work in intimate collaboration to make reality and theatricality as porous as fiction and documentary, camp and drama, narrative realism and punk poetics –all of it intermingled in her strolling through the margins of art and the city. Even though the unique nature of this film as a tale of trans identity would be enough to recognize its value, its barrio sensibility with no stagnant topics or ancient conflicts –and a focus on a peaceful survival and a glamourless folk imaginary– becomes a meaningful political stand. Shot in a fluctuating Super 8, Formal Decisions and its strategic laterality whispers that the certainty of a Gender Identity isn’t irreconcilable with a critical view on gender itself, with the possibility of a circulation that knows no generic privilege. DT

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Melisa Aller Nació en Buenos Aires. Estudió Ciencias Políticas y Dirección de Cine y Video en el CIEVYC, y se formó con los directores Claudio Caldini y Ernesto Baca. Ha trabajado en formato Super 8, filmando y editando sin intervención de lo digital. Participó en el 28° Festival de Mar del Plata y en el Proyecto Documental de la Universidad Torcuato Di Tella. Las decisiones formales es su primer largometraje. She was born in Buenos Aires. She studied Political Sciences and Film and Video Direction at CIEVYC, and trained with directors Claudio Caldini and Ernesto Baca. She has worked on Super 8 format, shooting and editing without the intervention of digital. She was part of the 28th Mar del Plata Film Festival and the Torcuato Di Tella University’s Proyecto Documental. Formal Decisions is her first feature.

The Pretty Ones Argentina, 2016 77’ / Color + B&N Español - Spanish D, G: Melisa Liebenthal F: Lucas Pérez Sosto E: Sofía Mele, Melisa Liebenthal S: Marcos Canosa M: Ángeles Otero P, PE: Eugenia Campos Guevara CP: Capataz Cine I: Josefina Roveta, Victoria D’Amuri, Sofía Mele, Camila Magliano, Michelle Sterzovsky, Melisa Liebenthal
 Contacto / Contact +54 9 11 6003 0320 [email protected] facebook.com/laslindaspelicula

“La historia de la chica más linda del mundo” podría ser el título de este documental sobre la performatividad de género a la que estamos expuestas, y expuestos. Es difícil imaginar que un documental realizado principalmente con fotos de adolescentes incómodas en sus cuerpos logre cierto erotismo. Las fotos de adolescentes con cara de orto o aspecto de lolitas, con cara de desconcierto o sobreactuando una adaptación dolorosa, nos llevan a una memoria anterior: la de nuestros propios cuerpos y esa carga de incomodidad. ¿Quién no tiene fotos de la adolescencia con cara de orto? ¿Qué clase de emoción evocan esas imágenes? Darwin decía que el llanto es un tipo de emoción primitiva y que entonces los ingleses eran más evolucionados porque lloraban poco. ¿En qué eslabón de la cadena evolutiva estarán las caras de orto de Melisa Liebenthal, directora y protagonista del film? Tal vez lo que él llamaba evolución es lo que hoy podríamos llamar adaptación. Y entonces la cara de orto, de ojete, de malhumor, de aguafiestas es la forma más evolucionada que tenemos de decir “basta, no me quiero adaptar, no quiero esto para mí, que otros sean lo normal, que la cera hirviendo sobre la piel se la pongan otr*s, que la evolución se la queden los ingleses, yo no me adapto a esa performatividad violenta”. Entre charlas distendidas con vino, material en VHS, disfraces ridículos y muchas caras de orto, Liebenthal nos va llevando hasta el paroxismo de la violencia que implica la performance a la que el patriarcado llama “femineidad”. Albertina Carri “A Story About the Most Beautiful Girl in the World” could be the title for this documentary about the performative nature of genre we are all exposed to. It’s hard to imagine that a documentary made up mostly of pictures of teenagers looking uncomfortable with their bodies would manage to express any eroticism. The photos of teenagers –with long faces or Lolita looks, with confusion gestures or overacting a painful adaptation– take us back to a prior memory: the one of our own bodies and that awkwardness. Who doesn’t have photos from their teen age with long faces? What kinds of emotions are triggered by those images? Darwin said crying is a primitive form of emotion, and so the English were more evolved, because they barely cried. In what link of the evolution chain are the long faces of Melisa Liebenthal, the director and star of the film? Maybe what he called evolution is what we today would call adaptation. And so the long face, the butt face, the moody face, the face of a party-pooper, is the most evolved manner in which we can say “enough, I don’t want to adapt, I don’t want this for me, let others be normal, let others pour hot wax on their bodies, let the English keep their evolution, I won’t adapt to this violent performativity”. Through relaxed conversations with wine glasses, VHS footage, ridiculous costumes, and plenty of long faces, Liebenthal takes us to the pinnacle of the violence implied in what the patriarchy calls “femininity”.

Melisa Liebenthal Nació en Buenos Aires en 1991. Estudió Dirección de Cine en la FUC, donde actualmente prepara su tesis de graduación. Actualmente trabaja como editora y distribuidora de cortometrajes, y ha realizado los cortos Airportness (2010) y Alegría del hogar (2013). Esta es su ópera prima.

competencias Competencia de largometrajes argentinos

Las lindas

She was born in Buenos Aires in 1981. She studied filmmaking at the FUC, where she is currently preparing her graduation thesis. She currently works as a short film editor and distributor, and has directed the short films Airportness (2010) and Alegría del hogar (2013). This is her first feature.

AC

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competencias Competitions

Competencia de cortometrajes short Films Competition

competitions short Films Competition

A qui la faute No Matter Who / De quién es la culpa En verano, un grupo de chicas adolescentes se encuentran en un campamento de scouts. Para Marie y Lise, es un momento en el que nacen nuevas emociones. Pero pronto aprenderán que sus deseos no son compatibles con el grupo ni con la moral. Summertime. A troop of young girls are headed to scout camp. For Marie and Lise, this is a time when new emotions spark. But soon they will learn that their desire is not compatible with the group, or its morals.

Anne-Claire Jaulin Francia - France , 2015 18’ / Color Francés - French D, G: Anne-Claire Jaulin F: Pierre-Hubert Martin E: Julie Lena S: Philippe Deschamps M: Alice Guerlot-Kourouklis, Fanny Krief, Anne-Claire Jaulin P: Frédéric Dubreuil CP: Envie de Tempête Productions I: Ilys Barillot, Louisiane Gouverneur, Anita Simic, Elisa Noyez, Pauline Demians, Anne-Claire Jaulin, Albane Danflous

Contacto / Contact Envie de Tempête Productions Frédéric Dubreuil +331 7234 8439 [email protected] enviedetempete.com

Diplomada en Gestión de Empresas en Lyon y especializada en Gestión Cultural, trabajó como productora antes de codirigir junto a David Guiraud su primer corto, La asistente (2012), proyectado en más de 30 festivales y vendido a Shorts TV. A principios de 2014 dirigió el corto Marthe, producido por Vagabundo Films. Actualmente trabaja en dos largometrajes, uno de ellos coescrito junto a Hélène Rosselet-Ruiz. With a degree in Business Management and specialized in Cultural Management, she has worked as a producer before co-directing her first short, The Assistant (2012), screened at more than 30 festivals and sold to Shorts TV. In early 2014, she directed the short Marthe, produced by Vagabundo Films. She is currently working on two features, one of them co-written with Hélène Rosselet-Ruiz.

Alex y Eric para siempre Alex & Eric Forever Desde hace dos semanas, Alex y Eric se encuentran para coger, pero hacen de todo menos eso, porque los dos se consideran activos. Música, charlas, películas y mil porros, pero nada de sexo. Alex no tiene problemas en seguir así para siempre, pero la buena onda para Eric no es suficiente, y esta podría ser la última noche de algo que quisieran que nunca se termine. For the past two weeks, Alex and Eric have been meeting to fuck, and yet they do anything but, because both of them are tops. They share music, conversations, movies, and a thousand joints –but no sex. Alex has no problem with going on like this forever, but for Eric good vibes aren’t enough, and this could be the final night of something they hope will never end.

España - Spain , 2015 11’ / Color Español - Spanish D, G: Leo Adef F: Quim Güell E: Javier Marin Regordan DA: Alba Fidalgo S: Ferrán Ureña PE: Txetxu García CP: ESCAC Films I: Javier Ortuño, Aitor Elizalde

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Contacto / Contact ESCAC Films Patricia Naya +34 9 3736 1555 [email protected] escac.es/es/films

Leo Adef Joven director y fotógrafo argentino radicado en Barcelona desde 2012. A través de cortometrajes, videoclips, videoarte y fotografías, su trabajo explora diferentes matices de la sexualidad, la juventud y la intimidad. He is a young Argentine director and photographer based in Barcelona since 2012. Through short films, music videos, video art pieces, and photographs, his work explores different aspects of sexuality, youth and intimacy.

Andrew un luchador valiente y fuerte Una mirada voyeurística sobre la vida cotidiana de Andrew y Abigail. Ellxs son, cada vez más, una sola persona, por momentos masculina y por momentos femenina. ¿Cuál de ellxs es real? A. Liparoto estudió la construcción de la identidad y dejó su condición de mujer para, subsecuentemente, transformarse en una persona masculina y andrógina. En esta película, filmada durante nueve meses en el departamento de lx realizadorx, la vida real se convierte en una performance en la que parece casi imposible escaparle al poder de la ficción.

Bélgica / Reino Unido Belgium / UK , 2015 18’ / Color Inglés - English

Contacto / Contact A. Liparoto [email protected] aliparoto.com beingotherthan.com

D, P, I: A. Liparoto E: A. Liparoto, Judy Landkammer, Eva Giolo S: Ruben Nachtergaele

A voyeuristic look at the daily life of Andrew and Abigail. They are increasingly becoming one, alternating between male and female. Which one of them is real? A. Liparoto studied the construction of identity and left womanhood to subsequently transform into a male and androgynous person. Filmed over nine months in the maker’s apartment, real life becomes a performance in which it seems almost impossible to escape the power of fiction.

A. Liparoto Nació en 1987 en Estados Unidos y estudió Artes Visuales en Londres y en el KASK Ghent. Su obra investiga la vulnerabilidad, la subjetividad y los límites de la vida y la performance. Andrew a Strong Courageous Warrior es su primera película, y forma parte de la serie titulada Andrew Has His Period, que Liparoto fue invitad* a interpretar en el SMAK Museum Ghent y como parte del Strangelove Festival de Antwerpen en mayo de 2016. Born in 1987 in the US, Liparoto studied Visual Arts in London and at the KASK Ghent, and creates pieces that researches vulnerability, subjectivity and the borders of life and performance. Andrew a Strong Courageous Warrior is Liparoto’s first film, and a piece within a series of works entitled Andrew Has His Period, which Liparoto was commissioned to perform at SMAK Museum Ghent, as well as a solo show as part of Strangelove Festival Antwerpen, May 2016.

competencias Competencia de cortometrajes

Andrew a Strong Courageous Warrior

aunque mis maneras de decir te amo although my ways of loving you Una recopilación de fragmentos dispersos traza el mapa incompleto de una relación entre dos hombres. Están juntos. ¿Están solos? Los amantes se besan, discuten, hacen el amor, se ríen. Pero entre ellos algo queda: lo invisible, la distancia, el miedo; en fin, la imposibilidad del encuentro exitoso entre los dos. A compilation of scattered fragments draws an incomplete map of a relationship between two men. They are together. Are they lonely? The lovers kiss, argue, make love, and laugh. But something remains between them: the invisible, the distance, the fear –in short, the impossibility of a successful encounter.

Argentina, 2015 13’ / Color Español - Spanish D, G: Gonzalo Biderman F: Artur Vetstein E: Paloma Lindenbaum, Gonzalo Biderman DA: Lucía Álvarez Reno S: Matías Cipolla P, PE: Florencia Apduch I: Ezequiel Díaz, Lucas Lagomarsino

Contacto / Contact Gonzalo Biderman +54 9 11 4415 2112 [email protected] gonzalobiderman.com

Gonzalo Biderman Nacido en Buenos Aires, estudió en la Universidad del Cine y dirigió la videoinstalación Fantasma (2016). Sus videos se proponen explorar temáticas referidas a la identidad en un panorama contemporáneo y el entrecruzamiento entre tecnologías nuevas y obsoletas. Born in Buenos Aires, he studied at the Universidad del cine and directed the video installation Fantasma (2016). His videos seek to explore themes regarding identity in a contemporary outlook, as well as the intersection between new and obsolete technologies.

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competitions short Films Competition

Ella She En un bosque, dos amigas dejan que el tiempo pase mientras indagan, descubren, juegan y desean. Confianza extrema y límites difusos dan lugar a la exteriorización de algo íntimo. Una, la otra, las dos se preguntan: ¿amigas para siempre? In a forest, two friends let time pass while they ascertain, discover, play and desire. Extreme trust and dim boundaries give way to the externalization of something intimate. One, the other, both of them, wonder: friends forever?

Lucía Valdemoros Argentina, 2016 5’ / Color Español - Spanish D: Lucía Valdemoros G: Esteban Cuenca, Sabrina Parel, Lucía Valdemoros F: Agustín Barrutia E: Sabrina Parel DA: Lucía Valdemoros S: Miren Begoña Cortázar P: Esteban Cuenca, Sabrina Parel, Lucía Valdemoros I: Laila Maltz, Mariana Sanguinetti

Contacto / Contact Hasta 30 Minutos Distribuidora de Cortometrajes Luciana Abad +54 9 11 6455 4130 +54 9 11 4069 5463 [email protected] [email protected]

Nació en Buenos Aires en 1987. Estudió Teatro, Fotografía y Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. En 2014 participó en el seminario de Videodanza en la Casa del Bicentenario, y en 2015 ganó el premio Reto Ecamen en el festival Jameson Notodofilmfest de Madrid. Trabajó en el área de dirección en películas como Relatos salvajes, de Damián Szifron, y en más de 80 comerciales. Actualmente trabaja como asistente de dirección en publicidad y cine y como directora en diversos proyectos. She was born in Buenos Aires in 1987. She studied Theater, Photography and Image and Sound Design at the UBA. In 2014, she was part of the videodance seminar at the Casa del Bicentenario, and won the Reto Ecamen award at the Jameson Notodofilmfest in Madrid in 2015. She worked in the direction department in such films as Damián Szifron’s Wild Tales, and in more than 80 commercials. She currently works as assistant director in advertising and film and director in various projects.

Eu vou me piratear The Get Up / Voy a piratearme Documental híbrido que sigue las performances, experiencias y testimonios de tres artistas queer de San Pablo. La performance como un puente entre el arte y la vida. A hybrid documentary that follows the performances, experiences, and testimonies of three queer artists in São Paulo. Performance is a bridge between art and life.

Daniel Favaretto

Brasil - Brazil, 2015 21’ / Color Portugués - Portuguese D: Daniel Favaretto, Dudu Quintanilha G: Daniel Favaretto F: Tiago Pinheiro E: Dudu Quintanilha DA: Carlos Rosa S: Mauricio Zani M: Helo Duran P, PE: Luiza Marques da Costa CP: Frontera Fimes I: Mavi Veloso, Glamour Garcia, Dudu Quintanilha

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Contacto / Contact Frontera Filmes Daniel Favaretto +55 11 9 8168 7625 [email protected] fronterafilmes.com

Se recibió de director en 2010 en San Pablo, y trabaja como productor y director de cine. Sus películas exploran, principalmente, la cultura queer, e intentan combinar la estética documental del neorrealismo con las performances experimentales de artistas visuales. He graduated in Filmmaking in 2010 in São Paulo, Brazil, and works as a film producer and director. His movies are mainly about queer culture, and try to combine the documentary feel of neorealism and the experimental performances from visual artists.

Dudu Quintanilha Se graduó en Fotografía y Artes Visuales en Buenos Aires, y sus investigaciones involucran diferentes formatos, con el cuerpo como área de trabajo. Ha llevado a cabo muestras alrededor del mundo, por ejemplo Buenos Aires, Río de Janeiro, Ciudad de México y Arco Madrid. He majored in photography and visual arts in Buenos Aires, Argentina, and his research involves different media, with the body as a working field. He has made important exhibitions all around the world, including Buenos Aires, Rio de Janeiro, Mexico City, and Arco Madrid.

Gustavo es un fotógrafo que registra los cuerpos de hombres desnudos en espacios públicos de San Pablo. Una noche, el joven Pedro lo acompaña, curioso e indeciso sobre participar en el proyecto. La ciudad será testigo de la jornada. Gustavo is a photographer who captures the bodies of naked men in public areas of Sao Paulo. One night, young Pedro follows him, curious and undecided about whether to participate in the project or not. The city will witness their journey.

Marcio Miranda Perez Brasil - Brazil, 2016 22’ / Color Portugués - Portuguese D, G: Marcio Miranda Perez F: Flora Dias E: Thiago Ricarte DA: Fernando Zuccolotto S: Tales Manfrinato, Pedro Noizyman M: Visavis P: Lara Lima PE: Issis Valenzuela CP: Lira Cinematográfica I: Pedro Leão, Julio Machado, Tomás Decina, Dann Prates Fernandes Jr, Laerte Mello, Leandro Rosario

Contacto / Contact Lira Cinematográfica Marcio Miranda Perez +55 11 9 94384612 [email protected] [email protected] facebook.com/lightrappingfilm

Editor y cortometrajista, estudió Cine en la Universidad de San Pablo. Sus trabajos se proyectaron en varios festivales de todo el mundo, e incluyen ficciones, documentales y animaciones. Su primer corto, Tauri, fue proyectado en festivales de Brasil, España, Chile, Rusia, Portugal y Cuba. También es programador del Festival Internacional de Cortometrajes de San Pablo. An editor and filmmaker, he studied Film at the University of São Paulo. He has edited shorts and features, from fiction to documentary and animation. His first short film, Tauri, was screened at festivals in Brazil, Spain, Chile, Russia, Portugal and Cuba. He’s also a programmer at São Paulo International Short Film Festival.

competencias Competencia de cortometrajes

Lightrapping

Los maricones The Queers Testimonios reveladores sobre la persecución policial a homosexuales y al colectivo trans en Córdoba desde los años 70 hasta la actualidad. Revealing testimonies about the persecution of homosexuals and the trans collective by the Córdoba police, from the ‘70s to present day.

Daniel Tortosa Nació en Villa Constitución en 1961. Es docente e investigador en el Departamento de Cine y TV de la Universidad Nacional de Córdoba. Dirigió La buena sirvienta (2002).

Argentina, 2016 30’ / Color Español - Spanish

Contacto / Contact [email protected] facebook.com/Los-Maricones

He was born in Villa Constitución in 1961. He is a teacher and researcher at the Film and TV Department of the National University of Córdoba. He directed La buena sirvienta (2002).

D, G, E, DA, P: Daniel Tortosa F: Yamile Bulacio, Santiago Orsi, Sergio Kogan S: Mario Gómez, Mariela Díaz I: Nadiha Molina, Agostina Quiroga, Vanessa Piedrabuena, Eugenio Cesano, Marcia Collota, Romina Campo

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competitions short Films Competition

Pastel de cereza Cherry Pie Sofía tiene dieciséis años. Le gusta hablar con su hermana mayor, que vive en Capital, y fumar a escondidas. A María Luján, su mejor amiga, le gusta el café negro y las galletitas de manteca. Tiene novia y nunca duda de hacer lo que siente, pero una noche experimenta su primer temor: Sofía besa a una chica. A Luján la invade el amor y la certeza de que enamorarse no es una opción. Sofía is sixteen. She enjoys talking to her older sister who lives in the capital city, and smoking in secret. Her best friend María Luján likes black coffee and butter cookies. She has a girlfriend, and does everything she feels like doing with no hesitation. But one night, she experiences her first fear: Sofía kisses a girl. Luján fills up with both love and the certainty that falling in love is not an option.

Argentina, 2016 16’ / Color Español - Spanish D, P: Jessica Praznik G: Pepa Astelarra F: Luciana Favit E: Augusto González Polo DA: Mariana Point S: Ernesto Meier M: Mariana Point, Ramiro Jota PE: Rocío Gort CP: Oro Eléctrico Producciones I: Naiara Awada, Malena Villa, Carla Bilancieri, Ailín Zaninovich

Contacto / Contact FilmsToFestivals Gisela Chicolino +54 9 11 5181 1740 [email protected] [email protected] filmstofestivals.com

Jessica Praznik Nació en Buenos Aires, y estudió Realización Audiovisual en la Universidad Nacional del Arte. Es diseñadora de indumentaria y productora ejecutiva de Much Music Latinoamérica; antes trabajó como directora de arte, vestuarista y montajista en televisión, largometrajes, cortometrajes y videoclips. Sus cortometrajes obtuvieron distintos premios y menciones. Actualmente se encuentra trabajando en su primer largometraje, con temática lgbt. She was born in Buenos Aires, and studied Filmmaking at the National University of Arts. She is a fashion designer and executive producer at Much Music Latinoamérica, and has worked as art director, costume designer and editor in television, film, and music videos. Her short films won many awards and mentions. She is currently working on her lgbt-themed feature-length film.

Putta Putta acompaña el relato íntimo de tres prostitutas de la Triple Frontera y atraviesa las complejidades de sus vidas personales en ese contexto: la transexualidad, la familia y la maternidad. Diva es una dulce mujer trans que nos lleva a su casa para recordar la difícil relación con la familia que dejó atrás y con la que quiso formar. Xayenne, una travesti, siempre intenta pasar por alto sus recuerdos para no revivir su sufrimiento. Pantera, dueña de un burdel, vive hace 40 años en prostíbulos, en el mismo barrio donde creció y crio a sus hijos.

Brasil / Uruguay / Paraguay Brazil / Uruguay / Paraguay, 2016 27’ / Color Portugués - Portuguese D, G, PE: Lílian de Alcântara F: Atilon Lima E: Adri Ona DA, P: Camila Larroca S: Adri Ona CP: Las Viralatas

Contacto / Contact Las Viralatas Lílian de Alcântara +55 21 965 828 105 [email protected] [email protected] facebook.com/puttadoc facebook.com/Las-Viralatas

Putta joins the intimate story of three prostitutes in the Triple Frontier, and goes through the complex issues of their personal lives in that context: trans sexuality, family, and maternity. Diva is a sweet trans woman who takes us home to remember the tough relationship she had with the family she left behind and the one she tried to form. Xayenne, a transvestite, always tries to leave her memories aside so she won’t have to relive her pain. Pantera owns a brothel and has lived for 40 years around whorehouses, in the same town where she grew up and raised her children.

Lílian de Alcântara Nació en Caratinga, en el estado de Minas Gerais, Brasil. Estudió Cine y Audiovisual en la Universidad Federal de Integración Latinoamericana. Putta es su primera obra, defendida como Trabajo de Graduación en 2015 y finalizada en 2016. She was born in Caratinga, in the Minas Gerais state in Brazil, and studied Film and Audiovisual at the Federal University of Latin American Integration. Putta is her first work, and her 2015 graduation thesis, which she finished in 2016.

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I Want You Obscene Naty vive en San Telmo en una habitación mágica abarrotada de curiosos objetos. Es conocida por la gente como Naty Menstrual, una artista que observa, vive y recita la realidad sin omitir detalles. El primer viernes de cada mes, Naty presenta su performance en Mu, y es ahí donde el director de este documental –con diseño de títulos por Agustín Vidal Saavedra– cae bajo el hechizo de la artista. ¿Quién es Naty? es la pregunta que hace eco una y otra vez en su mente. El recorrido de su puesto en la feria, sus shows, su camarín, una entrevista y la lectura íntima en su habitación de uno de sus poemas intentan revelar lentamente la persona detrás del personaje.

Argentina, 2016 11’ / Color Español - Spanish D, G, F, E: Gonzalo Murúa Losada S: Lucía Mendoza (Unicornio Cine) P: Universidad del Cine, Obsidiana Films CP: Obsidiana Films I: Naty Menstrual

Contacto / Contact Gonzalo Murúa Losada gonzalo.murua.losada@ gmail.com

Naty lives in a magical room full of curious objects in San Telmo. She is known as Naty Menstrual, an artist who observes, lives and recites reality without omitting any details. The first Friday of every month, Naty performs at Mu, the place where the director of this documentary –featuring credits design by Agustín Vidal Saavedra– falls under the artist’s spell. “Who is Naty?” That is the everlasting question echoing in his mind. A tour through her stand at the fair, her shows, her dressing room, an interview, and the intimate recital she preforms in her room with one of her poems, aims to slowly unveil the person behind the character.

Gonzalo Murúa Losada Estudió en la Universidad del Cine, y actualmente trabaja como montajista, director y realizador integral de documentales. Dirigió el cortometraje Las lágrimas de Thays (2014) y el largo documental Los fantasmas de Losada (2016). Su libro El píxel hace la fuerza, cine y videojuegos en las hipermediaciones será editado muy pronto.

competencias Competencia de cortometrajes

Te quiero obsceno

He studied at the Universidad del Cine, and currently works as editor, director and documentarian. He directed the short Las lágrimas de Thays (2014) and the documentary feature Los fantasmas de Losada (2016). His book El pixel hace la fuerza, cine y videojuegos en las hipermediaciones will be published soon.

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la piel que habito the skin i live in

Piel, epidermis, dermis, cutis, cutícula, membrana, película: mi diccionario me dice que estamos a solo cinco sinónimos de
que esta sección se llame “La película que habito”. Y tampoco estaría mal, porque esa es la idea que da cuerpo a la sección: que cada película cumpla la función de alojarnos con pensión completa, all inclusive. Entrar al cine como a nuestra propia
piel. En la película de Pedro Almodóvar que homenajeamos en el título, Elena Anaya es vigilada cautiva en una malla del color de su carne trémula, ceñida al cuerpo, vestido único de su personaje con el que parece estar siempre desnuda. Vestuario voyeur: el traje se confunde con la propia piel; lo que nos oculta también nos deja al descubierto en la intemperie que habitamos. Perfecta paradoja almodovariana de fusión y confusión de máscara y rostro, porque en nuestra piel también se imprime la mirada ajena como otra capa más que nos recubre y descubre. El deseo visto que nos viste. Una película es esa misma epidermis en la que circulan las miradas en confluencia, cuerpos transformados en visiones del mundo al desnudo. El cuerpo es la única vía de acceso al conocimiento, escribe el filósofo hedonista Michel Onfray. Y vale recordar que la piel es el mayor órgano del cuerpo humano, y que es una barrera protectora que aísla el organismo del medio que lo rodea, protegiéndolo y contribuyendo a mantener íntegras sus estructuras, al tiempo que actúa como sistema de comunicación con el entorno. Esto lo dice más o menos así Wikipedia, pero no hace falta leerlo para sentirlo a cada rato. Aislante y permeable, protectora y elástica, la piel es el lugar en el que empiezan y nunca terminan nuestras identidades, porque sabemos que allí podemos reescribir lenguajes múltiples con pelos y señales. La piel también es un órgano de visibilidad, nos muestra al mundo. Esta sección, dividida en distintas capas como toda piel que se precie de serlo, es el mayor órgano visible de Asterisco, porque la protección de cada personalidad y su continua comunicación libre con el mundo es una doble tarea que hay que celebrar a lo grande, como la diversidad lo necesita y lo merece.

Skin, epidermis, dermis, complexion, cuticle, membrane, film: my dictionary tells me we’re about five synonyms away from naming this section “The film I live in.” And it wouldn’t be bad, either, because that’s the idea that shapes the section: for each of the films to lodge us, bed and board, all inclusive. Entering the theater as we would enter our own skin. In the film by Pedro Almodóvar we pay tribute to in the title, Elena Anaya is watched captive in some tights the color of her live flesh, clung to her body, the only piece of clothing her character wears and with which she seems to be naked all the time. A voyeuristic wardrobe: the suit blends with her own skin, what she conceals also leaves us in the open we live in. A perfect Almodovarian paradox of fusion and confusion of mask and face, because someone else’s face gets imprinted in our skin as one more layer that covers and discovers us. The desire we watch, dressing us. A film is that same epidermis where converging gazes travel, bodies transformed into visions of the naked world. The body is the only means of access to knowledge, hedonistic philosopher Michel Onfray writes. And it must
be remembered that the skin is the largest organ in the human body, and that it’s a protective barrier that isolates
the organism from the surrounding environment, protecting
it and contributing in keeping its structures complete and,
at the same time, it acts as a system of communication with the environment. That’s more or less what Wikipedia says, but it’s not necessary to read it in order to feel it all the time. Insulating and permeable, protective and elastic, the skin
is where our identities begin and never end, because we know that there we can rewrite multiple languages in great detail. The skin is also an organ of visibility; it shows us the world. This section, divided into different layers as any skin would be, is the largest visible organ in Asterisco, because the protection of every personality and its continuous free communication with the world is a double task we have to celebrate big time, as diversity needs and deserves.

Diego Trerotola

DT

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largometrajes Feature Films

Weg van de Kerk Países Bajos - The Netherlands, 2016 54’ / Color Alemán - German D, G, F, E, S, P, PE, CP: Robin Vogel M: Bart van de Lisdonk I: Robin Vogel, Ton Heil, Margareth Vogel, Joris van Oosterwijk, Wim Peeks, Jennifer Hopelezz, Kevin Schram, Thomas Wiersma, Arne Bax, Art Srisayam Contacto / Contact Robin Vogel +316 1418 0825 [email protected]

No es precisamente una iglesia: en Club ChUrch, el boliche más libertino de Ámsterdam, se puede comulgar con otros cuerpos completamente desnudos o apenas cubiertos por un jockstrap, tener sexo en cualquier rincón, mirar o ser mirado. Esa montaña rusa del sexo sin barreras es para el director de chUrchroad una obsesión y un desafío, un reino del revés para nada infantil que ejerce una atracción inagotable, aunque estar del revés también marea. Cámara en mano, Robin Vogel investiga a partir de Club ChUrch y sus habitués la sexualidad contemporánea, lo que algunxs disfrutan y eligen, el amor libre en la era de la visibilidad y la experimentación “siempre que sea seguro”, y el modo en que el interior de esa iglesia invertida se relaciona con una ciudad que tiene su historia de revolución y repliegue post-era del sida. Las personas hablan en chUrchroad, y las imágenes también, pero no dicen lo mismo. El documental de Vogel es un registro de esa fricción y también un relato plural del sexo atravesado por la cultura, esa que nos impone indagar en los motivos detrás del deseo, o coger por las razones correctas. Marina Yuszczuk It’s not precisely a church: in Club ChUrch, the most libertine of Amsterdam’s night clubs, one can commune with other bodies, completely naked or barely covered by a jockstrap, have sex in every corner, watch or be watched. For the director of chUrchroad that rollercoaster of boundless sex is both an obsession, and a challenge, an adult world turned upside down that proves to be tirelessly attractive, even if being upside down is also dizzying. With a hand-held camera through the ChUrch Club and its regulars, Robin Vogel investigates contemporary sexuality, people’s pleasures and choices, free love in the age of visibility and experimenting “only if it’s safe,” and also how the interior of that inverted church relates to a city that has its history of revolution and withdrawal in the postAIDS era. People talk in chUrchroad, and so do images, but they don’t tell the same story. Vogel’s documentary captures that friction as well as a plural story of sex pierced through by culture. The same culture that forces us to inquire about the motives behind desire, or fucking for the right reasons.

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chUrchroad

Robin Vogel Artista autodidacta y multidisciplinario, trabajó como escenógrafo en teatro y fundó la compañía teatral De Vogelfabriek en 2002. Trabajó como diseñador de producción, operador de cámara y editor en televisión, y tiene una larga carrera en cine corporativo. chUrchroad es su debut como documentalista independiente. A self-taught and multidisciplinary artist, he worked as a set designer for the stage and founded the theater company De Vogelfabriek in 2002. In television, he worked as a production designer, cameraman, and editor, and has an extensive career in corporate film. chUrchroad is his debut as an independent documentary filmmaker.

MY

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Julio of Jackson Heights Julio de Jackson Heights Argentina / Estados Unidos Argentina / USA, 2016 93’ / Color Inglés - English D, F, E, S, P: Richard Shpuntoff DA: The Boat I: Alan Sack, Ted Rivera, Peg Fiore, Matt Foreman, Daniel Dromm Contacto / Contact Richard Shpuntoff [email protected] julioofjacksonheights.com

Richard Shpuntoff En los primeros días de julio de 1990, la prensa de Nueva York ni mencionó el asesinato de Julio Rivera, encontrado muerto en el patio de una escuela de Jackson Heights, Queens. Su crimen fue solo objeto de una investigación policial en la que se sostenía que el joven había participado en una transa de drogas que precipitó su muerte: una falsa pericia tras la que habitualmente se ocultaban los crímenes de odio. Los tres jóvenes que salieron con un martillo, una llave inglesa y un cuchillo de cocina a matar a un gay quedarían otra vez impunes. Pero ni la familia ni los amigos de Julio creyeron el relato policial, y comenzaron una lucha por la justicia real. Richard Shpuntoff participó y documentó durante décadas ciertas acciones realizadas en su barrio de Queens tras el asesinato de Julio, que desembocaron en conquistas sociales, en una nueva visibilidad queer y en una conciencia política de la diversidad. Con un compromiso que pocos documentalistas asumen, partiendo de la experiencia personal como vínculo íntimo, Shpuntoff logra reconstruir la fuerza de una comunidad queer barrial que gestó una verdadera épica de la resistencia. Diego Trerotola In early July 1990, the New York press didn’t even mention the murder of Julio Rivera, who was found dead in a schoolyard in Jackson Heights, Queens. His crime was solely the object of a police investigation that stated the young man had taken part in a drug sale that resulted in his death: a fake expert’s report through which hate crimes were usually hidden. The three young men that went out with a hammer, a wrench and a kitchen knife to kill a gay man would walk out, unpunished. But neither Julio’s family nor his friends believed the story told by the police, and so they started to fight for real justice. For decades, Richard Shpuntoff took part in and documented certain actions in his Queens neighborhood hollowing Julio’s murder, which turned into social conquests, a new queer visibility and a political conscience of diversity. With a commitment few other documentarians assume, and starting off from personal experience as an intimate tie, Shpuntoff succeeds in reconstructing the strength of a queer neighborhood community that produced a true epic of resistance. DT

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Realizó una docena de cortometrajes y videos, entre ellos, Epiphany of Returning, Morning Dance, The Body y El Grand 97. Entre sus obras como fotógrafo documentalista se destaca Parade, un trabajo de 20 años que documenta la Marcha del Orgullo de Queens. Actualmente está realizando su segundo largo documental, Buenos Aires para vos, Lucía. He directed a dozen short films and videos, including Epiphany of Returning, Morning Dance, The Body, and El Grand 97. His works as a documentary photographer include Parade, a 20-year documentation of the Queens Pride Parade. He is currently working on his second feature film, Buenos Aires para vos, Lucía.

Madam Phung’s Last Journey El último viaje de Madame Phung Vietnam / Francia - Vietnam / France, 2014 87’ / Color Vietnamita - Vietnamese D: Tham Nguyen Thi Contacto / Contact Institut Français Martina Pagnotta +54 11 4515 6916 [email protected] ifargentine.com.ar

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Le dernier voyage de Madame Phung

Tham Nguyen Thi

Entre la punzante aspereza de los caminos de tierra que dibujan el mapa de un conjunto de ciudades vietnamitas obligadas al olvido, se abre paso una máquina viva de producción fantasiosa. Es un artefacto comunitario de ensueño con el que un grupo de artistas travestis y cross logran enredar la lengua del exterminio con el que son pronunciadas sus existencias, para gestionar una economía cooperativa de supervivencia sobre la base de la insurgencia de lo bello. Le dernier voyage de Madame Phung, de Tham Nguyen Thi, funciona como una crónica visual de aquel ímpetu salvaje de resistencia deseante que nace de forma desesperada y se atreve a desobedecer toda intemperie que prometa silencio y precariedad, todo efecto de clausura a la multiplicable experiencia del cuerpo y del nombre propio. Una historia que logra hacer vibrar la violencia ansiosa de la norma sexo-genérica, esa fábrica global del temor adoctrinador, mediante el ejercicio de una política afectiva de la fantasía que construye una ética del cuidado junto a la risueña experiencia del carnaval, y golpea las gélidas ficciones del destino con la suave revolución de una canción. Nicolás Cuello A living machine of fantasy production makes its way through the sharp roughness of the dirt roads that draw up the map of a group of Vietnamese cities that are forced to oblivion. It’s a dreamy community device a group of transvestites and cross-dressing artists successfully use to tie up the language of extermination with which their existences are pronounced, so they can manage a cooperative economy of survival based on the insurgence of the beautiful. Tham Nguyen Thi’s Madam Phung’s Last Journey works as a visual chronicle of the wild energy of desiring resistance that’s born out of despair, and dares to disobey every open area that promises silence and precariousness, every effect of closure to the multipliable experience of one’s body and name. The story manages to twang the anxious violence of the sex-generic norm –that global factory of indoctrinating fear– through the exercise of a policy of affection towards fantasy, which builds an ethics of care along with the joyful experience of the carnival, and punches the icy fiction of fate with the soft revolution of a song.

Nació en Vietnam y, luego de estudiar Teatro y Cine en Hô Chi Minh City, se formó como directora. Realizó dos cortos: Bonjour mon enfant, bonjour ma bebe (2005) y Grand-pere et petit-fils (2006). Le dernier voyage de Madame Phung es su debut como directora de largometrajes. She was born in Vietnam and, after studying film and theater in Hô Chi Minh City, she became a filmmaker. She directed two short films Bonjour mon enfant, bonjour ma bebe (2005) and Grand-pere et petit-fils (2006). The Last Journey of Madam Phung marks her debut as a feature filmmaker.

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Leaving Africa Hyvästi Afrikka / Irse de África Finlandia - Finland, 2015 84’ / Color Inglés / Luganda / Finlandés English / Luganda / Finnish D, G: Iiris Härmä F: Visa Koiso-Kanttila E: Niels Pagh Andersen S: Janne Laine M: Marcel Vaid P: Visa Koiso-Kanttila CP: Guerilla Films Contacto / Contact The Finnish Film Foundation Niko Alajoki +358 9 622 0300 [email protected] firsthandfilms.com

En una Uganda de caminos terrosos que se parecen a los del norte argentino, Ritta y Kata –finlandesa y ugandesa respectivamente, las dos mayores de sesenta años– comparten un lenguaje común, además del inglés, que les permite entenderse y entender el mundo que las rodea, lleno de cosas que faltan: abanderadas de la igualdad de género, las amigas dan clases de educación sexual a adultos a los cuales les explican, tiza en mano, dónde está el clítoris o cuáles son los métodos posibles para controlar la natalidad. No se trata de un saber abstracto: para las amigas, y de eso hablan sentadas en el porche de la casa compartida ante la noche africana, la información más básica que puedan ofrecer es un modo de darles una herramienta para elegir sus vidas, sobre todo a las mujeres. Iiris Härmä filma de cerca, en la intimidad y con humor, una de esas grandes amistades entre personas mayores, y a través de ellas le regala al espectador un pedazo de África. No para mostrarla encantadora –aunque lo es–; en todo caso, para registrar la difícil negociación entre una Europa que se piensa iluminada y una cultura con sus propios códigos, su tradición, sus resistencias. Marina Yuszczuk In Uganda, with its dirt roads similar to those in Northern Argentina, Ritta and Kata –Finnish and Ugandan respectively, and both of them over sixty– share a common language other than English. It allows them to understand each other as well as the world around them, which is deprived of many things. Advocates for gender equality, the two friends teach sex education to grownups, explaining them, chalk in hand, where the clitoris is, or what the possible birth-control methods are. It isn’t abstract knowledge, and they talk about it one African night while sitting in the porch of the house they share: the most basic information they can offer is a way of giving people a tool so they can have a choice on what their lives will be like –especially for women. Through intimacy and humor, Iiris Härmä camera gets close to one of those great friendships between elderly people, and through them she provides the viewer with a piece of Africa. Not with the intention of presenting it as something beautiful –even though it is– but rather to capture the difficult negotiation between Europe with its enlightened self-image and a culture with its own rules, tradition and resistance. MY

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Iiris Härmä Trabaja en la industria del cine desde 1999, y es una de las fundadoras de Guerilla Films Ltd. Ha producido y dirigido varios cortos y largometrajes que recibieron premios en distintos festivales de todo el mundo. You Live and Burn (2007), Look at Me (2010) y The Child of Silent Winter (2012) son algunas de sus películas. One of the founding members of Guerilla Films Ltd., she has been involved in the film industry since 1999. She produced and directed several award-winning short and feature-length documentaries that have acclaimed international reputation in various film festivals around the world. You Live and Burn (2007), Look at Me (2010), and The Child of Silent Winter (2012) are some of her works.

Los invisibles Francia - France, 2012 115’ / Color Francés - French D: Sébastien Lifshitz F: Antoine Parouty E: Tina Baz, Pauline Gaillard S: Yolande Decarsin, Philippe Mouisset M: Jocelyn Pook P: Bruno Nahon PE: Mathilde Raczymow, Eugenie Michel CP: Zadig Films

Hombres y mujeres nacidos en período de entreguerras. No tienen nada en común, excepto por su homosexualidad, y su decisión de vivirla libremente en una época en la cual la sociedad los marginaba. Amaron, lucharon, desearon, hicieron el amor. Hoy nos cuentan todo acerca de sus vidas pioneras, y cómo atravesaron su deseo de mantenerse comunes con la necesidad de liberarse para poder prosperar. Eran temerarios. Men and women, born between the wars. They have nothing in common except their homosexuality, and their decision to live openly at a time when society rejected them. They’ve loved, struggled, desired, made love. Today they tell us about their pioneering lives, and how they navigated the desire to remain ordinary with the need to liberate themselves in order to thrive. They were fearless.

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Contacto / Contact Institut français Martina Pagnotta +54 11 4515 6916 [email protected] ifargentine.com.ar

Sébastien Lifshitz Nacido en 1968 en París, Francia, es guionista, director y profesor en La Fémis. Estudió en la Escuela del Louvre y se graduó en historia del arte en la Universidad de París. Dirigió cortos, y largometrajes como Come Undone (2000), Wild Side (2004, ganadora del Teddy Award en Berlín), y Bambi (2013, Mejor Documental en la Berlinale), entre otros. Escribió el libro The Invisibles: Vintage Portraits of Love and Pride. Born in 1968 in Paris, France, he is a scriptwriter, director, and professor at La Fémis. He studied at the École du Louvre and majored in art history at the University of Paris. He directed short and feature-length films such as Come Undone (2000), Wild Side (2004, Teddy Award winner), and Bambi (2013, Best Documentary Film at Berlinale), among others. He also wrote the book The Invisibles: Vintage Portraits of Love and Pride.

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SEX & The Silver Gays SEX y los gays plateados Estados Unidos - USA, 2016 70’ / Color Inglés - English D, F, E, S, P, PE: Charles Lum, Todd Verow M: Todd Verow CP: BANGORFILMS, clublum I: Bob ‘Woof’ Torres, Leo Falk, Anthony Castiello, Alex Mancheno, Jobe Forte, ‘Jerome’, Peter Schlosser, Phillip Williams, Richard Kerscha, Van Quinn, Robert Shoales

Desde hace varios años, en Nueva York se reúne un grupo de hombres mayores que forman parte de los New York Prime Timers. Cada uno con una historia de vida distinta y atractiva, le dan forma a un relato íntimo del siglo XX y sus cambios con relación a la homosexualidad: las relaciones ocultas, la persecución y la demora en que la sociedad los aceptara tal cual son. Conversan, beben y comparten historias. Pero el objetivo principal de esas reuniones es otro; lo que los reúne son las sesiones de sexo grupal que llevan adelante periódica y libremente. Muy libremente: a cada uno lo satisface algo distinto y, en un ejercicio de sociabilidad y camaradería bien entendida, cada uno recibe lo suyo. Charles Lum y Todd Verow ya nos habían divertido con su cortometraje been too long at the FAIR –exhibido en la edición de Asterisco del año pasado– sobre el recuerdo de un cine que servía como tetera y sobre las historias que allí habían sucedido. Con este nuevo largometraje, vuelven a exponer una mirada cálida y divertida sobre dos temas que aún hoy siguen siendo tabú: el sexo y la tercera edad. Leandro Listorti A group of elderly men that are part of the New York Prime Timers has been gathering for years. Each of them has a different and attractive life story, and they shape an intimate story of the 20th century and the way it has changed regarding homosexuality: hidden relationships, persecution, and the society’s delay in accepting them the way they are. They talk, drink and share stories. But the main goal of those meetings is a different one –what brings them together is the group sex they have periodically and freely. Very freely: each one likes something different and, in an exercise of real sociability and camaraderie, everyone gets what they want. Charles Lum and Todd Verow had already amused us with their short been too long at the FAIR –screened in last year’s edition of Asterisco–, about the memory of a film theater that served as tearoom, and the stories that had taken place there. With this new feature film, they take yet another warm and fun look at two issues that remain taboo: sex and old age. LL

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Contacto / Contact clublum Charles Lum, Todd Verow +1 917 319 2525 +1 917 371 8765 [email protected] [email protected] clublum.com www.bangorfilms.com

Charles Lum & Todd Verow Charles es actor y director, y realizó los cortos Auto-pilot (2005) y Howie (2006), entre otros. Todd es director y director de fotografía, y realizó los largos Vacationland (2006), Little Shots of Happiness (1997) y Once and Future Queen (2000). Juntos filmaron los cortos Tom’s Gift (2012) y been too long at the FAIR (2015), y los largos The End of Cruising (2013) y Age of Consent (2014). Charles is an actor and director. He made the short films Autopilot (2005) and Howie (2006), among others. Todd is a director and cinematographer known for Vacationland (2006), Little Shots of Happiness (1997) and Once and Future Queen (2000). Together they directed the short films Tom’s Gift (2012) and been too long at the FAIR, and the feature films The End of Cruising (2013), and Age of Consent (2014).

Queer Tango Argentina, 2016 60’ / Color Español / Alemán / Inglés / Turco Spanish / German / English / Turkish D, G, F: Liliana Furió E: Flavia Del Ducca DA: Julie August S: Mariano Agustín Fernández M: Pablo Fraguela, Quinteto La Grela P: Liliana Furió, Julie August PE: Alberto Masliah CP: Sombracine Contacto / Contact Sombracine Liliana Furió +54 11 6769 6282 [email protected] sombracine.com

Que Magalí Saikin, Mariana Docampo y Augusto Balizano sean las figuras protagónicas del documental Tango queerido no es casualidad. Acaso fue Saikin la que, por primera vez en 2004, interpeló a la mitología heteronormativa de la convención tanguera, en su libro Tango y género. Ahora, en la película de Furió, la argentina radicada en Alemania actualiza sus hipótesis y desenvuelve las líneas más atractivas del film. Mariana Docampo (escritora) y Augusto Balizano (diseñador gráfico y bailarín) suscriben reflexiones a partir de sus propias experiencias en el terreno de la milonga: desde 2007, ambos organizan el Festival Internacional de Tango Queer en la Ciudad de Buenos Aires. Recogiendo testimonios en milongas de todo el mundo, Tango queerido conjetura que el sistema de prescripciones y regulaciones sobre el género también se expresa en la especificidad coreográfica del tango, que los espacios queer llaman a reinventar. Qué importa quién conduce a quién. Si con tacos altos o con zapatos acordonados. Si con pollerita o bermudas. Al fin y al cabo, Tango queerido reivindica, ¿por qué no?, la módica circunstancia de esa danza como un espacio de cuerpos en libertad que merece ser conquistado. María Iribarren It’s not a coincidence that Magalí Saikin, Mariana Docampo and Augusto Balizano are the protagonists of the documentary Tango queerido. It may have been Saikin who, back in 2004 and for the first time, questioned the heteronormative mythology of tango conventions in her book Tango y género (“Tango and Gender”). Now, in Furió’s film, Germany-based Argentine Saikin updates her hypotheses and develops the film’s most attractive lines. Mariana Docampo (a writer) and Augusto Balizano (graphic designer and dancer) reflect on the subject through their own experience in the world of milonga: since 2007, both of them organize the International Queer Tango Festival in Buenos Aires. Gathering testimonies from milongas around the world, Tango queerido speculates that the system of prescriptions and regulations on gender is also expressed in the choreographic specificity of tango, which queer spaces encourage to reinvent. Who cares who leads who. If it’s done on high heels or with laced shoes. Wearing a skirt or bermuda shorts. In the end, Tango queerido reclaims (why not?) the modest circumstance of the dance as an area of free bodies that deserves to be conquered. MI

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Tango queerido

Liliana Furió Nació en 1963 en Mendoza, y hace unos pocos años comenzó a transitar el mundo audiovisual. Con una formación ecléctica y en gran medida autodidacta, escribió los guiones de los documentales Mucho para dar (2011) y Todos podemos bailar (2014), el cual también dirigió. Tango queerido es su segundo documental como realizadora.

She was born in Mendoza in 1963, and has very recently started her path in the audiovisual world. With an eclectic, mostly self-taught training, she wrote the scripts for the documentaries Mucho para dar (2011) and Todos podemos bailar (2014), the last of which she also directed. Tango queerido is her second documentary feature as a director.

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Te prometo anarquía I Promise You Anarchy México / Alemania Mexico / Germany, 2015 88’ / Color Español - Spanish D: Julio Hernández Cordón F: María Secco E: Lenz Claure DA: Elizabeth Medrano S: Axel Mishael Muñoz, Alex de Icaza P: Sandra Gómez CP: Interior XIII, Rohfilm I: Diego Calva , Eduardo Martínez Contacto / Contact Latido Films [email protected]

Condones usados colgando de una escalera. Chicos que hablan de ordeñarse. Miguel y Johnny son amigos desde la infancia y patinan muy bien. Los actores fueron elegidos a través de Facebook, sin casting, y muestran con autenticidad algunos circuitos de skaters del DF mexicano en primavera. La ciudad está siempre presente, curiosamente desolada por momentos. Están solos y enamorados, presos de un business que por momentos parece que los salvará de sus vidas y que cada tanto suena innecesario, prescindible. Podrían estar así como están por años, como desde niños. Venden su sangre y lo intentan con un negocio que, de entrada, no parece cerrar bien. No puede salir bien, cada movimiento es una mala jugada. Las venéreas y el amor romántico hacen de las suyas en una relación compleja, condenada a la tragedia, vivida con rabia, paranoia, desencuentros y una atmósfera noir de gángsters melancólicos, anémicos. Las continuas alusiones al vampirismo no prometen vida eterna. La anarquía no los toca con su varita mágica. La banda sonora es bellísima y ellos, probablemente, también. Dani Umpi Used condoms hanging from a staircase. Boys talking about milking each other. Miguel and Johnny are childhood friends, and very good skaters. The actors were chosen through Facebook, without auditions, and they show some of the authentic skateboarding circuits of Mexico City in the spring. The city is ever-present, at times curiously desolate. They are alone and in love, tied to a business that often seems like it’s going to save their lives and every so often sounds unnecessary, dispensable. They could go on like this for years, and could have been like this since they were kids. They sell their blood and try a business that doesn’t seem to add up at first sight. It couldn’t go well, every move they make is wrong. Venereal diseases and romantic love do their thing in a complex, doomed relationship they experience with rage, paranoia, disagreement and a noir atmosphere of melancholy, anemic gangsters. The continuous allusions to vampirism don’t promise eternal life. Anarchy doesn’t touch them with its magic wand. The soundtrack is beautiful, and they probably are, too. DU

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Julio Hernández Cordón Nacido en Carolina del Norte, estudió Comunicación y Periodismo en la Universidad Rafael Landívar de Guatemala, y luego Dirección de Cine en el Centro de Capacitación Cinematográfica de México. Realizó su primer corto, KM 31, en 2003, y su primer largometraje, Gasolina, ganó el Premio Horizontes en el Festival de San Sebastián de 2008. En 2010 dirigió Las marimbas del infierno y luego realizó Polvo, exhibida en el Concorso Internazionale de Locarno en 2012. Born in North Carolina, he studied Communication and Journalism at the Rafael Landívar University in Guatemala and Filmmaking at the Centro de Capacitación Cinematográfica in Mexico. He made his first short, KM 31, in 2003, and his first feature film, Gasolina, won the Horizontes Prize at the 2008 edition of the San Sebastián Festival. In 2010, he directed Marimbas from Hell, and then he made Polvo, screened at the Concorso internazionale at Locarno in 2012.

El culto a JT Leroy Estados Unidos - USA, 2015 91’ / Color Inglés - English D, P: Marjorie Sturm F: Peggy Peralta E: Josh Melrod S: Dave Nelson M: Ernesto Diaz-Infante PE: Andrew Anker, Renee Anker, William Hirsch CP: Purplemaze Productions I: Stephen Beachy, Geoffrey Knoop, Dennis Cooper, Ira Silverberg, Bruce Benderson, Jeffrey Kusama-Hinte

Había una vez en Estados Unidos un ambiente literario aburrido y monótono en el que de un día para otro hizo su aparición un joven rubio, andrógino, que maravillaba a todos y todas con sus textos viscerales y una historia de vida increíble. No solo el mundo de las letras cayó a sus pies, sino también el del cine, el de la música; todos querían una foto con JT Leroy, ser parte de sus lecturas o de su vida. Pero claro, esa increíble historia lo era por una razón: resultó no ser todo lo que aparentaba. Marjorie Sturm, la directora de esta película, siguió desde sus comienzos este happening moderno y, con un asombroso acceso, material de archivo y entrevistas a sus protagonistas, reconstruye cómo fue que esa gran mentira rubia pudo convertirse en una realidad, vender miles de libros y llenar los titulares de las secciones de arte de los diarios de todo el mundo. Un cuento de hadas, una radiografía despiadada del mundo moderno, o simplemente la historia de una chica que se propuso lograr su objetivo sin detenerse frente a ningún tipo de límite u obstáculo. Leandro Listorti Once upon a time in America there was a boring, monotonous literary circle where suddenly one day a young androgynous blonde emerged and marveled everyone with his visceral texts and unbelievable life story. Not only did the literary world surrender at his feet, he also conquered the film and music scene: everyone wanted a picture with JT Leroy, to be part of his readings or his life. But, of course, there was a reason his story was unbelievable: it turned out a to be bit different from what it seemed. Marjorie Sturm, the director of this film, followed this modern happening ever since its beginnings with amazing access, and through archive footage and interviews with its protagonists, she reconstructs how that great blonde lie became a reality, sold thousands of books, and filled headlines of art sections in newspapers around the world. A fairytale, a ruthless study of the modern world, or just the story of a girl who set herself to achieve her goal at all costs. LL

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The Cult of JT Leroy

Contacto / Contact Purplemaze Productions Marjorie Sturm +1 415 438 0701 [email protected] [email protected] jtleroydocumentary.com

Marjorie Sturm Estudió Psicología en la Universidad de Michigan, y tiene un Máster en Cine de la Universidad de San Francisco. También estudió música, poesía y religión comparada, y fue trabajadora social. Dirigió films de ficción, documentales y experimentales, como 99% Occupy Wall Street Collaborative Film, estrenado en Sundance en 2013. Actualmente realiza videos de activismo social para la ONG Consumers Union. She studied psychology at the University of Michigan with an MFA in Cinema from the State University of Chicago. She also studied poetry, music, and compared religion, and made a career as a social worker. She directed fiction, documentary, and experimental films, including 99% Occupy Wall Street Collaborative Film, which premiered in Sundance in 2013. She currently creates social activism videos for the non-profit Consumers Union. 55

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This is Gay Propaganda: LGBT Rights & The War in Ukraine Esto es propaganda gay: los derechos LGBT y la guerra en Ucrania Canadá - Canada, 2015 53’ / Color Inglés / Ucraniano / Ruso English / Ukranian / Russian D, G, P: Marusya Bociurkiw F: Maryna Liapina E: Karen Vanderborght S: Steve Cupani M: Rob Teehan Contacto / Contact Marusya Bociurkiw +1 647 898 2414 [email protected]

Marusya Bociurkiw Uno de los reclamos básicos y más antiguos de la comunidad lgbtiq es el reconocimiento del compromiso y la participación de las comunidades queer a lo largo de la historia, especialmente en los momentos en los que estos formaron parte de cambios sociales. Durante las manifestaciones, protestas y acciones que se conocieron como Euromaidán y desembocaron en el derrocamiento del presidente ucraniano Víktor Yanukóvich, muchas personas lgtbiq tuvieron un rol importante, pero fueron invisibilizadas. La cámara de la cineasta canadiense Marusya Bociurkiw se propone enmendar ese error, en encuentros con activistas que trabajan contra la ley rusa que criminaliza la homosexualidad, buscando a protagonistas de una lucha y de una resistencia que todavía continúa abierta. Una descripción inmersiva y marginal en refugios para perseguid*s polític*s, un diario de viaje por tres ciudades, de Kiev a Odessa, la crónica de una revolución en curso, un grupo de testimonios que siguen el pulso de un presente en el que la voz y el cuerpo están comprometidos en alcanzar la libertad: este documental es la búsqueda de la mejor acción para hacer visibles rostros de la urgencia del presente.

Escribió y dirigió películas y videos, como What’s the Ukrainian Word for Sex? (2009), y publicó cinco libros, incluido el galardonado Comfort Food for Breakups: The Memoir of a Hungry Girl (2007). Es activista mediática, profesora asociada de Teoría de los Medios, y directora del Studio for Media Activism & Critical Thought en la Universidad Ryerson, en Toronto.

Diego Trerotola

She’s a writer and director of several films and videos, including What’s the Ukrainian Word for Sex? (2009), and also five books, including the award-winning Comfort Food for Breakups: The Memoir of a Hungry Girl (2007). She is a media activist, an associate professor of media theory, and director of the Studio for Media Activism & Critical Thought, at Ryerson University in Toronto.

One of the most basic and long-standing claims of the lgbtiq community is the acknowledgement of the commitment and involvement of queer communities throughout history, especially when they were part of social change. During the demonstrations, protests and actions known as Euromadian, which ended in the overthrow of Ukrainian president Viktor Yanukovych, many lgtbiq people played an important role, and yet they were overshadowed. Canadian filmmaker Marusya Bociurkiv’s camera sets out to amend that mistake through meetings with activist who work against the Russian law that criminalizes homosexuality, the protagonists of a struggle and a resistance that still goes on. An immersive, marginal description in shelters for politically persecuted people, a travelogue across three cities –from Kiev to Odessa– a chronicle of an ongoing revolution, and a group of testimonies by the pulse of current affairs in which both voices and bodies are committed to achieve freedom: this documentary is a search for the best possible action that would make display the faces of today’s urgency. DT

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Transiciones en La Habana Países Bajos / Alemania The Netherlands / Germany, 2016 88’ / Color Español - Spanish D: Daniel Abma G: Alex Bakker F: Johannes Praus E: Jana Dugnus S: Alex Praet M: Alex Simu P: Iris Lammertsma, Stefan Kloos PE: Veronika Janatkova, Nazima Mintjes CP: Witfilm, Kloos & Co. Medien

El documental del holandés Daniel Abma hace foco en la complejísima realidad trans en La Habana de nuestros días: la búsqueda identitaria a traves de la cirugía, la obligación de soñar, la pobreza, la prostitución y los cambios en la cultura desde la asunción de Raúl Castro hasta hoy. Con el son y el malecón de fondo, los nuevos héroes de esta revolución cubana vienen enriqueciendo la Revolución, como arriesga el afiche de la película. Esta crónica actualiza la mirada sobre el tema a través de la vida cotidiana de sus tres protagonistas: Odette es pastora y convive con sus cristianísimas madre y abuela, quienes rechazan su condición de mujer trans. Cuando era Osmani, era tanquista: “No se dieron cuenta porque lo fingí muy bien”. Juani era mujer –es el primer transgénero cubano– y, si bien ya se operó, requiere de un implante de erección para “darle vida a su pancho”. Malú declara: “Tengo que comprender que la gente no entiende”. Es militante del colectivo lgbtiq cubano y aguarda su cirugía de reasignación de género, una de las cinco operaciones al año que se realizan en la isla, a través del Centro Nacional de Educación Sexual que dirige Mariela Castro, hija de Fidel y presente en el documental. Si bien los derechos de estas minorías eran una asignatura pendiente de la Revolución, “sin revolución social no hay revolución sexual”. Camilo Juárez País Dutch filmmaker Daniel Abma’s documentary centers on the very complex trans reality in Havana today: the search for an identity through surgery, the obligation of dreaming, poverty, prostitution, and changes in culture since the rise of Raul Castro until the present day. With son and the malecon in the background, the new heroes of this Cuban revolution enrich the Revolutionm, as the poster of the film states. This chronicle updates the views on the issue through the everyday life of its three protagonists: Odette is a pastor who lives with her very Christian mother and grandmother, who reject her condition of being a trans woman: “They didn’t realize because I was faking it so well”. Juani was a woman –he’s the first Cuban transgender person– and although he already went through surgery, he still requires an erection implant in order to “give life to his hot dog”. Malú states: “I need to understand that people doesn’t”. She’s an activist of the lgbtiq community and awaits for her gender reassigning surgery, one of the five annual procedures done in the island through the National Center for Sexual Education ran by Mariela Castro, the daughter of Fidel featured in this documentary. Even if the rights of these minorities were a pending subject of the Revolution, “without any social revolution, there is no sexual revolution”.

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Transit Havana

Contacto / Contact Rise and Shine World Sales Diana Karklin +49 30 4737 2980 [email protected] riseandshine-berlin.de

Daniel Abma Nació en 1978 en los Países Bajos. Se formó como docente y trabajó con jóvenes en Berlín y Brandeburgo. Estudió Dirección en la Universidad de Cine Babelsberg Konrad Wolf, con especialización en documental. Transit Havana es su ópera prima. He was born in 1978 in the Netherlands. He trained as a schoolteacher and worked with young people in Berlin and Brandeburgo. He studied film at the Film University Babelsberg Konrad Wolf, with a focus on documentaries. Transit Havana is his debut film.

CJP

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Reina de corazones Queen of Hearts Argentina, 2016 82’ / Color Español - Spanish D, G, E, P, CP: Guillermo Bergandi F: Ramiro Cornidez DA: Gilda Tesone, Mauro Savarino S: Daniel Celina M: Mariano Lemon PE: Nadia Martínez I: Daniela Ruiz, Estefanía Menzel, Emma Serna, Mar Morales, Nicole Cagy, Camila Salvatierra, Alessandra Babino, Valeria Pereira, Guadalupe Sánchez, Gissel Gali, Lourdes Arias

Creada en 2010, la compañía Ar/TV Trans reúne a un grupo de travestis y transexuales que trabajan en el mundo de los espectáculos teatrales. Ellas no solo comparten y dramatizan experiencias personales, como la pieza colectiva Hotel Golondrina, sino que también llevan a escena obras del repertorio universal, como La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca. En los Monólogos de las tetas con pene, el registro vira al humor y condensa las miradas sobre el propio cuerpo. Reina de corazones narra, desde el punto de vista de sus integrantes, el nacimiento, el desarrollo y los objetivos de esta compañía teatral de la diversidad sexual. Ellas la viven como un inédito fenómeno cultural de expresión, que representa un paso adelante para un grupo social históricamente marginado. “La idea de la cooperativa fue visibilizar, desde una mirada de no marginación, a las personas travestis. Visibilizar desde el arte y desde la inserción laboral”, coinciden las integrantes de Ar/TV Trans en este documental cálido y esperanzador. Reina de corazones las escucha generosamente para retratarlas como grupo y a la vez en sus historias particulares, esas que muestran que todo colectivo está formado por personas distintas, irreductibles, únicas. Daniel Gigena Created in 2010, the company Ar/TV gathers a group of transvestites and transexuals working in the theater business. Not only do they share and dramatize personal experiences like the collective piece Hotel Golondrina; they also stage plays from the universal repertoire, such as Federico García Lorca’s The House of Bernarda Alba. In the Monólogos de las tetas con pene (“Tits with Penis Monologues”), they shift to comedy as they summarize their views on their own bodies. From the point of view of its members, Queen of Hearts narrates the birth, development and goals of this sexually diverse theater company. They live it as a unique phenomenon of cultural expression that represents a step forward for a social group that was historically marginalized. “The idea of the co-op was to expose transvestite people from a perspective of non-marginalization. To expose them through art and job placements,” the Ar/TV Trans members agree in this warm, hopeful documentary. Queen of Hearts listens to them generously in order to portray them as a group as well as their personal stories, which show all collectives are actually made of diverse, irreducible, and unique individuals. DG

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Contacto / Contact Guillermo Bergandi +54 9 11 5747 4486 [email protected] reinadocumental.com.ar

Guillermo Bergandi Egresó de la Universidad del Cine como director en 2001. Dirigió El marfil (2004) y el corto Carlitos seductor (2005), el cual participó en el Berlinale Talent Campus. Luego se dedicó a dirigir institucionales y comerciales. Reina de corazones es su primer largo documental. He graduated in filmmaking from Universidad del Cine in 2001. He directed The Ivory (2004) and the short film Carlitos seductor (2005), which participated in the Berlinale Talent Campus. He later directed institutional films and commercials. Queen of Hearts is his first documentary feature.

Italia - Italy, 2014 72’ / Color Italiano - Italian D, F, P: Bartolomeo Pampaloni E: Eliott Maintigneux S: Bartolomeo Pampaloni, François Abdelnour M: Zeno Gabaglio CP: Bartolomeo Pampaloni, Albamada I: Stefano Pili, Antonio Allegra, Gianluca Masala, Angelo Scarpa Contacto / Contact Bartolomeo Pampaloni +39 349 083 1080 [email protected] bartolomeopampaloni.com

Como muchas otras alrededor del mundo, la estación terminal de trenes de Roma, la segunda más grande de Europa, representa un espacio donde conviven millones de personas todos los días por unos minutos. Pero algunos se vieron forzados a elegirla como lugar de residencia en reemplazo de las calles de las que fueron expulsados. Los protagonistas de este film son cuatro personas sin techo, invisibles o descartadas, desesperanzadas pero peleando día a día contra los obstáculos que se presentan en la forma de adicciones y soledad. En su ópera prima, Pampaloni se toma el tiempo de dejar hablar a los protagonistas a la espera de que surja la historia precisa narrada con las palabras justas. Y se instala en la intimidad sin ser percibido, como aquella escena en la que dos hombres se ayudan a depilarse pero terminan a las trompadas. Entre altoparlantes que no dan respiro y publicidades que tientan con ofertas, estos hombres viven marginalizados, por fuera de los dictámenes de la sociedad y sus reglas establecidas. Leandro Listorti Like many others around the world, Rome’s terminal station –the second largest in Europe– is a place where millions of people coexist every day for a few minutes. Yet some people were forced to choose the place as their home instead of the streets they were thrown out of. The protagonists in this film are four homeless people, invisible or rejected, hopeless but struggling day after day against obstacles like addictions and loneliness. In his first feature, Pampaloni takes the time to let the protagonists talk and wait for a precise story, narrated with just the right words. He achieves intimacy without being perceived, like in the scene where two men help each other shave but end up fighting. Amidst the ever-present loudspeakers and advertisements that tempt you with sales, these men live marginalized, outside society’s established rules. LL

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Roma Termini

Bartolomeo Pampaloni Se graduó en Filosofía Estética en la Universidad de Florencia y luego estudió Artes y Entretenimiento en París. Mientras tanto, dirigió sus primeros cortometrajes y comenzó a trabajar en cine y televisión. En 2008 entró en el Centro Sperimentale di Cinematografia, donde estudió Dirección por tres años. Roma Termini es su primer largometraje. After graduating in aesthetic philosophy at the University of Florence, he studied Arts and Entertainment in Paris. Meanwhile, he directed his first short films and began to work in cinema and television sets. Admitted in 2008 to the Centro Sperimentale di Cinematografia, he studied there as a director for three years. Roma Termini is his first feature-length film.

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Strike a Pose Ponete en pose Países Bajos / Bélgica The Netherlands / Bélgica, 2016 83’ / Color + B&N Inglés - English D, G: Ester Gould, Reijer Zwaan F: Reinout Steenhuizen E: Dorith Vinken S: Carla van der Meijs M: Bart Westerlaken P: Denis Wigman, Reijer Zwaan, Sander Verdonk, Rosan Boersma, Ester Gould CP: CMT Docs, The Other Room Contacto / Contact Cinephil. Philippa Kowarsky +972 3 566 4129 [email protected] / Cinephil.com

En 1990, siete bailarines –6 gays, 1 heterosexual– se sumaron a la gira más controversial de Madonna, que luego fue retratada en el documental A la cama con Madonna. La cantante aprovecharía el film para tomar posición en torno a los derechos lgbt, la libertad de expresión y la lucha contra el sida. Los glamorosos bailarines de la diva se transformaron así en íconos de la revolución sexual, e inspiraron a gente de todo el mundo que al día de hoy siguen enviando cartas de agradecimiento contando cómo la película cambió sus vidas. Pero la de los bailarines era, de hecho, muy distinta: el avergonzado Gabriel, por ejemplo, llegó a demandar a Madonna cuando ella no quiso editar la escena en la que besaba a otro hombre. Carlton, el único autorizado a levantar el cuerpo de la cantante, ocultó al punto del colapso su condición de ser VIH positivo. Un tercero todavía esconde un secreto, y está listo para sincerarse. Hoy, los bailarines cuentan por primera vez lo difícil que fue vivir esa misma vida libre que promocionaban en el escenario, y revelan el poder represivo del miedo a ser juzgados. Veinticinco años después de la gira y del film que marcó para siempre tanto las culturas pop y gay como sus propias vidas, sus historias vuelven a inspirarnos. In 1990, seven young male dancers –6 gay, 1 straight– joined Madonna on her most controversial tour, later featured in the iconic film Madonna: Truth or Dare. Madonna used the film to take a stand on gay rights, freedom of expression and the fight against AIDS. These flamboyant dancers became icons of sexual freedom, inspiring people all over the world, and receiving thank-you letters from people around the world recalling how the film changed their lives, even today. Yet the dancers’ own lives were actually quite different: in fact, one of them, Gabriel was ashamed enough to even file a lawsuit against Madonna when she refused to cut a scene where he kissed another man. Carlton, the only dancer who was trusted to lift up the pop icon, was HIV-positive and almost collapsed under the secret that he was carrying on tour. A third dancer is still hiding an important part of himself and now finally wants to open up. Today, they tell us how hard it has been to live the liberated life they were promoting on stage, and reveal the true repressive power of the fear of other people’s judgment. Twenty-five years after the tour and the film that marked pop and gay culture as much as their own lives, their stories inspire us once again.

Ester Gould Nació en Escocia en 1975. Estudió Periodismo y Cine en Ámsterdam y Nueva York. Su primer largo documental, Shout (codirigido con Sabine Lubbe Bakker), ganó el premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine Documental de Londres en 2010. Born in Scotland in 1975, she studied journalism and film in Amsterdam and New York. Her debut feature documentary Shout (co-directed with Sabine Lubbe Bakker) won the prize for Best Film at the London International Documentary Film Festival in 2010.

Reijer Zwaan Nació en Ámsterdam, Países Bajos, en 1981. Estudió Actuación en el Lee Strasberg Theater & Film Institute en Nueva York y luego Política en Ámsterdam y Nueva York. Es jefe de redacción asistente de Nieuwsuur, el programa de actualidad más importante de los Países Bajos. Born in Amsterdam, the Netherlands in 1981, he studied acting at the Lee Strasberg Theatre & Film Institute in New York and then politics in Amsterdam and New York. He is deputy editor-in-chief for Nieuwsuur, the main current affairs programme in the Netherlands.

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La zorra Canadá - Canada, 1967 110’ / Color Inglés - English D: Mark Rydell G: Lewis John Carlino, Howard Koch, D.H. Lawrence F: William A. Fraker E: Thomas Stanford DA: Charles Bailey S: Des Dollery, Kay Rose, James Nelson M: Lalo Schifrin P: Raymond Stross PE: Steve Broidy CP: Motion Pictures International I: Sandy Dennis, Anne Heywood, Keir Dullea

Jill Banford (Sandy Dennis) y Ellen March (Anne Heywood) luchan por mantenerse criando gallinas en una granja aislada en la zona rural de Canadá. La dependiente Jill se ocupa de las tareas de la casa y la economía del hogar, mientras que la autosuficiente Ellen se encarga de los trabajos pesados, como hachar madera, arreglar las cercas y perseguir a la zorra que no deja de atacar los gallineros, aunque todavía duda de si matarla o no. Jill parece contenta con su existencia recluida, pero a Ellen esa soledad le parece menos encantadora. En pleno invierno, el marino mercante Paul Grenfel llega en busca de su abuelo, antiguo dueño de la granja y hoy fallecido. Sin lugar a donde ir durante su licencia, persuade a las mujeres de que le permitan quedarse con ellas a cambio de ayuda en su trabajo. La tensión entre los tres aumenta lentamente cuando el interés del hombre por Ellen despierta el resentimiento y los celos de Jill. Basada en la novela que D. H. Lawrence escribió cinco años antes de El amante de Lady Chatterley, la película ganó el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera y su banda sonora, a cargo de Lalo Schifrin, fue nominada. El film se estrenó luego de la disolución del Código de Producción de la Motion Picture Association of America, lo cual habilitó las escenas de desnudez, masturbación y sexo entre Paul y Ellen, y entre Ellen y Jill. Jill Banford (Sandy Dennis) and Ellen March (Anne Heywood) struggle to support themselves by raising chickens in an isolated farm in rural Canada. Dependent Jill tends to household chores and finances while the self-sufficient Ellen deals with heavier work, such as chopping wood, repairing fences, and chasing the fox that keeps raiding their henhouses, although she is hesitant about killing it. Jill seems content with their secluded existence, but Ellen is less enchanted by the solitude. In the dead of winter, merchant seaman Paul Grenfel arrives in search of his grandfather, the deceased former owner of the farm. With nowhere else to go while on leave, he persuades the women to allow him to stay with them in exchange for helping with the work. Tension between the three slowly escalates when his attentions towards Ellen awakens Jill’s resentment and jealousy. Based on the novella D. H. Lawrence wrote five years before Lady Chatterley’s Lover, the film won the Golden Globe for Best Foreign Film, and was nominated for best score, by Lalo Schifrin. The film was released right after the dissolution of the Motion Picture Association of America Production Code, a scenario that enabled the inclusion the scenes of nudity, masturbation, and sex involving Paul and Ellen, and Ellen and Jill.

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The Fox

Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

Mark Rydell Director, actor y productor de cine estadounidense. Como actor, trabajó en películas como El largo adiós (1973), de Robert Altman, y La mirada de los otros (2002), de Woody Allen, entre otras. Como director, su filmografía incluye La rosa (1979), Río violento (1985) y Por los muchachos (1991), entre otros largometrajes. He is an American director, actor and producer. As an actor he starred in films such as Robert Altman’s The Long Goodbye (1973) and Woody Allen’s Hollywood Ending (2002). As a director, his filmography includes The Rose (1979), The River (1985), and For the Boys (1991), among others.

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Théo et Hugo dans le même bateau Paris 05:59 / Théo y Hugo en el mismo barco Francia - France, 2016 97’ / Color Francés - French D, G: Olivier Ducastel, Jacques Martineau F: Manuel Marmier E: Pierre Deschamps S: Tristan Pontécaille, Victor Praud P: Emmanuel Chaumet PE: Diane Weber-Seban CP: Ecce Films I: Geoffrey Couët, François Nambot Contacto / Contact Ecce Films Louise Rinaldi +33 616 312 952 [email protected]

Théo y Hugo se conocen en un club de sexo. Todos se relacionan con todos y el sexo fluye. La luz es roja y en las paredes, al alcance de la mano, sobran preservativos, lubricante y papel para higienizarse. Theo penetra a un desconocido mientras Hugo hace lo mismo por su lado. Los cuerpos se comparten, por eso sus bocas se encuentran en un beso que parece modificarlo todo y separarlos del cosmos en el que están inmersos. Se cogen/ se aman solos. Con esta escena de quince minutos arranca Théo et Hugo dans le même bateau, y lo que parecía ser una película que solo pretende provocar por sus escenas de sexo explícito y por su retrato de la promiscuidad se transforma en una valiente historia de amor. Se van juntos al mundo. Juntos y solos. Uno confiesa que sintió una chispa tan especial que lo llevó a no usar preservativo. El otro se ve obligado a decir que es portador. Juntos, durante la noche, en una carrera contra el tiempo, tendrán que poner a prueba sus propios miedos, prejuicios e ideas del amor sobre la mesa, mientras buscan un medicamento antirretroviral lo más pronto posible para que la exposición no resulte en una infección. Una gran película sobre el sexo, el deseo, los miedos que todos todavía le tenemos al VIH y, sobre todo, el amor como fuerza primaria. Marco Berger Theo and Hugo meet at a sex club. Everyone relates with everyone, and sex flows. The light is red and the walls are filled with condoms, lubricant and paper towels. Theo penetrates a stranger while Hugo does the same elsewhere. Bodies are shared, and that’s why their mouths find each other in a kiss that seems to modify everything and separate them from the cosmos they’re immersed in. They fuck/love each other alone. This fifteen-minutes scene opens Théo et Hugo dans le même bateau, and what seems to be a film that only aims to provoke through its explicit sex scenes and depiction of promiscuity actually turns into a brave love story. They head off together to the world. Together and alone. One of them confesses he felt such a special spark that it led him not to wear a condom. The other sees himself forced to say he’s HIV positive. Together, at night, in a race against time, they have to put their own fears, prejudice and ideas about love to the test, as they try to find anti-retroviral medicine as soon as possible to prevent the exposure to become an infection. A great film about sex, desire, the fears we still have towards HIV and, above all, love as a primary force. MB

Olivier Ducastel Nacido en Lyon en 1962, dirige el departamento de Dirección de la FÉMIS. Junto a Martineau ha dirigido varios films, incluidos Jeanne et le garçon formidable (1998), Drôle de Félix (2000, ganadora del Teddy Award en Berlín) y L’Arbre et la forêt (2010), entre otras. Born in Lyon in 1962, he runs the direction department at FÉMIS. He and Martineau have directed several films, including Jeanne and the Perfect Guy (1998), Adventures of Felix (2000, Teddy Award winner in Berlin), and Family Tree (2010), among others.

Jacques Martineau Nació en Montpellier en 1963. Se graduó en Literatura con un doctorado sobre Honoré de Balzac, y es profesor de Letras y Guion en la Universidad París-Ouest. He was born in Montpellier in 1963. He studied literature, graduating with a PhD on Honoré de Balzac. A lecturer in literature and script writing at the Université Paris-Ouest.

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Venezuela, 2015 81’ / Color Español - Spanish D, G, PE: John Petrizzelli F: Víctor Pérez E: Juan Rodríguez DA: Wilfredo Torres S: Gabriel González M: Roberto Tarzieris P: John Petrizzelli, Adriana Herrera CP: Infinito Films, Alfarería Cinematográfica I: Orlando Daza, Edgar Carrasco, Félix Díaz, Alfredo Giuliano, Armando Rojas Guardia

Varias historias paralelas se articulan alrededor de la idea más o menos abstracta del parentesco del título. Así, relatos de tíos adultos mayores y sus sobrinos, todos de muy diversa naturaleza humana y extracción social, se reúnen bajo el denominador común de la homosexualidad. Entre esas historias está la que cuenta la relación de un tío neurótico y fantasioso, ya difunto, con su sobrino, el narrador de la historia y director de este documental. Otro tío, travesti y antigua imitadora de Celia Cruz, vende tupperwares de puerta en puerta a pesar de sus años, mientras su sobrino se empeña en formar como bailarines a jóvenes gays descarriados. Se suman los relatos de un tío que cose en una vieja máquina y su sobrina, madre soltera, que vive en un hostil barrio pobre de la capital. Alfredo, peluquero solitario, se empeña en mantenerse en el top del estilismo a pesar de su edad, mientras que Orlando vive de sus recuerdos como actor y bailarín en un departamento abandonado de clase media. Armando, el poeta, lucha contra su enfermedad mental mientras escribe poemas sobre el amor prohibido. Y, finalmente, Edgar reflexiona sobre su vida de activista por los derechos de las minorías. Leandro Listorti Several parallel stories articulate around the more or less abstract idea of the kinship mentioned in the film’s title. So, stories about old uncles and their nephews and nieces, all of them of diverse human nature and social backgrounds, are gathered under the common denominator of homosexuality. One of the stories features the relationship between a deceased neurotic and imaginative uncle and his nephew, the narrator of the story and director of this documentary. Another uncle, a transvestite and former Celia Cruz impersonator, sells tupperware door to door in spite of his age, while his nephew trains young wayward gay men as dancers. There are also stories of an uncle who sews in his old machine and his niece, a single mother who lives in a poor and hostile neighborhood in the capital. Alfredo, a lonely hairdresser, insists on remaining a top stylist in spite of his age, while Orlando lives from his memories as an actor and dancer in a neglected middle-class apartment. Armando, the poet, fights his mental illness as he writes poems about forbidden love. And, finally, Edgar reflects on his life as an activist for minorities’ rights. LL

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Tí@s

Contacto / Contact Centro Nacional Autónomo de Cinematografía CNAC Leonardo Pineda +58 212 219 7776 [email protected] cnac.gob.ve

John Petrizzelli Es periodista, guionista y director. Estudió Comunicación Social en Venezuela, y Cine y Televisión en la Universidad de Nueva York. Con más de 25 años de experiencia, ha dirigido documentales y ficciones experimentales, como Mediodía lineal (1981), Carrao (1998), y El doctor de los milagros (2011). Trabaja como productor y director en Infinito Films, su compañía productora, con la que realiza comerciales y programas institucionales. He’s a journalist, scriptwriter and director. He studied Social Communication in Venezuela and Film and TV in the University of New York. With over 25 years of experience, he has directed documentaries and experimental fictions, including: Mediodía lineal (1981), Carrao (1998), and El doctor de los milagros (2011). He works as a producer and director through his production company Infinito Films making TV commercials and institutional programs. 63

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cortometrajes short Films

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Animal Un cuerpo, un ser vivo, un animal. Se mueve, se transforma, se queda quieto, respira. Se encuentra en una oscuridad profunda, en la que pareciera que todo es piel y sombras. Pero ese cuerpo tiene memoria, memoria de un mundo que hizo que sea. Todo lo que lo compone, todo lo que hace y todo lo que genera son reflejos de ese mundo. A body, a living thing, an animal. It moves, it transforms, it stays still, it breathes. It lives in a deep darkness where everything seems to be skin and shadows. But that body has a memory, a memory from a world that made it exist. Everything it makes, everything it does, and everything it generates, are all reflections of that world.

Argentina, 2016 6’ / Color Español - Spanish

Contacto / Contact Laura Arensburg +54 11 9 5134 7406 [email protected]

D, F, E, S, P: Laura Arensburg G: Laura Arensburg, Roberta Menzaghi I: Roberta Menzaghi

Laura Arensburg En 2005 terminó la carrera de Producción Cinematográfica en la ENERC. Junto a Mariano Swi dirigió los cortometrajes Shangai (2007) y 1.000.000 de niños luz (2012), el cual ganó el Concurso de Cortos Digitales INCAA en 2009. Desde 2014 es curadora y coordinadora del Ciclo Cuerpos sobre video experimental, danza y cuerpo en el Club Cultural Matienzo. In 2005, she majored in Film Production at the ENERC. Along with Mariano Swi, she wrote the shorts Shangai (2007) and 1.000.000 de niños luz (2012), which won the INCAA’s Digital Shorts Contest in 2009. Since 2014, she curates and coordinates the experimental video, dance and body exhibit Cuerpos at Club Cultural Matienzo.

Boys on the Rooftop Chicos en la terraza Sergio y Octavio se descubren mientras juegan juegos de deseo y seducción durante una noche de celebración. Una vez que esta termine, ambos tendrán una parte del otro: sus momentos gay compartidos. Sergio and Octavio discover each other playing games of desire and seduction during a celebration evening. Once it’s over, both of them will have a piece of each other: their joint gay moments.

Julián Hernández

México - Mexico , 2016 18’ / Color Español - Spanish D: Julián Hernández G: Emiliano Arenales Osorio, Sergio Loo F: Alejandro Cantú E: Adriana Martínez S: Luis René Camacho, Maxime Bedot, Armando Narváez del Valle M: Arturo Villela Vega P: Roberto Fiesco, Ernesto Martínez Arévalo, Iliana Reyes CP: Mil Nubes-Cine, Cine Invencible Cine I: Hugo Catalán, Alan Ramírez, Mauricio Rico

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Contacto / Contact The Open Reel [email protected] [email protected] theopenreel.com theopenreel.it

Nació en México DF en 1972, y se graduó en Cine en la universidad estatal UNAM. Dirigió Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor (2003, Premio Teddy en Berlín), El cielo dividido (2006), Rabioso sol, rabioso cielo (Premio Teddy en 2009) y Yo soy la felicidad de este mundo (2014), además de varios cortometrajes. Born in Mexico City in 1972, he graduated in film from the state University UNAM. He directed A Thousand Clouds of Peace Fence the Sky, Love, Your Being Love Will Never End (2003, Teddy Award at Berlin), Broken Sky (2006), Raging Sun, Raging Sky (Teddy Award in 2009), and I Am Happiness on Earth (2014), as well as several short films.

Dressing Room Detrás de escena, algunas juegan a no ser ellas mismas por un rato. El amor trágico, el agua hirviendo. Se sube el telón. Backstage, some play a game of not being themselves for a while. Tragic love. Boiling water. The curtain goes up.

Natasha Gurfinkel

Argentina, 2016 17’ / Color Español - Spanish D, G: Natasha Gurfinkel F: Ignacio Aveillé E: Ignacio Sesma, Natasha Gurfinkel DA: Carolina Canalis S: Sofía Lewcowicz M: Ignacio Sesma P: Malena Vain, 3Pibas Films PE: Natasha Gurfinkel, Universidad del Cine I: Vera Spinetta, Nicolás Goldschmidt, Mónica Gonzaga

Contacto / Contact Natasha Gurfinkel +54 9 11 6622 4567 [email protected] [email protected]

Nació en 1992 en Buenos Aires, y estudió Dirección Cinematográfica en la Universidad del Cine de Buenos Aires. Su filmografía como directora y productora incluye los cortos Un clásico y El ascensorista (ambos de 2013). Actualmente forma parte de 3Pibas Films junto a Laura Guinde y Malena Vain, con quienes desarrolla el segundo largometraje de Gonzalo Lugo, Anomia 90. Mientras tanto, escribe su ópera prima. She was born in Buenos Aires in 1992, and studied Filmmaking at the Universidad del Cine, in Buenos Aires. Her filmography as a director and producer includes the shorts Un clásico and El ascensorista (both 2013). She is currently part of 3Pibas Films alongside Laura Guinde and Malena Vain, with whom she’s developing Gonzalo Lugo’s second feature, Anomia 90. Meanwhile, she is writing her first feature.

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Camarín

Club Amazonas Varios tipos de opresión legal y social, entre ellos la misoginia, la homofobia y la transfobia, hacen que la gente se vaya de sus pueblos natales. El documental Club Amazonas está protagonizado por Jessica y Ángela, dos mujeres trans de Honduras que buscan tolerancia y oportunidades del otro lado de la frontera con México mientras reflexionan acerca de la libertad y la seguridad que los Estados Unidos les prometen. Many types of legal and social oppression cause people to leave their homelands, including misogyny, homophobia, and transphobia. The documentary Club Amazonas features two young transwomen from Honduras, Jessica and Angela, who seek tolerance and opportunity across the Mexican border while pondering the freedom and security promised by the United States.

México - Mexico , 2015 19’ / Color Español - Spanish D: Roberto Fiesco G: Roberto Fiesco, Julián Hernández F: Juan Carlos Carrasco E: Edson Ramírez, Emiliano Arenales Osorio S: Luis Argüelles, Armando Narváez del Valle M: Arturo Villela Vega P: Ernesto Martínez Arévalo, Iliana Reyes CP: Unión Europea, Red DH Migrantes, CDHDF, Mil Nubes-Cine, Ruta 66, Ibermedia I: Anyela Sharlot Zuniga, Jessica Mavissa Barrera, Zayra, Fray Tomás González,

Alan Contreras López Contacto / Contact The Open Reel [email protected] [email protected] theopenreel.com theopenreel.it

Roberto Fiesco Nacido en 1972, produjo diversos films premiados, como Broken Sky (2006), de Julián Hernández (director de Boys on the Rooftop, exhibida en Asterisco 2016), y Partes usadas (2006), de Aarón Fernández. También dirigió varios cortos, como David (ganador de los festivales lgbt de Guadalajara, Morelia y Turín, y el único corto mexicano exhibido en la Semana de la Crítica en Cannes 2006), y el largo documental Quebranto. Estatuas y Trémulo son sus últimas producciones. Born in 1972, he produced several award-winning films, including Broken Sky (2006) by Julian Hernández (director of Boys on the Rooftop, screened at Asterisco 2016), and Partes usadas (Aarón Fernández, 2006). He also directed several short films, including David, winner of the Guadalajara, Morelia and Turin lgbt festivals and the only Mexican short in Cannes’ 2006 Critics’ Week, and the documentary feature Disrupted. Estatus and Trémulo are his latest short film productions.

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Come una stella Like a Star / Como una estrella Patrizia, una transexual napolitana, dejó la calle luego de una vida entera dedicada a la prostitución. Es demasiado vieja y nadie la quiere: ya no es la estrella brillante de la vida nocturna de Roma. En una esquina, junto a la miseria y los traumas de una vida de excesos, reclama dignidad y libertad de elección mientras revela sus secretos más profundos frente a la cámara. Patrizia, a Neapolitan transsexual, quit the streets after an entire life as a prostitute. She’s too old now, so nobody wants her –she’s not the bright star of Rome’s nightlife anymore. Put against a corner, and alone with her misery and traumas after a life of excess, she demands dignity and freedom of choice as she unveils her deepest secrets in front of the camera.

Italia - Italy , 2013 13’ / Color Italiano - Italian D, F, E, S, P: Bartolomeo Pampaloni M: Zeno Gabaglio I: Patrizia

Contacto / Contact Bartolomeo Pampaloni +39 34 9083 1080 [email protected] bartolomeopampaloni.com

Bartolomeo Pampaloni Se graduó en Filosofía Estética en la Universidad de Florencia y luego estudió Artes y Entretenimiento en París. Mientras tanto, dirigió sus primeros cortometrajes y comenzó a trabajar en cine y televisión. En 2008 entró en el Centro Sperimentale di Cinematografia, donde estudió Dirección por tres años. Su largometraje Roma Termini se exhibe en esta misma sección de Asterisco. After graduating in aesthetic philosophy at the University of Florence, he studied Arts and Entertainment at the Paris VIII University. Meanwhile he directed his first short films and began to work in cinema and television sets. Admitted in 2008 to the Centro Sperimentale di Cinematografia, he studied there as a director for three years. His first feature film Roma Termini is also screened in this section of Asterisco.

Deconstrucción. Crónicas de Susy Shock Deconstruction - The Susy Shock Chronicles Desde el interior de la Pachamama hasta el centro de las capitales, Susy Shock hace camino. Tacos, maquillaje, calle, poesía y compañeras nos van introduciendo en su condición de reinventarse: ni varón, ni mujer, ni XXY, ni H2O. From the very heart of the Pachamama region to the center of the capital cities, Susy Shock creates her own path. High heels and make up, streets, poetry and companions; they all introduce us to her reinventing condition: not a man, not a woman, not XXY nor H2O.

Sofía Bianco Argentina, 2016 20’ / Color Español - Spanish D, G: Sofía Bianco F, P: Natalia Dagatti E: Sofía Scattini, Betiana Burgardt DA: Fernanda Guaglianone S: Juan Protto Blanc M: Susy Shock PE: Sofía Bianco, Natalia Dagatti CP: Fulgor Productora Audiovisual I: Susy Shock, Fernando Noy, Karen Bennet, Pauli Garnier

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Contacto / Contact Fulgor Productora Audiovisual Natalia Dagatti +54 221 15 602 0801 [email protected] facebook.com/ fulgorproductoraaudiovisual/

Es profesora de Artes Audiovisuales en la UNLP, y coprodujo y codirigió los documentales ¿Dónde está Darío Jerez? (2013), Darío presente (2014) y Construyendo miradas (2015). Escribió el guion del largometraje Las olas, que se encuentra en posproducción. A professor of Audiovisual Arts at the La Plata National University, she co-produced and co-directed the documentaries Where is Darío Jerez? (2013), Darío Is Here (2014) and Constructing Gazes (2015). She wrote the script for the feature film The Waves, currently in post-production stage.

Empowered Empoderadxs presenta una serie de cortometrajes que recorren la cotidianeidad de nuestros territorios y luchas. Seguridarks ofrece consejos de autodefensa para protegernos del mundo macho. Uso de copa menstrual es una alternativa de cuidado físico ante los métodos tóxicos de higiene femenina. En Planeta lesbinasi, una alienígena envía armas ultrasónicas para aniquilar a la especie machuna. El bosque de las feminasis es una sátira lesbofeminista de entrenamiento. Mochila feminasi recorre el inventario de la mochila de una activista. Un minuto de silencio macho presenta un cántico callejero de reapropiamiento de los espacios y los discursos. Femimantis

Argentina, 2016 10’ / Color Español - Spanish D, G, F, E, DA, S, M, P, PE, CP, I: Femimantis Creación Colectiva

Contacto / Contact Femimantis Carolina Reynoso + 54 9 11 6648 8115 [email protected] [email protected] femimantis.wordpress.com

Empowered presents a series of shorts that cover the everyday life of our territories and struggles. Seguridarks offers self-defense advice to protect us from the macho world. Uso de copa menstrual is an alternative for physical healthcare against the toxic methods of female hygiene. In Planeta lesbinasi, an alien sends ultrasonic weapons to annihilate the male species. El bosque de las feminasis is a lesbofeminist training satire. Mochila feminasi is an inventory of an activist’s backpack. Un minute de silencio presents a street chant for the reappropriation of spaces and discourse. Femimantis

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Empoderadxs

FEMIMANTIS Nos convoca la producción y difusión de un feminismo radical cuya base principal es la autodefensa y la producción cultural contrahegemónica. Nos interesa la visibilización en primera persona y colectiva de nuestro lesbofeminismo. El objetivo es compartir estrategias y tácticas de resistencia, supervivencia y defensa de nuestros espacios y cuerpos. We gather for the production and promotion of a radical feminism based on self-defense and counter-hegemonic cultural production. We’re interested in a first person and collective visibilization of our lesbian-feminism. Our goal is sharing strategies and techniques for resistance, survival and defense of our areas and bodies.

La castidad Chastity La castidad es la versión ficcional de un experimento micropolítico distinto de la pareja sexual y diferente de la amistad común. La fórmula podría denominarse “comunismo molecular”, pues tiene como horizonte la comunidad de bienes y aptitudes, pero también la fraternidad y la igualdad, así como cierta dilución de la división del trabajo. Hoy prima la convicción universal de que en el ejercicio de la sexualidad reside el secreto de la liberación humana. “El pacto vincular que asumimos impugna este lugar común”, dicen los realizadores. Pero no el afecto, no el cuidado, no la caricia.

Argentina, 2007 15’ / Color Español - Spanish D, G: Syd Krochmalny, Roberto Jacoby F: Rosana Shoijett E: Mónica Gómez S: Martín Liut, Pablo Chimenti M: Gerardo Gandini PE: Kiwi Sainz I: Nahuel Pérez Biscayart, Harry Avilio

Contacto / Contact Syd Krochmalny +54 9 11 3792 9879 [email protected]

Chastity is the fictional version of a micro-political experiment unlike the sexual couple and different from common friendship. The formula could be described as “molecular communism”, since it aims for a community of goods and abilities, but also fraternity and equality, as well as a certain dilution of the work division. Today there is a universal conviction that rules by stating that the secret of human liberation resides in the exercise of sexuality. “The binding pact we assume questions this common place,” the filmmakers say –but not affection, or caring, or caressing.

Syd Krochmalny Es artista, doctor en Sociología, profesor y editor de la revista del Centro de Investigaciones Artísticas. Realizó exhibiciones en diversos países y dirigió The Naked Soul (2013), entre otras obras. He is an artist with a PhD in Sociology, a professor, and editor of the magazine for the Center of Artistic Research. His artistic work has been exhibited in several countries, and he directed The Naked Soul (2013), among other films.

Roberto Jacoby Compuso canciones para el grupo Virus, y desde fines de los noventa realiza experimentos con redes sociales de artistas y no artistas. Dirigió Darkroom (2005) y El ascensor (2009), entre otros. He wrote songs for the band Virus and ever since the 1990s he made experiments with social networks of artists and non-artists. He directed Darkroom (2005) and El ascensor (2009), among other works.

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REYNAS - El arte drag queen QUEENS – The Drag Queen Art Juan Manuel no tiene un trabajo como cualquier otro: por las noches es Mina, una referente del arte drag queen en Argentina. En este documental nos cuenta sobre sus orígenes, su historia, los distintos tipos de queens y la movida del transformismo en Buenos Aires. Juan Manuel’s job is not a regular one: at night she is Mina, an icon of drag queen art in Argentina. In this documentary, he tells us about his origins, his story, the different types of queens, and everything related to the dragqueen scene in Buenos Aires.

Gonzalo Gorosito Argentina, 2015 9’ / Color Español - Spanish D, G, F, PE: Gonzalo Gorosito E: Gonzalo Gorosito, Jessie Naive DA: Natalia Atencio S: Jessie Naive P: Gonzalo Gorosito, Natalia Atencio, Jessie Naive, Patricio Graells, Jimena Fernández, Micaela García, Sofía Martinez I: Juan Manuel Capi

Contacto / Contact Gonzalo Gorosito +54 9 11 4974 6208 [email protected] gonzalogorosito.com.ar

Nació en Buenos Aires en 1994 y se graduó en Producción y Dirección de Radio y Televisión. Dirigió videoclips y los cortometrajes Una historia de talento en Buenos Aires (2014), Reflejos del pasado y Diana (ambos de 2016), con los que ha ganado varios premios internacionales. He was born in Buenos Aires in 1994, and graduated in Production and Direction of Radio and Television. He directed music videos as well as the shorts Una historia de talento en Buenos Aires (2014), Reflejos del pasado and Diana (both 2016), with which he won many international awards.

Transfobia Transphobia Dedicada a la memoria de Lohana Berkins, Diana Sacayán y todos los seres humanos que soportan clandestinamente la injusticia, Transfobia nace para visibilizar a la comunidad trans y las problemáticas que esta enfrenta. Excluidas, marginadas y presas de un sistema que las arrastra a un mundo de drogas y prostitución y las expone al peligro relegándolas a la soledad, mientras impone que por ser trans no merecen otro mundo más que ese. Un llamado a la conciencia y la denuncia artística de cómo la sociedad es cómplice del silencio al negar al que considera diferente, sin darle la posibilidad de imaginar otra vida.

Argentina, 2016 5’ / Color + B&N Español - Spanish D, G, E: Sergio Bonacci Lapalma F: Mel Rico M, P: PECO PE: Yanina Lugo CP: Maldita Productions I: Alma Fernandez, Marcelo Roberto Gómez, Facundo Cordich, Berna López, Peco, Leandro Ariel Bordicelli, Maximiliano Padilla, Claudio Andrés Durante, Paloma y María Victoria Arias

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Contacto / Contact Maldita Productions Sergio Bonacci Lapalma +1 323 794 4392 [email protected] malditaproductions.wix.com/ malditaprod

Dedicated to the memory of Lohana Berkins, Diana Sacayán and everyone who secretly endures injustice, Transphobia is born out of the need to increase the visibility of the trans community, and the problems trans people face. Excluded, marginalized and victimized by a system that drags them into a world of drugs and prostitution, endangering and relegating them to solitude while imposing the notion that they don’t deserve any other type of life because they are trans. This is a call to conscience, an artistic denouncement of how society is an accessory to silence when it denies those regarded as different without giving them a chance to imagine another life.

Sergio Bonacci Lapalma Director y montajista argentino-americano. Estudió Dirección de Cine y TV y Dirección de Fotografía. Dirigió cortometrajes independientes, videoarte y otros videos experimentales. Dirigió el corto La maldita presa (2009) y el documental La maldita ilusión (2014), y produjo Soy Ringo (2014), de José Luis Nacci. Junto con Lisandro Negromanti, lleva adelante Maldita Productions. An American-Argentine director and editor, he majored in film and TV direction and cinematography. He directed independent short films, video art, and other experimental videos. He directed the short film The Bloody Prew (2009) and the documentary The Bloody Illusion (2014), and produced José Luis Nacci’s I’m Ringo (2014). He runs Maldita Productions with Lisandro Negromanti.

Amante encubierta Durante una muestra de fotografía, un hombre disfruta de asustar a una chica hasta que ella decide irse de la exhibición. El hombre la persigue por calles cada vez más oscuras y remotas. ¿Un hombre y una mujer? ¿Quién es más dominante? At a photo exhibition, a man enjoys scaring a girl, until she decides to leave the show. The man runs after her, through increasingly dark and isolated streets. A man and a woman? Which one is more dominant?

Giulio Ciancamerla Italia - Italy, 2016 13’ / Color D, E: Giulio Ciancamerla G: Giulio Ciancamerla, Lucio Massa F: Stefano Petti DA: Lucio Massa, Giulio Ciancamerla S: Salvatore Tagliavia M: irs, Negativeself, A Happy Death P: Lucio Massa PE: Lucio Massa, Cristina De Carolis CP: Japacom Trading I: Stefania Visconti, Leonardo Pace, Asia Liguori

Contacto / Contact Japacom Trading Lucio Massa +39 366 473 029 [email protected] [email protected] japacomtrading.com

En 2005 creó un sello independiente que produce y distribuye proyectos multimedia under. Mientras tanto, trabajó como asistente de dirección en cortos, documentales y largos, y dirigió una serie de cortos de bajo presupuesto. Undercover Mistress es su último trabajo. In 2005, he created an independent company that produces and distributes underground multimedia projects. In the meantime, he has worked as assistant director in shorts, documentaries and features, and directed a series of lowbudget shorts. Undercover Mistress is his latest work.

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Undercover Mistress

Xavier Nicolas se da cuenta de que Xavier, su hijo de once años, pasa su tiempo no solo tocando la batería, sino también prestándole atención a cierto tipo de chicos. Nicolas notices that his eleven year old son Xavier spends his time not only playing drums, but also paying attention to a certain type of boys.

Ricky Mastro Se graduó en Teatro y Cine. Produjo, dirigió y escribió once cortometrajes, exhibidos en más de 200 festivales. Cinco minutos (2008), Felizes para sempre, A mais forte (los dos de 2009) y Koka (2011) son algunos de sus trabajos. Brasil - Brazil, 2016 13’ / Color Portugués - Portuguese D: Ricky Mastro G: Ricky Mastro, Eduardo Mattos F: Taís Nardi S: Thales Manfrinato M: Pedro Santiago P: Tais Nardi, Ricky Mastro CP: Cingano Filmes I: André Guerreiro Lopes, Gregório Musatti, Netuno Trindade, Helena Ignez

Contacto / Contact The Open Reel [email protected] [email protected] theopenreel.com theopenreel.it

He majored in Drama and Cinema. He has produced, directed and written 11 short films, screened at over 200 film festivals. Cinco minutos (2008), Felizes para sempre, A mais forte (both 2009), and Koka (2011) are some of his works.

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Juan Belmonte y sus videos Juan Belmonte and his videos Entre los múltiples talentos del español Juan Belmonte como músico, arreglista, compositor, escritor y productor, está también el de videasta. Es una de sus facetas que en parte fagocita todas las otras, porque el universo audiovisual siempre fue omnívoro. A partir del videoclip, Belmonte crea pequeños mundos para proyectar la música hacia otras dimensiones, otros cuerpos, distintos géneros y estéticas, sin perder nunca un horizonte de sensualidad eléctrica, de elegancia luminosa y mayormente bailable. Especialista en mezclas sonoras, que hizo para Michael Jackson, Cher, Santana y una gran variedad de cantantes españoles, Belmonte logra crear un mix de imágenes, sonidos y palabras que hacen del videoclip el género audiovisual más libertino y fiestero. Aunque ciertas expresiones de la sexualidad todavía son veladas en la cultura masiva y en la industria musical –especialmente la de cuerpos y deseos que se apartan de la dietética heteronormativa–, en los videos de Belmonte hay una apertura multidireccional: homoerotismo explícito, festines drag, ternura bear, glam retro, mariconería chic, gordura liberada, mujeres fuertes y otras formas en que la diversidad se puede bailar al derecho o dados vuelta.

Apart from being a talented musician, arranger, composer, writer and producer, Spanish artist Juan Belmonte also makes videos. This side of him absorbs all the others, because the audiovisual universe has always been omnivorous. Through his music videos, Belmonte creates worlds that project music to other dimensions, other bodies, different genres and aesthetics, without ever losing sight of a mostly danceable horizon of electric sensuality and luminous elegance. A specialist in sound mixing –which he did for Michael Jackson, Cher, Santana and many Spanish singers– Belmonte succeeds in creating a mix of images, sounds and words that turn music video into the most libertine, party-loving audiovisual genre. Even though certain expressions of sexuality are still hidden from mass culture and the music industry –particularly that of bodies and desires that diverge from heteronormative dialectics– in Belmonte’s videos there is a multidirectional opening: explicit homoeroticism, drag feasts, bear tenderness, retro glam, chic faggotry, freed fatness, strong women and other ways diversity can be danced either right side up or upside down. DT

Diego Trerotola

2menkiss (2016) Letra y música / Music & lyrics: Juan Belmonte D, E: Juan Belmonte Cámara / Camera: Iván & Gabo I: Claudio y Nibaldo

Medieval Fantasy (2014) D: Juan Belmonte Letra y música Music & lyrics: Alberto Martínez Poveda, Alberto Martínez Martínez, Manuel Díaz Garre

Dance Dance Dance (2015)

Balance Right (2013)

D, E, P: Juan Belmonte Letra y música / Music & lyrics: Juan Belmonte, Eva María Isings Matuszek

D: Juan Belmonte Canción: “Neue Dimensionen”, Roberto Passera, Stefano Cundari

Otra vez (2016) Fuerte (Vicente Fas Pop Remix) (2013) D, E: Juan Belmonte Letra y música / Music & lyrics: Florin Boncutiu, Ricardo Marañón Sánchez, Oscar Repo

I’ll Be Good (2016)

Templario (2013) D, E: Juan Belmonte Letra y música / Music & lyrics: Juan Belmonte, Coral Segovia

D, E: Juan Belmonte Letra y música / Music & lyrics: Juan Belmonte

The Ride (2016)

Jean Genet (2014)

D, G, E: Juan Belmonte. Letra y música / Music & lyrics: Juan Belmonte

D, F, P: Juan Belmonte Letra y música / Music & lyrics: Juan Sinmiedo

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D, E: Juan Belmonte Letra y música / Music & lyrics: José Martín Cortes Jiménez

Contacto / Contact Juan Belmonte / [email protected] / juanbelmonte.com

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Foco Andrea Weiss + Greta Schiller Focus Andrea Weiss + Greta Schiller

La gran obra de Gertrude Stein –Ser norteamericanos en su traducción al español, aunque el título original es The Making of Americans– cuenta, a través de dos familias y pasando por varias generaciones, cómo se inventa y se construye el ser norteamericano. Gertrude Stein y Alice Toklas fueron una pareja de lesbianas ya mítica de la París de 1900. Amigas, anfitrionas, curadoras, editoras y/o amantes –o todo eso junto y a la vez, porque así de febriles fueron esas épocas de filosofía, arte, absenta y rapé–, de Hemingway, Joyce, Djuna Barnes, Ezra Pound y much*s otr*s que pasaban por sus salones. Greta Schiller y Andrea Weiss, a la manera de esta pareja mítica a la que retratan en Paris Was a Woman, forman con sus documentales un corpus de obra que podría llamarse The Making of LGBT People of the World o, si lo traducimos al español al modo de los editores de Stein, sería Ser LGBT. Por un lado, están los films de Andrea Weiss, varios de ellos producidos por su compañera de vida Greta Schiller, y por el otro están los de Greta, en los que Weiss hace de productora. Sus documentales no se parecen entre sí; cada uno tiene su impronta vital y reconstructiva, pero tienen un punto en común: cierta búsqueda antropológica por las transgresiones políticas en las diferentes épocas, ciudades, geografías, países, culturas y filiaciones que estas dos cineastas rememoran. El uso de la palabra ‘rememorar’ es toda una postura que destila el cine de ambas al hacer memoria; el pasado como una fuente aguda que no se puede resucitar a través de las imágenes pero cuya influencia sí se debe buscar en el presente, porque el problema de la memoria, del hacer memoria, no es el olvido sino la transmisión, o lo que Huberman llamaría “la imagen persistente”. Las imágenes, el color escarlata que Weiss y Schiller vuelven a poner de cara al espectador hacen que ese pasado persista ya no como tal sino como archivo de los cuerpos que hoy transitamos este nuevo mundo lgbt con todas las operaciones, maniobras de resistencia y de celebración que l*s hij*s de Thomas Mann, el blanco chofer de Mandela, el pueblo que salió a la calle durante Stonewall, Gertrude, Alice y Derek Jarman desplegaron en sus propios presentes. En este Asterisco III nos damos el lujo de presentar, en forma de homenaje y agradecimiento, el cine de estas dos académicas, escritoras y, por supuesto, cineastas en un sentido global del término, como panegírico a cada una de ellas pero también como alabanza a esta pareja amorosa y creativa; y nos hacemos un hueco a su lado para escuchar su forma de transmitir y repensar este mundo. El cine de Weiss y Schiller, al modo de la historia jasídica, luego de haber narrado sus costumbres generación tras generación parece rezar: “Ya no sabemos prender el fuego, no sabemos las oraciones, no conocemos el lugar, pero conocemos la historia”. Gracias a Andrea y a Greta por esa historia transmitida.

The Making of Americans, Gertrude Stein’s great work tells, through two families and covering many generations, how the North American being is invented and built. Gertrude Stein and Alice Toklas were a mythical lesbian couple from 1900 Paris. Friends, hostesses, curators, editors and/or lovers –or all of that at once, because those times of philosophy, art, absinth and snuff were that feverish–, of Hemingway, Joyce, Djuna Barnes, Ezra Pound and many others that passed by their halls. Greta Schiller and Andrea Weiss, just like that mythical couple they depict in Paris Was a Woman, form with their documentaries a body of work that could be named The Making of LGBT People of the World. On the one hand, we have Andrea Weiss’ films, many of them produced by her life partner Greta Schiller, and on the other, we have Greta’s, which Weiss produces. Their documentaries don’t resemble each other; each of them has its own vital, reconstructive imprint, but they do have one thing in common: a certain anthropological search for political transgressions in different periods, cities, geographies, countries, cultures and relationships that these two filmmakers bring from memory. The use of the phrase ‘bring from memory’ is a stance distilled by the films from both directors when they jog their memories; the past like a sharp source that cannot be brought back through images but whose influence must be searched for in the present, because the thing about memory, about jogging one’s memory, is not forgetfulness, but transmission, or what Huberman would call “the persisting image.” The images, the scarlet color that Weiss and Schiller put in front of the audience once more make this past persist not as such anymore, but as an archive of the bodies that now move through this new lgbt world with all of its operations, resistance maneuvers, and celebration ploys that the children of Thomas Mann, Mandela’s white chauffeur, the people that took the streets during Stonewall, Gertrude, and Alice and Derek Jarman deployed in their own presents. At Asterisco III, we take the liberty of presenting –as both a homage and an appreciation– the films of this two academics, writers and, of course, filmmakers in a global sense of the term, as a panegyric to each of them but also as praise for this loving and creative couple. And we make room for ourselves next to them, so we can hear the way they transmit and rethink the world. Like Hassidic history, passed on from one generation to another, the cinema of Weiss and Schiller appears to say: “We no longer know how to start the fire, we don’t know the prayers, we don’t know the place, but we know history.” Thank you Andrea and Greta, for that transmitted history.

Albertina Carri

AC

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Before Stonewall Antes de Stonewall Estados Unidos - USA, 1984 87’ / Color + B&N Inglés - English D: Greta Schiller, Robert Rosenberg F: Jan Kraepelin, Sandi Sissel, Cathy Zheutlin E: Bill Daughton S: Roy Ramsing, Lori Seligman, J.T. Tagaki P: Robert Rosenberg, Greta Schiller PE: John Scagliotti I: Maua Adele Ajanaku, Red Jordan Arobateau, Ann Bannon, Lisa Ben, Gladys Bentley

Greta Schiller En 1969, los clientes del bar Stonewall Inn, en el Greenwich Village de Nueva York, transformaron una rutinaria razzia policial en el comienzo del movimiento lgbt con tres noches de disturbios, en un evento que desde entonces se ha convertido en la piedra fundamental de la historia gay moderna. Before Stonewall se mueve a través de la historia del siglo 20 y examina el contexto social y cultural que derivó en este “súbito” estallido de energía política; para eso, subraya la experimentación social de los años veinte, el descubrimiento de la verdadera escala de esta sociedad oculta durante la Segunda Guerra, los homosexuales tomados como chivos expiatorios en la era del macartismo, y el desarrollo de los primeros movimientos en defensa de los derechos homófilos. Proyectada en decenas de festivales internacionales y transmitida por televisión en varios países (Premio Emmy a Mejor Investigación incluido), la película de Greta Schiller y Robert Rosenberg es un retrato informativo y conmovedor sobre la historia de la experiencia lgbt en Estados Unidos. Utilizando recuerdos fílmicos y un rico material de archivo, el film rastrea el desarrollo social, político y cultural de la comunidad lgbt. In 1969, the patrons of the Stonewall Inn in New York City’s Greenwich Village transformed a routine police raid into the beginning of the lgbt movement with three nights of rioting –an event which has since become a cornerstone of modern gay history. Before Stonewall moves through 20th century history and examines the social and cultural context leading up to this “sudden” burst of political energy: highlighting the social experimentation of the Roaring Twenties, the discovery of the true size of this “hidden society” during World War II, the scapegoating of homosexuals during the McCarthy era, and the development of the early homophile rights movement. Screened in dozens of international film festivals and broadcast in several countries with an Emmy Award for Best Research, the film by Greta Schiller and Robert Rosenberg provides an informative and engaging portrait of the history of lgbt experience in America. Using filmed recollections and a wealth or archive material, it traces the social, political, and cultural development of the lgbt community.

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Directora y productora independiente de documentales exhibidos en televisión, salas de cine, festivales y ámbitos educacionales. Su carrera comenzó en 1984 con el estreno de Before Stonewall, su primer documental, el cual tuvo su premiere en el Festival de Cine de Berlín y fue exhibido en más de 75 festivales de todo el mundo. Su trabajo más reciente es The Marion Lake Story. She is an independent director and producer of documentaries for television, festivals, theatrical and educational distribution. Her career was launched in 1984 with the theatrical release of her first feature documentary film, Before Stonewall. The film premiered at the Berlin International Film Festival and was showcased at over 75 film festivals worldwide. Her most recent release is The Marion Lake Story.

Un poco de escarlata Reino Unido - UK, 1997 70’ / Color + B&N Inglés - English D, E: Andrea Weiss G: Stuart Marshall F: Royston Edwards M: John Eacott P: Rebecca Dobbs PE: Ben Gibson I: Ian McKellen

Andrea Weiss

Primero, una definición del concepto de ‘escarlata’, ese hallazgo poético que organiza toda la película: “If you look at the light of the world in the eyes, creation turns scarlet” (“Si mirás a la luz del mundo a los ojos, la creación se vuelve escarlata”). La frase es de Derek Jarman y está en Chroma: A Book of Colour para designar esa tonalidad de rojo que no se ve a simple vista (“unseen red”, dice Jarman, también poeta) pero está en todas partes. Andrea Weiss se apropia gentilmente de esa noción de ‘escarlata’ para aplicarla a toda esa sexualidad lgbt desbordante y variada que siempre estuvo ahí, en el cine británico de la posguerra que es su material –de estudio, casi podríamos decir– pero que se manifiesta en la sombra, en los márgenes, en lo no dicho. A Bit of Scarlet es una inmersión en un recorte del cine, el de la era de la invisibilidad, para extraer a través del montaje y con gracia infinita esa tonalidad de rojo que luchaba por salir a la luz o bien se travestía para estallar en canciones de cabaret. Narrada con la voz dandy de Ian McKellen, fue concebida menos como un drama que como un espectáculo, happy ending incluido. First of all, here is a definition of the concept of ‘escarlata’, the poetic find that organizes the entire film: “If you look at the light of the world in the eyes, creation turns scarlet.” The quote is by Derek Jarman, from his Chroma: A Book of Colour, and it designates a shade of red you can’t perceive at first sight (“unseen red,” says Jarman, also a poet) although it’s everywhere. Andrea Weiss gently appropriates that notion of ‘escarlata’ and applies it to all that wild and varied lgbt sexuality that has always been there in British post-war cinema –her study material, we could almost say– but only manifests itself in shadows, in the margins, in the unsaid. A Bit of Scarlet is an immersion into a portion of cinema, that of the age of invisibility, that aims to extract through editing and an infinite flair that shade of red that struggled to come to light or, rather, cross-dressed itself in order to explode into cabaret songs. Narrated with Ian McKellen’s dandy voice, it was conceived less like a drama and more like a show –happy ending included.

Es una documentalista internacionalmente aclamada y autora de no ficción. Coescribió y codirigió Escape to Life, documental exhibido en los festivales de Berlín y de Rotterdam. Su libro Paris Was a Woman, en el cual se basa su documental homónimo, fue publicado en 1995 y reeditado en 2013. Además, fue traducido a varios idiomas y ganó el premio Lambda Literary Award.

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A Bit of Scarlet

She is an internationally acclaimed documentary filmmaker and nonfiction author. She is the co-writer/director of Escape to Life, a feature documentary that premiered at the Berlin and Rotterdam Film Festivals. Her book Paris Was A Woman, on which her documentary film of the same name is based, was published in 1995 and re-issued in 2013. It has been translated into several languages, and is the winner of a Lambda Literary Award.

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the skin i live in Focus Andrea Weiss + Greta Schiller

Paris Was a Woman París era una mujer Reino Unido - UK, 1997 75’ / Color Inglés - English D: Greta Schiller G: Andrea Weiss F: Nurith Aviv, Greta Schiller, Renato Tonelli, Fawn Yacker E: Greta Schiller DA: Miles McKane, Zola Rubin S: Ronald Bailey, Curtis Choy, Barbara Zahm M: Janette Mason P: Greta Schiller, Andrea Weiss PE: Frances Berrigan I: Juliet Stevenson, Maureen All, Gillian Hanna, Margaret Robertson, Shari Benstock

Se la conoce como la ciudad de la luz, el romance, el estilo, pero para tantas mujeres que se mudaron a París a partir del 1900 la ciudad representó algo más vital y menos estético: la posibilidad de tener vidas que no hubieran podido vivir en otra parte, de convertirse en ellas mismas en un ambiente donde los vecinos eran Picasso, James Joyce o Ernest Hemingway. Una aventura. En el documental de Andrea Weiss y Greta Schiller, Gertrude Stein y Alice B. Toklas se cruzan con Sylvia Beach y Adrienne Monnier (fundadoras de una legendaria librería parisina), con Josephine Baker, Djuna Barnes y Janet Flanner, como si fueran distintos puntos en un mapa que los escritores y académicos varones, que durante décadas escribieron la historia, no armaron jamás. Los salones literarios, los libros, las pinturas, las rivalidades, las influencias y el modo muchas veces secreto en que estas mujeres movieron la trama de la cultura parisina de la época. Todo está ahí, fascinante, con testimonios, fotos, audios de poemas leídos en voz alta y entrevistas que reconstruyen ese período de creación febril, quizás el primero en que las mujeres (muchas de las cuales eran novias o amantes) intervinieron en el mundo artístico, ya no como modelos o personajes de ficción, ni con seudónimos, ni ocultas de ninguna otra forma. It’s known as the city of light, romance, style, but to so many women who moved to Paris in 1900, the city represented something more vital and less aesthetic: the chance of living their lives like they wouldn’t have been able to elsewhere; the chance to become themselves in an environment where their neighbors were Picasso, James Joyce or Ernest Hemingway. An adventure. In this documentary directed by Andrea Weiss and Greta Schiller, Gertrude Stein and Alice B. Toklas cross paths with Sylvia Beach and Adrienne Monnier (founders of a legendary Parisian bookstore), or with Josephine Baker, Djuna Barnes and Janet Flanner, as if they were different points in a map the was never drawn by the young male writers and academics who have written history for decades. Literary halls, books, paintings, rivalries, influence and the usually secret ways in which these women carried forward the Parisian culture of that time. Everything is there, fascinating, with testimonies, photographs, audio of poems read aloud and interviews that reconstruct that period of feverish creation. It might have been the very first time women (many of whom were girlfriends or lovers) participated in the artistic world not as models or fictional characters, or with pseudonyms, or hidden in any way.

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En el auto con Mandela Reino Unido / Bélgica - UK / Belgium, 1999 82’ / Color Inglés - English D: Greta Schiller G: Mark Gevisser F: Michelle Crenshaw, Tania Hoser E: Prisca Swan DA: Anna-Maria James, Sheba Phombeah S: Gita Cerveira M: Philip Miller P: Mark Gevisser, Greta Schiller, Simon Allen PE: Indra De Lanerolle I: Joseph Bale, Adriaan Bassier, Ashley Brownlee, Gavin Haward, Corin Redgrave

¿Cómo fue que Sudáfrica terminó siendo el primer país del mundo en incluir los derechos lgbt en su constitución post-Apartheid? Se debió en gran medida a los esfuerzos de Cecil Williams, un héroe anónimo cuya historia de vida es retratada en este documental. En los años 60, Mandela viajó de incógnito por Sudáfrica organizando la rebelión armada contra el régimen del Apartheid. En un lujoso Austin Westminster, Mandela iba disfrazado como el chofer de un hombre blanco elegante e impecablemente vestido. Ese hombre era Cecil Williams, un prominente director teatral de Johannesburgo, comprometido luchador por la libertad, y gay. Protagonizada por Corin Redgrave, The Man Who Drove with Mandela mezcla material de archivo con dramatizaciones de incidentes clave en la vida de Williams, películas caseras y entrevistas contemporáneas, para contar una historia de la vida personal y política de un héroe olvidado. Este retrato inusualmente revelador sobre una de las figuras históricas detrás de Nelson Mandela y su larga lucha por la libertad en Sudáfrica ganó el Teddy Award en el Festival de Berlín de 1999.

Contacto / Contact SND Films Sydney Neter +31 20 404 0707 [email protected] sndfilms.com jezebelproductions.org

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The Man Who Drove with Mandela

How did South Africa come to be the first country in the world to embody lgbt rights in their post-Apartheid Constitution? It was in large part due to the courageous efforts of Cecil Williams, an unsung hero whose moving life story is told in this feature documentary. In the early 60s, Mandela traveled incognito across South Africa, organizing armed rebellion against the apartheid regime. Driving a gleaming Austin Westminster, Mandela was disguised as the chauffeur for an elegant, impeccably dressed white man. That man was Cecil Williams –a leading Johannesburg theater director, a committed freedom fighter and a gay man. Starring Corin Redgrave, The Man Who Drove with Mandela blends dramatized accounts of key incidents in William’s life with archival footage, home movies and contemporary interviews to tell the story of the personal and political bravery of a forgotten hero. This unusually revealing portrait of one of the historic figures behind Nelson Mandela’s long struggle for freedom in South Africa won the Teddy Award in Berlinale 1999.

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Escape to Life: The Erika and Klaus Mann Story Escape a la vida: La historia de Erika y Klaus Mann Reino Unido / Alemania UK / Germany, 2000 85’ / Color Inglés - English D: Wieland Speck, Andrea Weiss F: Nuala Campbell, Uli Fischer, Ann T. Rossetti E: Prisca Swan, Andrea Weiss M: John Eacott P: Greta Schiller I: Cora Frost, Albrecht Becker, Christoph Eichhorn, Michael Fegley, Corin Redgrave

Wieland Speck Sin importar demasiado de quién eran hijos, este documental nos introduce en la niñez de los hermanos Mann para luego llevarnos al Berlín de la República de Weimar donde comienza a desarrollarse como escritor él, y como actriz y piloto de carreras ella. Aunque se hacían pasar por gemelos (tenían poco más de un año de diferencia), estos jóvenes, con Hitler en el poder, tuvieron que exiliarse y tratar de sobrevivir a la simbiótica relación que habían construido. Creativos, homosexuales, la supervivencia los llevó a distintas ciudades para seguir en la lucha. De los muchos escritos de Klaus, el más célebre es su Mephisto, llevado al cine en 1980 por István Szabó. Juntos de nuevo en Estados Unidos, los hermanos se convirtieron en figuras muy fuertes de la resistencia antinazi. Son muchos los soportes que los directores combinan: películas documentales y de ficción, fotografías, reportajes contemporáneos, escenas dramatizadas, y la voz de Vanessa y su hermano Corin Redgrave, que interpretan a los Mann, leyendo sus propios textos y memorias. En esta codirección, Andrea Weiss también colabora con Wieland Speck de manera simbiótica, ya que su proyecto inicial era sobre Erika y al director le interesaban los escritos de Klaus. Y, como al padre de los Mann tampoco le importaron mucho sus dos hijos mayores, este retrato casi le resta importancia al premio Nobel de Literatura, un tal Thomas. Adolfo Agopián Without caring much about who their father was, the documentary introduces us the childhood of the Mann siblings and then takes us to Berlin in the Weimar Republic, where he starts becoming a writer and she becomes an actress and car racer. Even though they pretended to be twins (they were little more than a year apart), these young man and woman had to take up exile after Hitler’s rise to power and try to survive through the symbiotic relationship they had built. Creative and homosexual, survival led them to different cities in order to continue their struggle. Out of the many writings by Klaus, the most famous is his Mephisto, which was adapted to the big screen by István Szabó in 1980. Together again in the US, the siblings became very strong representatives of anti-Nazi resistance. The directors combine all kinds of formats: documentary, fiction, photographs, contemporary interviews, reenactments, and the voices of Vanessa and her brother Corin Redgrave, who play the Manns, reading their own writings and memoirs. In this co-direction, Andrea Weiss also collaborates with Wieland Speck in a symbiotic way, given that her initial project was to portray Erika and Speck was interested in Klaus’ writings. And, the same way the father of the Manns didn’t care much for his two eldest children, this portrait totally disregards the winner of the Nobel Prize in Literature, some guy named Thomas. AA

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Nació en Friburgo en 1951 y vive en Berlín desde 1972. Estudió Literatura Alemana, Teatro y Etnología en la Freie Universität de Berlín. Luego comenzó a trabajar en proyectos de cine y video y se desempeñó como escritor y editor. He was born in Freiburg in 1951 and has lived in Berlin since 1972. He studied German Literature, Drama and Ethnology at the Freie Universität Berlin. He then started working on video and film projects and was a writer and publisher.

Las bonitas internacionales del ritmo De la escuela Piney Woods al delta del Misisipi al teatro Apollo de Harlem, Nueva York, esta rítmica película musical cuenta la historia de una banda multirracial de jazz de los años 40 compuesta solo por mujeres. Las Sweethearts eran una banda de 16 integrantes con una poderosa sección de vientos y de percusión y un gran sentido del ritmo, y no eran solo una novedad: se trataba de muchas de las mejores músicas de la época. Entre ellas, Anna Mae Winburn, Ernestine “Tiny” Davis, Vi Burnside, Roz Cron, Evelyn McGee Stone, Helen Jones, Helen Saine y Pauline Brady, sobre la cual el legendario baterista Panama Francis decía: “¡Tocaba la batería como un hombre!”.

Estados Unidos - USA, 1986 30’ / Color Inglés - English D, G, P: Greta Schiller, Andrea Weiss F, E: Greta Schiller CP: Jezebel Productions, Rosetta Records, Sweethearts Project

From the Piney Woods School in the Mississippi Delta to the Apollo Theater in Harlem, New York City, this toe-tapping music film tells the story of the swinging, multi-racial all-women jazz band of the 1940s. A 16 piece band with a strong brass section, heavy percussion, and a deep rhythmic sense, the Sweethearts were not just a novelty but featured many of the best female musicians of the day. Starring Anna Mae Winburn, Ernestine “Tiny” Davis, Vi Burnside, Roz Cron, Evelyn McGee Stone, Helen Jones, Helen Saine and Pauline Brady, of whom drummer Panama Francis says, “She played drums like a man!”.

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International Sweethearts of Rhythm

Tiny & Ruby: Hell Divin’ Women Tiny y Ruby: Mujeres infernales En su retrato de la legendaria trompetista de jazz Tiny Davis y su pareja por más de 40 años, la baterista y pianista Ruby Lucas, Tiny & Ruby: Hell Divin’ Women entreteje grabaciones difíciles de encontrar, performances en vivo, fotos antiguas y poesía narrativa de Cheryl Clarke. La película documenta la contribución de Tiny Davis a la historia del jazz con un estilo informal e íntimo en el que la mujer de 78 años demuestra que su habilidad y su humor seguían intactos a la hora de filmar este tesoro escondido en forma de historias, sonidos e imágenes.

Estados Unidos - USA, 1989 30’ / Color Inglés - English

Profiling legendary jazz trumpeter Tiny Davis and her partner of over 40 years, drummer-pianist Ruby Lucas, Tiny & Ruby: Hell Divin’ Women weaves together rare jazz recordings, live performances, vintage photographs, and narrative poetry by Cheryl Clarke. The film documents Tiny Davis’ contribution to jazz history in an informal, intimate style in which the 78-year-old demonstrates that her chops and humor were both quite intact for the filming of this treasure trove of stories, sounds and images.

D: Greta Schiller G: Cheryl Clarke, Greta Schiller, Andrea Weiss F: Peter Kotner, Greta Schiller, David Wallace E: Peter J. Friedman, Kate Hershon S: Scott P. Levy, Greta Schiller P: Greta Schiller, Andrea Weiss, Joe Alongi I: Ernestine Davis, Renei Phelan

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Foco Canadá focus canada

Canadá es un país rico en privilegios para muchos, algo que nunca debemos olvidar. Nuestras historias son ricas en pasado, en lucha, en autodesprecio y en apología. Este programa intenta ofrecer un corte transversal que muestre de dónde venimos nosotros, los canadienses queer, y hacia dónde vamos en nuestra narrativa, en nuestra vida real y en nuestras ficciones. Si reflexionamos acerca de los hitos de nuestra historia lgbt, es importante reconocer que en 1967 el Ministro de Justicia Pierre Trudeau (que sería Primer Ministro un año después) propuso una enmienda al Código Penal que relajaba las leyes contra la homosexualidad. Hoy, las declaraciones ya famosas de Trudeau resuenan en los salones de la historia queer: “Consideremos el tema de la homosexualidad. Creo que la perspectiva que tomamos aquí es que el Estado no tiene nada que hacer en los dormitorios del país”. En dos años, la homosexualidad fue legalizada. Sin embargo, en 1981, los ahora famosos Allanamientos de los Saunas de Toronto resultaron en más de 300 hombres arrestados luego de las razzias que la policía llevó a cabo en cuatro saunas gay. Este episodio es considerado el Stonewall canadiense. Casi un cuarto de siglo después, Canadá se transformó en el primer país no europeo y el cuarto país en el mundo en legalizar el matrimonio de personas del mismo sexo en 2005, y ahora, en 2016, pensamos la interseccionalidad de nuestra comunidad y vemos todo el trabajo que tenemos por delante en pos de lograr la igualdad de oportunidades para todos en nuestra comunidad diversa. Es nuestro deber ofrecer un contexto, una esperanza, y tener un rol activo en nuestra comunidad para ayudar a nuestras familias por elección en esas áreas del mundo donde todavía pelean por sus derechos a ser percibidos como iguales, a tener las mismas oportunidades, libres de la opresión de sus gobiernos y de activistas de extrema derecha. Esta colección de películas canadienses de la edición 2016 del Festival de Cine LGBT Inside Out de Toronto, espero, ofrecerá reflexiones, entretenimiento, risas, creatividad y discusiones profundas en algunos casos, en tanto reconocemos nuestro lugar en las comunidades lgbtq de todo el mundo y luchamos por poder convertirnos en líderes y compartir nuestras historias a medida que entramos en esta nueva generación de cine queer. ¡Nos vemos en la sala!

Andrew Murphy

Canada is a country rich in privilege for many that should never be lost on us. Our stories are rich in history, struggle, self-deprecation, and apology. This program attempts to offer a thoughtful cross-section of where we, as Queer Canadians, came from, and where we’re headed in our storytelling in real life and in fiction. Reflecting on key milestones in our lgbtq history, it is significant to acknowledge that in 1967, Justice Minister Pierre Trudeau (who would become Prime Minister a year later) proposed amendments to the Criminal Code that would relax the laws against homosexuality. Trudeau’s now famous quote echoes through the halls of our queer history: “Take this thing on homosexuality. I think the view we take here is that there’s no place for the state in the bedrooms of the nation.” Within two years, homosexuality was decriminalized. However, in 1981, the now famous Toronto Bathhouse Raids witnessed more than 300 men get arrested following police raids of four gay bathhouses. This is considered to be Canada’s Stonewall. Nearly a quarter century later, Canada became the first country outside Europe and the fourth country in the world to legalize same-sex marriage nationwide in 2005, and now in 2016 we reflect on our community’s intersectionality and see how much work we have ahead of us to achieve equality and opportunity for everyone in our diverse community. It is our duty to offer context, hope, and become active in our community to help our chosen families from those parts of the world still struggling for their right to be seen as equal with equal rights and opportunities, free from oppression from their governments and right wing activists. This collection of Canadian films from our 2016 edition of Inside Out Toronto LGBT Film Festival, I hope, offers reflection, entertainment, laughter, creativity, and thoughtful discussion in some cases, as we acknowledge our place in the lgbtq communities around the world and strive to help us become leaders in sharing our stories as we enter this next generation of queer cinema. See you in the dark!

AM

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Almost Adults Casi adultas Canadá - Canada, 2016 90’ / Color Inglés - English D: Sarah Rotella, G: Adrianna DiLonardo F: Ryan Glover E: Haya Waseem DA: Rosanna Lagace S: John M. Stewart P: Rebecca Swift PE: Adrianna DiLonardo, Edna Phong, Sarah Rotella, Andrea Stelten I: Elise Bauman, Natasha Negovanlis, Winny Clarke, Justin Gerhard

Mackenzie y Cassie (Elise Bauman y Natasha Negovanlis, estrellas de la serie web Carmilla) son mejores amigas desde la infancia. Pero, mientras el fin de la universidad se acerca y las amigas enfrentan la adultez, parecieran estar distanciándose, a pesar de sus esfuerzos por mantenerse juntas. Hace tiempo que Mackenzie sabe que es gay, pero el hecho de estar tranquila con la idea de salir del clóset es bastante reciente. A medida que les cuenta a sus allegados, comienza a sentirse cada vez más cómoda con su sexualidad: pronto estará hablando de ello en su blog y comenzando una relación tentativa con una adorable jugadora de fútbol de la universidad. Todo pareciera estar funcionando bien, salvo por el hecho de que todavía no encontró la manera correcta de contárselo a Cassie. Y, para complicar las cosas aún más, Cassie acaba de cortar con su novio, la despidieron de una pasantía y queda a la deriva. Aquella amistad que alguna vez fue perfecta comienza a mostrar sus grietas cuando los secretos son revelados y sus vidas cambian radicalmente en diferentes direcciones. ¿Podrán estas dos amigas permanecer unidas luego de que tantas cosas hayan cambiado, o será que esta relación ha cumplido su ciclo? La ópera prima de la cineasta de Toronto Sarah Rotella es un retrato implacablemente conmovedor y por momentos muy gracioso sobre crecer y distanciarse, con dos protagonistas de timing perfecto. Mackenzie and Cassie (Elise Bauman and Natasha Negovanlis, stars of the web series Carmilla) have been best friends since childhood. But as the end of university nears and the friends face adulthood, despite their best efforts they seem to be growing apart. Mackenzie has known she is gay for some time but has only recently become okay with the idea of coming out. As she begins to tell people in her life, she becomes more comfortable with her sexuality, opening up about it on her blog and beginning a tentative relationship with a charming soccer player from school. Everything seems to be working out for her, except for the fact that she still hasn’t found the right way to tell Cassie. And to complicate things even further, Cassie has recently broken up with her boyfriend, has been fired from an internship, and has no idea where she is going. The once-perfect friendship is starting to show cracks as secrets are revealed and lives drift in radically different directions. Can the two friends remain close when so much has changed, or is this a friendship that has run its course? Toronto filmmaker Sarah Rotella’s debut feature is an often hilarious, unremittingly poignant examination of growing up and growing apart, featuring two leads with spot-on comic timing.

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Contacto / Contact Almost Adults Movie Sarah Rotella [email protected] almostadultsmovie.com

Sarah Rotella En 2008 se graduó del programa de Cine y Televisión del Humber’s Institute of Technology and Advanced Learning, y en 2011 realizó el programa de Medios Integrados de la OCAD University de Canadá. Dirigió los cortos Howard (2008), Bramula (2011) y Til Death Do Us Part (2014). Almost Adults es su primer largo de ficción. She graduated from Humber’s Institute of Technology and Advanced Learning’s Film and Television Production program in 2008 and OCAD University’s Integrated Media program in 2011. She directed the short films Howard (2008), Bramula (2011), and Til Death Do Us Part (2014). Almost Adults is her first feature-length film.

Monstruo en el clóset Canadá - Canada, 2015 90’ / Color Inglés - English D, G: Stephen Dunn F: Bobby Shore E: Bryan Atkinson DA: Aer Agrey S: Neil McIntyre M: Todor Kobakov, Maya Postepski P: Fraser Ash, Kevin Krikst, Edward J. Martin PE: Niv Fichman, Ed Martin CP: Elevation Pictures I: Aaron Abrams, Jack Fulton, Joanne Kelly, Isabella Rossellini

Cuando Oscar Madly (Connor Jessup, de Falling Skies) era niño, fue testigo de un brutal ataque a un homosexual, y el trauma posterior, sumado al divorcio de sus padres poco después, lo dejó muy marcado emocionalmente. Diez años después, Oscar es un estudiante secundario sexualmente confundido que vive con su padre amargado y alcohólico. Recibe apoyo de su mejor amiga Gemma y sabios consejos de su hámster, Buffy (con la voz de la maravillosamente excéntrica Isabella Rossellini). Su mundo se desordena aún más cuando se obsesiona con Wilder, su compañero de trabajo en la ferretería, carismático y de sexualidad ambigua. Closet Monster es un coming of age muy original y conmovedor sobre un adolescente creativo que está desesperado por escapar de su pueblo natal y de los agobiantes recuerdos de una infancia turbulenta. Al equilibrar elementos de fantasía y drama con un humor bien puesto, la ópera prima de Stephen Dunn marca la llegada de un nuevo talento a la escena cinematográfica canadiense. When Oscar Madly (Falling Skies’ Connor Jessup) was a child, he witnessed a brutal gay bashing, and the subsequent trauma, coupled with his parents’ divorce soon after, left him deeply emotionally scarred. Fast forward ten years and Oscar is a sexually confused high school student living with his bitter, alcoholic father. He relies on his best friend Gemma for support and receives sage advice from his pet hamster, Buffy (voiced by the wonderfully eccentric Isabella Rossellini). His world is thrown into further disarray when he becomes obsessed with Wilder, a charismatic and sexually ambiguous coworker at the hardware store. Closet Monster is a distinctively offbeat and emotionally striking coming-of-age story about a creative teenager who is desperate to escape his hometown and the haunting memories of his turbulent childhood. Balancing elements of fantasy and drama with well-placed comedy, Stephen Dunn’s first feature marks the arrival of a bold new directorial talent on the Canadian film scene.

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Closet Monster

Contacto / Contact WTFilms Sonia Droulhiole [email protected] wtfilms.fr

Stephen Dunn Nació en 1989 en St. John’s, Newfoundland, Canadá. Es cineasta y escritor, y dirigió varios cortometrajes, como Life Doesn’t Frighten Me (2012), We Wanted More (2013) y las series Pop Up Porno (2015). Closet Monster es su primer largometraje de ficción. He was born on 1989 in St. John’s, Newfoundland, Canada. A filmmaker and writer, he directed several short films, including Life Doesn’t Frighten Me (2012), We Wanted More (2013) and the Pop Up Porno series (2015). Closet Monster (2015) is his first featurelength film.

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Two Soft Things, Two Hard Things Dos cosas blandas, dos cosas duras Canadá - Canada, 2016 71’ / Color Inglés / Inuktitut - English / Inuktitut D, G, P: Mark Kenneth Woods, Michael Yerxa M: Iviok I: Jack Anawak, Alethea ArnaquqBaril, Allison Brewer, Franco Buscemi, Miali Buscemi Contacto / Contact Vtape Natalie Dunlop [email protected] twosofttwohard.com

Mark Kenneth Woods No hay caminos que lleguen al territorio canadiense de Nunavut. Solo se puede llegar a cada una de las 28 comunidades de la región ártica oriental de Canadá por aire, y allí es donde viajaron los dos directores, intrigados por una importante celebración del Orgullo lgbtiq en ese pueblo. Este reflexivo documental observa los desafíos a los que se enfrenta el colectivo lgbtiq inuit y la manera en que una nueva generación está forjando una sociedad más inclusiva. El colonialismo y el cristianismo han desmantelado las estructuras familiares de los inuit, y les enseñaron que la manera en que vivían y pensaban era barbárica y blasfema. El modo de vida de una cultura entera, sus estructuras familiares, su espiritualidad y sus prácticas sexuales fueron eficazmente silenciadas y borradas en solo una generación. Esa pérdida de identidad cultural y esa vergüenza persisten hasta el día de hoy, y esa es la razón por la que un evento del Orgullo es todo menos simple en una comunidad como la de Iqaluit. Pero parece que muy pronto esto va a cambiar: activistas, artistas, políticos y jóvenes están haciendo lo posible para “sacar de la vergüenza” ese pasado. Según los realizadores, lo que comenzó como la celebración del Orgullo lgbtiq por parte de una comunidad se convirtió rápidamente en una discusión profunda y llena de matices acerca de los programas coloniales de los gobiernos, las misiones cristianas, la cultura inuit, el lenguaje y la pérdida de la identidad cultural. No roads lead to the Canadian territory of Nunavut. Each of the 28 communities in Canada’s Eastern Arctic is fly in and out only, and that’s when the two directors travelled, intrigued by a seminal lgbtiq Pride celebration in that town, in this thoughtful documentary that looks at the challenges faced by lgbtiq Inuit and how a new generation is forging a more inclusive society. Colonialism and Christianity dismantled Inuit family structures and taught Inuit to that the way they lived and the way they thought were barbaric and blasphemous. An entire culture’s way of life, their family structures, their spirituality and their sexual practices, were effectively silenced and erased in a single generation. That loss of cultural identity and that shame persist today and that’s why a seemingly simple pride event is anything but simple in a community like Iqaluit. But change is underfoot –activists, artists, politicians and youth are working to ‘unshame’ their past. According to the filmmakers, what started as a film about a community’s lgbtiq pride celebration, quickly developed into a layered discussion of government colonial programs, Christian missions, Inuit culture, language and the loss of cultural identity.

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Es escritor, productor, director, actor y conductor de TV. Es conocido por ser el creador y la estrella de la sitcom para web The Face of Furry Creek y de las tres temporadas de House of Venus, la primera comedia de sketches lgbtq en el mundo. He is a writer, producer, director, actor and TV host. He is best known as the creator and star of the sitcom and web project The Face of Furry Creek, and three seasons of the world’s first all-lgbtq sketch comedy show House of Venus.

Michael Yerxa Es uno de los miembros originales de 1 Girl 5 Gays, show de Logo TV y MTV Canadá. Trabajó como productor de TV y recientemente se lanzó como documentalista y productor. Colaboró con Kenneth Woods en el documental Take Up the Torch (2015). An original cast member on Logo TV and MTV Canada’s 1 Girl 5 Gays, he worked as a TV producer and recently branched out as a documentary filmmaker and producer, collaborating with Kenneth Woods on the TV documentary Take Up the Torch (2015).

Lo mejor de Inside Out - Programa de cortos Handsome & Majestic Apuesto y majestuoso Canadá - Canada, 2015 / 12’ / Inglés - English D: Jeff Petry & Nathan Drillot

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The Best of Inside Out Mixed Shorts Program

Handsome & Majestic sigue a Milan Halikowski, un adolescente transgénero que superó las dificultades y la discriminación para transformarse en un defensor de los derechos trans y un modelo a seguir. Handsome & Majestic follows Milan Halikowski, a transgender teenager who overcame hardships and discrimination to become a trans rights advocate and role model.

Benjamin Canadá - Canada, 2015 / 16’ / Inglés - English D: Sherren Lee

Cuando un alquiler de vientre termina con un bebé que nace muerto, dos parejas enfrentan una decisión imposible. When a surrogate pregnancy ends in still birth, two couples are faced with an impossible decision.

Famous Diamonds Diamantes famosos Canadá - Canada, 2016 / 7’ / Inglés - English D: Daniel McIntyre

Como una búsqueda caleidoscópica del deseo atrapado dentro de un volcán, Famous Diamonds analiza la mentira, el amor y el deseo entretejiendo una narración de diario con un ícono explosivo. A kaleidoscopic search for desire trapped inside a volcano, Famous Diamonds studies lies, love and desire by weaving together a diary narrative and an exploding icon.

Ecstasy Éxtasis Canadá - Canada, 2016 / 5’ / Inglés - English D: Kyle Reaume

Sam es capaz de cualquier cosa con tal de que su ex amante lo toque una vez más. Sam would do anything to be touched by his ex-lover one last time.

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The Best of Inside Out Mixed Shorts Program Lo mejor de Inside Out - Programa de cortos Never Steady, Never Still Nunca estable, nunca quieto Canadá - Canada, 2015 / 18’ / Inglés - English D: Kathleen Hepburn

Un joven regresa a su hogar después de trabajar en un pozo petrolero, cargando un pesado secreto. A young man returns home from the oil fields, shouldering a heavy secret.

PYOTR495 Canadá / Alemania - Canada / Germany, 2016 / 16’ / Inglés / Ruso - English / Russian D: Blake Mawson

Durante una noche en la Moscú actual, Pyotr, de 16 años, es captado por un grupo ultranacionalista conocido por sus ataques violentos contra gays. Pero hay algo que no saben sobre Pyotr y que podría matarlos. Set one evening in present-day Moscow, 16 year-old Pyotr is baited by an ultranationalist group known for their violent anti-gay attacks. But what they don’t know about Pyotr might kill them.

The Future Perfect / El futuro perfecto Canadá - Canada, 2014 / 11’ / Inglés - English D: Nick Citton

En algún lugar entre el pasado y el presente, un asesino que viaja por el tiempo reniega de sus órdenes y pone en peligro un futuro que ya no puede ignorar. La ubicación: un andén en 1968. El objetivo: un chico de nueve años destinado a convertirse en el paciente cero. Somewhere between then and now, a time-travelling hit man defies his orders and compromises a future he cannot unlearn. The location: a train platform in 1968. The target: a nine-year-old boy who is destined to become patient zero.

Stake / Apuesta Canadá - Canada, 2015 / 12’ / Inglés - English D: Alyssa Pankiw

Stake sigue el encuentro de Trevor y Vanessa diez años después de que ella haya huido a la gran ciudad y lo haya dejado a Trevor solo en su pequeño pueblo… y después de que se haya acostado con su novia.

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Stake follows the reunion of Trevor and Vanessa ten years after Vanessa escaped to the big city and left Trevor all alone in their very small hometown. . . and also after sleeping with his girlfriend.

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Foco Chris Belloni Focus Chris Belloni

Nacido en 1980, Chris Belloni es un cineasta documental, productor y director del Festival Internacional de Cine Queer y Migrante de Ámsterdam, que él mismo inició en el año 2015. Su primera película, I Am Gay and Muslim, se proyectó en más de 65 festivales en todo el mundo. También produjo Unknown Unloved (2015), The Decision (2014) y The Turkish Boat (2013). Ha sido curador de programas relacionados con lo queer y los inmigrantes en distintos festivales en Pakistán, Grecia y Dinamarca. En 2015 fue miembro del jurado de la sección documental del TLV Fest y el International LGBT Film Festival Roze Filmdagen en Ámsterdam. Este año organizará una edición de IQFM en Surinam, y su próximo proyecto como director será Interviews with Pink Police (2017).

Born in 1980, Chris Belloni is a documentary filmmaker, producer and director of the International Queer & Migrant Film Festival Amsterdam, which he initiated in 2015. His debut film I Am Gay and Muslim screened at more than 65 film festivals worldwide. He also produced Unknown Unloved (2015), The Decision (2014), and The Turkish Boat (2013), which he also directed. He has curated queer and migrant related programs at several film festivals, in Pakistan, Greece and Denmark. In 2015 he was a jury member of the documentary section at TLV Fest and the International LGBT Film Festival Roze Filmdagen Amsterdam. In 2016, he will organize an edition of IQFM in Surinam, and his next directorial project is Interviews with Pink Police (2017).

the skin i live in Focus Chris Belloni

I Am Gay and Muslim Soy gay y musulmán Países Bajos / Marruecos The Netherlands / Morocco, 2012 54’ / Color Inglés - English D, G, P, PE: Chris Belloni F: Ruben Köster, Bram Belloni E: Ruben Köster DA: Miguel Fernández CP: Stichting art.1 I: Rayan, Abdelwahid, Soufian, Azar Contacto / Contact Stichting art.1 Chris Belloni +31 2 0412 1415 [email protected] www.iamgayandmuslim.com

“Mi sexualidad no daña a mi religión. Soy musulmán, y mi sexualidad me hace seguir siendo musulmán”. Con estas palabras, uno de los entrevistados de I Am Gay and Muslim desmiente la idea de que ser gay y ser musulmán son cosas incompatibles. El director Chris Belloni sigue a varios jóvenes de Marruecos que intentan reconciliar sus múltiples identidades como gays, musulmanes y marroquíes. Si bien la homosexualidad es ilegal en Marruecos, igualmente hay espacio para que los hombres gay vivan y se amen unos a otros, y que algunos, como Rayan, de 21 años, incluso lo hagan de forma abierta. La suya y otras historias presentes en este hermoso retrato de la cultura gay marroquí detonan los mitos acerca de qué significa ser gay y vivir en el mundo musulmán. “My sexuality doesn’t harm my religion. I am Muslim and my sexuality keeps me Muslim.” With these words, one of the subjects of I Am Gay and Muslim gives lie to the idea that being gay and being Muslim are antithetical to each other. Director Chris Belloni follows several young men in Morocco, all of whom try to reconcile their multiple identities as gay, as Muslim, and as Moroccan. Even though homosexuality is illegal in Morocco, there is still space for gay men to live and love one another, and some, like 21 year-old Rayan, do so openly. His and the other stories on display in this beautiful portrait of Moroccan gay culture explode the myths about what it means to be gay and to live in the Muslim world.

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De Turkse boot / El barco turco Países Bajos - The Netherlands, 2013 54’ / Color Inglés - English D, G, P, PE: Chris Belloni F: Ruben Köster E, DA: Miguel Fernández S: Niek de Wit M: Diederik Rijpstra CP: Stichting art.1 I: Serdar Manavoglu, Döne Fil Contacto / Contact Stichting art.1 Chris Belloni +31 204 121 415 [email protected] www.iamgayandmuslim.com

la piel que habito Foco Chris Belloni

The Turkish Boat

The Turkish Boat sigue a los participantes del barco turco que se sumó al desfile por los canales de Ámsterdam por primera vez durante la Marcha del Orgullo de 2012. Acompañamos a los activistas turco-holandeses Done y Serdar en su intento por ganar reconocimiento y aceptación dentro de la comunidad turca. En los días posteriores a la Marcha del Orgullo, varios de los participantes revelan que recibieron amenazas y fueron acosados por correo luego de su aparición en el barco. Done y Serdar ponen al descubierto cuán delicado es el tema de la homosexualidad dentro de la comunidad turca, y nos muestran que todavía quedan muchos obstáculos por sortear. The Turkish Boat follows the participants of the Turkish boat that joined the annual Canal Parade for the first time during Gay Pride 2012. We join the Turkish-Dutch gay activists Done and Serdar in their attempt to gain recognition and acceptance within the Turkish community. In the days following the Gay Pride a number of the participants reveal that they received threats and hate mail after their appearance on the boat. Done and Serdar unveil the delicateness of the matter of homosexuality within the Turkish community and show us that there are plenty of obstacles left to scale.

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The Decision De Beslissing / La decisión La vida de Karim, un joven músico con raíces marroquíes, parece ir viento en popa: acaba de graduarse en Ámsterdam y está en plena relación amorosa con uno de sus compañeros holandeses. Pero todo corre el riesgo de terminar por culpa de algo tan simple como un mensaje de texto: el novio de Karim está cansado de la clandestinidad y no quiere vivir más esa relación en secreto, más bien todo lo contrario. Karim enfrenta entonces una difícil situación: él es la causa de que su padre, a quien tendrá que explicarle todo, nunca se haya vuelto a casar. Esto no sucedió simplemente porque su padre jamás se volvió a enamorar de otra mujer después de su madre, sino que Karim es demasiado importante para él: ninguna mujer jamás le pareció lo suficientemente buena para cumplir el rol de madrastra de su hijo.

Países Bajos The Netherlands, 2013 17’ / Color Inglés - English D, G: Wahid Sanouji F: Ali Benjelloul E: Jaap de Goede DA: Ali Benjelloul S: Oliveir Reekers P: Chris Belloni PE: Arjen Barel CP: Stichting art.1 I: Hassan Slaby, Mahjoub Benmoussa, Dennis Notebaart

Contacto / Contact Stichting art.1 Chris Belloni +31 204 121 415 [email protected] iamgayandmuslim.com

Life for Karim –a young musician of Moroccan origins– is sweet: he recently graduated and is living a love relationship with on of his Dutch classmates. But everything may crumble down because of something as simple as a text message: Karim’s boyfriend is tired of hiding and doesn’t want to live anymore their relationship in secret, but rather openly. Karim has to face a difficult choice then: he’s the reason his father, whom he will have to come out to, never remarried. This didn’t happen because he never fell in love with another woman, but because no other woman ever seemed worth of becoming Karim’s stepmother.

Wahid Sanouji Nacido y criado en Marruecos, estuvo viviendo en Holanda por los últimos siete años. Estudió Abogacía, Arte y Literatura Francesa, y trabaja como actor y director en varios países. Born and raised in Morocco, he has been living in Holland for the last seven years. He has studied Law, Art and French Literature and works as an actor and director in several countries.

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foco Dew Kim & Luciano Zubillaga focus Dew Kim & Luciano Zubillaga

Si el video estuvo históricamente en una intersección, esas tensiones que su impronta ponía en funcionamiento se fueron profundizando en los últimos años. No solo por su inmediatez y viralidad; a partir de la expansión digital, las formas del video están cada vez más contaminadas, más esquivas, más mimetizadas con nuestra experiencia sensorial. El surcoreano Dew Kim y el argentino Luciano Zubillaga, ambos migrantes, acortaron la distancia que los separa usando el video, entre otras prácticas, para crear un espacio de producción donde la contaminación es la forma de colaboración, y de colisión, por excelencia. Y, si la telepatía es una propiedad comunicativa más allá de los sentidos y las formas físicas, la expansión que proponen es otra manera de abrir esa dimensión intangible que puede solo ser habitada actualmente por una imagen de video como la que proponen ambos, que cruce barreras de pertenencia identitaria y se enfrente a la deriva de la voz y el cuerpo plurales. Ese templo profanado por la expansión se compone tanto de cyborg-sexo postidentidad que nunca reniega del erotismo y la sensualidad, así como de una contemplación documental como alucinación perpleja de lo contemporáneo. En medio de aquello, el vitraux de la iglesia que van construyendo modifica la luz y, si llega a tener color de K-Pop y parece acercarse al videoclip, termina siendo un videocreep, con performance freak incluida. Así, en el cruce de Kim y Zubillaga todo género se desborda hasta que el porno o la tecnología lo devoran, hasta que las figuraciones posthumanas y sus residuos se vuelven un loop en el que todo es el vértigo de la mirada.

If video always sits in an intersection, the tensions it sets into motion have been deepening in the last few years. Not only because of its immediateness and viral nature: ever since the digital expansion, video forms have become more and more contaminated, more elusive, more camouflaged with our sensorial experience. South Korean Dew Kim and Argentinian Luciano Zubillaga, both of them migrants, shortened the existing distance between them using video, among other practices, to create a production area where contamination is the form of collaboration –and of collision, par excellence. And, if telepathy is a communicative attribute beyond the senses and physical forms, the expansion they propose is another way of opening up that intangible dimension that can only be inhabited today by a video image –like the one they both propose, one that will cross barriers of identitary belonging and face the drift of the plural voice and body. That temple desecrated by expansion is made up of both post-identity cyborg-sex –which never rejects eroticism and sensuality– and documentary-like contemplation, a perplexed hallucination of the contemporary. In the midst of all that, the stained-glass window of the church they build modifies light and, if it happens to have the color of K-pop and seems to resemble a music video, then it ends up being a videocreep, freak performance included. This way, in the intersection of Kim and Zubillaga, every genre overflows until porn or technology devour it, until the post-human figurations and their residue become a look in which it’s all about the gaze’s frenzy.

Diego Trerotola

DT

the skin i live in Focus Dew Kim & Luciano Zubillaga

Películas de Dew Kim, Luciano Zubillaga y la Iglesia de la Telepatía Expandida (TCoET)

Films by Dew Kim, Luciano Zubillaga and the The Church of Expanded Telepathy (TCoET)

A través de la performance, la arquitectura y las imágenes en movimiento, la Iglesia de la Telepatía Expandida (TCoET) estimula a que el público explore el movimiento, el sentido del tiempo y la sexualidad dentro de la imaginación de las filosofías post-humanas. TCoET trabaja con la performance, el humor y la telepatía expandida como modo de conocimiento directo en cuanto a las imágenes en movimiento como objeto de investigación.

Through performance, architecture and moving image, The Church of Expanded Telepathy (TCoET) encourages audiences to explore movement, time-sense and sexuality within the imagination of post-human philosophies. TCoET works with performance, humour and expanded telepathy as a mode of direct knowledge in moving image as research.

Dew Kim y Luciano Zubillaga comenzaron a trabajar con el concepto de la TCoET para la conferencia “From Humanism to Post and Transhumanism” (“Del humanismo al post y transhumanismo”), llevada a cabo en la Universidad Ewha Womans en Seúl, Corea del Sur. La conferencia de 2014 activó una colaboración que continúa hasta el día de hoy, y explora el lenguaje, la sexualidad y la sensibilidad religiosa. Su trabajo llamado “Expanded Telepathy” (“Telepatía expandida”) será publicado como capítulo de un inminente libro: Shifting Layers: New Perspectives in Media Archeology across Digital Media and Audiovisual Arts (Capas cambiantes: nuevas perspectivas en arqueología de medios a través de medios digitales y artes audiovisuales), de Mimesis International. En su obra, las reglas de producción no están definidas de la manera en que lo están en la forma tradicional de hacer cine, ni están dispuestas bajo protocolos lineales de colaboración. El cine es abordado como una arquitectura invisible, en la cual los entrelazamientos de telepatía expandida (ET) tendrían el potencial de deshacer el sólido control del lenguaje y la sintaxis colonial. La matriz lineal del montaje da paso a posibles ensamblajes de tiempo como transdisciplina de la escultura, la filosofía y el diseño espacial. De hecho, el movimiento de la imagen o el sentido del tiempo solo se necesitan para acceder a la dimensión número ‘n’ del espacio. La combinación de sentimiento y pensamiento de alta tensión da lugar a una forma mayor de vida psíquica.

Dew Kim and Luciano Zubillaga started working with the concept of TCoET for the Conference “From Humanism to Post and Transhumanism” held at Ewha Womans University in Seoul, South Korea. The 2015 conference activated an ongoing collaboration exploring language, sexuality and religious sensibility. Their work entitled “Expanded Telepathy” will be published as a chapter in a forthcoming book, Shifting Layers: New Perspectives in Media Archaeology across Digital Media and Audiovisual Arts (Mimesis International). In their work the rules of production are not defined as they are in traditional filmmaking and not set under linear protocols of collaboration.Filmmaking is approached as an invisible architecture, where entanglements of expanded telepathy (ET) could potentially undo the solid grip of language and colonial syntax. The linear matrix of montage gives way to possible assemblages of time as transdiscipline for sculpture, philosophy and space design. In fact, image movement or time-sense is only needed to access the ‘n’th dimension of space. The combination of feeling and thought of high tension leads to a higher form of psychic life.

kokakolachickenwings cocacolaalitasdepollo En kokakolachickenwings, el pensador Zairong Xiang y el artista Luciano Zubillaga colaboran de forma telepática para proponer un film/texto sin principio ni fin. Sonidos, voces indeterminadas, subs algorítmicos y varias traducciones convergen gracias a la potencia del montaje, que conecta el cerebro 1 (intestinos) con el cerebro 2 (el cerebro de la cabeza) en el contexto de la cocina, la lectura y el acto de hacer una película. Mientras cocinan, una voz de androide al estilo de Optimus Prime cuenta: “El tema de esta conversación es la Inestabilidad de la Razón Humana”.

Reino Unido / Alemania UK / Germany, 2015 14’ / Color Coreano / Inglés Korean / English D, G, F, DA, P, PE, I: Luciano Zubillaga, Zairong Xiang E: Luciano Zubillaga S: Carl Rohumaa M: Luis Zubillaga, Luciano Zubillaga CP: TCoET

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In the film kokakolachickenwings, thinker Zairong Xiang and artist Luciano Zubillaga collaborate telepathically to propose a film/text that has no beginning and no end. Sounds, indeterminate voices, algorithmic subs and various translations converge by the potency of montage, connecting brain 1 (intestines) with brain 2 (head brain), in the context of cooking, reading and making a film. While cooking, an android voice in the style of Optimus Prime confides: “The theme of the conversation is Instability-of-Human-Reason”.

Zairong Xiang Trabaja con la intersección entre el feminismo, los estudios queer y el pensamiento neocolonial en un contexto transnacional. Su obra intenta reflexionar más allá del régimen moderno sobre la heteronormatividad con respecto al género y la sexualidad. Luego de haber trabajado en el ICI Berlin Institute for Cultural Inquiry durante dos años, ahora es investigador en el DFG Research Training Group con un proyecto sobre cosmopolitismo en Latinoamérica y China. He works at the intersection of feminism, queer studies and decolonial thinking in a transnational setting. His research aims to think beyond the modern regime of heteronormativity in terms of gender and sexuality. After spending two years at the ICI Berlin Institute for Cultural Inquiry as a research fellow, he is now a researcher at the DFG Research Training Group with a project on queer cosmopolitanisms in Latin America and China.

I Like You Video K-pop de performance sobre el amor, la pornografía y la guerra. Un submarino fuera de servicio de la Marina Real en un ex astillero imperial británico se convierte en el teatro principal para el estilo a capella de Horney Honeydew. Performance based K-pop video about love, pornography and war. A decommissioned Royal Navy submarine in a former British imperial dockyard becomes the main theatre for Horny Honeydew a cappella style singing.

Luciano Zubillaga Reino Unido - UK, 2016 5’ / Color Coreano / Inglés Korean / English D, G, DA, P, PE: Dew Kim, Luciano Zubillaga F, E: Luciano Zubillaga CP: TCoET I: HorneyHoneydew

Nació en Argentina pero vive en Londres desde 1993. Trabaja con sonido, imagen en movimiento, dibujo, texto y performances. En 2008 recibió el premio London Artist Film and Video Award (LAFVA), y recientemente expuso sus obras en el Whitechapel Art Gallery and Sluice Art Fair de Londres. Su trabajo forma parte del British Artists’ Film and Video Study Collection (BAFVS). He is an Argentine based in London since 1993. He works with sound, moving image, drawings, text and performances. In 2008, he received the London Artist Film and Video Awars (LAFVA). He recently exhibited work at The Whitechapel Art Gallery and Sluice Art Fair, London. His work is part of the British Artists’ Film and Video Study Collection (BAFVS).

Dew Kim Artista surcoreano instalado en Londres. Trabaja con esculturas, imágenes en movimiento, instalaciones y performances relacionadas con la sexualidad, la religión, el K-pop y el cuerpo. Expuso sus trabajos en el Camden Arts Centre de Londres y el Museo Ilmin de Arte de Seúl. Recientemente se graduó del Royal College of Art con un Máster en Escultura, y completó una residencia en la Cité Internationale des Arts de París. He is a South Korean artist based in London. He works with sculpture, moving image, installation and performances that involve sexuality, religion, K-pop and the body. He exhibited his work at London’s Camden Arts Centre and Seoul’s Ilmin Museum of Art. He recently graduated from the Royal College of Art, MA Sculpture and completed the residency program at Paris’ Cité Internationale des Arts.

la piel que habito Foco Dew Kim & Luciano Zubillaga

Me gustas tú

paradise lost + david’s sling paraíso perdido + el columpio de david Video K-pop de performance que conecta la religión con el sistema de misiles bíblicos de Israel. Un visitante del Vaticano es testigo de la aparición de uno de estos misiles en el cielo mientras le canta a la dimensión secreta de la religión. Interpretado por Horney Honeydew. Performance based k-pop video connecting religion and Israel’s biblical missile system. A visitor to Vatican City witnesses the apparition of Israel’s biblical missile in the sky while singing to the secret dimension of religion. Performed by Horney Honeydew.

Reino Unido - UK, 2016 5’ / Color Inglés - English D, G, DA, P, PE: Dew Kim, Luciano Zubillaga F, E: Luciano Zubillaga CP: TCoET I: HorneyHoneydew

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the skin i live in Focus Dew Kim & Luciano Zubillaga

superhomosexuals superhomosexuales El ciberespacio crece sin límites y, aun así, el tiempo mental no es infinito. La estrella de la webcam Alan do Oro abre un mundo futuro en el que la carne, la sexualidad y la intimidad se encuentran con las inmensas posibilidades de la cibernética y lo posthumano. La sensualidad está en la lentitud, y el espacio de información es demasiado amplio y veloz como para explayarse en él de forma intensiva y profunda. En el punto de la intersección entre la ciencia ficción electrónica y el cibertiempo orgánico, yace lo fundamental del porno contemporáneo. Interpretado por Alan do Oro.

Argentina / Uruguay, 2016 14’ / Color Coreano / Inglés Korean / English D, F, DA, P, PE: Luciano Zubillaga, Daniel Böhm G: Dew Kim, Luciano Zubillaga, Daniel Böhm E: Luciano Zubillaga CP: TCoET I: Alan do Oro

Cyberspace grows without limits, yet mental time is not infinite. Webcam Star Alan do Oro opens up a world to come, where flesh, sexuality and intimacy meet the immense possibilities of cybernetics and the posthuman. Sensuality is in slowness, and the space of information is too extensive and fast to elaborate upon it intensively and deeply. At the point of intersection between electronic science fiction and organic cybertime lies the fundamental matter of contemporary porn. Performed by Alan do Oro.

Daniel Böhm Cineasta instalado en Buenos Aires. En su trabajo explora la poética del movimiento y la concientización psicológica. En sus inicios fue psicoanalista, y luego estudió Cine y Fotografía en la Universidad de Nueva York. Sus películas obtuvieron reconocimiento internacional, y con ellas ganó el primer premio en el Festival Joseph Papp Latino en Nueva York, la Placa de Oro en el Festival de Cine de Chicago y el León de Plata en el Festival Internacional de Creatividad de Cannes. He is a filmmaker based in Buenos Aires, Argentina. His work explores the poetics of movement and psychological awareness. After his initial career as a psychoanalyst, he studied cinematography and film at New York University. His films have received international recognition, including a First Prize at the Joseph Papp Latino Film Festival in New York, Golden Plaque at Chicago’s International Film Festival, and a Silver Lion at the Cannes International Advertising Competition.

Take Me to Church Llevame a la iglesia En Take Me to Church, el ciberespacio electrónico conecta una experiencia sadomasoquista con la práctica cristiana: un hombre que explora el secuestro voluntario se confunde entre el miedo y el placer sexual. Se da cuenta de que su deseo sexual es un tipo de muerte y la ceremonia es sagrada. Para Georges Bataille, la sensibilidad religiosa siempre relaciona el deseo con el espanto, el placer intenso y la angustia. En la historia vemos una energía que, al estar atada a una devoción hacia algo o alguien, le da al devoto, el sumiso, el mártir, una habilidad para hacer algo especial, para salir de las limitaciones de lo humano. Interpretado por Horney Honeydew.

Reino Unido - UK, 2016 8’ / Color Coreano / Inglés Korean / English D, G, DA, P, PE: Dew Kim, Luciano Zubillaga F, E: Luciano Zubillaga CP: TCoET I: Horney Honeydew Contacto / Contact TCoET [email protected] [email protected]

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In Take Me to Church, electronic cyberspace connects a sadomasochistic experience with Christian practice: a man exploring voluntary kidnapping becomes confused between fear and sexual pleasure. He realizes that his sexual desire is a kind of death and the ceremony is sacred. To Georges Bataille, religious sensibility always links desire closely with terror, intense pleasure and anguish. We see an energy in the story which, when harnessed to a devotion to something or someone, gives the devotee, the submissive, the masochist, the martyr, an ability to do something special, to step outside the limitations of the human. Performed by Horney Honeydew.

la piel que habito the skin i live in

Monstruos homoeróticos HOMOEROTIC MONSTERS

Desde el principio no fue el orden sino el error. El error ensayó universos potenciales en la falsa quietud de lo dado. Creó los márgenes del mapa y los territorios caídos, e hizo temblar el suelo firme y el mar también, todo a un mismo tiempo. Engendró los fiordos con sus colores indescifrables y los cuerpos espléndidos con el reloj de la enfermedad misteriosa y el ocaso. El deseo con la desesperación. La felicidad con el engaño. La sangre con el semen. La partenogénesis y el suicidio no asistido. En el éxtasis de Sodoma, usó como una joya vaginosa el anillo del ano. La carne humana y el metal, a veces con predominio del metal. Los dos sexos nombrados en El Libro con las mil cinco variedades cromosomáticas nunca identificadas. Las formas engordaron de mímesis, y cada cual fue lo mismo y otra cosa, y cada cosa, otras. Se abrieron las alcobas de lo múltiple y las alas del vampiro que sufre y nos apena. Ese ángel quiróptero escapó del dios de los ejércitos porque buscaba un cirujano que le inventase un sexo transitorio, al menos por seis días, y al séptimo descansó después de haber conocido su cuerpo y a la vez el pene, la vagina, las mamas cargadas de sangre, y lo negro de un beso. Que bajó el cielo a la tierra, la tierra al infierno, y llevó por pura diversión el infierno a todas partes. Con Lucifer como compañero asustaban curas y médicos, madres devotas y padres que hacían de su cama un cuartel. Volvían borrachos a casa cabalgando sobre las yeguas del Apocalipsis. Al principio fue el error. Y su belleza. Desde entonces el monstruo es uno de los mil nombres de Lo Bello. Es el amor, que nunca da paz aunque la pregone, así como la belleza verdadera trae la discordia. El ser que se ama es otra manifestación del monstruo: cuando en ese narciso invertido se apagan todos los atributos con que lo divinizamos, se rebelan por fin sus formas sinceras y con él cae la noche del mundo. Y entonces se lo ve tal cual es, o tal cual no es. Porque nada es o no es en el decurso del monstruo. Se lo ame o se lo odie. El monstruo precisa para deslumbrar de una infinita libertad de movimiento y locación, de los vórtices y los subterráneos, de las multitudes y sus revueltas, de lenguajes atávicos y del creol y la panlengua; de signos del futuro como alfabeto de la memoria, porque el tiempo en el monstruo es pura correlación de fuerzas semióticas, en el riachuelo de la historia en que el agua simula estar estancada. El monstruo se niega a la mesa de montaje, donde el cineasta busca para él un encuadre y una razón de ser. Monstruo es el creador y monstruo el creado, que a menudo se deja seducir por el talento como un gato por la mano hábil del dueño. Las buenas películas sobre monstruos deben ser miradas como si fuesen manchas imprecisas en el cuerpo de un tigre y se escuchan siempre en un idioma extranjero, que por un rato aprendemos inexplicablemente a hablar, para de inmediato olvidarlo.

Since the beginning, there wasn’t order; there was error. Error rehearsed potential universes in the false stillness of the given. It created the margins of the map and the fallen territories, and made the firm soil and the sea tremble all at once. It conceived the fiords, with their indecipherable colors, and the splendid bodies with the clock of twilight and the mysterious disease. Desire with desperation. Happiness with deceit. Blood with semen. Parthenogenesis and non-assisted suicide. In the ecstasy of Sodom, it used the anus’ ring as a vaginous jewel. Human flesh and metal, sometimes with metal predominating. The two sexes named in The Book with the one thousand and five chromosomal varieties that were never-identified. The forms bloated with mimesis, and each was the same and something else, and each thing, others. The rooms of the multiple and the wings of the vampire that suffers and saddens us opened. That chiropteran angel escaped the god of the armies because it was looking for a surgeon to invent it a transitory sex, at least for six days, and the seventh, it rested after having known its body and, at the same time, the penis, the vagina, the blood-filled breasts, and the blackness of a kiss. Which came down from the heavens to earth, from earth to hell, and took hell everywhere, just for fun. With Lucifer as partner, they scared priests and doctors, devout mothers and fathers that turned their beds into their quarters. They came home drunk, riding the mares of the Apocalypse. In the beginning, there was the error. And its beauty. Since then, the monster is one of the thousand names of The Beautiful. It is love, that never brings peace even if it proclaims it, like true beauty brings discord. The being that loves itself is another manifestation of the monster: when in that reverse narcissus all the attributes with which we deify it extinguish, its sincere forms reveal at last, and with it, the night of the world falls. And then, it is seen as it is, or as it is not. Because nothing is or isn’t in the monster’s course. Either if it is loved or hated. In order to stun, the monster needs an infinite freedom to move and locate, it needs vortexes and subterraneans, multitudes and their revolts, atavistic languages and the creole and the pan lingua; signs of the future as alphabet of the memory, because time in the monster is pure reciprocity of semiotic forces, in the stream of history where water aims to be stagnant. The monster rejects the editing table where the filmmaker seeks to provide it with a framing and a reason to live. Monster is the creator and monster is what it is created and usually allows itself to be seduced like a cat by the owner’s skilled hand. Good films about monsters must be seen as though they were imprecise spots in the body of a tiger, and they are always heard in a foreign language we’ll inexplicably learn to talk for a while, only to forget it immediately.

Alejandro Modarelli

AM

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Don’t Go in the House No entres a la casa Estados Unidos - USA , 1979 82’ / Color Inglés - English D: Joseph Ellison G: Joseph R. Masefield, Joseph Ellison, Ellen Hammill F: Oliver Wood E: Jane Kurson DA: Sarah Wood S: James Y. Kwei M: Richard Einhorn P: Ellen Hammill, Matthew Mallinson, Dennis Stephenson PE: Edward L. Montoro CP: Turbine Films Inc. I: Dan Grimaldi, Charles Bonet, Bill Ricci

Hay razones para no entrar en la casa: toda vez que el niño Donnie se porta mal, su mamá le pone los bracitos sobre la hornalla encendida de la cocina. Gracias a esa discutible pedagogía, Donnie llega a ser un adulto retraído, incapaz de relacionarse con las mujeres como no sea prendiéndoles fuego. Desde luego, el film es un poco más sutil que esta descripción, sobre todo en la excéntrica caracterización del protagonista, que en público aguanta silenciosamente la burla de sus compañeros de trabajo (salvo uno, su único amigo), y en privado festeja la muerte de su madre con una danza explosiva. Lo que evita que el film sea solo una variante flamígera de Psicosis es el hecho de que el director Ellison no oculta los crímenes de Donnie y, al mismo tiempo, hace todo lo posible para que empaticemos con él. El resultado es que su punto de vista termina por ser también el nuestro, un gesto que hoy es habitual en el cine y las ficciones televisivas pero que en 1980 todavía era perturbador, incómodo y, en fin, raro. Fernando M. Peña There are reasons not to enter the house: every time little Donnie misbehaves, his mom grabs his small arms and burns them on the kitchen stove. Thanks to this debatable pedagogy, Donnie grows up to be a shy adult incapable of relating with women in any way other than setting them on fire. Of course, the film is a bit subtler than this description, especially in the eccentric characterization of its protagonist, who publicly and silently endures being mocked by his workmates (except for one, his only friend) and privately celebrates the death of his mother with an explosive dance. What keeps the film from being just a flaming variation of Psycho is the fact that director Ellison doesn’t hide Donnie’s crimes and, at the same time, does everything he can to make us empathize with him. The result is that his point of view also ends up being ours, which is something quite common in today’s film and television fiction but was still disturbing, uncomfortable and ultimately weird back in 1980. FMP

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Joseph Ellison Nació en Nueva York en 1948. Durante años trabajó en películas exploitation hasta que en 1980 dirigió su primer largometraje, Don’t Go in the House. Seis años después volvió para dirigir el drama Joey, y se retiró luego de su estreno. He was born in Manhattan, New York, in 1948. He worked for years on various exploitation films until 1980 when he was finally able to make his own movie, Don’t Go in the House. Six years later, he directed the drama Joey and retired from filmmaking after its release.

The Black Cat Estados Unidos - USA, 1934 65’ / B&N Inglés / Latín / Húngaro English / Latin / Hungarian D: Edgar G. Ulmer G: Edgar Allan Poe, Peter Ruric, Edgar G. Ulmer E: Ray Curtiss DA: Charles D. Hall S: Gilbert Kurland M: Heinz Roemheld P: Carl Laemmle Jr., E.M. Asher CP: Universal Pictures I: Boris Karloff, Bela Lugosi, David Manners, Julie Bishop Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

Dos de los máximos íconos del cine de terror del siglo XX se convirtieron en algún momento de sus carreras en figuritas del álbum queer: Boris Karloff por prestarse, no una sino dos veces, a ser el monstruo camp de la saga Frankenstein de James Whale; Bela Lugosi por dejarse amalgamar, no una sino dos veces y media, en el delirio crossdressing y trans de Ed Wood a partir de Glen or Glenda?. Pero Boris & Bela también cruzaron sus caminos varias veces, y la primera fue la más queer de sus aventuras juntos en cine: El gato negro de Ulmer es la que llegó a fraguar con más nitidez el deseo monstruoso entre ambos. Desde el inicio del relato, cuando Lugosi interrumpe la intimidad de la pareja hétero protagónica, se sospecha que la película está diagramando una sensibilidad más extraña. Y no hay duda alguna cuando aparece Hjalmar Poelzig: este personaje encarnado por Karloff está inspirado en el ocultista, escritor y pintor Aleister Crowley, principal exponente del Sex Magick, que años después sería fuente de inspiración para los cortos de Kenneth Anger. Y por eso no hace falta la lectura camp –que la película también dispara– para afirmar su nivel queer, porque el clímax, cuando Lugosi le arranca la ropa a un Karloff que queda en cuero y maniatado, tal vez sea el máximo voltaje de homoerotismo sadomaso en el que el cine haya puesto los ojos. Diego Trerotola Somewhere along their careers, two of the main icons in 20th century horror film became stickers for the queer album: Boris Karloff, for being –not once but twice– the camp monster in James Whale’s Frankenstein saga; and Bela Lugosi, for allowing himself to be amalgamated –not once but two and a half times– in Ed Wood’s trans, cross-dressing delirium with Glen or Glenda? But Boris & Bela also crossed their paths many times, and the first one was the most queer of all their joint film adventures: Ulmer’s The Black Cat is the most sharp at forging the monstrous desire between them. From the very beginning of the story, when Lugosi interrupts the intimacy of the leading hetero couple, you suspect that the film is building up an actually stranger sensibility. And once Hijalmar Poelzig appears, there’s no doubt about it: Karloff’s character is inspired by occultist, writer and painter Aleister Crowley, who is a prime example of Sex Magick, and years later would serve as the source of inspiration for Kenneth Anger’s short films. And that’s why the camp interpretation –which the film also triggers– isn’t necessary to prove the film’s level of queerness, because the story’s climax –Lugosi ripping off Karloff’s clothes, who’s left barechested and with his hands tied– might have the highest voltage of sadomasochistic homoeroticism cinema has ever put its eyes on.

la piel que habito Monstruos homoeróticos

El gato negro

Edgar G. Ulmer Nació en 1904 en Moravia, en el entonces Imperio austrohúngaro. Comenzó su carrera como director de arte, y en los años 20 se mudó a Estados Unidos, donde trabajó principalmente en películas de bajo presupuesto. People on Sunday (1930), Detour (1945) y The Naked Dawn (1955) son algunas de sus películas. Falleció en 1972 en Los Ángeles. He was born in 1904 in Moravia, in Austria-Hungary. He started his career as an art director and moved to the US in the 1920s, where he worked mainly in low budget films. People on Sunday (1930), Detour (1945), and The Naked Dawn (1955) are some of his films. He died in 1972 in Los Angeles.

DT

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the skin i live in HOMOEROTIC MONSTERS

El vampiro negro M Alemania - Germany, 1931 111’ / B&N Alemán - German D: Fritz Lang G: Thea von Harbou, Fritz Lang F: Fritz Arno Wagner E: Paul Falkenberg DA: Emil Hasler, Karl Vollbrecht S: Adolf Jansen M: Edvard Grieg P: Seymour Nebenzal CP: Nero Film I: Peter Lorre, Otto Wernicke, Gustav Gründgens, Theo Lingen, Theodor Loos, Georg John, Ellen Widman, Inge Landgut

Un festival de cine LGBT o GBTILQ o QQQ, como quieran ordenarse las letras, reinventarse los géneros, mutar las identidades, es también una oportunidad para recordar, revisitar o rememorar desde una nueva inclinación obras maestras del cine universal como El vampiro negro, que inquieta y revela a la vez una perversa sensación de necesidad de orden. Entre el neorrealismo alemán y el nuevo realismo, esta precuela o abuela del policial psicológico y el film noir trae imágenes novedosas y elocuentes, como una huella digital a toda pantalla, o un uso preciso del novedoso recurso sonoro –como presagio y postfacio de los asesinatos de niños y niñas que el protagonista comete– desflorado en unas pocas notas silbadas por el gran Peter Lorre (aunque dicen que la silbadora fue Thea von Harbou, coguionista y esposa de Lang). Esa imagen de huella digital es la vanguardia de todo lo que luego se escribiría sobre la identidad como derecho humano, pero también es pionera en la alienante búsqueda de seguridad en la que deriva el pueblo de Dusserdolf donde se ubica la trama. Lang pinta ahí una aldea para mostrar una sociedad tan corrompida en su imaginario que está dispuesta a linchar al monstruo, a quedarse ciega poniendo en riesgo el estado de derecho de un sujeto. Lo monstruoso, entonces, es aquello a lo que se le teme: perder la identidad, dejar de ser un sujeto de derecho viviendo entre verdaderos monstruos ordenados. Lo curioso, al día de hoy, es su actualidad. Albertina Carri An LGBT, or GBTILQ, or QQQ festival, whatever order you want to give the letters, however you want to reinvent the genders and mutate the identities, is also a chance to remember, revisit or recall –from a new inclination– universal masterpieces like M, which both disturbs us and reveals the perverse feeling of the necessity for order. Between German neorealism and new realism, this prequel or grandmother of psychological thrillers and films noirs brings some original and eloquent images, such as a fingerprint that fills up the screen, or a precise use of the novel sound effect –as both prescience and postface to the murders of little boys and girls the protagonist commits– with the few notes whistled by the great Peter Lorre (although they say the whistler was actually Thea von Harbou, co-writer of the film and Lang’s wife). That image of the fingerprint is the vanguard of everything that would later be written about identity as a human right, but it’s also a pioneer in the alienating search for safety in the town of Dusseldorf where the film takes place. Lang uses a small town to show a society so corrupted in its imaginary that they are willing to lynch the monster, to go blind and risk a person’s rights under the rule of law. Thus, what’s monstrous is actually what is feared: losing one’s identity and stop being a rights-bearing person, living among true organized monsters. What’s actually curious is how current it is today. AC

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Fritz Lang Nació en Viena, en el entonces Imperio austrohúngaro, en 1890, y desarrolló su carrera cinematográfica en Alemania y Estados Unidos. Algunas de sus películas son El testamento del Dr. Mabuse (1933), Los verdugos también mueren (1943), La mujer del cuadro (1945), Los sobornados (1953) y Los mil ojos del Dr. Mabuse (1960), su último film. Murió en Los Ángeles en 1976. He was born in Austria-Hungary in 1890, and developed his film career in Germany and the US. His filmography includes The Crimes of Dr. Mabuse (1933), Hangmen Also Die! (1943), The Woman in the Window (1945), The Big Heat (1953), and The 1,000 Eyes of Dr. Mabuse (1960), his last film. He died in Los Angeles in 1976.

I Can’t Sleep / No puedo dormir Francia / Alemania / Suiza - France / Germany / Switzerland, 1994 110’ / Color Francés / Ruso / Inglés French / Russian / English D: Claire Denis G: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau F: Agnès Godard E: Nelly Quettier DA: Arnaud de Moléron, Thierry Flamand S: Thierry Lebon, Jean-Louis Ughetto M: Jean-Louis Murat, John Pattison P: Bruno Pésery CP: Agora Films, France 3 Cinéma I: Yekaterina Golubeva, Richard Courcet, Vincent Dupont, Laurent Grévill, Alex Descas

Hace poco escuché que Claire Denis decía algo así como que era ridículo filmar un guion tal y como había sido escrito. Que no debía ser nunca más que una guía para tener en cuenta en rodaje, pero que filmar un guion tal cual era un sinsentido. Seguramente no haya dicho exactamente esto, pero sí algo similar. Y, sin embargo, sus películas siempre cuentan una historia, en el sentido más tradicional. Pero de algún modo dan la sensación de que la cuentan derivando, a su pesar. Transcurren, componen, yerran, avanzan. En J’ai pas sommeil una serie de asesinatos de ancianas es el contexto para contar una historia de amor, o de desamor. La París en la que sucede es igual de animada e inhóspita que la de ahora. Acá también hay inmigrantes sin perspectivas y franceses no blancos ni rubios que son franceses pero no pueden del todo vivir como tales. En J’ai pas sommeil ya están Alex Descas y Beatrice Dalle, con los que la directora sigue trabajando hasta hoy. Y está la bella Yekaterina Golubeva, que filmó y vivió poquito, pero que quedó capturada ahí, en el para siempre del cine, por Leos Carax y Claire Denis. Claire Denis filma los márgenes, el detrás de escena, el suburbio de un Godard o de un Truffaut. Desde su mirada, que sabe convertirse en la del otro, Claire Denis también filma mujeres, pero sobre todo filma hombres. Hombres en situación de hombres que de tan masculinos pasan a ser cálidos, delicados, accesibles. Claire Denis se convierte en ese otro para contar, ama y no juzga, se trasviste, para ver el mundo desde otro lugar. Romina Paula A while ago, I heard that Claire Denis said it was ridiculous to shoot a script just like it was written, or something like that. That it didn’t have to be anything more than a guide you keep in mind while shooting, and that filming a script just the way it is made no sense. I’m sure she didn’t say exactly that, but something similar. And nonetheless, her films always tell a story, in the most traditional sense. But in some way, they give out the sense that they’re told as if drifting, unwillingly. They go by, compose, roam, and move forward. In I Can’t Sleep, a series of murders of elderly women is the context for a story about love –or heartbreak. The Paris where it is set is as lively and inhospitable as it is today. There are also immigrants without perspectives, and French people that are neither white nor blonde, who are French but can’t seem to live as such. In I Can’t Sleep, there’s Alex Descas and Beatrice Dalle, with whom the director continued to work until today. And there’s the beautiful Yekaterina Golubeva, who filmed and lived a very short time but ended up captured there, in that forever cinema is, by Leos Carax and Claire Denis. Claire Denis shoots the margins, the behind-the-scenes, the suburbs of Godard or Truffaut. Through her own perspective, which knows how to become someone else’s, Claire Denis also films women and yet she mostly films men –men in a state of being men, so masculine that they become warm, delicate, approachable. Claire Denis becomes someone else in order to narrate; she loves and doesn’t judge; she cross-dresses, in order to see the world from another point of view. RP

Contacto / Contact Institut Français Martina Pagnotta +54 11 4515 6916 [email protected] ifargentine.com.ar

la piel que habito Monstruos homoeróticos

J’ai pas sommeil

Claire Denis Nació en París y se crio en distintos países de África. Estudió en el Institut des Hautes Etudes Cinématographiques y trabajó como asistente para directores como Jim Jarmusch y Wim Wenders. Dirigió cortos, episodios de TV y largometrajes como Nénette et Boni (1996, ganadora en Locarno), Chocolat (1988), Bella tarea (1999), Sangre caníbal (2001) y 35 rhums (2008, ganadora en Hamburgo). She was born in Paris and grew up in several countries in Africa. She studied at the Institut des Hautes Etudes Cinématographiques and worked as an assistant for film directors like Jim Jarmusch and Wim Wenders. She directed short films, TV episodes and feature- length films like Nénette et Boni (1996, winner in Locarno), Chocolat (1988), Beau Travail (1999), Trouble Day (2001) and 35 Shots of Rum (2008, winner in Hamburg).

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En esta sección te invitamos a explorar temas tales como el amor y el sexo, la identidad y la expresión de género, el enamoramiento y el desamor, la amistad y los juegos, la infancia, las preguntas y la inocencia, entre muchos otros que afloran en la relación mágica que se crea entre la pantalla y cada un* de los espectador*s. Te proponemos observar cómo el adultocentrismo aplica correcciones y ejerce censuras en las expresiones de género de niñ*s y jóvenes, no solo lgbt sino en su totalidad. Queremos ampliar nuestras perspectivas, nuestros horizontes. Por eso, analizar los vínculos de confianza entre niñ*s y adultos y su evolución es imperioso. Cada una de las películas seleccionadas para esta sección está destinada a repercutir en nuestras sensibilidades, quizás como un llamado de atención hacia la forma en la cual escuchamos (o no) a niñ*s y jóvenes. Podremos abordar la sexualidad y las construcciones de género desde una mirada novedosa, inquisidora, desprejuiciada, que es la de ell*s, la que el mundo adultocéntrico insiste en normativizar bajo patrones que suprimen subjetividades. Al final del recorrido, ¿cuentan niñ*s y jóvenes con nosotr*s para poder hablar sobre sus deseos y experiencias? ¿Cuentan con nosotr*s para recibir nuestro apoyo y vivir sus sexualidades con libertad? ¿Cuentan con nosotr*s cuando toman decisiones, cuando expresan sus sentimientos? ¿Cuentan con nosotr*s? Esta probablemente sea la pregunta que más resuene en esta sección de la nueva edición del Festival Asterisco.

In this section, we invite you to explore subjects like love and sex, gender identity and expression, infatuation and heartbreak, friendship and games, childhood, questions and innocence, among many others that surface in the magical relationship that’s created between the screen and each member of the audience. We challenge you to look at how adult-centrism applies corrections and practices censorship in the gender expressions of children and young people, not just lgbt, but as a whole. We want to further our perspectives, our horizons. That is why it is of the utmost importance to analyze the bonds of trust between children and adults and their evolution. Each of the films selected for this section is destined to resonate in our sensibilities, perhaps as a call for attention towards the way in which we listen to children and young people (or not). We can approach sexuality and gender constructions from their own bold, inquisitive, unprejudiced perspective, which the adult-centric world insists on regulating under patterns that suppress subjectivities. IN the end, can children and young people count on us to talk about their desires and experiences? Can they count on us to receive our support and live their sexualities in freedom? Can they count on us when they make decisions, when they express their feelings? Can they count on us? That is probably the question that resonates the most in this section of the new edition of Asterisco Festival.

Alan Otto Prieto

AOP

Bromance Argentina, 2016 93’ / Color Español - Spanish D: Lucas Santa Ana G: Lucas Santa Ana, Diego Mina F: Mariana Russo E: Marcela Truglio DA: Augusto Latorraca S: Mariano Fernández M: Coiffeur P: Sombracine PE: Alberto Masliah CP: Sombracine I: Javier De Pietro, Agustín Pardella, Marcos Ribas, Luana Pascual

En noviembre de 1996, Daniel, Adrián y Santiago, tres amigos de la infancia, viajan a Villa Gesell a quedarse en un camping donde pasaron varios veranos de sus vidas, solo que ahora están más grandes, tienen más responsabilidades, más dudas y, en algunos casos, también más certezas. Al día siguiente, y durante un chapuzón en pelotas en el mar, algo pasa entre Daniel y Santiago, y después todo es incómodo. Daniel está bastante seguro de lo que le pasa. Santi, en cambio, no entiende nada, y lo primero que hace es engancharse con Julieta, otra campamentista que está quedándose en el complejo. La clave del éxito de la película de Lucas Santa Ana está en el vínculo perfectamente reconocible que logra plasmar entre esos tres amigos, lo cual, además de generar empatía, hace que todo lo que sucede en la película resulte verosímil y, por lo tanto, conmovedor. Ayudan también el brillante cuarteto de actores (Javier de Pietro, Agustín Pardella, Marcos Ribas y Luana Pascual) que se pone la película al hombro, sus bellísimas imágenes, su tono, con una pata en Rohmer y la otra en Supercool, y una gran música incidental a cargo de Coiffeur. Juan Pablo Martínez In November 1996, childhood friends Daniel, Adrián y Santiago travel to Villa Gesell to stay at a camping site where they spent many summers of their lives, only now they’re older, have more responsibilities, more doubts and, in some cases, more certainties. The following day something happens between Daniel and Santiago while skinny-dipping, and everything turns awkward. Daniel is quite sure about his feelings. Santi, on the other hand, is totally confused, and the first thing he does is hooking up with Julieta, another camper staying at the site. They key to the success of Lucas Santa Ana’s film is in the perfectly recognizable bond he manages to capture between those three friends –which, apart from creating empathy, makes everything in the film ring true, which in turn makes it moving. The brilliant quartet of actors who carry the film (Javier de Pietro, Agustín Pardella, Marcos Ribas and Luana Pascual) also help, and so do its beautiful images and tone –part Rohmer, part Superbad– and a great score by Coiffeur. JPM

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Como una novia sin sexo

Contacto / Contact Sombracine Alberto Masliah +54 11 4430 1481 [email protected] sombracine.com

Lucas Santa Ana Egresado de la ENERC, estudió Dramaturgia y Actuación, y participó del Talent Campus BA en 2005. Escribió y dirigió varios cortos, incluido Vida nueva (2013, Premio del Público en Libercine 2009), y también obras de teatro. Su documental El puto inolvidable. Vida de Carlos Jáuregui es parte de la Competencia Argentina de Asterisco 2016. An ENERC graduate, he studied playwriting and acting, and participated in the BA Talent Campus in 2005. He wrote and directed various shorts, including Vida nueva (2013, Audience Award at Libercine 2009), as well as theater plays. His documentary El puto inolvidable. Vida de Carlos Jáuregui is screening in the Argentine Competition at Asterisco 2016.

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Daniel’s World Danieluv Set / El mundo de Daniel República Checa / Czech Republic, 2014 75’ / Color Checo - Czech D, G: Veronika Lišková F: Braňo Pažitka E: Hedvika Hansalová DA: David Böhm S, M: Jan Richtr P: Zdeněk Holý, Jana Brožková PE: Lukáš Borovička, Lucie Zvěřinová CP: Vernes Czech TV Contacto / Contact Vernes s.r.o. Zuzana Bieliková [email protected] vernes.cz

La voz en off, las conversaciones, la cámara que se detiene en un parque de diversiones, todo es calmo y reflexivo, sin histeria, tonos crispados o reacciones emotivas. Por eso el documental de la joven realizadora checa Veronika Lisková es tan perturbador: en general la pedofilia se menciona con tensión, gravedad y acusación. No es así en Daniel’s World. El Daniel del título es pedófilo y muy joven: 25 años, pelo larguísimo; estudia Letras, trabaja como obrero, escribe, prefiere a los menores de diez años. En su casa tiene murales con fotos de niños sonrientes. Daniel es el pedófilo ejemplar –la directora lo eligió después de entrevistar a unos veinte candidatos–, uno que sabe que nunca tendrá sexo. El consenso es imposible, dice. No consume pornografìa ilegal: dice que le alcanzan sus fantasías. Daniel mira en Youtube cursis videos de chicos con música romántica, y es horrible verlos a través de sus ojos, es intolerable. Daniel pide tolerancia: se define como pedófilo gay, se reúne con otros pedófilos –uno lleva una remera que dice “regalo caramelos”–, les cuenta su parafilia a los padres del niño que ama. Y solicita, incluso en foros con público, que se lo acepte en la sociedad y se lo deje tener una amistad con un chico. Daniel es un hombre parado sobre una mina terrestre: solo puede satisfacer su deseo sexual con una violación. ¿Hasta cuándo podrá o querrá sostener su celibato? La película es desafiante en su racionalidad, a veces inaguantable y enloquecedora. Una fría caricia de horror. Mariana Enriquez A voiceover, conversations, and a camera that stops at an amusement park: it’s all calm and reflective, without any madness, shouting, or emotional reactions. That’s the reason why this documentary by young Czech filmmaker Veronika Lisková is so disturbing: pedophilia is usually mentioned with a tense, grave, and accusatory tone. That is not the case in Daniel’s World. The title character is a pedophile, and a very young one: he is 25 years old and has very long hair. He studies Literature, works in construction sites, writes, and prefers boys under ten. He has murals in his home with pictures of little boys smiling. Daniel is the exemplary pedophile –the director chose him after interviewing about twenty candidates– because he knows he will never have sex: consent is impossible, he says. He doesn’t watch illegal porn: he says his fantasies are good enough for him. Daniel watches cheesy YouTube videos with kids and romantic music, and it’s horrible to see them through his eyes –it’s intolerable. Daniel asks for tolerance: he defines himself as a gay pedophile, he has meetings with other pedophiles (one of them has a t-shirt that reads “I give out candy”), and he talks about his paraphilia with the parents of the boy he is in love with. And, even in public forums, he asks to be accepted by society and to be allowed to have a friendship with a boy. Daniel is a man standing on a landmine: he can only satisfy his sexual desire through rape. How much longer will he be able to –or want to– hold on to his celibacy? The film is challenging in its rationality, and sometimes even unbearable and maddening –like a cold caress of horror. ME

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Veronika Lišková Nació en Praga, República Checa, en 1982. Se graduó en Estudios Culturales en la Universidad Charles, y en Guion y Dramaturgia en la Academia de Artes Performativas de Praga. Fue jefa de redacción de la revista Novy Prostor y trabajó en la televisión checa como directora y guionista de documentales. Dirigió varios cortometrajes, y actualmente dirige el departamento de Enseñanza Documental en el Instituto de Cine Documental de Praga. Daniel’s World es su primer largometraje. She was born in Prague, Czech Republic in 1982. She graduated from cultural studies at Charles University, and screenwriting and dramaturgy at Academy of Performing Arts in Prague. She was the editor in chief of the Novy Prostor magazine and worked in national Czech TV as a director and screenwriter of documentaries. She directed several short films and currently works at the Institute of Documentary Film in Prague as a head of documentary training. Daniel’s World is her feature length debut.

Interlude Argentina, 2016 80’ / Color Español - Spanish D, G, PE: Nadia Benedicto F: Matías Quinzio E: Sabrina Gazzaneo DA: Flor Penélope Nuñez S: Martín Galimany M: Walter Von Foerster P: Nadia Benedicto, Roxana Ruzzante, Leonor García Vercillo CP: Proyecto Águila I: Leticia Mazzur, Sofía Del Tuffo, Lucía Frittayon, Patricio Aramburu

Suena solemne el término “interludio”. No es difícil olvidarse de que, además del sentido de pausa, del tiempo que transcurre entre dos actos, también está escondida en su interior otra palabra: “juego”. En Interludio, el primer largo de Nadia Benedicto, hay un movimiento que se desplaza de uno a otro tono. El comienzo es grave: Sofía se separa de su marido y viaja a La Lucila del Mar con sus dos hijas, Irina y Pachi, una adolescente y una nena de anteojos que ve mucho más de lo que tod*s creen. Es temporada baja, y la playa desierta y la casa inmóvil que se vuelve a animar con la visita le dan a todo el viaje una cualidad extraña, entre irreal y melancólica. Las tres son una familia, pero lo más importante que pasa en Interludio tendrá lugar –sutil, casi imperceptiblemente– cuando estén separadas. Ese movimiento que las separa y las vuelve a reunir, transformadas (Pachi, en una aventurera; Irina, en una chica que descubre el amor en otra chica; Sofía, en una madre que también es una mujer que coge), es el dibujo que arma Interludio, entre el tiempo de espera y el juego. Marina Yuszczuk The term “interlude” sounds solemn. It’s not hard to forget that, apart from meaning “pause”, or the period of time between two acts, another word is hidden in it: “play”. In Interludio, Nadia Benedicto’s first film, there is a move from one tone to the other. The beginning is grave: Sofía splits from her husband and travels to La Lucila del Mar with her two daughters, Irina and Pachi –one of them a teenager, the other one a little girl with glasses who sees much more than everyone thinks. It’s off-season, and the deserted beach and the motionless house that enlivens with their visit give the entire trip a strange quality, between the surreal and the gloomy. The three of them are a family, but the most important thing that happens in Interludio takes place –subtly, almost imperceptibly– while they’re apart. That movement that separates them and brigs them back together transformed into something else (Pachi into an adventurer; Irina into a girl who discovers love with another girl; Sofía into a mom who’s also a woman who fucks), is what Interludio draws between pause and playtime. MY

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Interludio

Contacto / Contact Proyecto Águila Roxana Ruzzante +54 911 6 854 0323 [email protected] proyectoaguila.com.ar

Nadia Benedicto Nació en 1986 en Comodoro Rivadavia, Chubut, y vivió en Neuquén y Santa Rosa. Estudió Dirección Cinematográfica en la Universidad del Cine, y Guión con Luisa Irene Ickowicz. Escribió, dirigió y produjo diversos cortometrajes, incluido La última parada, ganador del concurso Historias Breves VII, organizado por el INCAA. Actualmente está desarrollando un nuevo proyecto cinematográfico y trabaja en su primer ensayo fotográfico. Interludio es su ópera prima. She was born in Comodoro Rivadavia, Chubut, in 1986, and lived in Neuquén and Santa Rosa. She studied filmmaking at Universidad del Cine and screenwriting with Luisa Irene Ickowicz. She has written, produced and directed many short films, including La última parada, winner of the Historias Breves VII contest organized by INCAA. She is currently developing a new film project and working on her first photo essay. Interlude is her first feature. 109

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Mi vida en rosa Ma vie en rose / My Life in Pink Bélgica / Francia / Reino Unido Belgium / France / UK, 1997 88’ / Color Francés - French D: Alain Berliner G: Alain Berliner, Chris Vander Stappen F: Yves Cape E: Sandrine Deegen DA: Véronique Melery S: Ludovic Hénault M: Dominique Dalcan, Zazie P: Carole Scotta, Alain Berliner, Jim McGrath, Jacqueline Pierreux CP: Haut et Court I: Michèle Laroque, Georges Du Fresne, Jean-Philippe Écoffey, Hélène Vincent

Ludovic y su familia se mudan a un nuevo barrio. Ludovic juega con muñecas, se viste como nena, baila con una gran fineza. Ludovic se enamora de Jérôme –el hijo del jefe de su padre–, quiere ser nena y fantasea con su primera menstruación. Ludovic solo está jugando, aunque con siete años ya “está grande” para disfrazarse y querer casarse con varones. Ludovic hace una entrada vestid* de princesa en la fiesta de bienvenida. Ludovic empaña la postal de la felicidad vecinal empaquetada y normalizada con su peinado de corona de flores, sus aros colgantes color turquesa y sus llamativos zapatos rojos. A falta de referencias disponibles a su alrededor, Ludo crea su propio imaginario sobre su nacimiento, su género y su configuración cromosómica, una equis perdida, papa noeles y chimenea, y hasta inventa su propio término para nombrarse: niño-niña. No es forzado encontrar algunas resonancias en el ámbito local. Que 15 años después una mamá de la zona oeste del conurbano bonaerense (Yo nena, yo princesa) encuentre en esta película una luz para significar la experiencia de su hija trans de ninguna manera iguala las experiencias de nuestras niñeces trans, pero sí ubica a Mi vida en rosa –ya un clásico– como parte de una genealogía de cine fundamental para el activismo lgtb. Imperdible el toque pop de Pam (¿Panam?), la animadora de TV infantil que deviene hada madrina de los sueños de fuga de Ludovic.

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Alain Berliner Nació en 1963 en Bruselas. Como director y guionista, realizó varias películas para televisión y largometrajes, incluidos The Wall (1998), Passion of Mind (2000) y The House by the Canal (2003). Mi vida en rosa le valió el premio a Guionista del Año en los European Film Awards en 1997.

Colectivo Antroposex Ludovic and his-her family move to a new neighborhood. Ludovic plays with dolls, dresses like a girl, dances with finesse. Lodovic falls for Jérôme –the son of his-her dad’s boss–, wants to be a girl and dreams about his-her first period. Ludovic is just playing –although at the age of seven, he-she’s “too big” to be wearing costumes and wanting to marry men. Ludovic makes an entrance dressed as a princess at the housewarming party. Ludovic blurs the postcard of good-neighbor happiness –all packed and normalized– with his-her flower-crown hairdo, turquoise earrings and striking red shoes. In the absence of references available around him-her, Ludo creates his-her own imaginary about birth, his-her gender and chromosomal configuration, a lost “x”, Santa Clauses and chimney, and even invents his-her own term to name himself: “boy-girl”. We wouldn’t be forcing it if by finding some local echoes. The fact that 15 years later a mom from the western area of Greater Buenos Aires (Yo nena, yo princesa) has found in this film a light that provides some meaning to the experience of her trans daughter in no way matches our own trans childhoods, but it does place My Life in Pink –already a classic– as part of a genealogy of essential films for lgtb activism. A high point in the film is the pop touch of Pam (Panam?), the children’s TV show host who becomes the fairy godmother of Ludovic’s dreams of running away. Antroposex Collective

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He was born in 1963 in Brussels. As a director and writer, he made several TV movies and films like The Wall (1998), Passion of Mind (2000), and The House by the Canal (2003). Ma vie en rose won him a Screenwriter of the Year award at the European Film Awards in 1997.

Francia - France, 2011 82’ / Color Francés - French D, G: Céline Sciamma F: Crystel Fournier E: Julien Lacheray DA: Thomas Grézaud S: Benjamin Laurent M: Jean-Baptiste de Laubier P: Bénédicte Couvreur, Rémi Burah CP: Hold Up Films I: Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson, Sophie Cattani, Mathieu Demy

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Tomboy

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Una de esas películas que ponen en evidencia que la violencia no es solo palos y sangre, sino que la obligación de usar un vestido azul duele lo mismo. Pero no es solo un drama: Tomboy narra la sensación de libertad en la pubertad, ese asunto enorme de quitarse la remera para correr sin que nadie note el desafío. La película nos expone una infancia trans con los aditamentos que proporciona una mudanza, la ciudad nueva, l*s amig*s del verano y el deseo por las chicas. En un pequeño exilio a un poblado sin nombre en algún lugar de Francia, el/la protagonista hace de sí mismo/a una gesta. Con los días de sol radiante y los chapuzones, se metaforizan las condiciones de recreación personal de este niño trans. O de esta marimacho. La identidad se mantiene abierta pero siempre juzgable. La policía de género se desprende con sutileza y va in crescendo en cada mente. Con el color, la cadencia y la simpleza de Céline Sciamma, la ingenuidad de la diversión de una infancia trans se obstaculiza con el fin del verano, al tiempo que llegan las instituciones de verdad y la intromisión de los adultos. Magdalena De Santo This is one of those films that prove violence is not only about sticks and blood, and that being forced to wear a blue dress hurts just the same. But it’s not just a drama: Tomboy narrates the sensation of freedom during puberty –that very big deal of taking off your shirt in order to run, and not have anyone noticing what a challenge that was. The film faces us with a trans childhood that also has to deal with a new home, a new city, summer friends, and desire for girls. In a small exile to a nameless town somewhere in France, the protagonist turns into a feat of themselves. The sunny days and quick dips symbols the conditions for personal recreation of this trans kid –or tomboy. Identity remains open, yet always liable of judgment. The gender police emerges subtly, and grows in every mind. With Céline Sciamma’s color, cadence and simplicity, the innocence of fun during a trans childhood becomes obstructed by the end of the summer, as the institutions of truth and the meddling of adults arrive. MDS

Céline Sciamma Nació en 1980 en Pontoise, Francia, y se graduó en La Fémis. Es guionista y directora. Algunos de sus largos, como Naissance des pieuvres (2007) y Bande des filles (2014), fueron seleccionados en festivales como Cannes, San Sebastián y Hamburgo. Su último trabajo como guionista fue Quand on a 17 ans (2016), de André Téchiné. She was born in 1980 in Pontoise, France, and graduated from La Fémis. She’s a screenwriter and director. Some of her films, like Water Lilies (2007) and Girlhood (2014) were selected at festivals such as Cannes, San Sebastián, and Hamburg. Her latest screenwriting work was André Téchiné’s Being 17 (2016).

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Programa British Council FiveFilms4Freedom 2016 British Council Program - FiveFilms4freedom 2016 Presentado por el British Film Council, FiveFilms4Freedom (CincoPelículasParaLaLibertad) es la primera y más grande celebración digital del cine lgbt. Entre el 16 y el 27 de marzo de 2016, FiveFilms4Freedom exhibió cinco cortometrajes del festival gratis online. El alcance total del festival fue de más de 140 millones de personas, con más de un millón y medio de reproducciones de los cortos. Entre los países donde los films tuvieron más público se encuentran Emiratos Árabes Unidos, México, Tailandia, Arabia Saudita, Países Bajos y Alemania, e incluso hubo participaciones desde países mucho más pequeños como Ruanda, Guinea Ecuatorial o las Maldivas. De comunidades viajeras a sombreros de Pascua, pasando por la maravilla de crecer, las cinco películas muestran un rango de historias conmovedoras sobre la vida lgbt contemporánea en países tan diversos como Brasil, Irlanda, España, Filipinas y el Reino Unido. Son historias prolijas, duras, divertidas, tristes e inspiradoras, cada una con su propia voz.

Presented by the British Film Council, FiveFilms4Freedom is the world’s first –and largest– digital celebration of lgbt cinema. From 16–27 March, FiveFilms4freedom made five films from the festival available for free online. The total reach of FiveFilms4Freedom was 140.5 million people, with more than 1.5 million views. The United Arab Emirates, Mexico, Thailand, Saudi Arabia, the Netherlands and Germany amongst the countries where the films were watched the most, with smaller participations from countries such as Rwanda, Equatorial Guinea and the Maldives. From travelling communities to Easter bonnets to the wonderment of growing up, the five films tell a range of affecting stories about contemporary lgbt life in countries as diverse as Brazil, Ireland, Spain, the Philippines and the UK. They are polished, rough, funny, sad and inspiring and each has a different voice.

Breathe / Respira Reino Unido / Irlanda - UK / Ireland / 14’

D: James Doherty

Un viajero irlandés está cada vez más preocupado por que su hijo sea “suavecito”, así que se dispone a volverlo más duro. An Irish traveller is increasingly concerned that his son is ‘soft’, so he sets about toughening him up.

Swirl / Remolino Filipinas - Philippines / 4’

D: Petersen Vargas

Dos chicas, jóvenes y enamoradas, se mueven en reversa a través de la ciudad, en este lírico cortometraje filipino. Two girls, young and in love, move backwards through the city in Petersen Vargas’ lyrical short from the Philippines.

Take Your Partners / Toma tus socios Reino Unido - UK / 14’

D: Siri Rødnes

La señorita Patterson espera que Ollie haga un sombrero de Pascua como todas las otras niñas. Pero Ollie no es como el resto. Miss Paterson expects Ollie to make an Easter bonnet like the other girls. But Ollie is not like the other girls.

The Orchid / La orquídea España - Spain / 3’

D: Ferran Navarro-Beltrán

Un hombre tiene algo muy importante para decirle a su hijo, pero solo puede hacerlo a través de un mensaje en el contestador. A man has something important to tell his son, but can only get through to his voicemail.

Xavier Brasil - Brazil / 14’

D: Ricky Mastro

Un padre se da cuenta de que su hijo de once años les está prestando mucha atención a chicos un poco más grandes.

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A father notices that his 11-year-old son pays a lot of attention to slightly older boys.

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Remitiéndonos a su estricta etimología anglosajona, el concepto de ‘crossdressing’ arroja un significado bastante similar al de sus parientes latinos, travesti y transvestite, y se refiere a una persona que, por distintos motivos, adopta la estética o indumentaria socialmente asignadas al género opuesto de aquel que le tocó al nacer. Sin embargo, poco importa aquí el desglose de la matriz semiótica o etimológica de estos conceptos, sino la manipulación y la asignación estratégicas a las que son sometidos para describir primero –e inscribir luego– a personas de expresión de género similares, dentro de jaulas claramente diferenciadas. Resulta evidente, entonces, que lo que realmente preocupa no son los derechos a la identidad y la expresión de las personas, sino las distintas razones que pueden ya sea condenar a unas y/o justificar a otras dentro de una misma práctica. El crossdressing habita tímidamente en la fina línea entre el universo trans y el drag performático, como comodín para una práctica de hombres que en su mayoría se declaran heterosexuales, padres y jefes de familia, mientras adoptan atuendos y modos estéticos culturalmente adjudicados a la mujer de manera temporaria, como fantasía. En su mayoría se ocultan de sus vínculos para llevarlo a cabo, y algunos se aventuran con su “álter ego” en la vía pública pero sin revelar su identidad oficial, poniendo en riesgo sus nombres, familias y profesiones. El crossdressing, rascando un poco la superficie de la corrección política lgbt, es el nombre mediante el cual la necesidad de expresarse intenta espiar por la mirilla disidente, previo aval del régimen cisexista heteronormativo en forma de licencia y con vencimiento, para no perder los privilegios de clase que sí le son negados a la población abiertamente transfemenina. Finalmente, no haría falta lanzarse a una investigación antropológica para constatar que la definición de ‘crossdressing’ es absolutamente inexistente en zonas marginales o pobres, ya sea por falta de acceso al conocimiento idiomático o por restricciones sociales y económicas imprescindibles para hacerse de un doble vestuario y una doble agenda. En el acceso a esta práctica privilegiada tampoco están incluidas las mujeres. El crossdressing es un club exclusivo para hombres con recursos, lo cual nos confirma una vez más que las identidades no pueden emanciparse del machismo, las jerarquías sociales y étnicas, y que solo se puede eludir la necesidad de una identidad autopercibida con una billetera lo suficientemente abultada para cambiar el switch.

If we adhere to its strict Anglo Saxon etymology, the concept of ‘crossdressing’ has a meaning that is quite similar to that of its Latin relatives, travesti and transvestite, and refers to a person that, for different reasons, adopts the aesthetic or the clothing that were socially assigned to the gender opposite to the one they were born with. However, a breakdown of the semiotic or etymologic matrix of this concept isn’t very important; what matters is the strategic manipulation and assignment they are submitted to when first describing –and then inscribing– people with similar gender expressions, inside clearly differentiated cages. It’s obvious, then, that the real concern is not the rights to identity and expressions of people, but the different reason that could condemn some and/or justify others within the same practice. Crossdressing lies shyly on the fine line between the trans universe and performative drag, like a wild card for a practice of men that, in their majority, declare themselves as heterosexual, fathers and heads of families, while temporarily adopting attires and aesthetic modes culturally reserved to women, as a fantasy. Most of them hide behind their bonds in order to pursue it, and some of them take the streets with their “alter egos” yet without revealing their official identity, putting their names, families and professions at risk. Crossdressing, if we scratch the surface of lgbt political correctness, is the name through which the need for expression tries to peek through the dissident peephole, after being endorsed by the heteronormative cisexist regime in the shape of license and with an expiration date, in order not to lose the class privilege that is denied to the openly transfemale population. Finally, it wouldn’t be necessary to embark in an anthropological investigation to confirm that the definition of ‘crossdressing’ is absolutely non-existent in marginal or poor areas, whether it is for lack of access to idiomatic knowledge or due to social and social-economic restrictions that are indispensable in order to get ahold of a double wardrobe and a double schedule. Women are also not included in the access to this privileged practice. The crossdressing club is exclusively for men with resources, which confirms that identities cannot be emancipated from sexism or social and ethnic hierarchies, and that the only way you can avoid the need for a self-perceived identity if you have a wallet fat enough to be able to flick the switch.

Karen Bennett

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On the Other Side of the Mirror / Del otro lado del espejo

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Al di là dello specchio Italia - Italy , 2015 54’ / Color Italiano - Italian D, G, F, E: Cecilia Grasso S: Alessandro Quaglio, Marco Falloni M: Chris Zabriskye P: CSC Production PE: Elisabetta Bruscolini CP: CSC Production I: Eyes Wild Drag Contacto / Contact Cecilia Grasso +39 347 959 1476 [email protected]

Mientras se preparan para un espectáculo de transformismo, un grupo de mujeres italianas reflexionan directa e indirectamente sobre lo que significa ser hombre y lo que significa ser mujer. Por medio de entrevistas, diálogos entre las protagonistas y ejercicios físicos, la película expone y desarma lo que rodea a ciertos estereotipos: no solo sobre las mujeres lesbianas, lo masculino y lo femenino, sino también sobre las mujeres que hacen transformismo para comportarse y verse como un varón. La preparación para el show implica una ardua tarea de ensayos y pruebas: cómo caminar, de qué manera pararse, qué hacer con las manos, cómo esconder los pechos, etcétera. Una serie de características y acciones que pueden parecer superficiales pero que son las que arman una práctica de construcción de identidad, de adentro hacia afuera y de afuera hacia adentro, para alimentar la ilusión, brindar certezas y satisfacer la necesidad del ser humano de ser otro al menos por un rato. Leandro Listorti As they get ready for a cross-dressing show, a group of Italian women reflect both directly and indirectly on what it means to be a man and what it means to be a woman. Through interviews, dialogue between the protagonists, and physical exercise, the film exposes and breaks down what surrounds certain stereotypes: not only about lesbian women, the masculine and the feminine, but also about the women who cross-dress in order to behave and look like a man. Preparing for the show involves arduous rehearsals and practice: how to walk, how to stand, what to do with your hands, how to hide your breasts, etcetera. A series of characteristics and actions that may seem superficial, and yet they build identity, from the inside out and vice versa, in order to feed illusion, provide certainties, and fulfill human beings’ need of being someone else at least for a while. LL

Cecilia Grasso Es pianista, y se recibió en el Centro Sperimentale di Cinematografia de Sicilia con orientación en documental. Trabajó en distintos roles en muchos cortos y documentales, como E’ tornato il Gattopardo (2013) e Italy Teste (2014), y fue directora de casting y producción en publicidad. Actualmente trabaja para el Cinecampus Internazionale Terre di Cinema 2016 y está escribiendo una serie web. She is a pianist and a graduate from the Centro Sperimentale di Cinematografia in Sicily with an orientation in documentary filmmaking. She worked in many roles in short films and documentaries, like E’ tornato il Gattopardo (2013) and ItalyTeste (2014), and also as a head of casting and production in advertising. She works for the Cinecampus Internazionale Terre di Cinema 2016 and is currently writing a web series.

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Mi querida señorita My Dear Miss España - Spain, 1972 80’ / Color Español - Spanish D: Jaime de Armiñán G: Jaime de Armiñán, José Luis Borau F: Luis Cuadrado E: Ana Romero Marchent DA: José Massagué S: Eduardo Fernández M: Rafael Ferro P: José G. Jacoste PE: Luis Megino CP: El Imán Cine y Televisión S.A., Impala, In-Cine Compañía Industrial Cinematográfica I: José Luis López Vázquez, Julieta Serrano, Antonio Ferrandis

La señorita Adela tiene un secreto muy bien guardado: no se llama Adela sino Juan. Eventualmente el secreto corre peligro, así que Adela, asumiendo la personalidad de Juan, sale del pequeño pueblo donde ha vivido siempre y busca refugio en la populosa Madrid. El film se apoya en una métodica descripción de ambiente, en la que la imagen y los detalles dicen más sobre esa sociedad represiva que los pocos diálogos del film. El actor José Luis López Vázquez está muy lejos de parecer una señorita, pero ahí reside parte del asunto. La mejor prueba del talento del director Armiñán y su coguionista (nada menos que José Luis Borau, el autor de Furtivos) es que este film no pudo ser prohibido por la censura franquista pese a su tema, que era absolutamente tabú. Recibió además una nominación al Oscar de la Academia, lo que le brindó una legitimidad aún mayor frente a las autoridades de turno. Fernando M. Peña Miss Adela has a very guardedsecret: her name is not Adela, it’s Juan. The secret is eventually compromised, so Adela assumes Juan’s identity and leave the small town where she has lived her entire life and seeks refuge in the rowdy Madrid. The film is based on a methodical depiction of the environment, where the picture and the details say more about that repressive society than the film’s dialogue. Actor José Luis López Vázquez is far from looking like a young woman, but there lies part of the issue. The finest evidence of the talent director Armiñán and his co-writer (none other than José Luis Borau, author of Poachers) had is the fact that this film couldn’t be banned by Franco’s censorship despite its theme, which was absolutely taboo. The film was also nominated for an Academy Award, which gave it an even bigger legitimacy in front of the local authorities. FMP

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Jaime de Armiñán Nacido en Madrid en 1927, es un escritor, novelista, autor teatral, director y guionista cinematográfico y televisivo. Debutó como director de cine con Carola de día, Carola de noche (1969), y fue consolidando su propio estilo hasta estrenar Mi querida señorita, con la que consiguió la candidatura en los Oscar. En 2014 fue galardonado con el Goya de Honor de la Academia de Cine de España. Born in Madrid in 1927, he is a writer, novelist, playwright and film and TV writer and director. He made his debut as n film director with Carola de día, Carola de noche (1969), and kept consolidating his style until the release of My Dearest Señorita, with which he received an Oscar nomination. In 2014, he received an honorary Goya award from Spain’s Film Academy.

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Outrageous! ¡Escandaloso! Estados Unidos - USA, 1977 96’ / Color Inglés - English D: Richard Benner G: Richard Benner, Margaret Gibson F: James B. Kelly E: George Appleby DA: Karen Bromley S: Douglas Ganton M: Paul Hoffert P: William T. Marshall, Henk Van der Kolk PE: Billy Baxter, Herbert R. Steinmann CP: Film Consortium of Canada I: Craig Russell, Hollis McLaren, Richert Easley

Alumno directo de Mae West y uno de los transformistas más brillantes que existieron, Craig Russell fue una estrella internacional, y su vida y obra inspiraron un cuento que luego sería la base de esta película. La escritora esquizofrénica Margaret Gibson, la mejor amiga de Russell, publicó un cuento sobre la relación con él en su libro de 1976, The Butterfly Ward. Al año siguiente, Richard Benner debutó en la dirección con Outrageous!, adaptación del cuento en la que Russell interpreta a una versión de sí mismo rebautizada Robin Turner, artista drag de Toronto que triunfa en Nueva York. Un clásico de culto, un poco gracias a performances antológicas de Russell descollando en las pieles de Bette Davis, Barbra Streisand, Judy Garland y, por supuesto, Mae West. Pero Outrageous! también tiene un perfume de documental pop de la época de emergencia de la sensibilidad gay pre sida, que pocas películas retrataron con honestidad, sin estilización ni idealismo: escasas ficciones de ese momento fueron filmadas en verdaderos pubs gays o mostraron tantos guiños y tics de la sensibilidad camp. Diego Trerotola A pupil of Mae West and one of the most brilliant crossdressers who ever existed, Craig Russell was an international star, and his life and work inspired a short story that would become the basis for this film. Schizophrenic writer Margaret Gibson, who was Russell’s best friend, published a story about her relationship with him in 1976, The Butterfly Ward. The following year, Richard Benner made his directorial debut with Outrageous!, an adaptation of that story in which Russell plays a version of himself named Robin Turner, a drag artist from Toronto who’s making it big in New York. It was a cult classic, in part because of Russell’s memorable performances as Bette Davis, Barbra Streisand, Judy Garland and, of course, Mae West. But Outrageous! also has the scent of a pop documentary from before the pre-AIDS gay sensibility emerged, something few films depicted with honesty, and without stylization or idealism: only a handful of fictions from this period were shot in real gay pubs or showed so many distinguishing marks of camp sensibility. DT

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Richard Benner Nacido en 1943, fue un director y guionista de cine americano que trabajó principalmente en Canadá. Su película Outrageous! fue exhibida en el 28º Festival Internacional de Cine de Berlín, donde Craig Russell ganó el Oso de Plata al Mejor Actor. Además de sus películas, dirigió varios episodios de las series canadienses 9B, Monsters, Street Legal y Road to Avonlea. Murió en 1990. Born in 1943, he was an American film director and screenwriter who worked predominantly in Canada. His film Outrageous! was entered into the 28th Berlin International Film Festival, where Craig Russell won the Silver Bear for Best Actor. In addition to his films, he directed several episodes of the Canadian television series 9B, Monsters, Street Legal and Road to Avonlea. He died in 1990.

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Un hombre llamado Flor de Otoño A Man Called Autumn Flower España - Spain, 1978 100’ / Color Español - Spanish D: Pedro Olea G: Rafael Azcona, Pedro Olea, José María Rodríguez Méndez F: Fernando Arribas E: José Antonio Rojo DA: Julio Arribas S: Luis Gutiérrez M: Carmelo A. Bernaola P: José Frade CP: José Frade Producciones Cinematográficas S.A., Panorámica I: José Sacristán, Francisco Algora, Carmen Carbonell, Roberto Camardiel, Carlos Piñeiro

Es imposible no reparar en la presencia de Rafael Azcona, uno de los mejores guionistas de la historia, en cada línea de diálogo de esta obra maestra del cine español postFranco. Como en sus mejores colaboraciones con Luis García Berlanga, Azcona crea una galería de personajes enormes (aunque en muchos casos sus intervenciones sean pequeñas), la mayoría de los cuales conviven en ese maravilloso antro en el que transcurre buena parte de la película: un cabaret de la España de los años 20 en el que Lluís Serracant (José Sacristán), joven abogado de familia bien con tendencias anarquistas, actúa por las noches, en drag, bajo el nombre Flor de Otoño. Es ahí donde Lluís se encuentra en su mejor forma (y José Sacristán en modo Flor de Otoño está absolutamente radiante, encantadora, hermosa), y donde se siente verdaderamente feliz. El director Pedro Olea contrasta perfectamente ese submundo colorinche del club nocturno (registrado con una delicadeza que puede apreciarse más que nada en un extraordinario plano secuencia con Lluís/Flor frente a un espejo) con el blanco y negro de hábitos, sotanas y lutos del opresivo mundo exterior. Juan Pablo Martínez It’s impossible not no notice the presence of Rafael Azcona, one of the best screenwriters in film history, in every line of dialogue of this masterpiece of post-Franco cinema. Like in his finest collaborations with Luis García Berlanga, Azcona creates here a gallery of enormous characters –even though many of them are small parts– most of whom coexist in that wonderful den where most of the film is set: a 1920s Spanish cabaret in which Lluís Serracant (José Sacristán), a young lawyer from a well-off family with anarchist tendencies, performs every night, in drag, under the name Flor de Otoño (Autumn Flower). That is where Lluís is his best self (and José Sacristán as Flor de Otoño is absolutely stunning, radiant, beautiful), and where he feels truly happy. Director Pedro Olea perfectly contrasts that colorful underworld of the night club (captured with a delicacy that can be noticed most of all in an extraordinary long shot of Lluís/Flor in front of a mirror) with the blacks and whites of habits, robes and mourning attires of the oppressive outside world. JPM

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Pedro Olea Estudió Ciencias Económicas en Bilbao, pero abandonó la carrera para asistir en Madrid a la Escuela Oficial de Cinematografía. Sus primeros trabajos como aficionado los realizó en Super 8 y 16 mm, y se desempeñó como crítico en revistas cinematográficas. Trabajó varios años en televisión y en publicidad antes de pasar al cine. Entre sus películas se encuentran No es bueno que el hombre esté solo (1972), El bosque del lobo (1970), Tormento (1974), Morirás en Chafarinas (1995) y Tiempo de tormenta (2003). He studied Economic Science in Bilbao, but left his career in order to attend the Escuela Oficial de Cinematografía in Madrid. His first amateur works were shot in Super 8 and 16mm, and he worked as critic for film magazines. He worked in television and advertising for many years before turning to film. His films include No es bueno que el hombre esté solo (1972), The Ancines Woods (1970), Torment (1974), Morirás en Chafarinas (1995) and Stormy Weather (2003).

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Mujeres frente al espejo Women in the Mirror Un grupo de artistas transformistas denominado Las 4D y la Prima relatan su vida en el escenario y lo que sucede cuando se apagan las luces y se quitan el vestuario y el maquillaje. Ellxs cuentan sus vivencias, sus sueños, sus anécdotas, y cómo formaron una familia a través de este arte. Destiny (Gledys), Drastika (Jhon), Naomi (Darwin), Dakira (Xavier) y Kosakura (Ángel) cuentan cómo el arte del transformismo ha cambiado su vida y cómo han sufrido discriminación por su sexualidad. Además nos muestran que a través del arte se expresan, se viven y se cumplen sueños.

Ecuador, 2015 15’ / Color Español - Spanish D, G: Jorge Vega Reyes E: Renán Paredes, Juan Carlos Chávez, Jorge Vega Reyes DA: Karla Palacios S: Juan Carlos Chávez M: Estefanía Vilca, Grace Chanataxi P: Mariela Vivar, Marilyn Peñafiel CP: Lunáticos Producciones I: Destiny, Drastika, Naomi, Dakira, Kosakura

Contacto / Contact FilmsToFestivals Gisela Chicolino +54 9 11 5181 1740 [email protected] [email protected] filmstofestivals.com

A group of drag queens called “Las 4D y la Prima” (The 4D and the Cousin) talk about their life onstage and what happens when the lights go out and they take off their costumes and makeup. They talk about their experiences, dreams, anecdotes, and how they formed a family through this art. Destiny (Gledys), Drastika (Jhon), Naomi (Darwin), Dakira (Xavier) and Kosakura (Angel) talk about how the art of drag has changed their lives, and they way they have suffered discrimination because of their sexuality. They show us that, through art, dreams can be expressed, lived and fulfilled.

Jorge Vega Reyes Es actor, periodista, guionista y director de cine. Ha producido ocho cortometrajes, programados en festivales nacionales e internacionales. Es el creador y director de Lunáticos Producciones, una productora ecuatoriana independiente que apoya y forma a los nuevos talentos actorales. He is an actor, journalist, screenwriter and film director. He has produced eight short films that were programmed by different local and international festivals. He is the creator and director of Lunáticos Producciones, an Ecuadorian production company that supports and trains new acting talents.

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GLAM SOVIÉTICO SOVIET GLAM

SOVIET GLAM

De los años 60 a los 70, las distintas revoluciones juveniles promovieron una fluidez de los géneros en dosis altas, que incluían desde la bijou y las melenas andróginas de hippies hasta los andrajos y las crestas insurrectas de punks. En el medio, encandilando con más brillo y color, el glam enterró las fronteras que dividían lo femenino de lo masculino a fuerza de tormentas de purpurina, maquillaje, pelucas, lentejuelas y boas de pluma. Todo esto en un Occidente primermundista, porque esas formas que desafiaban los géneros llegaron alteradas o casi no llegaron a las naciones periféricas. Pero ¿existió el glam como revolución sexual y genérica detrás de la Cortina de Hierro? No hay todavía suficientes respuestas claras, porque aún en estos días países como Rusia siguen criminalizando la visibilidad de la diversidad sexual, tanto presente como pasada. Esta sección de Asterisco apuesta por juntar y disfrutar del glamour soviético como resistencia, con la certeza de que todo lo que brilla es político. Para eso, cazamos del fondo del mar una perla única: El hombre anfibio, que convierte las escamas en lentejuelas y el movimiento de los peces en danza de la seducción subacuática, además de plantear una extraña revolución marina y marxista, con mucha belleza, de la camp y de la otra. Un relato fantástico, como también lo es En busca de los músicos de Bremen, segunda entrega de una saga de dibujos animados soviéticos. En ella hay un rey con peluca que habita castillos rosas, una fornida cantante con voz áspera y un rubio esbelto con coronas de flores y pantalones oxford también rosados, que hace llorar a los hombres cuando le canta a la luna. Si hubo algo que se transformó en el más conspicuo punto de reunión del glam soviético fueron sus célebres ballets, que recorrieron el mundo por su sofisticación escénica. Así que también Espartaco, el ballet creado por Aram Khachaturian, ofrecerá el mismo homoerotismo que tiene el peplum, pero ahora los romanos se enfrentarán a los esclavos en una danza seductora.

Diego Trerotola

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From the ‘60s to the ‘70s, the different youth revolutions promoted a fluidity of genders in high doses, which went from the hippies’ bijou and androgynous long hair to the rags and insurgent mohawks of the punks. In the middle, blinded with more brilliance and color, glam buried the borders that divided the masculine from the feminine by means of storms made of glitter, makeup, wigs, sequins and feather boas. All of this happened in a Western First World, because the forms that defied gender barely reached peripheral nations, or did so with alterations. But did glam exist as a sexual and gender revolution behind the Iron Curtain? There aren’t enough clear answers yet, because even today, countries like Russia continue to criminalize the visibility of sexual diversity, both past and present. This section of Asterisco bets on gathering and enjoying Soviet glamour as a form of resistance, knowing that all that glitters is political. In order to do so, we fished out a unique gem from the bottom of the sea: Amphibian Man, which turns scales into sequins and the movement of fish into a dance of underwater seduc-tion, while also bringing up a strange Marxist maritime revolution with lots of beauty –bof of the camp kind and the other one. It’s a fantasy tale just like the one featured in On the Trail of the Bremen Town Musicians, the second installment of an animated Soviet saga. There’s a king with a wig living in pink castles, a well-built female singer with a rough voice, and a skinny blonde man with flower crowns and pink Oxford-cut pants who makes people cry when he sings out to the moon. If something did turned into the most conspicuous meeting point of Soviet glam, it was their famous ballets, which traveled the world due to their scenic sophistication. So, Spartacus, the ballet created by Aram Khachaturian, will also offer the same homoeroticism the peplum has, yet now the Romans will face the slaves in a seductive dance.

DT

Chelovek-Amfibiya / The Amphibian Man Unión Soviética - Soviet Union, 1962 96’ / Color / Ruso - Russian D: Vladimir Chebotaryov, Gennadi Kazansky G: Akiba Golburt, Aleksei Kapler, Aleksandr Ksenofontov, Aleksandr Belyaev F: Eduard Rozovsky E: Lyudmila Obrazumova M: Andrei Petrov PE: Lenfilm I: Vladimir Korenev, Anastasiya Vertinskaya, Mikhail Kozakov, Anatoliy Smiranin, Yuri Medvedev

glam soviético

El hombre anfibio

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“En el fondo del mar no hay ricos ni pobres”, dice el Doctor Salvador que, como parte de su plan para crear un nuevo mundo sin clases bajo el agua, también le implantó branquias de tiburón a su hijo Ictiandro, convirtiéndolo en el anfibio del título. De esta forma, esta película soviética de ciencia ficción crea un subgénero inverosímil: el marxismo subacuático. Si todavía falta algo para agregar excentricismo, la acción transcurre en una ciudad latinoamericana, que vendría a ser ¡Buenos Aires! Pero lo más generoso son las secuencias subacuáticas, en especial la que retrata el salvataje por parte de Ictiandro a la heroína llamada Gutierre (sic), cuando ella cae al fondo del mar. Si se piensa que El hombre anfibio es un adelanto bolchevique de El hombre de la Atlántida o una adaptación soviética de Aquaman, la película de Cheblotaryoy & Kazansky supera en brillo a cualquier ficción marítima: el traje y las antiparras de Ictiandro están cubiertos de lentejuelas, y esas falsas escamas brillantes prefiguran, en vanguardismo sensual, la versión submarina del Bowie de Ziggy Stardust con el casco de El fantasma del paraíso de De Palma. Especialmente porque, además de ser anfibio, el actor que interpreta al personaje tiene alto voltaje andrógino. Marxismo ambiguo y glam pasado por agua, un chapuzón de pop soviético. Diego Trerotola “At the bottom of the sea, there are no rich or poor,” says Doctor Salvador, who implanted shark gills on his son Ictiandro and turned him into the amphibian of the title –part of his plan to create a new, classless, underwater world. This Soviet sci-fi movie creates then an unlikely subgenre: underwater Marxism. To add to the eccentricity of it all, the action takes place in a Latin American city, which is… Buenos Aires! But the most generous feature here is the underwater sequences, especially one that shows Ictiandro saving the film’s heroine, Gutierre (sic), after she falls into the bottom of the sea. If you think of The Amphibian Man as a Bolshevik pre-Man from Atlantis, or a Soviet adaptation of Aquaman, the film by Cheblotaryoy & Kazansky is brighter than any maritime fiction: Ictiandro’s suit and goggles are covered with sequins, and those shiny fake scales with their sexual avant-gardism predate the underwater version of Ziggy Stardust’s Bowie with the helmet from De Palma’s Phantom of the Paradise. That is so, mostly, because apart from being amphibian, the actor who plays the characters has a highly androgynous voltage. Ambiguous Marxism and watery glam, a dip of Soviet pop. DT

Vladimir Chebotaryov Nació en Rusia en 1921. En 1962 fue nombrado Artista del Pueblo. Entre sus títulos se encuentran Diamantes para María (1975) y Wild Honey (1966). Murió en 2010 en Moscú. He was born in Russia in 1921. He was a People’s Artist (1962). Some of his films are Almazy dlya Marii (1975) and Wild Honey (1966). He died in 2010 in Moscow.

Gennadi Kazansky Nacido en 1910, fue director de cine en la era soviética. Además de El hombre anfibio dirigió Rimsky-Korsakov (1952), An Ardent Heart (1953) y Old Khottabych (1956), entre otras. Murió en 1983. Born in 1910, he was a Russian film director of the Soviet era. Apart from Amphibian Man, he directed the movies RimskyKorsakov (1952), An Ardent Heart (1953) and Old Khottabych (1956), among others. He died in 1983.

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Soviet Glam

En busca de los músicos de Bremen Po sledam bremenskikh muzykantov Unión Soviética - Soviet Union , 1973 19’ / Color Ruso - Russian D: Vasily Livanov G: Vasily Livanov, Yury Entin F: Mikhail Druyan E: Elena Tertychnaya DA: Maks Zherebchevskiy S: Viktor Babushkin M: Konstantin Krimets, Yuri Entin P: Lyubov Butyrina I: Muslim Magomayev, Elmira Zherzdeva, Gennadiy Gladkov Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

Las características del “glam soviético”, concepto creado por Diego Trerotola que nació con El hombre anfibio, son difíciles de encontrar en otros films de la URSS, la cual fue especialmente represiva hacia cualquier desviación de la heterosexualidad normativa en todas sus épocas políticas. Pero, con un poco de optimismo y buena voluntad, se podría decir que “algo hay” en este dibujo animado de culto, secuela de otro similar pero estéticamente más sobrio. Hay una muchacha en problemas, un hombrón con la camisa abierta hasta el ombligo (estilo Jorge Barreiro) y los músicos del título, que organizan una especie de Woodstock bajo la vigilancia ominosa de un villano. El diseño del film tiene mucho de la estética hippie-lisérgica que dominó parte de la animación y la publicidad de Submarino amarillo en adelante; es un misterio cómo es que llegó a atravesar las barreras culturales de la URSS. También es un misterio la música que interpretan y que hay que oír para poder creer. Fernando M. Peña The characteristics of “Soviet glam,” a concept created by Diego Trerotola that was born out of The Amphibian Man, are hard to find in other films from the USSR, which was especially repressive of any kind of deviation from normative heterosexuality in all its political periods. But, with a bit of optimism and good will, one could say that “there is something” in this cult animated film, the sequel to a similar though aesthetically more restrained piece. There’s a damsel in distress, a macho man with his shirt unbuttoned down to his navel (Jorge Barreiro-style) and the musicians of the title, who organize a Woodstock of sorts under the ominous scrutiny of a villain. The film’s design has much of the hippie-lysergic aesthetic that fueled part of animation cinema and advertising ever since Yellow Submarine on; it’s a mystery how this film has succeeded in trespassing the cultural barriers of the USSR. What’s also a mystery is the music they perform, which you need to hear to believe. FMP

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Vasily Livanov Nacido en 1935 en Rusia, es actor, guionista y animador. Se graduó de la Escuela de Teatro de Vakhtangov y comenzó a actuar en 1959. El mayor éxito de su carrera actoral fue su rol de Sherlock Holmes en El sabueso de los Baskerville y en otras series de Holmes dirigidas por Igor Maslennikov. Realizó el guion de la versión de Los músicos de Bremen realizada por Inessa Kovalevskaya. Born in 1935, he is a Russian film actor, screenwriter and animator. He graduated from the Vakhtangov Theatre School and started his film career in 1959. The greatest success of his acting career was the role of Sherlock Holmes in The Hound of the Baskervilles and other Holmes TV series directed by Igor Maslennikov. He wrote the script for the version of The Musicians of Bremen made by Inessa Kovalevskaya.

Spartakus / Spartacus Unión Soviética - Soviet Union, 1979 95’ / Color / Ruso - Russian D, G: Vadim Derbenyov, Yuri Grigorovich F: Vadim Derbenyov DA: Solomon Virsaladze PE: Mosfilm I: Vladimir Vasiliev, Natalia Bessmertnova, Maris Liepa, Nina Timofeyeva

glam soviético

Espartaco

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Vadim Derbenyov

Así como el western es el género nacional norteamericano y los samuráis son un aporte original japonés, los rusos (o, mejor dicho, los soviéticos) impusieron el ballet como una forma cinematográfica propia. Desde la década de 1950, y durante por lo menos treinta años, el cine soviético produjo varias obras maestras de este género que hoy ya no existe y que combinaba la destreza de los bailarines rusos con una técnica cinematográfica especialmente ideada para potenciarla. La historia del esclavo Espartaco y su rebelión contra Roma es el motivo de este célebre ballet del compositor Aram Khachaturian, llevado al cine con un toque de glam soviético (en el vestuario, en el colorete de Craso, etcétera) y una inagotable imaginación formal, que incluye sobreimpresiones, expresivos primeros planos, orgías expresionistas e increíbles efectos de pantalla dividida. Fernando M. Peña Just as the western is the national genre of the United States and samurais are an original contribution of the Japanese, the Russians –or rather, the Soviets– established ballet as their own cinematographic form. Ever since the 1950s and going on for at least thirty years, Soviet cinema produced several masterpieces in this genre that no longer exists, combining the dexterity of Russian ballet dancers with a cinematographic technique that was specially conceived to boost it up. The story of the slave Spartacus and the rebellion he lead against Rome is the motive of this famous ballet by composer Aram Khachaturian, brought to film with a touch of Soviet glam (in the costumes, in Craso’s face blush, etc.) and an endless formal imagination that includes dissolves, expressive close-ups, Expressionist orgies, and incredible split-screen effects. FMP

Nació en 1934 en Yaroslavl. A partir de 1963 fue el director de Moldova, y en 1969 pasó a dirigir el estudio Mosfilm. Realizó las películas El último mes de otoño (1966), Iván, el terrible (1976) y El poema de las danzas (1979), entre otras. He was born in 1934 in Yaroslavl. In 1963, he became the director of the Moldova film studio, and, in 1969, of the Mosfilm studio. He directed the films Last Month of Autumn (1966), Ivan the Terrible (1976), and The Poem of Dance (1979), among others.

Yuri Grigorovich Nació en 1927 en Leningrado. Fue bailarín y coreógrafo y dominó la escena del ballet ruso durante 30 años. En 1946 se graduó de la Escuela de Coreografía de Leningrado y bailó como solista en el Ballet de Kirov hasta 1962. En 1964 se pasó al Teatro Bolshoi, donde trabajó como director artístico hasta 1995. He was born in Lenningrad in 1927. He is a dancer and choreographer who dominated the Russian ballet scene for 30 years. He graduated from the Leningrad Choreographic School in 1946 and danced as a soloist at the Kirov Ballet until 1962. In 1964 he moved to the Bolshoi Theatre, where he would work as artistic director until 1995.

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PIONEROS QUEER queer pioneers

queer pioneers

La categoría de pionero puede inaugurarse recién cuando aquel campo en que los pioneros fueron pioneros se ha desarrollado hasta la autoconciencia. Los pioneros existen solo desde una perspectiva histórica. Recién cuando se ha recorrido una distancia considerable de tiempo, luego de que aquello que los pioneros exploraban no solo se ha logrado sino que además ha sido institucionalizado, es que puede formularse algún canon de personas factibles de ser consideradas precedentes necesarias del fenómeno, corriente o actitud que se desee celebrar. No es a los pioneros en sí a quienes se festeja, sino a la causa mayor que su iniciativa pasada ayuda hoy a consolidar. Esto permite mirar hacia atrás y hacer un balance de lo recorrido, y así facilitar cosas básicas para un futuro: la subsistencia, el crecimiento, el legado. La capacidad de generar una historia propia es determinante para este devenir autoconsciente. Los pioneros pueden actuar por pura necesidad, buscando desesperadamente ser ellos mismos, o pueden guiarse por una fe clarividente, en todo punto envidiable, que los proyecte sobre el tiempo construyendo escaleras ahí donde solo hay aire. O pueden, de manera más razonable, estar siguiendo una genealogía propia de predecesores, pioneros de su historia particular, invisibles a primera vista, pero de la cual son fruto innegable. Observemos las figuras de nuestra selección. No podrían ser más disímiles: Doria borronea los límites de la televisión, Christensen delira trances de lascivia apocalíptica, Becher abraza una mitología de bohemia pansexual, Bemberg defiende la existencia de una mirada de género, no solo en su obra sino también con la creación de un festival, referente ineludible para las muestras lgbt. Carreras hijas de sus propias genealogías, culminadoras de sus tradiciones pero iniciadoras, a su vez, de nuestras nuevas tradiciones como colectivo, de las maneras en que podemos mirar hacia atrás y reconocernos como el fruto de lo que pasó y lo que se dijo en ese entonces, para saber hoy quiénes somos, serlo con plena conciencia y proyectarnos más allá, fortalecidos, fortalecidas, embanderando nuestro derecho a la felicidad.

Goyo Anchou

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The category of pioneer can only exist once the field where the pioneers were such has developed up to the point of self-awareness. The pioneers exist only from a historical perspective. They are so when a considerable amount of time has passed, after whatever the pioneers explored has not only been achieved but also institutionalized, and we can draw a canon of people who likely to be considered necessary precedents of the phenomenon, current or attitude that will be celebrated. We don’t actually celebrate the pioneers themselves but the greater cause their past initiative helps consolidate today. This allows us to look backwards and do a balance of what has been done and, therefore, facilitate basic things for the future, such as subsistence, growth, or legacy. The ability to create a history is crucial for this self-aware transformation. Pioneers can act out of pure necessity, desperately seeking to be themselves, or they can be guided by an enviable clairvoyant faith that projects them over time, building stairs where there’s only air. Or, more reasonably, they can follow a genealogy of predecessors, pioneers of their particular history that is invisible at first sight even if they are its undeniable result. Let’s observe the figures of our selection. They couldn’t be more dissimilar: Doria blurs the limits of television, Christensen raves trances of apocalyptic lust, Becher embraces the mythology of pansexual bohemia, Bemberg defends the existence of a gender perspective not only in her work, but also with the creation of a festival, an inescapable model for lgbt exhibits. These careers were born out of their own genealogies as they culminate their traditions but also start new traditions as a group, the ways in which we can look back and recognize ourselves as the result of what took place and was stated back then, in order to find out who we are today, and be that in full conscience, and project ourselves even further, fortified, decking with flags our right to be happy.

GA

Counterstrike Argentina, 1979 100’ / Color Español - Spanish

pioneros queer

Contragolpe

D: Alejandro Doria G: María Angélica Bosco, Marco Denevi, Plácido Donato F: Leonardo Rodríguez Solís E: Armando Blanco DA: María Julia Bertotto S: José Feijóo M: Víctor Proncet P: Lita Stantic PE: Luis Giudici CP: MBC Producciones S.A. I: Luisina Brando, Osvaldo Terranova, Lito Cruz, Raúl Aubel, Aldo Barbero, Ignacio Quirós, Alberto Argibay, Daniel Miglioranza, Enrique Alonso, Gigí Ruá

Sobre un guion original coescrito por Marco Denevi, el film describe la caída de un viejo gangster y el ascenso de otro, que se ufana de practicar nuevos métodos. Ese reemplazo provoca la investigación de un policía encubierto, que logra ganarse la confianza del nuevo hampón. Es asombroso que en 1979 nadie objetara el vínculo evidentemente homoerótico entre el policía y el gangster (ambos aparecen juntos en la cama, uno de ellos con el torso desnudo), así como los varios jóvenes gigolós que este utiliza para ganar poder sobre la alta burguesía de la ciudad. Fue el segundo largometraje de Doria, y está inspirado en personajes creados para la serie de TV División Homicidios. Fue además uno de los últimos (y mejores) exponentes de una variable del policial argentino que evocaba episodios reales o imaginarios de los años 30 y que tuvo su apogeo en la década de 1970 gracias al éxito de films como El pibe cabeza, de Torre Nilsson, y La malavida, de Fregonese. Desde luego, era una forma de lidiar más o menos libremente con la sordidez y la corrupción características del género sin ofender a las instituciones del presente. Fernando M. Peña With a screenplay co-written by Marco Denevi, this film describes the fall of an old gangster and the rise of another, who prides on practicing new methods. That replacement triggers an investigation led by an undercover cop that manages to win the new thug’s trust. It’s amazing how no one in 1979 objected to the obviously homoerotic bond between the cop and the gangster (we see them together in bed, one of them shirtless) or the many young gigolos the latter uses to gain power over the city’s bourgeoisie. This was Doria’s second feature, inspired by characters created for the TV series División Homicidios. It was also one of the last (and finest) examples of a variable of the Argentine cop film that evoked real or imaginary events from the ‘30s and had its peak during the ‘70s thanks to the success of films like Torre Nilsson’s El pibe cabeza and Fregonese’s La malavida. It was, of course, a way of dealing more freely with the sleaziness and corruption we usually see in the genre without offending the institutions of the present. FMP

Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

Alejandro Doria Nacido en 1936, fue director de cine, de teatro y de televisión. Dirigió algunos de los programas televisivos más populares de Argentina, como Alta comedia y Atreverse, y más de diez películas, incluidas Darse cuenta (1984), Esperando la carroza (1985), Cien veces no debo (1990) y Las manos (2006). Falleció en 2009. Born in 1936, he directed theater plays, and TV shows, including some of the most popular series in Argentina, like Alta comedia and Atreverse. He directed more than a dozen films, including Darse cuenta (1984), Esperando la carroza (1985), Cien veces no debo (1990) and Las manos (2006). He died in 2009.

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queer pioneers

El Gauchito Gil: La sangre inocente Gauchito Gil: The Innocent Blood Argentina, 2006 93’ / Color Español - Spanish D: Ricardo Becher, Tomás Larrinaga G: Ricardo Becher, José Campitelli, Tomás Larrinaga F: Gustavo Biazzi, Fernando Lockett E: Tomás Larrinaga, Juan Marino Morduchowicz DA: José Campitelli S: Tomás Gotlip M: Gustavo Sidlin, Sebastián Pisera P: Nuria Arnaud PE: Aníbal Esmoris I: Sergio Podeley, Sabrina Garciarena Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

Una tribu de cineastas está filmando un documental sobre el culto al Gauchito Gil, suerte de Robin Hood del siglo XIX, santo popular de marginales y delincuentes. En el camino se encuentran con un nuevo Gauchito urbano, líder de una banda que repite el accionar del mítico ladrón pero en la Buenos Aires del siglo XXI. Las tribus se cruzan, como los géneros: documental, ficción, puesta en abismo, thriller y ecos de tragedia shakespereana. ¿Cómo representar lo mítico, la marginalidad lejos del “realismo sucio”? Ricardo Becher y Tomás Larrinaga exploran hasta la abstracción todas las posibilidades de la imagen digital con un deseo maximalista. El Gauchito Gil, largometraje punta de lanza del “neoexpresionismo digital”, es un film coral, musical y comunitario que rehúye a las clasificaciones. Como un cuadro de De la Cárcova asaltado por Munch o un Facundo montado en la moto de Brando, Becher suma su maestría de beatnik-zen a la de la generación del mañana, en este nuevo tiro de gracia en el rostro de las convenciones fílmicas. Alejandro Ricagno A tribe of filmmakers is shooting a documentary about the worship of Gauchito Gil, some sort of 19th century Robin Hood and popular saint of misfits and delinquents. They stumble upon a new urban Gauchito: a gang leader who repeats the actions of the mythical thief, but in 21st century Buenos Aires. The tribes cross paths, and so do genres: documentary, fiction, mise en abyme, thriller, and echoes of Shakespearean tragedy. How should we represent the mythical and the marginal without falling into “gritty realism”? Ricardo Becher and Tomás Larrinaga explore all the possibilities the digital image provides, up to the point of abstraction and with a maximalist desire. A spearhead of “digital neo-expressionism” El Gauchito Gil is an unclassifiable musical ensemble film. Like a painting by De la Cárcova attacked by Munch, or Facundo riding Brando’s bike, Becher brings his zen-beatnik mastery to tomorrow’s generation, in this new coup de grace in the face of film conventions. AR

Ricardo Becher Nació en 1930 en Buenos Aires, y dirigió cortos y largometrajes entre 1955 y 2006; entre ellos, el clásico Tiro de gracia (1968), programado en esta misma sección. Fundador del neoexpresionismo digital, fue profesor, escritor y periodista. Falleció en 2011. He was born in 1930 in Buenos Aires, and directed short and feature-length films between 1955 and 2006, including the classic Tiro de gracia (1968), also programmed in this section. Founder of Digital Neo Expressionism, he was a professor, writer, and journalist. He died in 2011.

Tomás Larrinaga Nació en Tierra del Fuego en 1980. Dirigió numerosos cortometrajes, entre ellos, El eterno instante de la locura (2000), Morir en otoño (2001) y El color del mar (2003).

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He was born in Tierra del Fuego in 1980. He directed many short films, including El eterno instante de la locura (2000), Morir en otoño (2001) and El color del mar (2003).

Toys Argentina, 1978 11’ / B&N Español - Spanish

pioneros queer

Juguetes

D, G: María Luisa Bemberg F: Félix Monti E: Miguel Pérez S: Jorge Ventura M: Alberto Bengolea P: Juan Carlos Serrano, María Luisa Bemberg Contacto / Contact Archivo MLB Patricia Maldonado +54 11 4805 1319 +54 9 11 3664 2355 [email protected] [email protected]

“Los juguetes y los cuentos no son inocentes: son la primera presión cultural” es la leyenda clave. El corto comienza con una encuesta a niños y niñas que responden al clásico “¿qué querés ser cuando seas grande?”. Los resultados son escalofriantes: ellas, uniformemente, maestras; y ellos, variablemente, un conjunto muy distinto de profesiones. Juguetes es un documental sobre la socialización y el carácter pedagógico de los objetos y los discursos que nos acechan desde antes de nacer. En Sociología, solemos hablar de que nunca “percibimos” las cosas del mundo sino que las “a-percibimos”, es decir que siempre les agregamos un plus que las transforma en algo cualitativamente distinto. Para bien y para mal, allí está el carácter creativo de nuestra mente. Por eso, “juguetes” como las muñecas o los artefactos del hogar se convierten en transmisores de la cultura patriarcal, ya que el simple hecho de verlos implica el acto paralelo de adherirlos (y adherirnos) a las figuraciones y las valoraciones del lenguaje. No es casual que, luego de que la encuesta rebalse de respuestas como “quiero ser maestra”, se nos muestre a niños y niñas enfrentad*s a juguetes, como si de un tsunami se tratase. Así (nos) opera la cultura. Con contundencia Bemberg muestra, en definitiva, cómo los juguetes ofrecen una dramática pedagogía tautológica que va creando el mundo y, sobre todo, el destino de sus usuari*s. Sin duda, María Luisa era ya la directora de toda su obra posterior. Ernesto Meccia The title card that reads “Toys and stories aren’t innocent: they are the first form of cultural pressure” is key. The short film begins with a survey to young boys and girls who answer the classic question: “what do you want to be when you grow up?”. The results are chilling: the girls all want to be teachers, and the boys choose many different professions. Juguetes is a documentary about the socialization and educational character of the objects and discourses that haunt us since before we are born. In Sociology, we tend to say that we never “perceive” the things in the world, we “detect” them –that is, we always add something that transforms them into something qualitatively different. That’s where the creative character of our minds lies, for better or worse. That is why “toys” such as dolls or home appliances become transmitters of patriarchal culture: because the very fact of seeing them includes the parallel act of adding them (and us) to the figurations and valuations of language. It’s not a coincidence that, after the survey gets filled with answers like “I want to be a teacher,” we see boys and girls facing toys as though they were tsunamis. This is how culture works (on us). With determination, Bemberg ultimately shows how toys offer a dramatic tautological pedagogy that creates the world and, above all, the fate of their users. There’s no doubt that María Luisa was already the director of her following works.

María Luisa Bemberg Nacida en 1922 en Buenos Aires, fue directora, guionista, productora y una de las fundadoras de la Unión Feminista Argentina y el Teatro del Globo. Dirigió, entre otros, los largometrajes Momentos (1980), Señora de nadie (1982), la candidata al Oscar Camila (1984) y De eso no se habla (1993). Falleció en 1995. Born in 1922 in Buenos Aires, she was a director, scriptwriter, producer, and one of the founders of the Argentina Feminist Union and the Teatro del Globo. He directed several films, including Momentos (1980), Nobody’s Wife (1982), Oscar-candidate Camila (1984) and I Don’t Want to Talk About It (1993). She died in 1995

EM

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queer pioneers

Somos? Are We? Argentina, 1982 89’ / Color Español - Spanish D: Carlos Hugo Christensen G: Carlos Hugo Christensen, Eduardo Gudino Kieffer F: Aníbal González Paz E: Vicente Castagno DA: Guillermo Palacios M: Ástor Piazzolla P: Ángel Zavalía I: Jorge Martínez, Olga Zubarry, Silvia Kutica, Jorge Sassi, Nicolás Frei Contacto / Contact Mueso del Cine Pablo Ducrós Hicken [email protected]

Marcelo se siente disminuido ante su padre estanciero, que está inquieto por que su hijo no le salga maricón y le compra revistas porno. Celia, la novia del padre, lo introduce en el mundo de los jóvenes de Recoleta, donde Marcelo espera iniciarse en los secretos de la vida. El líder de los jóvenes responde al nombre de Todo y vive en Lugano, trata a Marcelo como a una mujer y quiere iniciarlo en las drogas y el goce de los cuerpos. Nada de esto sucede, y la película toma un giro fantástico; recordemos que todavía estamos en épocas de la dictadura. Jóvenes que fumaban marihuana, abocados al levante callejero y las fiestas clandestinas, bordeaban lo escandaloso, algo en lo que su director se regodeaba de ser especialista. Pero, lejos de ser aplaudida por su osadía, Somos? fulminó el prestigio que aún le quedaba a Christensen. Arrastraba consigo la retórica de los años 40, horriblemente desfasada ante la modernidad que pretendía abrazar, y así daba a luz un ejemplo de la más perfecta comedia involuntaria. Las pocas veces que los diálogos sonaban bien era cuando aparecía Olga Zubarry, exponente aislado de actuación clásica en un elenco sacado de la tele. Ahora que los jóvenes de los 80 han quedado tan anticuados como entonces los de los 40, este contraste se ha vuelto más irrelevante; nos quedan una serie de escenas hilarantes y el retrato de una ciudad que empezaba a quitarse de encima las represiones y miraba con ganas, desde el clóset, la libertad. Goyo Anchou Marcelo feels he is less than his landowner father, who is worried his son will turn out queer and buys him porno mags. Celia, his father’s girlfriend, introduces him to the world of the Recoleta youth, where Marcelo hopes to be introduced to life’s secrets. The leader of the pack is named Todo (Everything), and he lives in Lugano. He treats Marcelo like a woman and wants to introduce him to drugs and the pleasure of bodies. None of this happens, and the film shifts to the fantastic –remember: we’re still in times of dictatorship. Pot-smoking young men who focus on street hookups and clandestine parties bordered on the scandalous, something the director gloated over being a specialist at. But far from being applauded by its boldness, Somos? took away all the prestige Christensen still had. He had in him the rhetoric of the ‘40s, which was horribly out-of-step with the modernity he intended to embrace, and this way, he gave birth to the most perfect involuntary comedy. The few times the dialogue sounded fine was when Olga Zubarry appeared, due to the fact that she was an isolated example of classic acting in a cast that came from TV. Now that the young people from the ‘80s are as outdated as those from the ‘40s, that contrast has become more relevant. We’re left with a series of hilarious scenes and the portrait of a city that was starting to get rid of repressions and looked at freedom with enthusiasm from inside the closet. GA

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Carlos Hugo Christensen Nació en 1914 en Santiago del Estero. Se mudó a Buenos Aires y, más tarde, ingresó en la Facultad de Filosofía y Letras. Trabajó en producciones de Argentina, Perú, Brasil, Venezuela, Chile y España, y entre sus obras más destacadas se encuentran Safo, historia de una pasión (1943), El ángel desnudo (1946) y Los pulpos (1947). Fue el primer cineasta en mostrar un desnudo femenino dentro del cine nacional. Falleció en Río de Janeiro el 30 de noviembre de 1999.  He was born in 1914 in Santiago del Estero, Argentina. He moved to Buenos Aires and later studied at the Philosophy and Literature Department of the University of Buenos Aires. He worked in Argentine, Peruvian, Brazilian, Venezuelan, Chilean, and Spanish productions, and his most important works include Safo, historia de una pasión (1943), El ángel desnudo (1946) and Los pulpos (1947). He was the first filmmaker to show female nudity in Argentine cinema. He died in Rio de Janeiro on November 30, 1999.

Kill Shot Argentina, 1969 101’ / B&N Español - Spanish

pioneros queer

Tiro de gracia

D: Ricardo Becher G: Sergio Mulet, Ricardo Becher F: Carlos Parera E: Oscar Souto DA: Armando Sánchez S: Aníbal Ubenson M: Javier Martínez, Manal P: Guillermo Smith, Ricardo Becher I: Sergio Mulet, Edgardo Suárez, Franca Tosato, Mario Skubin, Roberto Plate Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

Hay unos cuantos films singulares en el cine argentino de los sesenta, pero por sobre la mayoría de ellos se destaca Tiro de gracia, obra cumbre de Ricardo Becher sobre una novela inédita de su actor fetiche Sergio Mulet. Esencialmente es el retrato de una época y un ambiente: cierta bohemia urbana, porteñamente beatnik, que circulaba por un bar llamado Moderno con planes difusos, a la deriva. Hay un par de personajes recurrentes pero la intención es abarcadora, tanto que incluye la recreación de anécdotas reales, fantasías muy cinematográficas y hasta escenas de fuerte carga documental (como la que describe “El Yiródromo”). Una estructura propia, subterránea pero intensa, baraja todas esas situaciones en un crescendo dramático anticonvencional y potente, que tiene su razón de ser porque, como decía Becher, “una cosa es desestructurar el relato y otra cosa es armar una confusión”. Quienes descubran y admiren Tiro de gracia hoy harán bien en buscar el libro de Becher ¡¡¡Whaammm!!!, que prolonga el universo del film y las circunstancias de su realización. Fernando M. Peña There are a few unique films made in Argentina during the sixties, but above all of them there is Tiro de gracia, Ricardo Becher’s masterpiece based on an unpublished novel written by his regular star Sergio Mulet. It is essentially the portrait of an era and a social circle: urban bohemians, beatniks in a porteño way, who used to wander adrift around a bar called Moderno. There are some recurring characters, but the intention here is all-encompassing to the point of including reenactments of real anecdotes –some of them very cinematic fantasies, and even heavily documentary-like scenes one describing the “Yiródromo” (“Cruise-o-drome”). The film’s underground but intense, one-of-a-kind structure shuffles all these situations in an unconventional and powerful dramatic crescendo that makes sense because, as Becher used to say, “it’s one thing to de-structure the story and an entirely different one to create confusion.” Those who discover and admire Tiro de gracia today should try to find Becher’s book ¡¡¡Whaammm!!!, which extends the universe of the film and the circumstances of its production.

Ricardo Becher Nació en 1930 en Buenos Aires, y dirigió cortos y largometrajes entre 1955 y 2006. Trabajó como asistente de dirección de Leopoldo Torre Nilsson y luego en el rubro de la publicidad. Fundador del neoexpresionismo digital, fue profesor, escritor y periodista. Falleció en 2011. He was born in 1930 in Buenos Aires, and directed short and feature-length films between 1955 and 2006. He worked as an assistant director for Leopoldo Torre Nilsson and later in advertising. Founder of Digital Neo Expressionism, he was a professor, writer, and journalist. He died in 2011.

FMP

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SUBURBANIA

SUBURBANIA

Rejas, Alplax y espejos rotos. Cuerpos, conurbano. Moteles y neón. Ezpeleta, Capital, violación. Chacal. Café. Basura, cartoneros, taxis, marquesinas, pucho, malabares y bajón. Piña, lágrima, despertar. Dolor. Catéter, penetrada seca, alienación. La ciudad de Suburbania es todas las ciudades, son los márgenes, es lo que nos cae del rebalse, del brindis. Tres historias de vidas sofocantes –aunque cercanas–, indescifrables e incómodas. Esquinas, producción en masa. Trata. Puto clandestino, migrante, solitario. Femineidades, blanco móvil, puñalada. Calles barrosas, el canto de un gallo, olor a cloaca. Galanes proletarios, chicas explotadas, 2001, calles vacías, negocios cerrados. Crisis. La ley del más fuerte. Estado ausente. Merca, tetera, paseo en auto, cliente, proxeneta, inundación. Diplomático, orgía, patovica, humillación. Monoblocks, chalet y acequia, casuarina, chongo, subidón. Una Thatcher trava, Malvinas, puteada. Sexo, culpa, pesadilla, tango, panzones, policía y saqueos por televisión. La carne en el asador, tráfico de armas, sumiso, maricón. Levante, pelo largo, madre, amiga y revolcón. Campusano, Perrone, Cozarinsky, olvidados, entangada, polución. Historias como círculos, vórtices, elipsis. Led, remera a rayas, termotanque. Pistón, rifle, cumbia, auricular. Prostitutos, laburantas, forcejeo. Charlas eternas, amigas, solidarias, lealtad. Manos sucias, venganza, cuchillazo, solución. Tres películas cuyos personajes coexisten en un mismo infierno con el espectador. Paisajes conocidos, historias escondidas, el pasado –en continuo desborde– crea futuros inciertos. ¿Cuán cruel puede ser el mundo en zonas cuyos habitantes no pueden parar, no tienen paz económica para siquiera pensarse, y quienes lo hacen son los privilegiados en medio de la debacle? Estos autores lograron construir personajes dotados de belleza, fortaleza y valentía para enfrentar el “orden natural” por lo menos durante algún tiempo, antes de que la perra suerte vuelva a abandonarlos. Suburbania ofrece registros de una ciudad asediada por los flashes de los camiones celulares, documenta el caldo postneoliberal en el que se cocinan las desigualdades más inhumanas. Flexibilización laboral, hacinamiento, trabajar por nada, humedad, paredes descascaradas. L*s olvidad*s, l*s perdedor*s de siempre, l*s que resisten, l*s que se entregan. Imagen pobre, besos de tabaco, malabares luminosos, círculos infames. El patrón sabe que el viaje hasta el trabajo es también trabajo. Y no lo paga.

Juan Tauil

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Bars, Xanax and broken mirrors. Bodies, outskirts. Motels and neon. Ezpeleta, the Capital, rape. Jackal. Coffee. Trash, scavenger, taxis, marquees, cigarettes, juggling and the blues. Blow, tears, awakening. Pain. Catheter, dry penetration, alienation. The city of Suburbania is every city, it’s the margins, it’s what spills out from the overflow, from making a toast. Three stories of suffocating –though recognizable– lives, undecipherable and uncomfortable. Street corners and mass production. Human trade. Clandestine, migrant, solitary queer. Femininities, moving targets, stabbing. Muddy streets, a rooster singing, sewer smell. Proletarian heartthrobs, exploited girls, 2001, empty streets, closed stores. Crisis. The survival of the fittest. An absent state.Blow, a tearoom, a car ride, a client, a pimp, a flood. A diplomat, an orgy, a bouncer, a humiliation. Urban housing, cottage and ditch, casuarina, lover, rush. A tranny Thatcher, the Falklands, a curse word. Sex, guilt, a nightmare, tango, pot-bellied men, police and looting on TV. Giving one’s all, arms trade, submissive, faggot. Pick-up, long hair, mother, friend and getting it on. Campusano, Perrone, Cozarinsky, all forgotten, thong-wearing, and pollution. Stories like circles, vortexes, ellipses. Led lights, a striped shirt, a water heater. A piston, a rifle, cumbia music, a headphone. Prostitutes, workers, tussle. Endless talks, friends, caring, loyalty. Dirty hands, revenge, gash, solution. Three films whose characters coexist in the same hell as the viewer. Familiar landscapes, hidden stories, the constantly overflowing past creates uncertain futures. How cruel can the world be in areas where locals cannot stop, they have no financial peace to even think about themselves, and those who do are the privileged ones in the midst of the debacle? These auteurs succeeded in building characters equipped with beauty, strength and courage to face the “natural order” –at least for a while, before they’re down on their luck once more. Suburbania offers glimpses of a city pestered by the flashes of prison buses. It documents the post-neoliberal stock in which the most inhuman inequalities are cooked. Labor flexibilization, overcrowding, working for pennies, dampness, peeling paint. The usual losers, the forgotten ones, those who resist, and those who surrender. A poor image, tobacco kisses, luminous juggling, infamous circles. The employer who knows your commute to work is also your work. And yet he doesn’t pay for it.

JT

The Girls Argentina, 2011 65’ / Color Español - Spanish

SUBURBANIA

Las pibas

D, G: Raúl Perrone F, E, S: Raúl Perrone, Mariano Pattini M: Florencia Ruiz CP: Les Envies Que Je Te Desire I: Fiorella Yemina Aita, Yuliana Nerina Bustos Contacto / Contact Raúl Perrone [email protected] raulperrone.com facebook.com/raulperroneperro

Intimidad y repetición. Entre esos dos ejes conceptuales se desenvuelve este hermoso film de cámara, en el que predominan los planos fijos generales para seguir las instancias de recomposición de una relación amorosa entre dos chicas de 22 y 24 años; en especial el acomodamiento psíquico por parte de una de ellas, que sobrevivió a un intento de suicidio y debe ir a trabajar todos los días a una fábrica. Los reiterados travellings laterales que acompañan al personaje que interpreta Fiorella Aita en su trayecto a la fábrica constituyen el único movimiento de cámara, pues Perrone elige la quietud para el registro de la experiencia laboral y afectiva, dominios condicionados por la reiteración. Aun cuando hay una secuencia de violencia de género concebida en un preciso fuera de campo, el film carece de sordidez. La ternura es el tono predominante, como se constata especialmente en los planos finales; recién entonces se divisarán los rostros de las dos amantes en primer plano, y en ese momento la pareja habrá conjurado la repetición. Roger Koza Intimacy and repetition; these are the two conceptual lines through which this beautiful chamber film evolves. With fixed open shots as a main resource, the film follows a love story and the several times in which this relationship between two girls—22 and 24 years old— gets recomposed. In particular, we get to see the mental adjustments of one of the girls, she’s the one who survived a failed suicide attempt and has to work in a factory every day. The reiterative lateral tracking shots that follow this character –played by Fiorella Aita– on her way to the factory are the only camera movements used in the whole film. This happens because Perrone chooses stillness as a way of capturing the experience of labor and affection –two areas dominated by reiteration. And even though gender violence appears off-screen in a very thorough sequence, this is a film without any sordidness. The dominating tone, instead, is tenderness, which can be particularly noticed in the closing shots. It’s only then –when the couple conjures up repetition– that we get to see a close-up on these lovers’ faces.

Raúl Perrone Nació en Ituzaingó, provincia de Buenos Aires, en 1952. Su filmografía incluye más de veinte largometrajes independientes, entre ellos, Labios de churrasco (1994), Peluca y Marisita (2001), Tarde de verano (2006), La Navidad de Ofelia y Galván (2007), Los actos cotidianos (2009), P3nd3jo5 (2013), Fávula (2014) y Samuray-s (2015). He was born in Ituzaingó, in the Buenos Aires province, in 1952. His filmografía includes more than two dozen independent, including Labios de churrasco (1994), Peluca y Marisita (2001), Tarde de verano (2006), La Navidad de Ofelia y Galván (2007), Los actos cotidianos (2009), P3nd3jo5 (2013), Fávula (2014) y Samuray-s (2015).

RK

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SUBURBANIA

Ronda nocturna Night Watch Argentina / Francia Argentina / France, 2005 81’ / Color Español - Spanish D, G: Edgardo Cozarinsky F: Javier Miquelez E: Martine Bouquin DA: Ignacio Lago S: Alejandro Alonso M: Carlos Franzetti P: Marcelo Céspedes, Serge Lalou PE: Edgardo Cozarinsky, Oscar Mazú, Javier Miquelez CP: Cine Ojo, Les Films d’Ici I: Gonzalo Heredia, Moro Anghileri, Rafael Ferro

Tiene algo extraño Buenos Aires. Si Ronda nocturna se propone hablar de la irrealidad de una ciudad a partir de la superposición de dos registros (el realista y el fantástico), en algún sentido es porque se propone tematizar ese aire fantasmal que se ha vuelto tan característico de Buenos Aires después de la crisis de 2001. Ronda nocturna se llama así porque evoca, deliberadamente, a Rembrandt. El cineasta y su equipo, dice Cozarinsky, son como esos conjurados que atraviesan la noche con una linterna, no para iluminar (porque la luz, en Rembrandt y en Cozarinsky, viene de todas partes, de cualquier parte) sino para guiarse en un laberinto de signos. Es una ciudad (objeto a la vez del amor y del extrañamiento, como sucede siempre que se trata del amor) lo que Cozarinsky quiso entregar como un don a sus espectadores. La ciudad de la noche. La película de Cozarinsky no es testimonial, sino fantástica. Habla del amor, y de la muerte. Se llama Ronda nocturna, como un cuadro de Rembrandt, y aspira a esa misma grandeza. Y sus personajes, casi todos ellos, dicen una sola cosa: “Nadar sabe mi llama la agua fría, y perder el respeto a ley severa”. Daniel Link (fragmentos de El sueño de los héroes - Un diario de rodaje) There’s something strange about Buenos Aires. If Night Watch’s goal is to talk about the unreal element of a city by superimposing two approaches (realistic and fantastic), it’s because, in some sense, it seeks to portray that ghostly demeanor that has become a typical feature of Buenos Aires following the 2001 crisis. Night Watch has that name because it deliberately evokes Rembrandt. The filmmaker and his team, says Cozarinsky, are like those conspirators that go through the night carrying a flashlight –not to illuminate (because light, in both Rembrandt and Cozarinsky, comes from everywhere, and anywhere) but to guide themselves through a labyrinth of signs. What Cozarinsky wanted to deliver as a gift to the viewers is a city (the object of both love and estrangement, as it always is when it’s about love). The nighttime city. Cozarinsky’s film is not realistic, but fantastic. It talks about love, and death. It’s called Night Watch, like one of Rembrandt’s paintings, and aspires to the same greatness. And its characters, almost all of them, are saying only one thing: “My flame knows how to swim in cold waters, and to lose respect for severe laws.” Daniel Link (fragments of El sueño de los héroes - Un diario de rodaje)

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Contacto / Contact Cine Ojo +54 11 4371 6449 [email protected]

Edgardo Cozarinsky Nacido en 1939, es escritor y cineasta. Su obra literaria incluye La novia de Odessa (2002), El rufián moldavo (2004), Palacios plebeyos (2006), Lejos de dónde (2009) y Dark (2016). Dirigió numerosos films, entre ellos, La guerra de un solo hombre (1982), Guerreros y cautivas (1990), Fantasmas de Tánger (1998) y Carta a un padre (2013). Born in 1939, he is a writer and filmmaker. His literary work includes La novia de Odessa (2002), El rufián moldavo (2004), Palacios plebeyos (2006), Lejos de dónde (2009) and Dark (2016). He directed many films, including One Man’s War (1982), Guerriers et captives (1990), Fantômes de Tanger (1998) and Carta a un padre (2013).

Vile Romance Argentina, 2008 105’ / Color Español - Spanish

SUBURBANIA

Vil romance

D, G, P: José Celestino Campusano F, E: Leonardo Padín S: Ernesto Ángel Barrera M: Juan Manuel Colombo PE: Enrique Muzio CP: Cinebruto I: Nehuen Zapata, Oscar Génova, Marisa Pájaro, Javier De la Vega, Olga Pérez Contacto / Contact Cinebruto José Celestino Campusano +54 9 11 6527 5208 [email protected] cinebruto.com

En una estación de tren de la Provincia de Buenos Aires se conocen el joven errante Roberto y Raúl, un heavy metal cuarentón separado y con una hija. Estampa del Gran Buenos Aires, esa locación es cartografía histórica del yiro homosexual suburbano, antesala de un polvo express en el baño de esa estación. Pero Roberto y Raúl tienen tiempo para un encuentro sexual en una casa, y también para una relación en la que se instalan la violencia, la insatisfacción, la marginalidad, los celos, la mentira, el miedo a la experimentación con el cuerpo, la convención social que rige el género. Campusano propone otro punto de vista del relato homoerótico actual, sin ser estampita aleccionadora, ni sociología barata, ni repetición del gay urbano, televisivo, domesticado. Hay homoerotismo al borde del porno, como pocas películas argentinas tuvieron, y como ninguna que cite en su título una canción de Riff. Federico Moura una vez dijo que Riff “es muy representativo de mucha gente que no tiene nada, pero tiene ganas de luchar, aunque le han arrebatado todo… Vos ves una noticia en el diario, ‘Tiroteo en la Panamericana’, y en la foto ves escrito ‘Riff’ en la pared. Representa a la gente que vive una situación muy difícil, y su voz es un rugido del metal. Es energía ciega, pura”. Vil romance logra ser una película queer con esa sensibilidad, un grafiti de Pappo y Moura dándose un chupón. Diego Trerotola Young wanderer Roberto meets middle-aged divorced father and metalhead Raúl in a train station in the Buenos Aires Province. The location, a typical area of the greater Buenos Aires, has always been a cartographic landmark of suburban gay cruising –the anteroom of a quickie in the station’s restrooms. But Roberto and Raúl have time to engage in both a sexual encounter in a house and a relationship made of violence, dissatisfaction, alienation, jealousy, lies, a fear of experimenting with one’s body, and the social convention that rules over gender. Campusano suggests another point of view in the current landscape of homoerotic storytelling, one that avoids cheap sociology, thought-provoking vignettes, and the repetitive kind of urban and domesticated gay man you see on TV. There is a homoeroticism that borders on porn, a rare thing in Argentine cinema, and certainly in any of the films that quote Riff songs in their title. Federico Moura once said that Riff “is very representative of a lot of people who have nothing but are willing to fight, even when they have been left with nothing … You see a story in the newspaper, ‘Shootout on the Panamericana Highway,’ and in the photo you’ll see ‘Riff’ written on the wall. It represents people who are going through a very difficult situation, and their voice is a metal roar. It’s blind, pure energy.” Vile Romance manages to be a queer film with that sensibility, a graffiti of Pappo and Moura, making out.

José Celestino Campusano Nació en Quilmes en 1964, y estudió parte de la carrera de Realización en el Instituto de Cine de Avellaneda. Además de cortos y mediometrajes, dirigió los largos de ficción Vikingo (2009), Fango (2012), Fantasmas de la ruta (2013), El Perro Molina (2014), Placer y martirio (2015) y El arrullo de la araña (2015). He was born in Quilmes in 1964, and atudied part of the Filmmaking program at the Avellaneda Film Institute. He directed short and mediumlength films, as well as the fiction feature films Vikingo (2009), Fango (2012), Fantasmas de la ruta (2013), El Perro Molina (2014), Placer y martirio (2015) and El arrullo de la araña (2015).

DT

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TRASHNOCHES MUSICALES Musical Trash Nights

Basura, descarte, desperdicio, sobra. Cuando, en términos de crítica cultural, hablamos de trash, estamos hablando esencialmente de aquello que para la cultura dominante se encuentra fuera del borde de lo permitido o aceptado. Lo interesante es que hoy y siempre somos (y fuimos) vari*s l*s que encontramos goce en eso que para la mayoría es sinónimo de mal gusto y provoca asco o vergüenza. No obstante, la subcultura de lo trash, uno de los estantes menos iluminados en la biblioteca de lo “de culto”, es una fuente inagotable de formas de ser y sensibilidades que tarde o temprano son revisitadas por la cultura popular en busca de inspiración para sus aburridas producciones en masa. Porque, en el fondo, ¿qué sería de los chorizos sin esa deliciosa grasa que los engorda y empodera hasta límites insospechados?

Garbage, husk, waste, leftover. In terms of cultural criticism, when we talk about trash, we’re essentially talking about what the dominating culture believes to be outside the borders of what’s allowed or accepted. The interesting thing is that, now and always, lots of us find (and have found) pleasure in what most people regard as bad taste, disgusting or shameful. However, the trash subculture, one of the darkest shelves in the library of cult, is also an inexhaustible source of natures and sensibilities that are sooner or later revisited by popular culture, looking for inspiration for their boring mass productions. Because, deep down, what would become of sausages without that delicious fat that swells them up and empowers them to unexpected levels?

Heterogénea e historicista hasta el paroxismo, esta selección de cinco largometrajes es un combo irresistible de películas raras, incunables, y algunos pensarán que hasta impresentables; algo que en un festival como Asterisco es alimento para el espíritu y, por otro lado, sirve para ilustrar mejor que cualquier definición el espíritu de esta sección. Imaginen una olla en la que se cuece un guiso con base en el kitsch más brillante, con altas dosis de bizarrismo, y condimentos como géneros musicales diametralmente opuestos (del roller disco al garaje postindustrial), desparpajo, extravagantes y excesivos vestuarios, y una sensación de libertad con la que pocas creaciones se construyen. Pues bien, de las emanaciones de ese potaje se condensa la esencia irregular y combativa de este combo ecléctico.

Ultimately heterogeneous and historicist, this selection of five features is an irresistible combo of weird, precious films, and some will think they’re even out of line. For a festival like Asterisco, that’s food for the soul while it also serves to illustrate the spirit of this section better than any definition. Imagine a pot where a stew is being cooked, a stew based on brilliant kitsch with high doses of bizarre elements and toppings such as opposing genres (from roller disco to post-industrial garage), impudence, extravagant and excessive costumes, and a sense of freedom few creations are built with. Well, the irregular, combative essence of this eclectic combo is condensed from the emanations of said stew.

La mayoría coincidiremos en que la falsa sensación de libertad que inunda el díptico disco-boogie no hace mella en ese otro tipo de placer que nos envuelve cuando esos sonidos inundan la sala cinematográfica. Tod*s podremos fascinarnos con esa extrema historia de amor que protagonizan Genesis B. P-Orridge y su esposa y compinche Lady Jaye, y su radical “proyecto de pandroginia”. Pero lo importante es que, con la desfachatez como bandera, sin ningún prejuicio posible y proyectándonos hacia el pasado y el futuro en simultáneo, como un holograma 3D trazado por el anacronismo de Didi-Huberman, celebramos que las noches ahora son estridentes y diversas, bizarras y sexys, con tres joyas ocultas del cine musical que niegan radicalmente el agobiante binarismo de género de un mundo que a veces pareciera que retrocede en lugar de avanzar.

Martín Alomar

Most of us will agree on the fact that the false sense of freedom that floods the disco-boogie diptych doesn’t impact on that other type of pleasure that envelops us when those sounds flood the movie theater. We can all become fascinated with that extreme love story lived by Genesis B. P-Orridge and his wife and pal Lady Jaye, and their radical “pandrogyn project.” But what’s most important is that, with cheekiness as our flag, no prejudice whatsoever, and ourselves projected to the past and the future like a 3D hologram by Didi-Huberman’s anachronism, we celebrate that the nights are now strident and diverse, bizarre and sexy, with three hidden gems of musical cinema that radically deny the overwhelming binarism of gender in a world that sometimes seems to go backwards instead of forwards.

MA

Musical Trash Nights

Los Parchís a Disneylandia La segunda guerra de los niños España - Spain, 1981 105’ / Color Español - Spanish D: Javier Aguirre G: Javier Aguirre, Luis Castro, Luis Murillo F: Ángel Luis Fernández E: Antonio Ramírez de Loaysa DA: Wolfgan Burman M: Manuel Cubedo P: Angel Huete PE: José Luis Bermúdez de Castro Acaso I: Constantino Fernández, Yolanda Ventura, David Muñoz, Gemma Termes Prat, Francisco Díaz, Manuel Alexandre Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

Javier Aguirre Nació en 1935 en España. Estudió Cine y trabajó como crítico mientras daba sus primeros pasos como asistente de dirección. Dirigió más de 80 cortos y largometrajes, alternados entre películas comerciales de todo tipo de géneros, y cortometrajes experimentales premiados en festivales como Venecia y San Sebastián. He was Born in Spain in 1935. He studied film and worked as a critic while giving his first steps as an assistant director. He directed more than 80 shorts and features, alternating between commercial films of all kinds and experimental shorts awarded in festivals such as Venice and San Sebastián.

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La segunda guerra de los niños

Confieso que fue idea mía, y lo hago para que me digan todo tipo de barbaridades por haberlo hecho. Sí, a mí, en medio de una charla afiebrada, se me ocurrió que Los Parchís a Disneylandia –con ese título exploitation se estrenó en Argentina– era una película para reivindicar nuestra infancia camp o, mejor dicho, nuestra infancia poco camp pero ansiosa por encontrar esos guiños, algo que hable de nosotr*s. Eso nos trajo el destape español con Tino ficha roja, Yolanda ficha verde, ficha azul, ficha amarilla, y hasta el dado blanco y pecoso. Confieso que fue idea mía porque, mientras me siento a escribir esta nota, no puedo dejar de pensar en la pena que me provoca el baile del pajarito y escuchar ese “chis chis” repetido como poema, estribillo, hit, alabanza. Luego de las películas del destape español vinieron las producciones argentinas, notablemente más rancias que las españolas, y realizadas en plena dictadura a la par de Mojarrita, Delfín y Tiburón –esos apóstoles de las fuerzas parapoliciales–, y la sonrisa se me tuerce toda cuando escucho: “Todo es posible en Disneyworld. Un mundo sonriente sin rencor y con amor”. Con el chis, chis, chis se tapaban millones de crímenes, y a mí se me cae debajo de la butaca el deseo de volver a ver una película de Los Parchís. Pero me arrastro a buscarlo porque la tentación es irresistible: quiero sentir mi cuerpo de adulta frente a esos monos de colores, frente a esa trama exaltada en dilemas morales berretas que nos mellaron el ánimo por un largo tiempo con los celos, el amor romántico, la familia, la consistencia de una sociedad con roles estancos y géneros inamovibles, la competencia, los valores edulcorados y vacuos de una pequeña burguesía desorientada y apaleada. El destape español es el final del franquismo, el final de 40 años de un régimen dictatorial y cruento; mientras España entraba en la llamada Transición, en Latinoamérica se desataban dictaduras por doquier y Los Parchís vendían millones de discos en todo el territorio de habla hispana. A la luz de todo esto, las sonrisas de est*s niñ*s pierden su inocencia y las luces de colores con las que iluminan sus decorados hieren la pupila. Laura Ramos me escribe “para mí Los Parchís siempre fueron porno”, y Trerotola, que tiene una naturaleza tierna en extremo, me dice que es nuestra venganza colgar esta película del destape español devolviéndoles a Los Parchís su impronta camp. Estoy de acuerdo con ambos, con la pornografía que ve Ramos y con la tierna venganza que propone nuestro programador. También sé que Tino y Yolanda me gustaban tanto en mis desveladas noches de prepúber que no sabía muy bien cuál de l*s dos quería ser, porque el deseo sexual a esa edad deforme que son los once años, y en una época tan oscura como lo fue la última dictadura, era una especie de monstruo interno tan poco claro como el deseo mismo de ser, de ser mayor de edad, de huir de mi familia, de raparme el pelo y que ya nadie me reconozca, de huir incluso de la moralina de Los Parchís. Que me dejen solo su corte de pelo y sus monos de colores, algún paso de baile, tal vez; algo de la lascivia de sus miradas de niñ*s polimorf*s y la letra de “Don Diablo”, un himno a la pedofilia cantado con voz finita: “No tiene moral, te agarra, te agarra, te gusta y ya todo se lo das”. Démosle todo a ese diablo inmoral, todo y más.

I confess: it was my idea. I do so in case you want to say all kinds of things to me for having done it. Yes, in the middle of a feverish talk, it came to me that La segunda guerra de los niños –released in Argentina with the exploitation title Los Parchís a Disneylandia– was a film with which we could claim our camp childhood or, better yet, our not-socamp childhood that was still anxious to find those signs, something that talked about us. That’s what the Spanish destape brought us Tino as the red chip, Yolanda as the green chip, blue chip, yellow chip, and even the dice, all white and freckly. I confess it was my idea because, as I write this, I can’t stop thinking about how embarrassed I am of the chicken dance, and hearing that “chis chis” repeated as poem, a chorus, a hit, a praise. Argentine productions followed the destape films, and they were blatantly more rancid, made in the midst of the dictatorship along with Mojarrita, Delfín and Tiburón –those apostles of paramilitary forces. So, my smile twists when I hear, “Everything is possible at Walt Disney World. A smiling world free of spite and full of love.” The chis, chis, chis covered millions of crimes, and my desire to watch a film from Parchís falls under my seat. But I reach out to look for it, because the temptation is irresistible: I want to feel my grownup body in front of those colored overalls, that plot of cheesy moral dilemmas that damaged us for so long with its jealousy, romantic love, family, and the consistency of a society with stagnant roles and fixed genders, competitiveness, saccharine, empty values of a disoriented, beat-up and petty bourgeoisie. The Spanish destape is the end of the Franco regime, the end of 40 years of a dictatorial, bloody regime. While Spain entered the so-called Transition, Latin America filled up with dictatorships, and Parchís were selling millions of records throughout Spanish-speaking territories. In light of all this, the smiles of these children lose their innocence, and the colored lights that light up their sets hurt the eye.

Albertina Carri

TRASHNOCHES MUSICALES

La segunda guerra de los niños

Laura Ramos says, “to me, Parchís were always porn,” and Trerotola –who’s extremely tender in nature– tells me that our revenge is to include this film from the destape and give Parchís its camp imprint back. I agree with both, with the pornography Ramos sees and with the tender revenge our programmer proposes. I also know that I used to like Tino and Yolanda so much in my sleepless prepubescent nights, that I didn’t quite know which of them I wanted to be, because sexual desire at the deformed age of eleven –during a time as dark as the last dictatorship– was some kind of inner monster as diffuse as the very desire of being, of coming of age, of running away from my family, of shaving my head so no one would recognize me anymore, and even a way to run away from Parchis’ moralizing message. Just leave alone with their haircuts and their colored overalls, maybe some dance moves. Some of the lust in their stares of polymorphous kids, and the lyrics to “Don Diablo”, that ode to pedophilia sung in a thin voice: “He has no moral, he grabs you, he grabs you, you like it and you give it all to him.” Let’s give it all to that immoral devil, and then some. AC

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Musical Trash Nights

Roller Boogie Estados Unidos - USA, 1979 103’ / Color Inglés - English D: Mark L. Lester G: Barry Schneider, Irwin Yablans F: Dean Cundey E: Byron ‘Buzz’ Brandt, Edilberto Cruz, M. Edward Salier DA: Keith Michl S: Don J. Bassman, Chris Carpenter, Joel Fein, Anthony Santa Croce M: Bob Esty, Craig Safan CP: Compass International Pictures I: Linda Blair, Jim Bray, Beverly Garland, Roger Perry, James Van Patten

El año pasado estuvo entre rejas. Este año, Linda Blair regresa a Asterisco ¡en patines! Roller Boogie fue hecha para capitalizar la moda de los patines sobre ruedas pero también la de la música disco, que resultó más perdurable e inunda toda la banda sonora. El grupo de amigos que protagoniza el film debe recaudar dinero para evitar que el boliche al que van a patinar sea vendido y destruido; una trama que, en lo esencial, debe ser la más reiterada en la historia del cine, con ejemplos que van desde las comedias de Harold Lloyd en el cine mudo hasta Burlesque, con Cher y Christina Aguilera. Pero la originalidad argumental es una cualidad que se vuelve irrelevante cuando un film comienza con sensuales primeros planos de las curvas de un par de patines. Las varias escenas documentales o cuasi documentales del film, que muestran jóvenes patinadores invadiendo literalmente la costa californiana, contribuyeron a visibilizar (y, por lo tanto, normalizar) formas de vestir y de moverse que eran reprimidas en, por ejemplo, la sociedad argentina de 1979, en la que no era muy usual ver a un hombre bailar música disco en minishort. Fernando M. Peña Last year, we saw her behind bars. This year, Linda Blair is back in Asterisco… in roller skates! Roller Boogie was made to capitalize the roller-skating fashion, but also the trend of disco music, which proved to last longer, and fills the entire soundtrack. The group of friends the film portrays must raise money in order to avoid the sale and demolition of the nightclub where they skate –a plot that, in its essentials, must be the most widely used in film history, with examples that go from Harold Lloyd comedies to Burlesque, starring Cher and Christina Aguilera. But the plot’s originality is a quality that becomes irrelevant when a film starts with sensual close-ups of the curves of a pair of roller skates. The many documentary or documentary-like scenes in the film featuring young skaters literally invading the Californian coast contributed to expose (and, therefore, normalize) ways of dressing and moving that used to be repressed in , for example, Argentine society in 1979, where it was quite unusual to see a man dancing to disco music in mini shorts. FMP

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Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

Mark L. Lester Director, guionista y productor, nació en 1946 en Estados Unidos. Sus trabajos más renombrados fueron películas de género como Clase de 1984 (1984), con Michael J. Fox; la adaptación de la novela Stephen King Llamas de venganza (1984); Comando (1985), con Arnold Schwarzenegger; y la comedia de acción Armados y peligrosos (1986), con John Candy, Eugene Levy y Meg Ryan. He is an American film director, screenwriter, and producer. He’s best known for his work in genre cinema, including the cult action film Class of 1984 (1984), the Stephen Kingadaptation Firestarter (1984), the Arnold Schwarzenegger action film Commando (1985), and the action-comedy Armed and Dangerous (1986), starring John Candy, Eugene Levy, and Meg Ryan.

Skatetown, U.S.A Estados Unidos - USA, 1979 98’ / Color Inglés - English

Hubo un tiempo en que guionistas y directores podían sostener que un personaje era heterosexual a pesar de que usara pantalones blancos, exhibiera una musculosa rosa ceñida al cuerpo y bailara al ritmo de “Macho Man” de Village People. A ese tiempo pertenece este musical sobre ruedas que desde el principio declara abolida la realidad y se concentra en la agitada vida interior de Skatetown USA, una disco para patinadores animada por un DJ que lleva una gigantesca peluca afro blanca en la cabeza. No hay un guion propiamente dicho, sino más bien una serie de pasos de comedia que se alternan con números musicales, coreografías sobre patines y una competencia entre dos machos rivales, el buenazo de Stan (Greg Bradford) y el innoble Ace (Patrick Swayze, en su primer film). El elenco es una mezcla rarísima de actores de series de TV de los años 70 y cómicos de stand-up, como el célebre Flip Wilson, que en una escena hace de su propia madre. Aunque el film es unos meses anterior a Roller Boogie, en Argentina no solo se estrenó después sino que las copias llevaban el mentiroso subtítulo Roller Boogie 2. Pero el dato más bizarro es que está escrita por Nick Castle, el hombre detrás de la máscara en Halloween. Fernando M. Peña There was a time when screenwriters and directors could maintain that a character was heterosexual even if he was wearing white pants and a tight pink tank top while dancing to the rhythm of Village People’s “Macho Man.” Such is the time of this musical on wheels that abolishes reality right from the start and centers on the agitated life inside Skatetown USA, a roller disco hosted by a DJ who wears an enormous white wig. There is no script to speak of, just a series of gags that alternate with musical numbers, choreographies on skates and a competition between two macho opponents: good-natured Stan (Greg Bradford) and the ignoble Ace (Patrick Swayze, in his first film role). The cast is a weird mix between TV actors from the ‘70s and standup comedians such as the famous Flip Wilson, who plays his own mother in one scene. Even though the film was originally released a few months before Roller Boogie, in Argentina the release date was after that other film, and so the prints had the deceitful subtitle Roller Boogie 2. But the most bizarre fact is that the film was written by Nick Castle, the man behind the mask in Halloween.

D: William A. Levey G: Nick Castle F: Donald M. Morgan E: Gene Fowler Jr., William D. Gordean, John McSweeney Jr. DA: Larry Wiemer S: Al Overton Jr., Dan O’Connell, Ronald Long M: Miles Goodman P: Lorin Dreyfuss, William A. Levey PE: Peter E. Strauss CP: Columbia Pictures, Rastar Pictures I: Scott Baio, Flip Wilson, Ron Palillo, Patrick Swayze, Maureen McCormick, Greg Bradford

TRASHNOCHES MUSICALES

Roller Rock USA

Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires [email protected]

William A. Levey Director y productor estadounidense, dirigió más de diez largometrajes, incluidos Blackenstein (1973), Monaco Forever (1984), Slumber Party ‘57 (1976) y Condenados sin culpa (1989). American filmmaker and producer, he directed more than ten feature length films, including Blackenstein (1973), Monaco Forever (1984), Slumber Party ‘57 (1976) and Hellgate (1989).

FMP

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Musical Trash Nights

The Ballad of Genesis and Lady Jaye La balada de Genesis y Lady Jaye Estados Unidos - USA, 2011 72’ / Color / Inglés - English D, F: Marie Losier E: Marie Losier, Marc Vives P: Marie Losier, Steve Holmgren I: Genesis P-Orridge, Lady Jaye Breyer P’Orridge, Big Boy Breyer P’Orridge, Edley Odowd, David Max Contacto / Contact Institut Français Martina Pagnotta +54 11 4515 6916 [email protected] ifargentine.com.ar

Es probable que el rock industrial sea uno de los géneros más asociados a las formas corporales de mutación: se comprueba con solo nombrar a algunos músicos que transitaron por sus filas, como David Bowie y Marilyn Manson. Pero nadie fue más lejos en la dimensión mutante que Genesis P-Orridge, pionero músico industrial de Throbbing Gristle que luego continuó con Psychic TV, entre otras formas artísticas de fusión que marcaron una carrera de alta experimentación. La cineasta francesa Marie Losier, especialista en realizar obras en comunión con los performers contemporáneos más radicales, se propuso filmar una oda a la máxima mutación queer de Genesis, quien vivió junto a su amada Lady Jaye: una historia de un amor transformador, en el sentido más físico y eléctrico, en la que la amalgama de cuerpos no es una metáfora sexual sino la forma concreta de trazar un pacto de comunión con la belleza. En la captura de una intimidad que es al mismo tiempo utópica y trágica, la intensidad de las performances de Genesis P-Orridge y la poética instantánea de Losier hacen de esta película un viaje a un núcleo único donde pueden convivir la carne convertida en obra de arte, la extrañeza inmersiva, la cotidiana felicidad mística y la música como mantra de amor tormentoso. Diego Trerotola Industrial rock may be one of the genres most associated with mutating body shapes: just name some musicians who were part of it, like David Bowie and Marilyn Manson. But no one went as far in the mutant dimension as Genesis P-Orridge, a pioneering industrial musician from Throbbing Gristle who later continued with Psychic TV, among other fusion art forms that marked a career of high experimentation. French filmmaker Marie Losier, who specializes in making works in communion with the most radical contemporary performers, set out to film an ode to the greatest queer mutation Genesis, who lived with his beloved Lady Jaye, performed: it’s the story of a transforming love, in the most physical and electric sense of the word, in which the amalgamation of bodies is not a sexual metaphor but a concrete way of tracing a pact of communion with beauty. Capturing an intimacy that is both utopian and tragic, the intensity of Genesis P-Orridge and the instant poetics of Losier turn this film into a voyage into a unique core that harbors flesh turned into a work of art, an immersive strangeness, the everyday mystical happiness, and music as a mantra of tempestuous love. DT

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Marie Losier Nació en Francia en 1972. Estudió Literatura en la Universidad de Nanterre y Bellas Artes en Nueva York, donde trabajó como directora y curadora de cine en la Alianza Francesa. Programó films experimentales en el cine Robert Beck Memorial y en Ocularis. Su obra, mayormente filmada en Super 8 y 16mm, se ha exhibido en museos, galerías, bienales y festivales. En 2014 ganó el premio DAAD Residency en Berlín para trabajar en su largometraje Peaches Goes Bananas!, sobre la música canadiense Peaches. She was born in France in 1972. She studied Literature at the University of Nanterre and Fine Arts in New York, where she worked as a film director and curator at the French Alliance. Her work, mostly shot in Super 8 and 16mm, has been shown in museums, galleries, biennials and festivals. She was awarded the 2014 DAAD Residency Award in Berlin to work on her new feature film Peaches Goes Bananas!, based on Canadian musician-performer Peaches.

FUNCIONES ESPECIALES special screenings

speciesl screenings

Salomé / Salome Charles Bryant Nació en 1879 en Inglaterra. Actor y guionista, mantuvo un matrimonio con Nazimova para ocultar las orientaciones sexuales de ambos, hasta que se casó con otra mujer en 1925. Murió en 1948. He was born in England in 1879. An actor and screenwriter, he lived with Nazimova in a fake marriage to hide their sexual orientations, until he married another woman in 1925. He died in 1948.

Alla Nazimova Nació en 1879 en Yalta. Estudió en el Conservatorio de Odessa y fue la primera alumna de Stanislavski en actuar en cine y teatro en Estados Unidos, donde debutó con el film War Brides (1916) y fue una estrella de Metro Pictures. Tuvo una gran carrera en Broadway y produjo siete películas. Murió en 1945.

Estados Unidos - USA, 1923 72’ / B&N F: Charles Van Enger DA: Natacha Rambova P: Alla Nazimova I: Alla Nazimova, Nigel De Brulier, Mitchell Lewis, Rose Dione, Earl Schenck

D: Charles Bryant, Alla Nazimova G: Oscar Wilde, Natacha Rambova (Peter M. Winters)

She was born in Yalta in 187. She studied at the Odessa Conservatory, and was Stanislavski’s first student to work in film and theater in the US, where she made her debut in the film War Brides (1916) and was a Metro Pictures star. She had a great career in Broadway and produced seven films. She died in 1945.

Lot in Sodom / Lot en Sodoma James Sibley Watson Nació en 1894 en Nueva York. Dirigió los cortos Tomatos Another Day (1930) y The Fall of the House of Usher (1928), en el que también fue director de fotografía. Murió en 1982. He was born in New York in 1894. He directed the shorts Tomatos Another Day (1930) and The Fall of the House of Usher (1928), in which he was also cinematographer. He died in 1982.

Melville Webber Nació en 1871 en Massachusetts, Estados Unidos. Codirigió The Fall of the House of Usher con Watson y dirigió el corto Rhythm in Light (1934). Murió en 1947. Estados Unidos - USA, 1933 28’ / B&N D: James Sibley Watson, Melville Webber F: James Sibley Watson DA: Melville Webber S: Bernard O’Brien M: Louis Siegel

P: Bernard O’Brien, James Sibley Watson, Melville Webber, Alec Wilder, Remsen Wood I: Friedrich Haak, Hildegarde Watson, Dorthea House, Lewis Whitbeck

He was born in Massachusetts, USA, in 1871. He co-directed The Fall of the House of Usher with Watson and directed the short Rhythm in Light (1934). He died in 1947.

“El misterio del amor es mayor al misterio de la muerte” reza, como una profecía aciaga, la apertura de Salomé, la película de 1923 basada en la obra de Oscar Wilde. En la adaptación pervertida y pervertidora que hizo Wilde de la historia bíblica, Salomé está malditamente enamorada del profeta o santo Jokanaan. A la vez, es amada por su padrastro Herodes, a quien desprecia. Jokanaan, pálido y exaltado, en una actuación que preanuncia los arrebatos místicos de Alejandro Urdapilleta y Batato Barea, rechaza a la princesa: “¡Hija de Babilonia!”. Arrebatada de odio, luego de embrujar a Herodes con un baile utrasexual, Salomé pide a su padrastro que le entregue la cabeza del profeta en una bandeja de plata.

“The mystery of love is greater than the mystery of death.” The opening of Salomé, the 1923 film based on Oscar Wilde’s play, states this like a fateful omen. In Wilde’s perverted and perverting adaptation of the biblical story, Salomé is cursed with a love for Jokanaan, a prophet or a saint. At the same time, his stepfather Herod, whom she despises, loves her. Jokanaan, pale and over-the-top in a performance that predates the mystical outbursts of Alejandro Urdapilleta and Batato Barea, turns the princess down: “Daughter of Babylon!” In a fit of rage, and after casting a spell on Herod with an ultra-sexual dance, Salomé asks her stepfather to bring her the head of the prophet on a silver platter.

Por decisión de la productora y protagonista de la película, la actriz rusa Nazimova, ojos violetas, amante de Dolly Wilde (sobrina de Oscar), la mayor parte del casting es gay o trans. La Nazimova dilapidó la fortuna que había hecho en Hollywood como actriz en la producción de este film genial, que fue un fracaso comercial absoluto. Las luces tecno del tocado de Salomé, manipuladas con intencionalidad dramática por la Nazimova, compiten en gracia y magnificencia con todos los tocados, pelucas y lamés de plata encargados para el film a la Mansión Lewis de París. Todo el arte está inspirado en los dibujos en blanco y negro de Aubrey Beardsley, amigo de Wilde. El concepto del corto Lot in Sodom, con su estricto dominio de la luz y la sombra, no es menos dramático y fascinante que Salomé.

By decision of the film’s producer and star, Russian actress Nazimova –violet eyes, a lover of Dolly Wilde (Oscar’s niece)– most of the cast is gay or trans. Nazimova squandered the fortune she had made in Hollywood as an actress in the production of this masterful film, which was an absolute box-office bomb. Handled with dramatic intention by Nazimova, the techno lights in Salomé’s headdress compete in grace and magnificence with all the headdresses, wigs and silver lamés that were ordered to Paris’ Lewis Mansion for the film. All of the art was inspired by the black-and-white drawings by Wilde’s friend Aubrey Beardsley. The concept of the short Lot in Sodom, with its strict control over lights and shadows, is by no means less dramatic and fascinating than Salomé.

Laura Ramos

LR Proyección especial con música en vivo a cargo de Daniel Melero, en la Plaza de las Naciones Unidas. Special screening featuring live music by Daniel Melero, at the Naciones Unidas Park.

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V iernes 4 de noviembre , 2 1 . 3 0 h . / F riday, N ovember 4 , 9 . 3 0 pm .

¿Qué es lo normal? “Que otros sean lo normal”, dice Susy Shock, poeta, cantante, trans, sudaca, colibrí, que en esta serie de microprogramas recorre diferentes espacios e instituciones: la escuela, el hospital, los medios, la cárcel y el fútbol, entre otros. Se trata de áreas en las que “lo normal” se constituye, se cristaliza, se retroalimenta. Susy interviene esos espacios performáticamente desde la palabra, la música y la poesía. ¿Para qué? La respuesta es sencilla: para romper los horizontes, ampliar los límites de lo posible. Los microprogramas de A)Normal se proyectarán antes de algunas funciones de Asterisco.

Argentina, 2015 / Color D, E: Bruno Ciancaglini G: Bruno Ciancaglini, Sergio Ciancaglini F: Lina Etchesuri DA: Martina Perosa, Carolina Fernández S: Néstor Saracho M: Javier “Indio” Ortega P: Carolina Fernandez, Franco Ciancaglini, Julieta Colomer PE: Carolina Fernández CP: Cooperativa Lavaca I: Susy Shock

Contacto / Contact Cooperativa Lavaca Bruno Ciancaglini +54 11 43815269 +54 911 6764 8646 [email protected] [email protected] lavaca.org

What is normal? “For others to be the norm,” says Susy Shock, poet, singer, trans, South American, a hummingbird who in this series of microprogams covers different spaces and institutions: a school, a hospital, the media, a prison, and soccer, among others. Areas where “what’s normal” is constituted, crystalized, fed back. Susy intervenes those spaces performatively through words, music and poetry. What for? The answer is simple: to tear down the horizons, to expand the limits of what’s possible.

FUNCIONES ESPECIALES

A)Normal / Ab)Normal

The A)Normal microprograms will be screened right before Asterisco screenings.

Bruno Ciancaglini Nació en 1992 y vive en Buenos Aires. Estudia Dirección en la Universidad del Cine y trabaja como periodista y encargado del sector audiovisual de la cooperativa Lavaca. Dirigió el cortometraje Los sueños de la tortuga, coprodujo la serie uruguaya Guía 19.172 dirigida por Daniel Hendler, y está desarrollando su primer largometraje, el documental La ley & la calle. He was born in 1992 and lives in Buenos Aires. He studies Filmmaking at Universidad del Cine and works as a journalist and head of the audiovisual sector of the Lavaca cooperative. He directed the short film Los sueños de la tortuga, co-produced the Uruguayan series 19.172 directed by Daniel Hendler, and is currently developing his first feature-length film, the documentary La ley & la calle.

FIESTA DE CIERRE FESTIVAL ASTERISCO SÁBADO 5 DE NOVIEMBRE LËSTER (FRANCIA) DJS PAREJA DJ VISERA

BRANDON GAY DAY NICETO CLUB NICETO VEGA 5510 151

E spacio Renault

Techno + Cuerpos: pistas para un baile transformador Techno + Bodies: tracks for a transforming dance Rudie Martínez es uno de los músicos electrónicos más reconocidos de Argentina. Siempre a la vanguardia, supo estar atento a las nuevas tendencias musicales con bandas como Adicta, San Martín Vampire, y su proyecto de techno punk Audioperú. Adicta fue una de las bandas más importantes dentro de la escena techno pop de la Buenos Aires del 2000. Sus conciertos, de gran convocatoria, eran una fiesta absoluta. Con siete discos en su haber, Adicta terminó en 2012. Rudie retoma su amor por el género techno pop en RR Orquesta.

Lëster. Compositor autodidacta de 22 años, Ariel Borenstein comenzó a hacer música eletrónica hace 10 años e inició el proyecto Lëster en 2009. Creó un universo propio digital de música e imágenes, y hoy trabaja junto al VJ Pabloïd en sus shows en vivo. Desde hace tres años, toca en los clubs más importantes de París y Bruselas (como Péripate, Opera Hat, Wanderlust y The Clandestine Club), y es considerado un miembro de la escena francesa llamada “Internet Wave”.

Rudie Martinez is one of the most renowned electronic musicians in Argentina. Always at the vanguard, he remained aware of nee musical trends with bands like Adicta, San Martín Vampire, and his techno punk project Audioperú. Adicta was one of the main bands of the Buenos Aires techno pop scene in 2000. Their very popular concerts were an absolute party. With seven records, Adicta ended in 2012. Rudie resumes his love for the techno pop genre in RR Orquesta.

A totally self-taught 22-year-old composer, Ariel Borenstein began to make electronic music 10 years ago, and started the Lëster project in 2009. He created a whole universe of digital music and video and currently works with VJ Pabloïd for the production of the images when he is live on stage. For the past three years, he has been playing live concerts in top clubs in Paris and Brussels (like Péripate, Opera Hat, Wanderlust, and The Clandestine Club), and is considered a member of the French scene “Internet Wave”.

Con el auspicio de Inamu e Inrockuptibles.

Sponsored by Inamu and Inrockuptibles.

actividades especiales

ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES. Miércoles 2

CASA BRANDON. Miércoles 2 Proyección de la película El puto inolvidable. Vida de Carlos Jáuregui SCREENING OF THE UNFORGETTABLE FAG: THE LIFE OF CARLOS JÁUREGUI Charla abierta con organizaciones civiles. Coordinada por la Dirección de Políticas Integrales de Diversidad Sexual de la Nación.

Open debate with civil organizations. Coordinated by the Direction of Comprehensive Policies for Sexual Diversity.

Desafíos pendientes y necesarios para lograr el cambio cultural

Pending and necessary challenges to achieve cultural change

Cuál ha sido para estas organizaciones el papel del cine y los medios con respecto a la diversidad sexual desde una perspectiva histórica, y cuál debería ser el papel de aquí en adelante.

What has been the role of cinema and the media in sexual diversity from a historical perspective, and what it should from now on.

Jueves 3 Muestra fotográfica de Bram Belloni - Del 3 al 13 de noviembre BRAM BELLONI PHOTO EXHIBITION - november 3 to 13 Las fotos que Bram Belloni nos muestra en I Am Gay and Muslim –el largometraje dirigido por su hermano Chris– hablan en silencio del día a día de los derechos gay en el mundo islámico. De ser gay y de ser creyente enfrentando a un mundo entero lleno de intolerancia, en el que por musulmán y por gay se te condena en tus sociedades, pero también donde por ser gay y musulmán te volvés un incomprendido en tu misma comunidad de pertenencia. Podrían ser las fotos de los moritos que caminan por los bordes de Chueca en Madrid o en el Barrio Rojo de Ámsterdam apretando la entrepierna por una comida caliente, o de los turcos que venden hachís en la estación Neukölln en Berlín, o de los paisanos que ocultan la mirada en El Cairo, Alejandría o Ankara protegiéndose del fanatismo religioso que los lleva al exilio, a la cárcel y, en el peor de los casos, a la muerte.

The photos Bran Belloni shows us in I Am Gay and Muslim –the film directed by his brother Chris– talk about the silence of the everyday life of gay rights in the Islamic world. They talk about being gay and being a believer facing a world filled with intolerance where societies condemn you for being Muslim and being gay, but also where you become misunderstood within the community you belong in for being gay and Muslim. These could be the photos of the little Moors walking down the edges of Chueca in Madrid, or in Amsterdam’s Red Light District squeezing their crotches for a hot meal, or the Turks who selling hash at Berlin’s Neukölln station, or the civilians looking away in Cairo, Alexandria, or Ankara, protecting themselves from the religious fanaticism that leads them to exile, prison, or the worst-case scenario: death.

En I Am Gay and Muslim no hay chicos sudorosos pescando en el río ni luchadores de la yağlıgüres turca, ni primeros planos de los hijos privilegiados y universitarios de algún jeque homofóbico. Belloni nos ofrece cuerpos delgados occidentalizados a fuerza de jeans y remeras ajustadas, con ese bronceado que resalta el verde de sus ojos, las enormes pestañas, una delgada línea de vello –imagino– serpenteando hasta sus pubis. Un muestrario de voces en susurro que completan esta muestra de fotos sobre los protagonistas de la película I Am Gay and

I Am Gay and Muslim features no sweaty boys fishing in the river, or fighters in the Turk yağlıgüres, or close-ups of privileged college kids, children of a homophobe sheik. Belloni offers us slim bodies westernized through tight jeans and shirts, with a tan that highlights the green of their eyes, the enormous eyebrows, a thin line of hair –I imagine– wriggling down to their pubis. A collection of whispering voices complete this photo exhibit of the characters of the film I Am Gay and Muslim,which took place in Morocco in 2011. They are Rayan,

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SPECIAL activities

Muslim que se realizó en Marruecos en 2011. Ellos son Rayan, Brahim, Azar y Sebastiane, o tantos otros –gays y musulmanes– obligados a ir por los bordes del deseo silencioso, irrumpiendo desde el orgullo que derriba las fronteras, casi intactos, muy esperanzados, completamente bellos. Seducen a la cámara, provocadores, con miradas penetrantes o espaldas victoriosas. No se ocultan más. Ya no lo creen necesario.

Brahim, Azarand Sebastiane, or many others –gays and Muslims– forced to go through the edges of silent desire, bursting in with the kind of pride that tears down borders–almost intact, full of hope, completely beautiful. They seduce the camera, they tease with their piercing looks or victorious backs. They’re not hiding anymore. They no longer need to.

Los descubro sabiendo –vaya uno a saber a qué costo– que al tomarse de la mano transforman esa frase del Corán que dice: “Cuando lo amo, soy los oídos con los que él escucha, los ojos con los que ve, la lengua con la que habla y la mano con la que agarra”, en el acto de amor más revolucionario que pueden producir dos hombres.

I discover them knowing –who knows at what cost– that by holding hands, they turn that phrase from the Quran that reads, “When I love him, I am the eyes with which he listens, the eyes with which he sees, the tongue with which he speaks and the hand with which he grabs,” into the most revolutionary act of love two men can produce.

Gustavo Pecoraro

GP

La Iglesia de la Telepatía Expandida (TCoET). Taller – Performance (Dew Kim & Luciano Zubillaga) / The Church of Expanded Telepathy (TCoET). Workshop - Performance (Dew Kim & Luciano Zubillaga) Volviendo queer la telepatía expandida: deshaciendo el lenguaje codificado, los gestos corporales y su conceptualización.

Queering expanded telepathy: un-doing coded language, body gestures and its conceptualisation.

Este taller intenta cuestionar las rígidas oposiciones binarias de conferencia versus performance, ciencia versus teología, y los modos actuales de invención sexual en el espacio virtual. Al utilizar una codificación más abstracta del lenguaje corporal, la filosofía posthumana, la conceptualización sentido-tiempo y los bailes y movimientos del K-pop, Dew Kim y Luciano Zubillaga explicarán algunas de las ideas principales de la Iglesia de la Telepatía Expandida (TCoET).

The workshop attempts to question rigid binary oppositions of lecture versus performance, science versus theology and current modes of sexual invention in virtual space. By using a more abstract coding of body language, posthuman philosophy, time-sense conceptualisation, K-pop dance and moves, Dew Kim and Luciano Zubillaga will explain some of the main ideas behind the Church of Expanded Telepathy (TCoET). TCOET : http://tcoetelepathy.tumblr.com

Viernes 4 Poemario Transpirado, de Susy Shock

TRANSPIRED POEMS, BY SUSY SHOCK

CASA DE LA CULTURA. Jueves 3 Proyección de Vil romance. Presentación y charla posterior con su director, José Celestino Campusano. Screening of Vile Romance. With presentation and Q&A by director José Celestino Campusano. La Casa Central de la Cultura Popular de la Villa 21-24, del Ministerio de Cultura de la Nación, se ha posicionado como una estructura de contención, inclusión, producción y promoción de la cultura local, desde que abrió sus puertas en 2013. La integración con la comunidad se realiza a través de talleres artísticos, técnicos y de oficios, capacitaciones, espectáculos y producción de contenidos.

The Central House of Popular Culture of Villa 21-24, from the Ministry of Culture of the Nation, has positioned itself as a structure of support, inclusion, production and promotion of local culture ever since it opened in 2013. The integration with the community is made through art, technical, trade and training workshops, shows, and content production.

CENTRO CULTURAL RECOLETA. Martes 1

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La Fresh Gallery presenta en Buenos Aires una pequeña parte de su alma. Esta galería de arte, ubicada en Madrid y dirigida por la rosarina Topacio Fresh desde 2008, es un espacio dinámico, vivo, arriesgado y versátil, con un marcado discurso lgtb y queer. Para esta muestra se eligen soportes fotográficos y digitales principalmente, sin un marco teórico predefinido. Se busca un recorrido dinámico que genere un tráfico de ideas libre y estimulante.

The Fresh Gallery presents in Buenos Aires a small part of its soul. This art gallery, located in Madrid and directed by Topacio Fresh, from Rosario, since 2008, is a dynamic, lively, daring and versatile space with a strong lgtb and queer discourse. Photographic and digital formats are mainly chosen for this exhibit, without a predefined theoretical framework. The aim is to have a dynamic tour that will generate a free and stimulating traffic of ideas.

Leo Peralta inventa sobre lo ya inventado, Brian Kenny homoerotiza la estética de la virilidad, Miss Nina propone ejercicios de autosatisfacción

Leo Peralta invents on the already invented, Brian Kenny homoeroticizes the aesthetics of virility, Miss Nina proposes online self-satisfying

© Gorka Postigo

La Fresh Gallery en Asterisco - Del 1 al 14 de noviembre. The Fresh Gallery at Asterisco November 1 to 14

exercises, Bruce LaBruce is an enfant terrible and an agent provocateur, Gorka Postigo investigates the iconic beauty of the body, Mauro Guzmán inspires with his multidisciplinary trash-queer discourse, and Jaro rescues art from the public scene in order to turn it into graphic design vinyl. In short: an exhibit with a refreshing proposal.

CENTRO CULTURAL RECTOR RICARDO ROJAS. Sábado 5 Presentación del libro Por ese palpitar. Canciones para un deseo mutable. Auditorio Batato Barea. Launch of the book Por ese palpitar. Canciones para un deseo mutable. Batato Barea Auditorium Compilación de 25 canciones argentinas sobre diversidad sexual y de género, editado por el Ministerio de Cultura de la Nación, el Instituto Nacional de la Música (Inamu) y Asterisco.

A compilation of 25 Argentine songs about sexual and gender diversity, published by the Ministry of Culture of the Nation, the National Institute of Music (Inamu) and Asterisco.

Con bandas en vivo.

Featuring live bands.

actividades especiales

online, Bruce LaBruce es un enfant terrible y agent provocateur, Gorka Postigo investiga la belleza icónica del cuerpo, Mauro Guzmán apasiona con su discurso trash-queer multidisciplinar, y Jaro rescata el arte de la escena pública para transformarlo en vinilo de diseño gráfico. En definitiva, una exposición con una propuesta refreshcante.

Cine Cosmos Instalación Gratuita de Roberto Jacoby y Alejandro Ros. Free Installation by Roberto Jacoby and Alejandro Ros Del martes 1 al domingo 6 de noviembre - 18 a 00 h. Sala 2 - Entrada gratuita. November 1 to 6 - 6 to 12 pm. Cinema 2 - Free admission

GALERÍA HACHE MICROFILMS - MARTÍN SICHETTI Inauguración: Martes 1 de noviembre. Fecha de cierre: Sábado 17 de diciembre. Horario de atención al público: Lunes a sábado de 14 a 19 h. Martín Sichetti nació en 1973 en Buenos Aires, donde vive y trabaja. De formación autodidacta, su relación con el dibujo se remonta a la infancia, período en el que también abreva su pasión por el cine. Esos consumos culturales profundizaron su fanatismo por el cine clásico americano: su incursión en la performance está marcada por la imitación de Marilyn Monroe, y es coleccionista de VHS de toda la filmografía de Alfred Hitchcock, sobre el cual es especialista y en buena medida inspiró todo su trabajo hasta el presente.

Martín Sichetti was born in 1973 in Buenos Aires, where he lives and works. A selftaught artist, his connection with drawing goes all the way back to his childhood, a time when he also grew a passion for cinema. These cultural consumptions deepen his fanaticism for classic American cinema. His incursion into the world of performance is marked by the impersonation of Marilyn Monroe, and he is a VHS collector of the entire work by Alfred Hitchcock. He’s a specialist on the filmmaker, the biggest inspiration for his entire work up to the present day.

UNIVERSIDAD DEL CINE. Jueves 3 Libertad, igualdad, diversidad: Un poco de amor francés Freedom, equality, diversity: A bit of French love Master Class de Olivier Ducastel & Jacques Martineau

Master Class by Olivier Ducastel & Jacques Martineau

Olivier Ducastel

Jacques Martineau

Nacido en Lyon en 1962, dirige el departamento de Dirección de la FÉMIS. Junto a Martineau ha dirigido varios films, incluidos Jeanne et le garçon formidable (1998), Drôle de Félix (2000, ganadora del Teddy Award en Berlín) y L’Arbre et la forêt (2010), entre otras.

Nació en Montpellier en 1963. Se graduó en Literatura con
un doctorado sobre Honoré de Balzac, y es profesor de Letras y Guion en la Universidad París-Ouest.

Born in Lyon in 1962, he runs the direction department at FÉMIS. He and Martineau have directed several films, including Jeanne and the Perfect Guy (1998), Adventures of Felix (2000, Teddy Award winner in Berlin), and Family Tree (2010), among others.

He was born in Montpellier in 1963. He studied literature, graduating with a PhD on Honoré de Balzac. He’s a lecturer in literature and script writing at the Université Paris-Ouest.

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índice por película / index by film

A

I

A Bit of Scarlet ∙ 77 A qui la faute ∙ 38 A)Normal ∙ 151 Al di là dello specchio ∙ 117 Alex y Eric para siempre ∙ 38 Almost Adults ∙ 84 Andrew a Strong Courageous Warrior ∙ 39 Animal ∙ 66 aunque mis maneras de decir te amo ∙ 39

I Am Gay and Muslim ∙ 90 Interludio ∙ 109 International Sweethearts of Rhythm ∙ 81

B Before Stonewall ∙ 76 Boys on the Rooftop ∙ 66

C Camarín ∙ 67 chUrchroad ∙ 47 Closet Monster ∙ 85 Club Amazonas ∙ 67 Colmena ∙ 28 Come una stella ∙ 68 Como una novia sin sexo ∙ 107 Contragolpe ∙ 131

D Daniel’s World ∙ 108 Deconstrucción. Crónicas de Susy Shock ∙ 68 Disco Limbo ∙ 29 Don’t Go in the House ∙ 98

E El color de un invierno ∙ 30 El gato negro ∙ 99 El Gauchito Gil: La sangre inocente ∙ 132 El hombre anfibio ∙ 125 El puto inolvidable. Vida de Carlos Jáuregui ∙ 31 El vampiro negro ∙ 100 Ella ∙ 40 Empoderadxs ∙ 69 En busca de los músicos de Bremen ∙ 126 Escape to Life: The Erika and Klaus Mann Story ∙ 80 Espartaco ∙ 127 Esteros ∙ 32 Eu vou me piratear ∙ 40

J J’ai pas sommeil ∙ 101 Juan Belmonte y sus videos ∙ 72 Juguetes ∙ 133 Julio of Jackson Heights ∙ 48

K kokakolachickenwings ∙ 94

L La castidad ∙ 69 La noche ∙ 33 Las decisiones formales ∙ 34 Las lindas ∙ 35 Las pibas ∙ 139 Le dernier voyage de Madame Phung ∙ 49 Leaving Africa ∙ 50 Lightrapping ∙ 41 Los maricones ∙ 41 Los Parchís a Disneylandia ∙ 144 Lot in Sodom ∙ 150

M Me gustas tú ∙ 94 Mi querida señorita ∙ 118 Mi vida en rosa ∙ 110 Mujeres frente al espejo ∙ 121

Roller Boogie ∙ 146 Roller Rock USA ∙ 147 Roma Termini ∙ 59 Ronda nocturna ∙ 140

S Salomé ∙ 150 SEX & The Silver Gays ∙ 52 Somos? ∙ 134 Strike a Pose ∙ 60 superhomosexuals ∙ 95

T Take Me to Church ∙ 96 Tango queerido ∙ 53 Te prometo anarquía ∙ 54 Te quiero obsceno ∙ 43 The Ballad of Genesis and Lady Jaye ∙ 148 The Best of Inside Out Mixed Shorts Program ∙ 87 The Cult of JT Leroy ∙ 55 The Decision ∙ 92 The Fox ∙ 61 The Man Who Drove with Mandela ∙ 79 The Turkish Boat ∙ 91 Théo et Hugo dans le même bateau ∙ 62 This Is Gay Propaganda: LGBT Rights & The War in Ukraine ∙ 56 Tí@s ∙ 63 Tiny & Ruby: Hell Divin’ Women ∙ 81 Tiro de gracia ∙ 135 Tomboy ∙ 111 Transfobia ∙ 70 Transit Havana ∙ 57 Two Soft Things, Two Hard Things ∙ 86

O

U

Outrageous! ∙ 119

Un hombre llamado Flor de Otoño ∙ 120 Undercover Mistress ∙ 71

P paradise lost + david’s sling ∙ 95 Paris Was a Woman ∙ 78 Pastel de cereza ∙ 42 Putta ∙ 42

R Reina de corazones ∙ 58 REYNAS - El arte drag queen ∙ 70

V Vil romance ∙ 141

X Xavier ∙ 71

157

índice por país / index by country

Alemania / Germany

Canadá / Canada

Italia / Italy

El vampiro negro ∙ 100

Almost Adults ∙ 84 Closet Monster ∙ 85 The Best of Inside Out Mixed Shorts Program ∙ 87 The Fox ∙ 61 This Is Gay Propaganda: LGBT Rights & The War in Ukraine ∙ 56 Two Soft Things, Two Hard Things ∙ 86

Al di là dello specchio ∙ 117 Come una stella ∙ 68 Roma Termini ∙ 59 Undercover Mistress ∙ 71

Argentina A)Normal ∙ 151 Animal ∙ 66 aunque mis maneras de decir te amo ∙ 39 Camarín ∙ 67 Colmena ∙ 28 Como una novia sin sexo ∙ 107 Contragolpe ∙ 131 Deconstrucción. Crónicas de Susy Shock ∙ 68 Disco Limbo ∙ 29 El color de un invierno ∙ 30 El Gauchito Gil: La sangre inocente ∙ 132 El puto inolvidable. Vida de Carlos Jáuregui ∙ 31 Ella ∙ 40 Empoderadxs ∙ 69 Esteros ∙ 32 Interludio ∙ 109 Juguetes ∙ 133 Julio of Jackson Heights ∙ 48 La castidad ∙ 69 La noche ∙ 33 Las decisiones formales ∙ 34 Las lindas ∙ 35 Las pibas ∙ 139 Los maricones ∙ 41 Pastel de cereza ∙ 42 Reina de corazones ∙ 58 REYNAS - El arte drag queen ∙ 70 Somos? ∙ 134 superhomosexuals ∙ 95 Tango queerido ∙ 53 Te quiero obsceno ∙ 43 Transfobia ∙ 70 Vil romance ∙ 141 Tiro de gracia ∙ 135 Ronda nocturna ∙ 140

Bélgica / Belgium Andrew a Strong Courageous Warrior ∙ 39 Mi vida en rosa ∙ 110

Brasil / Brazil

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Eu vou me piratear ∙ 40 Lightrapping ∙ 41 Putta ∙ 42 Xavier ∙ 71

Ecuador Mujeres frente al espejo ∙ 121

España / Spain Alex y Eric para siempre ∙ 38 Juan Belmonte y sus videos ∙ 72 Los Parchís a Disneylandia ∙ 144 Mi querida señorita ∙ 118 Un hombre llamado Flor de Otoño ∙ 120

Estados Unidos / US Before Stonewall ∙ 76 Don't Go in the House ∙ 98 El gato negro ∙ 99 International Sweethearts of Rhythm ∙ 81 Lot in Sodom ∙ 150 Outrageous! ∙ 119 Roller Boogie ∙ 146 Roller Rock USA ∙ 147 Salomé ∙ 150 SEX & The Silver Gays ∙ 52 The Ballad of Genesis and Lady Jaye ∙ 148 The Cult of JT Leroy ∙ 55 Tiny & Ruby: Hell Divin' Women ∙ 81

México / Mexico Boys on the Rooftop ∙ 66 Club Amazonas ∙ 67 Te prometo anarquía ∙ 54

Países Bajos / Netherlands chUrchroad ∙ 47 I Am Gay and Muslim ∙ 90 Strike a Pose ∙ 60 The Decision ∙ 92 The Turkish Boat ∙ 91 Transit Havana ∙ 57

Reino Unido / UK A Bit of Scarlet ∙ 77 Escape to Life: The Erika and Klaus Mann Story ∙ 80 kokakolachickenwings ∙ 94 Me gustas tú ∙ 94 paradise lost + david’s sling ∙ 95 Paris Was a Woman ∙ 78 Take Me to Church ∙ 96 The Man Who Drove with Mandela ∙ 79

República Checa / Czech Republic Daniel’s World ∙ 108

Unión Soviética / Soviet

Finlandia / Finland

Union

Leaving Africa ∙ 50

El hombre anfibio ∙ 125 En busca de los músicos de Bremen ∙ 126 Espartaco ∙ 127

Francia / France A qui la faute ∙ 38 Les invisibles ∙ 51 Théo et Hugo dans le même bateau ∙ 62 Tomboy ∙ 111 J’ai pas sommeil ∙ 101

Venezuela Tí@s ∙ 63

Vietnam Le dernier voyage de Madame Phung ∙ 49

índice por director / index by director

A Abma, Daniel ∙ 57 Adef, Leo ∙ 38 Aguirre, Javier ∙ 144 Aller, Melisa ∙ 34 Arensburg, Laura ∙ 66

B Becher, Ricardo ∙ 132, 135 Belloni, Chris ∙ 90, 91 Bemberg, María Luisa ∙ 133 Benedicto, Nadia ∙ 109 Benner, Richard ∙ 119 Bergandi, Guillermo ∙ 58 Berliner, Alain ∙ 110 Bianco, Sofía ∙ 68 Biderman, Gonzalo ∙ 39 Bociurkiw, Marusya ∙ 56 Bohm, Daniel ∙ 95 Bonacci Lapalma, Sergio ∙ 70 Bryant, Charles ∙ 150

C Campusano, José Celestino ∙ 141 Castro, Edgardo ∙ 33 Chebotaryov, Vladimir ∙ 125 Christensen, Carlos Hugo ∙ 134 Ciancamerla, Giulio ∙ 71 Cozarinsky, Edgardo ∙ 140 Curotto, Papu ∙ 32

D De Alcântara, Lílian ∙ 42 De Armiñán, Jaime ∙ 118 Denis, Claire ∙ 101 Derbenyov, Vadim ∙ 127 Doria, Alejandro ∙ 131 Ducastel, Olivier ∙ 62 Dunn, Stephen ∙ 85

Grasso, Cecilia ∙ 117 Grigorovich, Yuri ∙ 127 Gurfinkel, Natasha ∙ 67

H Härmä, Iiris ∙ 50 Hernández Cordón, Julio ∙ 54 Hernández, Julián ∙ 66

J Jacoby, Roberto ∙ 69 Jaulin, Anne-Claire ∙ 38

K Kazansky, Gennadi ∙ 125 Kim, Dew ∙ 94, 95, 96 Krochmalny, Syd ∙ 69

L Landaveri, Fredo ∙ 29 Lang, Fritz ∙ 100 Larrinaga, Tomás ∙ 132 Lester, Mark L. ∙ 146 Levey, William A. ∙ 147 Liebenthal, Melisa ∙ 35 Lifshitz, Sébastien ∙ 51 Liparoto, A. ∙ 39 Lišková, Veronika ∙ 108 Livanov, Vasily ∙ 126 Losier, Marie ∙ 148 Lum, Charles ∙ 52

M Martineau, Jacques ∙ 62 Mastro, Ricky ∙ 71 Miranda Perez, Marcio ∙ 41 Murúa Losada, Gonzalo ∙ 43

E

N

Ellison, Joseph ∙ 98

Nazimova, Alla ∙ 150 Nguyen Thi, Tham ∙ 49

F Favaretto, Daniel ∙ 40 Femimantis ∙ 69 Fiesco, Roberto ∙ 67 Furió, Liliana ∙ 53

G Gorosito, Gonzalo ∙ 70 Gould, Ester ∙ 60

O Olea, Pedro ∙ 120

Q Quintanilha, Dudu ∙ 40

R Rosenberg, Robert ∙ 76 Rotella, Sarah ∙ 84 Rydell, Mark ∙ 61

S Sanouji, Wahid ∙ 92 Santa Ana, Lucas ∙ 31, 107 Schiller, Greta ∙ 76, 78, 79, 81 Sciamma, Céline ∙ 111 Shpuntoff, Richard ∙ 48 Sibley Watson, James ∙ 150 Speck, Wieland ∙ 80 Staffolani, Majo ∙ 28 Sturm, Marjorie ∙ 55

T Toledo, Mariano ∙ 29 Tortosa, Daniel ∙ 41

U Ulmer, Edgar G. ∙ 99

V Valdemoros, Lucía ∙ 40 Valenzuela Gioia, Cecilia ∙ 30 Vega Reyes, Jorge ∙ 121 Verow, Todd ∙ 52 Vogel, Robin ∙ 47

W Webber, Melville ∙ 150 Weiss, Andrea ∙ 77, 80, 81 Woods, Mark Kenneth ∙ 86

X Xiang, Zairong ∙ 94

Y Yerxa, Michael ∙ 86

P Pampaloni, Bartolomeo ∙ 59, 68 Perrone, Raúl ∙ 139 Petrizzelli, John ∙ 63 Praznik, Jessica ∙ 42

Z Zubillaga, Luciano ∙ 94, 95, 96 Zwaan, Reijer ∙ 60

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